這集Podcast我們來跟大家聊聊美國洛杉磯樂團Failure今年在串流平台上映的紀錄片《Every Time You Lose Your Mind》以及他們的音樂。
想知道Failure在九零年代為什麼差點出了一張能過超越Nirvana -《Nevermind》卻只被樂評網站All Music Guide評分2.5顆星嗎？如此被低估的樂團是怎麼絕處逢生，從被唱片公司拋棄到十幾年後團員重逢復出演出，又在串流時代重新被世人發現的呢？趕快來聽聽這集的Podcast吧！
我們也製作了Failure的推薦歌單。
註：因為Failure的後三張專輯不在Spotify上，Spotify的歌單只含前三張專輯的歌。
DOPM這次來聊英國音樂人Dean Blunt和他的Black Metal專輯系列，分別於2014及2021年發行的兩張專輯挑戰大家對樂風的既定印象，白馬非馬，黑金音樂更不是黑金音樂。宛如八零年代post-punk、dream pop的吉他撥弦，配上他漫不經心的歌聲和饒舌樂般的歌詞令人耳目一新。
有別於Epic45 過往環境音樂、實驗電子、後搖滾的音樂風格，《You'll Only See Us When The Light Has Gone》曲曲都有主腦Ben Holton的歌聲，唱著英國中部延綿不絕的蒼涼景色與腐鏽的廢棄建築，不同於先前他們使用鼓機來製造節拍，這次找來鼓手Mike Rowley用真實的鼓擊來替他們的音樂製造出較有生命力的現場感。
〈New Town Faded〉利用吉他的延遲效果器產生明亮溫潤的氛圍，並與電子碎拍交織出遼闊的音場與節奏。〈Passing〉的憂鬱合成器聲響讓人想起Talk Talk在《It’s My Life》時期哀愁的synth-pop歌曲，而〈The Crush〉的原音木吉他撥奏與小鼓擊打給人一種初春綠芽初開的感覺，以及雨後落在葉片上的晶透水珠反射著光澤。最後的〈Finality〉回歸他們所擅長的電子後搖滾曲式，從節奏鋪陳到展開左右聲道的音場再銜接到破音的炸響，末段emo式的唱腔與正常唱腔交疊在一起更是他們令人驚艷的新嘗試。《You'll Only See Us When The Light Has Gone》展現出他們在出了無數專輯後仍能做出新突破的勇氣，也證明了他們譜寫人聲曲式的能力。
(by G)
每次Vince Staples推出新專輯都會關注，他近幾張專輯不慍不火的唸唱方式深得我心，而且說故事的能力一流。《Dark Times》如標題所示主題黑暗，但如同他的Netflix影集一樣，充滿黑色幽默和輕鬆的氣氛，之後靜下心來思考時才發現事有蹊蹺。
Staples在推出上一張專輯時提到他對於出身貧寒的經歷已經寫得夠多了，《Dark Times》聚焦在他成名後的空虛寂寞、憂鬱症和冒牌者症候群。專輯開頭的 To live is to be, like the n**a in the tree 就引發了許多討論，究竟是正面積極或是毀滅的意象呢？
〈Black&Blue〉展現Staples懶散抑鬱的唸唱和靈魂樂般的節奏，他對於憂鬱症和系統性貧困的描寫十分深刻。〈Government Cheese〉的鋼琴和West Coast搖擺風格給人一種輕鬆的假象，歌詞描寫在紛亂的世道中依然要強顏歡笑，需要在他人面前偽裝自己的主題可說是貫串《Dark Times》整張專輯，不但在〈Liars〉中收錄作家Nikki Giovanni與James Baldwin間的對話，講述非裔男性社交與私下行為模式的不同，在他的Netflix影集中也有類似的橋段。
由Lo-fi拼貼和怪異吉他組成的〈Children's Song〉、自嘲創作今非昔比的〈Étouffée〉、配樂宛如IDM電子樂的〈Little Homies〉都是優秀的歌曲，不過結尾的〈Why Won’t the Sun Come Out?〉又給人情感上重重一擊，取自Santigold與Vince Staples合作時的對話，談到創作理應帶來自由，但歌迷的崇拜無法取代真實的人與人相互交流。Vince Staples將他的自身經歷和存在焦慮透過《Dark Times》切實傳達出來，即使我的日常生活與他極為不同，還是為之動容。
(by D)
《Born Horses》絕對是今年最被低估的專輯之一，受到電影銀翼殺手與其Vangelis的電影配樂影響，Mercury Rev打造出了一張兼具復古與未來感的絕美旋律與詩篇，Jonathan Donahue多數以唸唱的方式在歌曲中念著詩句，運用合成器、小號、薩克斯風、小提琴來編奏出爵士味濃厚又迷幻的歌曲，讓聽者如同置身一處霧氣凝重的夢境，讓人分不清楚是過去還是未來。
主唱Jonathan Donahue覺得他歌唱時如同一隻鳥在低鳴著，在單曲〈A Bird Of No Address〉中他改為一般的歌唱方式，唱著他在失去一段關係後成了一隻沒有居處的鳥兒，壯闊的合成器與大鼓讓歌曲給人神聖的莊嚴感，唱著旋律的他如同在孤獨與後悔的雲層中翱翔，無法墜落。而末曲〈There's Always Been A Bird In Me〉唱的則是他藏在肋骨中的鳥兒，牠日以繼夜的唱著這世界的不公，沒有人會聽到，只有在不被看見的時候才會飛翔，只有在受傷的時候才會降落，這首有別於其他曲目的哀愁synth-pop歌曲意外的成為了《Born Horses》最完美的結尾。
