Kurt Vile - Wakin on a Pretty Daze

by DOPM
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《Wakin on a Pretty Daze》是張非常適合夏日早晨聽的專輯。第一首歌曲〈Wakin on a Pretty Day〉彷彿挾帶美麗的晨光,照醒了還在睡夢中的Kurt Vile,他以慣常的慢速度開始新的一天,一切都顯得那麼從容不迫。要是仔細聽〈Wakin on a Pretty Day〉的前奏,會發現Kurt VIle使用了只有技巧純熟的吉他手才會得心應手的顫音技巧,也許他從專輯剛開始就想要展現他的創作企圖心,但是這首長九分多鐘的歌曲的每分每秒聽起來都極為自然,沒有任何矯飾的感覺。

身為自學的音樂人,Kurt Vile追隨著自己所喜愛音樂人的步伐,像是美國搖滾巨擘Neil Young、工人皇帝Bruce Springsteen以及低傳真大將Pavement、Smog以及廠牌Drag City的其他樂團,在音樂的路上一路摸索前進。他對於音樂知識的廣泛涉獵在他的創作中一覽無疑,例如他的吉他聲響實在像極了《Nebraska》專輯中的Bruce Springsteen,而他不斷延展、蔓生的長篇歌曲彷彿得到Neil Young的真傳。歌曲〈KV Crimes〉是向已逝的前後龐克樂團The Birthday Party的吉他手Rowland S. Howard,生前最後一張個人專輯中的歌曲〈Pop Crimes〉致敬。而專輯後半段的曲子〈Snowflakes Are Dancing〉歌詞中雖然提到Springsteen,但那明亮、清脆的吉他讓人想起R.E.M.的Peter Buck。不過Kurt Vile除了吸收前人的養分以外,又進一步創造出個人獨一無二的風格,他上一張專輯《Smoke Ring for My Halo》的閒散、避世態度令我記憶猶新,《Wakin on a Pretty Daze》即使把格局放大,Kurt Vile還是原本那個慢條斯理、好像永遠沒睡飽的懶骨頭。

說到底,Kurt Vile天生就是一個令人真心覺得他很可愛的人,比任何精心打扮、裝Twee的樂團還要渾然天成。他在輕快的〈Was All Talk〉中唱道:「玩音樂很簡單!你看!」,如果其他人這樣唱,我或許會覺得他大言不慚,但是Kurt Vile的含糊聲音就能讓人聽到其中的幽默。他在〈Shame Chamber〉中自嘲,把自己的窘境形容成「羞恥密室」,然後又配上搖滾樂中老套的吼叫,想必他應該玩得很開心。此外,從上一張專輯開始,Kurt Vile對於他為人丈夫與父親的角色便感到很安心,〈Never Run Away〉是一首甜蜜的情歌,〈Too Hard〉則描寫他在家庭與巡演生活中試圖找到平衡點,「嘿,我只是凡人。我保證不會抽太多煙、不會玩得太瘋。...我保證會盡我所能地為妳付出,那不會太困難」,歌詞直白得有點過頭,但是Kurt Vile真誠的表達方式使這些文字能直達聽者內心深處。

另一方面,Kurt Vile的伴奏樂團The Violators對於《Wakin on a Pretty Daze》風格的貫徹也是功不可沒。Kurt Vile的好友Adam Granduciel(獨立搖滾樂團The War on Drugs的主腦)首次沒有加入專輯製作,他因而邀請合作多年、精通多樣樂器的Rob Laakso加入The Violators,Rob Laakso和另一位長期團員Jesse Trbovich參與了大部分的錄音過程,豐富了音樂的層次,加上Warpaint的鼓手Stella Mozgawa、Priestess的鼓手Vince Nudo和Woods主腦Jeremy Earl等客座樂手的加入,讓專輯聽起來不再像是他個人的臥房錄音。Kurt Vile也表示,希望以後可以出一張署名是Kurt Vile & The Violators的專輯。

然而,《Wakin on a Pretty Daze》可能不是人人都會喜歡。總長將近七十分鐘,或許有幾首歌可以改得更精簡些,整張專輯的主題完整性也不如前作《Smoke Ring for My Halo》。根據現場看表演的經驗,Kurt Vile含滷蛋的唱腔對一些人來說似乎是無法跨越的障礙。你也不會在這張專輯中找到什麼宏大的理念或是深奧的思想,因為他不願給人刻意為之的印象。