(by G)
討論《To All Trains》時很難不聯想到吉他手兼主唱Steve Albini過世的消息，但Albini本人必定不希望他個人的事情影響大家對這張專輯的觀點，畢竟Shellac連專輯發行前給媒體試聽都不願意，希望所有人都在同一起跑點聽到專輯。
《To All Trains》做為開始聽Shellac的起點倒是很適合，專輯只長28分鐘，不過濃縮了樂團的特色：Albini刻薄、愛開玩笑、一本正經的歌聲和跳動的吉他、貝斯手Bob Weston相對樸實的歌聲和金屬感的貝斯聲響、以及Todd Trainer時而即興發揮的鼓擊，歌曲簡短容易消化。
Steve Albini在〈WSOD〉扭曲的吉他為專輯立下整體的調性，即不妥協、回歸原始的吉他、貝斯、鼓三件搖滾樂基本元素。〈Girl From Outside〉類似Grunge音樂的吉他回響搭配Steve Albini和Bob Weston半唸半嘶吼的口白，讓我想起Sebadoh的Jason Lowenstein會寫的歌。〈Chick New Wave〉既幽默又琅琅上口，I'm through with music from dudes / What you do isn't brave / All I care about / Is chick new wave，Albini過世前還在錄音室工作，不知道他是不是也希望能多錄一點女力新浪潮的專輯？
〈Wednesday〉慢速的吉他Drone跨足到了Swans的領域，歌詞描寫美國男性發現自己被灌輸的價值觀是謊言，迎來悲劇的結尾，非常發人深省。〈How I Wrote How I Wrote Elastic Man (cock & bull)〉是由Bob Weston主唱的歌曲，旋律也比較優美，歌名致敬The Fall的歌曲〈How I Wrote Elastic Man〉。
專輯結尾充分展現了Albini的個性。氣氛歡快的〈Scabby the Rat〉獻給已逝的芝加哥音樂人Rob Warmonwski，他不但活躍於音樂界，也參與許多工會運動。Albini在〈I Don't Fear Hell〉中似乎預知自己的命運，但能夠如此豁達面對死亡，且不受形而上的力量吸引，實在是獨樹一格。雖然樂團並未預料會是告別作，但《To All Trains》捕捉到Shellac樂團的神采和Albini的錄音技術，為他們的生涯做了完美摘要。
(by D)
在2024年The Smile就一口氣出了兩張專輯，但相較於《Wall of Eyes》旋律性缺乏的調性《Cutouts》顯得有趣許多，專輯主題由冷戰時期的間諜情報活動為發想延伸對現代社群媒體對於社會實質影響力的質疑。〈Instant Psalm〉單純的使用了木吉他與弦樂來製造旋律，Thom Yorke藉著旋律唱出失落卻優美的情緒。而Jonny Greenwood在〈Zero Sum〉使用了指彈的電吉他彈奏手法加上延遲效果器讓單音快速反覆的奏響聽來如同midi的聲響如電流快速的流竄，這手法成為了今年最創新的編曲方式，Thom Yorke唱著過於自信的科技產業以及科技發展對環境製造的影響，當然他也不是第一次質疑這樣當代社會的發展模式，畢竟這是他創作上不變的母題。
〈Eyes & Mouth〉是樂隊三人另一首精湛的演奏，Jonny Greenwood快速的盤繞的琴音，Thom Yorke的爵士鋼琴彈奏，Tom Skinner平穩搖擺的節拍連袂打造出一首爵士與藍調風格揉合的曲子。以貝斯低音與反覆平穩的節拍為導向的〈No Words〉搭上類比效果感的合成器琴音呈現出一種Krautrock的調性，讓歌曲聽來相當具有未來感。對與喜歡節奏感強烈與創新電吉他曲調的樂迷來說，《Cutouts》就像是一張輕量版本的《Ok Computer》，成為2024的必聽專輯之一。
(by G)
十一月初的時候在Zepp看了日本後搖樂團Mono的現場演出，2024年對於Mono來說有特殊意義，不但樂團成立25週年，與他們長期合作的製作人Steve Albini突然離世，使得《Oath》專輯發行和現場演出某種程度上成為向Albini致敬的作品。現場的開場三部曲〈Us, Then〉、〈Oath〉和〈Then, Us〉一氣呵成，把對Steve的思念鎔鑄在壯麗的弦樂編制和厚實的音牆中。重複聆聽錄音室作品，可以感受到Mono對電子音樂、弦樂編排和吉他的進一步探索。
〈Run On〉則像是大家過去喜愛Mono歌曲的再進化版，從簡單的吉他演奏，鼓的加入，其他樂器和聲響逐漸堆疊上來，雖然是後搖滾的基本起手式，但Mono一直企圖把這項技藝做到更完美。〈Reflection〉相較之下寧靜優美，鼓聲非常細膩幽微，勾起許多遙遠的回憶。
《Oath》的主題圍繞在信念與承諾，像〈Hear the Wind Sing〉與〈We All Shine On〉等曲子都很振奮人心，在Albini去世的背景下，這些歌曲顯得悲喜交集，象徵著樂團生涯某個階段進入尾聲。不過主腦Takaakira "Taka" Goto受訪時表示樂團在《Oath》希望擁抱「活著」這件事，感受萬物的律動、時間的流逝都是至高的幸福，祝福他們迎向音樂生涯的新篇章。
(by D)
《Wyrd Psearch》已經是英國後龐克樂團The Pheromoans的第十三張專輯，對他們先前的作品並不熟悉，但《Wyrd Psearch》捕捉到八零年代樂團像The Fall、The Wake等樂團的丰采，傳達出一種憂鬱厭世的情緒。
單曲〈Downtown〉短小精悍，吉他刷奏的力道恰到好處，讓這首歌有一定趣味性同時又帶著焦慮。〈Father Austin〉宛如The Wake的合成器和吉他喚起懷舊的情緒，〈The Inland Road〉則有點像早期的R.E.M.，連主唱Russell Walker的歌聲也同樣模糊不清。
〈Twibbon Wife〉開頭的貝斯有點像Joy Division，接著motorik的節拍出現，在這個專輯最有活力的時刻，Russell Walker的聲音卻十分慵懶，製造出微妙的衝突感。〈Faith In The Future〉開頭的吉他充滿八零年代風情，接近尾聲時貝斯似乎是即興演奏，顯得猶疑不定，表現出樂團對於未來的不確定。
專輯後半段的歌曲長度開始增加，音樂更具挑戰性。長五分半鐘的〈It’s A Little Bit Different〉充滿扭曲的吉他，配上怪異的口白取樣。〈General Mojo〉的節拍古怪，雖然合成器很搶耳，但樂團似乎又不想讓歌曲太琅琅上口，一直用不和諧的口白或器樂片段打亂一切。〈Cropped To Death〉繚繞的吉他效果使人想起The Jesus and Mary Chain，比本尊2024年發的專輯更像他們自己。結尾曲〈Pop-up Companion〉錦上添花，以Johnny Marr般的明亮吉他結束整張專輯。《Wyrd Psearch》就算不是石破天驚之作，絕對能滿足八零年代獨立音樂歌迷的胃口。
(by D)
要製作出中板節奏、討喜的電子專輯並不容易，但Four Tet的Kieran Hebdan看似信手捻來毫不費力。《Three》出現在Four Tet生涯的任何時機點都不顯突兀，同時能感受到Kieran Hebdan的用心。
〈Loved〉是我今年聽到最印象深刻的開場曲之一，充滿層次感、製作精良又有美好旋律。在幾首不慍不火的IDM曲子後，〈Daydream Repeat〉開頭的迷幻音樂片段和鼓擊取樣稍微炒熱氣氛，讓人想像在音樂祭聽到現場演出，與其他觀眾一起起舞的情景。〈Skater〉以吉他演奏為主體，喜歡搖滾樂的聽眾不由得受到吸引。
〈31 Bloom〉回到純舞曲的範疇，類似類比合成器的聲音有點像早期的Depeche Mode。結尾曲〈Three Drums〉歌如其名包含三套鼓的取樣，整首歌聽起來卻非常和諧，與電氣的旋律交織成一幅美麗的畫面，啟發新的想法與靈感。
整體而言《Three》這張專輯的聲響編排聽起來充滿生命力但不搶戲，適合作為工作或讀書時的良伴。
(by D)
《らんど》搶耳的放克貝斯線與吉他線互擊出強烈生猛的聲響比以往出色不少。單曲〈永遠少女〉在《らんど》中算是一個相當特別的存在，相較於其他歌曲圍繞在東京地域的主題，〈永遠少女〉則是串起日本二戰結束後至現今世界其他各處仍持續進行的戰爭狀態，向井秀德用「永遠」來對照出「死亡」，當時因為戰爭傷亡的少女，年齡就這樣永遠停留在15歲，而現今活著的少女跟過去失去生命的少女沒有任何差別，他們同樣都應該有活著的權利。向井秀德唱著：
「你在想，這個世界是沒有希望的。
你已經放棄了，所有大人都說著謊言。
你錯了，人性本該就是如此。」
他用黑暗的語彙跟對這世界感到失望的年輕人說，我們必須認清事實持續的跟人性對抗，持續的透過自身去尋找答案。
首曲〈DANBIRA〉向井秀德藉由反覆刷奏他的Fender Telecaster，用放克的節奏讓人如同搖擺的行走在東京街頭上，試圖嘗試解放那股在新宿街頭被壓抑的躁動感，他又唱著那句「諸行無常，死灰復燃的性衝動。」將東京變幻多端的生命力轉換成高低的音譜，黃昏下東京的每一個角落都成為他一首首歌曲中的種種景象。城市生活的孤寂幻化為〈バラクーダ〉跟〈八方美人〉，被愛的渴望反覆從字字句句中流瀉出來，貝斯手MIYA彈奏著如同機關槍的貝斯線交織在高頻響亮的吉他單音中，〈チャイコフスキーでよろしく〉或許是專輯中旋律性最好的歌曲，鼓手松下敦快板連環的鼓擊節奏加上貝斯、節奏吉他、主奏吉他交疊出的聲景可以說是完美搭配的演出，彷彿將團員間的演奏默契的發揮推到無人能及的極致。
正如同專輯名稱《"No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"》所描述的，因為累計至2024/2/13以色列對加薩走廊的攻擊死了28,340無辜的人，其中包括女人跟小孩，由於這個因素這張專輯沒有標題，GY!BE以這樣的方式來控訴這樣屠殺式的攻擊行為，雖然他們不是第一次控訴戰爭，但將死傷直接寫在標題上表示憤怒倒是頭一次。〈Babys in a Thundercloud〉延綿不絕的破音與悠揚的提琴聲譜奏出悲愴的旋律，描繪出彈雨般的轟炸與戰火間歇的片刻，末段的壯闊的吉他噪音炸響與急促的提琴聲成為整張專輯最精彩的段落。