不過Kurt Vile終究是當今樂界中搭起經典搖滾與現代獨立搖滾之間橋樑的傑出音樂人,他沒有一味仿古,在仍然上演的復古潮流中走出了自己的道路,期待他在消化更多過去經典作品後,又推出更多令人耳目一新的作品。

by Debby

評分:

Primal Scream - More Light

by DOPM
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將Primal Scream的歷年來的作品重新瀏覽一遍後,你會知道他們從來就不是一支墨守成規的樂隊,主唱Bobby Gillespie和他對搖滾樂的革新態度,從八零年代至今始終如一,或許難免有些失穩,但Primal Scream一直都走在前端的位置,隨著時代的巨輪一同滾動,不讓自己生上綠苔。

拋開Sony、Atlantic Records等音樂廠牌的束縛,專輯《More Light》由他們自家廠牌Ignition Records發行。這是一張不折不扣的搖滾樂專輯,包含十三首曲目,長達將近七十分鐘,還不包括CD2的六首曲目,可見他們在此火力全開,想做出另一張與《XTRMNTR》相抗衡的經典專輯。《More Light》並不受到搖滾樂單一音樂類型的限制,他們的野心更加龐大,在曲子中加入自由爵士、藍調等風格,雖然減少了電子元素的使用,但整張專輯的節奏感依舊強烈的可以,並不會因為薩克斯風、小喇叭的即興演奏就讓曲子飄渺的失去焦點。

Bobby Gillespie從來沒有停止對現代社會的觀察,媒體問他對於柴契爾夫人去世、現代搖滾樂、英國政治情勢等議題的看法,他都有自己的一套見解,當然他也將這些想法帶到Primal Scream的音樂上,在《More Light》的第一首曲子〈2013〉就是一首對當下社會的反思,歌詞寫著:下層階層的人們到了二十一世紀依舊是奴隸,龐克音樂來了又去,只像是擺出了姿態,沒有帶來任何改變;政治上的意見相左為的只是賺取龐大的利益,當你成為體制的一部分,權力將使你腐敗。一如往常,我們知道搖滾樂不能解決問題,但對於這樣無法解決的問題,Bobby的結論又是什麼,他唱著:最後的結論就是年輕人必須去革命!

這樣的結論可能太過單純,但或許一點也沒有錯,雖然我們知道在這個力量過於分散的社會什麼都不會發生,不過還是不能放棄對實踐理想的想像力。當然,有人對於Bobby鼓吹革命這件事挺不以為然,畢竟他享受著搖滾樂帶來的名與利,遠離藥物對他的影響,過著舒適的生活,但撇開對於個人的觀感,就詞曲上來講,我對於他的某些想法還是認同的。

Bobby用饒舌的方式唱著〈Culturecide〉,這也是專輯中少數的電氣化歌曲,如同《XTRMNTR》時期的曲子,使用了強烈的節拍以及扭曲電子聲效。〈Hit Void〉如同航行似的節奏以及吉他音牆聽起來相當過癮,尤其最後的薩克斯風即興更是神來之筆,聽起來完全沒有違和感,實在讓我想給他一個瞪鞋爵士 (Shoegaze -Jazz) 這樣的新名詞,雖然我們在《XTRMNTR》早已聽過這樣的嘗試。

〈Invisible City〉的跳舞節拍與低音線令人驚艷,加上薩克斯風的點綴徹底將城市夜晚中霓虹光線的流動感表現出來,即使沒有Stone Roses貝斯手Mani的加持,他們的低音韻律還是不遜以往,這是一首完美的流行樂。由藍調龐克樂隊Gun Club主腦Jeffrey Lee Pierce寫詞的〈Goodbye Johnny〉經由Primal Scream編曲成為一首慢板的西部情調歌曲。與齊柏林飛船主唱Robert Plant合唱的〈Elimination Blues〉延續〈Goodbye Johnny〉的感覺瀰漫著藍調音樂的氣息,不斷變換的電吉他樂句為整體帶來十足的勁道。

出乎意料的,他們馬上拋開對於藍調的擁抱,在〈Turn Each Other Inside Out〉使用Krautrock那種在低音與鼓上的交互節奏,又將浮點感的吉他彈奏加入,背景細微的噪音聲效讓曲子的層次感更顯著,不時也用猛烈電吉他刷奏,各種聲音的鋪陳讓人覺得這首曲子的製作相當用心。