〈Raindrops Cast in Lead〉中由女聲所唸出的西班牙詩篇描繪了炸彈轟炸當下的殘酷場景，炸彈從豔陽的藍天落下，無差別的滅絕以及掩埋，不斷加速的節拍與不斷疊加上的噪音越漸大聲如同一台呼嘯而過的戰機。戰爭後的末日毀滅場景由〈Pale Spectator Takes Photographs〉中的聲響被完整的描繪出來，如同一首末日電影的配樂將那股危及的氛圍以大鼓、噪音殘響及小提琴所營造。
或許光聽這張專輯的內容或許還不足以體會到GY!BE樂音的震撼，當聆聽到專輯曲目的現場版本後才真正將他們的樂音從錄製的版本中解放出來。我們以為我們不會在人間看到地獄之火，沒想到真實的戰場就猶如煉獄般，而GY!BE則將人間的地獄之火完整透過耳朵傳入到我們的大腦。
(by G)
DIIV的第四張專輯《Frog in Boiling Water》對於瞪鞋控來說可說是囊括了所有該有的元素：結合了My Bloody Valentine的實驗性、Swervedriver的噪音、Slowdive的夢幻音牆和indie twee的甜美氣息。不過他們這次也做了大膽的嘗試，以瞪鞋音樂探討政治議題。專輯名稱便揭示了人類正逐漸走向毀滅，開場曲〈In Amber〉對照目前的洛杉磯野火令人心有戚戚焉。
〈Raining On Your Pillow〉描寫美國的帝國主義，歌詞以一個軍人的角度思考自己為何而戰，背景的吉他loop和隱約的類比合成器營造出詭譎的氛圍，結尾卻又有朦朧的希望。
團員對於〈Everyone Out〉各自有不同的解讀，可以視為放棄理想、逃離一切，或是人類固有的想要冒險的慾望，但無論如何這首歌都批判了目前人類社會過度發展、追求進步的意識形態，歌曲悅耳的旋律和令人不安的聲響譜出既舒適又不安的聆聽感受。
雖然DIIV在受訪時透露樂團在製作《Frog in Boiling Water》期間差點解散，但整張專輯中板的節奏、從頭到尾一氣呵成的風格顯示出團員成功化解了彼此的歧異，完成一張完整的作品。他們的政治評論十分精準，某種程度上又消融在模糊的人聲和吉他效果中，這也描繪出現代人的命運，即便苦於資本主義帶來的種種沉痾，卻只能發出破碎的批評，並天真地想象能有轉圜餘地。
(by D)
英國女創作人Nilüfer Yanya在上張專輯《Painless》就展露出了驚人的寫歌與歌唱能力，與製作人Will Archer連手打造了以電子節拍、原音木吉他與Grunge音色的吉他Riff為主軸的歌曲，而這次《My Method Actor》延續了同樣的編曲基調，並且讓旋律的編排上聽來更加細膩，歌曲製作上，在她的女中音與器樂聲響之間有很好的平衡，從單曲〈Method Actor〉就能聽出製作的細膩度，琴鍵與貝斯低音的鋪陳都留給了她的嗓音延展的空間，再到Grunge味的電吉他破音刷奏也絲毫不會壓過她的歌聲。
專輯主題圍繞在「方法演技」中，一個透過自己過往親身經歷來詮釋角色的技法，Nilüfer Yanya在表演歌曲時也常會需要重新找回創作當初的回憶來重現在演出上，這讓她在舞台上自己扮演著自己，整張專輯可以說是她飾演自己的過程，如果一首心碎的歌曲是她的親身經歷，她每演奏一次都要重返那個心碎的過程，畢竟她扮演著她自己。
〈Ready for Sun (touch)〉是我覺得專輯中最優美的曲調，沒有過於花俏的編曲，只有她淺淺唱著悠長的旋律，唱著從破碎的關係的陰影中重新走到陽光下，渴望再被碰觸、再度感受事物、情感。整體來說《My Method Actor》有股哀傷卻又帶著堅強，猶如一種由冬季轉向春季的過程，憑藉著她不流俗的歌唱方式與細膩的編曲，這張專輯讓我認為Nilüfer Yanya是當今最優秀獨立女創作人之一。
(by G)
雖然主腦Guy Garvey是鎂光燈焦點和Elbow的靈魂人物，造就《Audio Vertigo》的重大功臣可說是鼓手Alex Reeves和貝斯手Peter Turner。在前鼓手Richard Jupp離團後加入的Alex Reeves終於成為Elbow的正式團員，首次參與創作，他在開場曲〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉的細膩鼓聲的細膩鼓聲達成精彩的開局，另外在單曲〈Balu〉充滿異國風情的敲擊使這首歌立刻捉住聽眾的注意力。貝斯手Peter Turner在上一張專輯的〈Six Words〉等歌曲就已經扮演關鍵的角色，而他在〈Lover’s Leap〉、〈Balu〉、〈From the River〉中搶耳的貝斯都為歌曲增添了神秘氣息。《Audio Vertigo》節奏組的強化有時候讓我感覺像在聽Doves的專輯，表現出曼徹斯特樂團善於結合奮進的節拍、廣袤的音場和私人感情的特色。
Elbow音樂中的豐富元素和發人深省的詞句還是他們的音樂最大的魅力所在。〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉在放克和華麗搖滾元素中，Guy Garvey敘述他回憶年少輕狂時的歲月，「當然我要活到96歲，重建福利國家」或許仍然是他的夢想？
專輯首曲〈風と記憶〉使用了原音吉他的撥奏與透亮音色的分解和弦，給人相當輕盈明亮的感覺，各個器樂緊密的交織的在一起，他們用此曲定義了整張專輯聲音元素的組成，接著〈LONELINESS WILL SHINE〉反而是讓所有聲響在空間中被展開，鼓手柏倉隆史精密的鼓點伴隨著停頓的收與放與山嵜廣和距離感的歌聲交錯著，原音吉他的刷奏成為了要角之一，再由美濃隆章反覆的電吉他Riff聲響串起整首歌的主線條讓其他的聲音可以自由的疊加上去，山嵜廣和唱出的憂愁旋律讓人猶如感受與世隔絕的孤立感，彷彿不管他的歌聲有多大聲都沒有人能夠聽見。
以西班牙與作為歌名的〈TODO Y NADA〉將佛朗明哥吉他的彈奏手法帶入曲中，以手指快速撥奏著尼龍吉他弦來做為歌曲的樂句，我很喜歡貝斯手山根敏史在此曲中的表現，他間歇性的低音彈奏讓歌曲有一種舞動感，也讓人完全猜不到低音會在什麼時候出現。toe相當擅長將各種音樂元素的片段以一種輕巧的姿態將它們放入到自己的音樂中，但又讓人聽不出是某種特定風格。與女歌手兒玉奈央合作的〈WHO KNOWS ?〉應該是專輯中最溫馨又單純的歌曲，沒有什麼演奏炫技，只是好好在鼓機的節奏上將旋律慢慢鋪陳出來。
不管Friko這支來自美國芝加哥的獨立搖滾樂隊說他們受到什麼樂隊影響，他們的音樂總是讓我想起早期的Wolf Parade，連主唱Niko Kapetan的表演方式也跟Wolf Parade的主唱Spencer Krug如出一轍，聽了〈Crimson to Chrome〉後你大概會知道我講的是什麼，忽慢忽促的激昂嗓音與刷疊出的爽快破音吉他讓人回到兩千年初期獨立搖滾百花齊放的全盛時期，到了〈Crashing Through〉用了九零另類搖滾所擅長的在靜與吵之間輪換的編曲手法再加上可讓人大合唱的副歌橋段，成為宣洩情感的完美單曲，正當你以為他們已經宣洩完所有能量時才發現〈Chemical〉其實才是他們在整張專輯裡最激進的曲子，瘋狂爆裂的破音吉他與反饋不斷一層一層的堆疊上去實在是給人相當痛快的一擊。
他們在中慢板的歌曲上也有不俗的表現，如〈Statues〉以及以鋼琴為主奏的〈Until I'm With You Again〉，證明了他們除去器樂聲效外所能展現出的扎實寫歌功力，如同那些讓你想大聲唱出的Wolf Parade歌曲一般，他們的〈Get Numb To It!〉可以說是另一首讓人可以大合唱的金曲，唱出當代年輕人對生活揮之不去的麻木感，歌曲錄製出強烈的現場感如同置身他們的演出一般讓人體驗他們樂音所帶來的能量。《Where We've Been, Where We Go From Here》作為他們的首張專輯，有著當代新樂隊少有的超水準表現，無論是曲風的駕馭程度與高張力的演奏能量都讓人驚艷，這張作品無疑是2024最佳的獨立搖滾專輯。
(by G)
作為一張討論生死的專輯，《How Will I Live Without a Body?》是個發人深省的標題，令人意想不到的是，它竟然是AI的產物。老牌音樂人Laurie Anderson邀請Loma試用以她的作品訓練的AI模型，於是Jonathan Meiburg提供了幾張相片給AI，產生兩首詩的部分詩句被使用在〈How It Starts〉和〈Affinity〉這兩首歌中，其中 "How Will I Live Without a Body?" 特別能捕捉到Loma團員彼此漸行漸遠的狀態，而成為專輯的標題。疫情過後，在Emily Cross的提議下，團員們在英國重聚，在她工作的臨終陪伴所克難地錄製了整張專輯，經過Dan Duszynski的製作下聲響清晰，不但納入自然界的聲音取樣，也充滿了如同在室內空間錄製的親近感。
〈Please Come In〉低微的開頭、〈Arrhythmia〉略帶焦躁的節奏以及〈Unbraiding〉和〈I Swallowed a Stone〉緩慢的曲調各以不同方式揭示悲傷的面貌。
相較起他們第一、二張post-dubstep的曲風，《Love What Survives》這樣冷調帶有後龐克性格的曲調才真正讓他們從英國電音圈中突圍，也聽得出他們走出臥室走向更精細的製作方式，在音色的調配上也更加的細緻，讓整體聽感更加滑順，比起冷調，這次《The Sunset Violent》則是完全相反以暖調的方式來呈現整體的音感，即便Kai在當中使用了大量的電吉他噪音、音牆，你可以明顯感受到那種如暖陽般的鵝黃色色調從音色映現出來，聽另一首合Krule合作的〈Boxing〉就能感受到那種被合成器與音牆包覆的暖度（他們到底是多愛Krule），或許是他們是在加州絲蘭谷沙漠製作這張專輯的緣故，你總能感受到那股熱度，但總有些時刻又變得異常的冷調，就像沙漠氣候的溫差般。
也是鍵盤手Andrea Balency-Béarn跟鼓手Marc Pell的加入讓這張專輯相較過往更有樂隊感，Andrea的合唱與合音也成了專輯中不可或缺的要角，聽Dominic跟她在〈Shipwreck〉合唱心碎的情歌才意識到Mount Kimbie真的成為了一組樂隊，成為了一組遺落在荒漠中還不為人知的獨立搖滾樂團，但也沒有因為吉他導向的緣故而埋葬他們編曲電子節奏的能力，就像他們在〈A Figure In The Surf〉用輪迴的電子鼓點與穩沉的貝斯低音加上彈跳般的合成器聲響製作出了一首精細的電氣流行樂曲，當中電吉他音色在破音與回響效果之間的調配也是相當優異，曲子後段轉為透亮音色的吉他獨奏更是全曲最精采的部分。