專輯後半的曲子〈Walking With The Beast〉給我的感覺就像是他們在《Screamadelica》中最後的〈Shine Like Stars〉如此令人放鬆的曲子,而〈It's Alright, It's OK〉則是如同〈Movin' on Up〉那般激勵人心,非洲鼓、Bobby直接的旋律、靈魂女聲的合唱,告訴我們一切都會沒事。記得Bobby所講過的,就算音樂不會帶來具體的改變,至少它還能治癒人心,讓人不會感到孤寂。

要說《More Light》是繼千禧年的《XTRMNTR》之後最好的Primal Scream專輯一點也不為過。整張專輯給我的感覺相當完整,旋律性很好且編曲讓人耳目一新,很高興他們重新找到方向,在搖滾樂已經無法繼續前進的年代,為2013年做了一張標記性的專輯。

by pblue

評分:

Poliça - Give You The Ghost

by DOPM
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假若今年Coachella有觀看Poliça的現場演出,大概會被女主唱Channy Leanagh十足投入的神情所吸引,誇張的肢體動作有如靜謐暗夜般的特殊魅力,幾分神似Blonde Redhead的女主唱Kazu,極易成為雙眼注目的焦點。

Poliça是一組來自美國 Minneapolis的樂團,2011年才正式成軍,卻立即獲得 Justin Vernon (Bon Iver) 與 Jay-Z (十分兩極的音樂領域) 大力讚揚, Justin Vernon甚至誇張地表示Poliça是他聽過最棒的樂團。而著名的美國德州音樂祭SXSW,也推崇Poliça的現場是當年度最棒的現場演出。對於一個樂團的出道歷程而言,Polica可謂一炮而紅,然而它的起點其實來自於主唱Channy一段以失敗告終的婚姻。

Channy在結束一段婚姻生活後,其與前夫Alexei Moon Casselle所共組Roma di Luna,隨著婚姻的告終而宣布解散。就在婚姻與事業相繼瓦解的同時,Minneapolis 當地出名的獨立音樂人Ryan Olson找上了Channy,過去他們曾在Olson籌組的Neo-Soul樂團Gayngs中共事過 (Justin Vernon也曾待過這組大編制樂團),十分理解彼此的音樂才華,同時Ryan積極地遊說Channy藉由投入音樂創作重新振作,因此新的音樂計畫很快地付諸實現。Ryan 將過往累積的創作交給Channy編曲並重新配唱,在一個月內便完成11首歌,而後Ryan再找來他所熟識的當地優秀樂手,包括Bass手Chris Bierden與雙鼓手Drew Christopherson、Ben Ivascu。

在這張專輯中,經由TC-Helicon 5效果器轉化的Auto-Tuned vocal被大量運用,Channy扭曲變形的歌聲,建構出異樣的空間維度,歌聲起伏成為樂器的一種,不單只是順著旋律哼唱的配唱,更彈奏獨自特有的音階變化。此外,由於歌詞大多來自Channy婚變後低沉時期的心情書寫,因此整張專輯的歌詞就是一則則赤裸告白,關於婚姻、孩子監護權爭奪,以及如何面對自己犯下的錯誤並與其和平相處。

雖然Channy的人聲在專輯中佔有舉足輕重的地位,但也不能忽視雙鼓手 Drew Christopherson與 Ben Ivascu為整張專輯所添入的力道,他們在〈Violent Games〉、〈Fist, Teeth, Money〉裡的連綿鼓擊,型塑出令人喘不過氣的緊迫氛圍。而Chris Bierden那滿富Funk風味的流暢bassline,則在主打單曲〈Dark Star〉中大放異彩,曲末的小號吹奏亦是不容錯過的亮點。