《Iechyd Da》或許是英國搖滾樂隊The Coral的前吉他手Bill Ryder-Jones生涯以來的最佳作品，即便他先前已經出過不少張個人專輯，《Iechyd Da》可以說是他積累出來的精華之作，譜寫出曲曲皆動人的旋律，相較過往作品較為憂鬱氛圍的情緒，這張作品的情緒起伏更為顯著，整體聽起來更加暖調，相當適合在冬季聆聽，除了他使用原音吉他與鋼琴為基底外還另外加入弦樂讓歌曲旋律更加優雅。
整張專輯傳達出他在疫情期間所感受的孤立感與情人分離後的苦痛與童年時期目睹哥哥跌落懸崖喪失至親延續至今的傷痛，單曲〈This Can’t Go On〉寫下了與情人爭執後當下的低落情緒，從聽了整夜Echo & the Bunnymen的〈The Killing Moon〉來渡過低潮，再到他如何重新振作起來，又如何渴望與正常人一樣過著正常又辛福的生活，弦樂、合聲以及木吉他的刷奏，高亢的唱腔宛如Mercury Rev與Bill Callahan合作出的歌曲。《Iechyd Da》每首都以單曲為目標的製作與錄製方式是使它從2024眾多專輯脫穎而出的原因，Bill Ryder-Jones把人生的失落與美好都濃縮進了整張《Iechyd Da》中。
(by G)
一開始聽到Fontaines D.C.釋出《Romance》中的兩首歌曲〈Favourite〉以及〈Starburster〉時頓時不知道這兩首歌要怎麼樣並存在同一張專輯當中，一首樂觀明朗另一首黑暗又憤怒，外加上樂隊霓虹風格的著裝令人對《Romance》的音樂調性完全摸不著頭緒，當專輯一發行後才對專輯中音樂風格的多樣性驚嘆不已，他們不只嘗試風格上的改變，而是透過各種八零、九零年代的經典音樂風格來建構出自己的音樂宇宙，對我來說那不只是一種致敬與懷舊情懷反倒是他們讓模糊未來與過去的方式，如同反烏托邦電影《銀翼殺手》或是日本動畫《阿基拉》中同是描繪未來又因科技的高度發展而產生高度落差的毀滅光景。
這次找來James Ford來擔任製作人，相較之前製作人Dan Carey讓器樂與人聲較為原始與平衡的音像輸出，James Ford讓Grian Chatten的聲音更為靠前，並且採用更多合成器與弦樂的堆疊來製作出電影配樂般的音像。這也是Grian第一次對他自己的歌聲感到滿意，畢竟這次他真的把他自己的聲音從心底給唱出來了。
在2024的十一月前我還不認為自己是The Cure的死忠粉絲，不過《Songs of a Lost World》改變了一切。記得〈Alone〉的MV公佈時，看著MV畫面裡轉動的雕像、莊嚴的電子琴與貝斯的結合，讓我立刻認出是The Cure的歌曲。等到專輯終於問世的十一月一日，隨即迎來兩場BBC的現場和倫敦Troxy的專輯首發演出，使我陷入了The Cure的世界至今無法自拔。
即便是生涯後期的作品，《Songs of a Lost World》依然挑戰現況，從〈Alone〉開始就引介了超乎常理的前奏長度，主腦Robert Smith受到Ernest Dowson的詩句啟發，討論生命的短暫易逝，人們無法擺脫孤獨的命運。〈And Nothing Is Forever〉與〈I Can Never Say Goodbye〉都描寫身邊重要的人過世的情景，音樂肅穆但動聽。〈A Fragile Thing〉或許是The Cure自《Wish》專輯以來最優秀的單曲，沉穩的貝斯和悅耳的吉他旋律帶出一段伴侶的對話，討論愛可能瞬間消亡。
〈Warsong〉與〈Drone:Nodrone〉是The Cure從未在專輯發行前表演過的歌曲，算是「真正」的新歌，雖然個人不太喜歡有點混濁刺耳的混音，但這些歌曲展現樂團目前的新方向，在大多數曲目都極度悲傷的專輯中也帶來一些必要的變化。
〈All I Ever Am〉探討自我與超我之間的拉鋸，以及個人記憶的不可靠性，在綿長的演奏和突如其來的節奏變化間，我們和樂團一同思考自我認知的普世問題。〈Endsong〉的前奏長到讓人幾乎以為是純演奏曲，各件樂器如乘載哀愁的海浪一波波襲來，歌詞即使悲嘆一切事物隨著死亡都將消逝，但相信The Cure的音樂必定能穿越時空藩籬永留聽眾心中。
如果搖滾樂習於歌頌青春，《Songs of a Lost World》帶來成熟年紀的觀點也令人折服，隨著年齡漸長，樂團所觸及的主題對於自己而言也會越來越切身體會。
(by Ｄ)
The Cure - Songs of a Lost World
Fontaines D.C. - Romance
Bill Ryder-Jones - Iechyd Da
Mount Kimbie - The Sunset Violent
Loma - How Will I Live Without a Body?
Friko - Where We've Been, Where We Go From Here
toe - Now I See the Light
Elbow - Audio Vertigo
Nilüfer Yanya - My Method Actor
DIIV - Frog in Boiling Water
Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"
Zazen Boys - らんど
Four Tet - Three
The Pheromoans - Wyrd Psearch
MONO - Oath
The Smile - Cutouts
Shellac - To All Trains
Mercury Rev - Born Horses
Vince Staples - Dark Times
Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone
G:
Fontaines D.C. - Romance
The Cure - Songs of a Lost World
Bill Ryder-Jones - Iechyd Da
Nilüfer Yanya - My Method Actor
Friko - Where We've Been, Where We Go From Here
Zazen Boys - らんど
Loma - How Will I Live Without a Body?
Elbow - Audio Vertigo
DIIV - Frog in Boiling Water
Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"
toe - Now I See the Light
Mount Kimbie - The Sunset Violent
Mercury Rev - Born Horses
The Pheromoans - Wyrd Psearch
Kamasi Washington - Fearless Movement
The Smile - Cutouts
Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone
Shellac - To All Trains
MONO - Oath
Vince Staples - Dark Times
D:
The Cure - Songs of a Lost World
Loma - How Could I Live Without a Body
Bill Ryder-Jones - Iechyd Da
Fontaines D. C. - Romance
Elbow - Audio Vertigo
Friko - Where We've Been, Where We Go From Here
Mount Kimbie - The Sunset Violet
Mono - Oath
DIIV - Frog in Boiling Water
Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"
toe - NOW I SEE THE LIGHT
The Pheromoans - Wyrd Psearch
Shellac - To All Trains
Four Tet - Three
The Smile - Cutouts
Vince Staples - Dark Times
Zazen Boys - らんど
Nilüfer Yanya - My Method Actor
Mercury Rev - Born Horses
The Decemberists - As It Ever Was, So It Will Be Again
F:
BADBADNOTGOOD - Mid Spiral
Beth Gibbons - Lives Outgrown
Cassandra Jenkins – My Light, My Destroyer
Elbow - AUDIO VERTIGO
Ezra Collective - Dance, No One's Watching
Floating Points - Cascade
Fout Tet - Three
Jamie xx – In Waves
Jessica Pratt – Here in the Pitch
Kelly Lee Owens - Dreamstate
Kendrick Lamar - GNX
Laura Marling – Patterns in Repeat
Mount Kimbie - The Sunset Violent
Nick Cave and the Bad Seeds – Wild God
Nilüfer Yanya – My Method Actor
Shabaka - Perceive its Beauty, Acknowledge its Grace
Soela - Dark Portrait
The Cure – Songs of a Lost World
toe - NOWＩSEE THE LIGHT
Uyama Hiroto - Breath of Love
原本以為名古屋跟東京比起來應該不會有太多的二手唱片行，想說既然時間有限可以就此略過，但仔細研究一下才發現，不對，從榮到大須一帶居然有為數不少的唱片行，特此安排幾個小時來速刷一下幾間唱片行，所以這次挑了六間唱片行要來挑戰在四個小時內逛完，因為個人主攻八零年代二手的獨立搖滾唱片，所以應該是可以順利達成完成挑戰。
日本〒460-0008 Aichi, Nagoya, Naka Ward, Sakae, 4 Chome−2−7, Sakae East Bld., 2F
主要安排的速刷路線會從榮為起點一直逛到大須商店街一帶的唱片行，第一間可以從disk union名古屋店開始，離榮地鐵站不遠的disk union可以說是盛夏避暑的好去處，因為它夠冷的空調讓人能夠馬上從熱暈爆汗的狀態馬上冷卻速乾讓頭腦可以專心進入到挑選唱片的模式，唱片風格從搖滾、前衛、爵士、龐克、藍調、嘻哈等曲風應有盡有，算是雜食系的disk union風格來者不拒，這樣的態度從店外牆上的專輯封面牆上就能略知一二。一進店門，看到八零年代專區，很快的就鎖定目標，挑了兩張非重發的八零唱片，The Smiths的《Meat is Murder》以及Depech Mode的《Some Great Reward》，比起其他地方看到的The Smiths非重發盤那個難以入手的價格，這次雖然也不算便宜但好像還在可以接受的範圍內就先入手看看。
日本〒460-0008 Aichi, Nagoya, Naka Ward, Sakae, 4 Chome−1−1 中日ビル 2F
隨即前往下一個目標，位於disk union不遠處的Face Records，唱片行位於中日大廈二樓，一上電扶梯就能找到一個充滿黑膠唱片在架上的開放式空間，跟disk union一樣也是充滿各種音樂風格的唱片，但品項沒有disk union這麼豐富，但感覺也是經過精心挑選，整間店木質調性的現代裝潢整個融入到百貨商場內，在獨立搖滾二手黑膠專區，發現The Wake的《Here Comes Everybody》而且是英國Factory唱片在八零年代的發行品，當然先緊緊抱在懷中，然後是Hüsker Dü在八零年代由SST唱片發行的《Flip Your Wig》又包緊在懷中一次，一次發現兩張稀有唱片心滿意足，而且神奇的是，他們沒有標註唱片片況的等級，實際內容物也都維持著相當好的片況，而且唱片清潔的程度比disk union好很多。
3 Chome-22-32 Osu, Naka Ward, Nagoya, Aichi 460-0011 日本
逛完Face Records後前往大須一代的Banana Record，搭名城線地鐵到上前津站，穿越過大須商店街廣場就能找到Banana Record，店外有非常顯眼的黃色裝潢，外牆上掛著The Velvet Underground的黃色大香蕉，店內一樓以二手老搖滾黑膠唱片以及二手西洋CD為主，想要找二手西洋CD的朋友推薦可以來這裡逛逛，因為價格非常的便宜，大概都在幾百元日幣，二手黑膠唱片個人覺得品項沒有到非常多，二樓主要是電子、嘻哈、實驗曲風的二手黑膠唱片。
日本〒460-0011 Aichi, Nagoya, Naka Ward, Osu, 2 Chome−30−19 ミズノ第2ビル2F
接著沿著本町通往南方走前往RECORDSHOP ZOO，唱片行位在本町通的巷子內一棟看起來像是停車場的建築大樓二樓，有一點不好找，但本町通上會有一個立標指示店是在哪一個巷子，店內有大量的新舊黑膠唱片以及CD，也有販售一些日本獨立樂團的唱片，個人覺得它的分類上並沒有那麼好找，如果想要找到想要的東西會花上不少時間，所以對我來說最快的方式是直接詢問店員，店員會幫你把唱片一張一張找出來，但你會發現它擺放方式似乎沒有什麼邏輯，所以尋求專業人員的協助會比較有效率一點。
2 Chome-28-14 Osu, Naka Ward, Nagoya, Aichi 460-0011日本
離RECORDSHOP ZOO不遠的File Under是一間小唱片行，大部份專賣全新的日本、西洋獨立搖滾唱片，牆上擺放了不少Numero Group唱片重發的品項，像是我很喜歡的Karate跟Codeine這兩團的重發盤，但如果是找二手唱片可能就比較沒有那麼好尋寶，總之很適合只想要找全新獨立搖滾唱片的朋友來逛，雖然逛一逛什麼都沒買，但覺得老闆的品味非常好。
2 Chome-27-26 Osu, Naka Ward, Nagoya, Aichi 460-0011日本
再往大須通的路上有一間Greatest Hits，這間店藏有大量的二手黑膠，不管是日本或西洋的搖滾、爵士、藍調、靈魂等樂風都有，店內也一再強調他們有裝電子防盜系統，所以不要做壞事哦。因為已經快到四小時的時間限制了，所以就沒有太仔細的在這邊繼續挖掘唱片，這次的名古屋唱片行速刷就在Greatest Hits劃下句點，當然在這兩區域還有一些遺珠之憾，期待下次有更充裕的時間能夠一探究竟。
by guan