《Give You The Ghost》是張一聽就愛上的專輯,而這卻僅源自一個不經意的滑鼠點擊,才讓我有幸聽到這張去年錯過的好專輯。

by Headphone Youth

Daft Punk - Random Access Memory 與 Disclosure - Settle

by DOPM

無庸置疑的今年還會有更多的電子舞曲專輯,但 2013 最棒的兩張電子專輯已經趕在夏天來臨之前跟大家見面了。一個當然是目前地球上最夯的機器人 Daft Punk 的《Random Access Memory》 ,另一張則是近期在網路上爆紅的新興樂團 Disclosure 的處女專輯《Settle》。但千萬不要誤會,這不是一個巧合的意外,而是經過唱片公司與行銷團隊開會作出來的重要決定。喔喔,當然不只是為了讓唱片公司體現最大投資報酬率而已,也是為了讓你能不管在哪裡都可以看得到、聽得到你最愛的新音樂,不管是在雜誌、網站、電台、音樂祭、夜店、百貨公司或是你朋友家的派對。

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把這兩張專輯放在一起寫,不外於他們之間有許多的共通點。首先,我先從他們的主流唱片公司下手。Daft Punk 今年初與 Sony Music Entertainment 所收購的子公司- Columbia Records 簽下了合約。對於這對搶手的機器人,這筆交易恐怕是逃也逃不掉的事。而去年因為混音了 Jessie Ware 的〈Running〉而迅速竄紅的 Disclosure 也很快地就吸引到主流唱片公司的注意力,最終由唱片大廠 Island Records 把他們給簽下了 。通常,我會傾向音樂人選擇獨立唱片,可是對於這兩支組合,我真的覺得無所謂。第一,他們並不太受唱片公司影響他們想做的事,因為他們自我的對於「完美流行」追求的慾望,遠遠超過任何主流唱片公司能施加的壓力。也因此,專輯的製作人全由他們自己擔綱。第二,有了大廠的錢在背後撐腰,他們想請誰客串,或是怎麼推銷作品,這些還是問題嗎?

再來,討論兩個團隊所使用的行銷伎倆。Daft Punk 再和 Columbia Records 簽了合約之後,便不斷的在市場行銷上下手;先是在美國收視率較高的 Saturday Night Live 和美國最大的音樂祭 Coachella 上強力放送他們先發單曲〈Get Lucky〉的片段。接著,Columbia 又不斷推出「The Collaborators」 ,所謂合作夥伴的影片,包括 Giorgio Moroder、Nile Rodgers、Pharrell Williams 等明星嘉賓,討論著和機器人合作是多麼棒的經驗。在用這首一聽就想搖擺的單曲調戲你後,再由其他明星告訴你這張專輯有多棒,你說能不期待嗎?

比起 Daft Punk 高調的行銷手法,Disclosure 沒有像他們那樣的名氣,所以只好老實點,一首勁曲接著一首的發。而從去年底先發行的〈Latch〉到年初的〈White Noise〉到最近的〈You & Me〉,三首全進 UK 舞曲榜的前十名。其中,〈White Noise〉更同時是 UK 單曲榜的第二名和UK舞曲榜的第一名。當然,你很清楚的知道我提上榜得名,全都是在解釋行銷的手段之一,而不是真的第一名就很好聽。就如同在 Pitchfork 上得了幾分,或是在 AMG 上有幾顆星並不能決定這張專輯的絕對價值。為了證明我所說的,Pitchfork 給了《Settle》9.1分,而給《Random Access Memory》8.8 分,差的 0.3 分是甚麼東西?

另一個共通點,就是文章一開始所說的,它們是今年最棒的兩張電子專輯。曾經用〈One More Time〉征服世界各地的舞池的 Daft Punk,當年的他們的出現就像是來自未來的機器人,把搖滾、電子、放克的元素加入他們超高能量的電音舞曲,真的讓人不由自主地會想要也動起來。自從那之後,許多主流音樂人都相爭效仿他們的成功模式,所以現在的流行歌曲聽起來總像是在命令你「嘿!你,給我跳舞!!!」在製作這張專輯時,Daft Punk 決定想要回到過去,把八零年代迪斯可的舞曲重新帶回流行。也因此找上迪斯可的大師,Chic 的主腦 Nile Rodgers 來幫他們做出搖擺的曲子。也因此,《RAM》有股濃濃的復古味道。另外,值得注意的一點就是他們在宣傳時不斷放出聲明,說這些機器人終究是人類。所以在專輯的製作採用現場同步錄音,不是全靠電腦做出來的音樂,而是真的「人」一塊演奏的音樂。

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反觀  Disclosure 現在做的電音舞曲,正是 Daft Punk 當年成功模式的進階版,或著說是英國限定版。自從九零年代 Brit-pop 退出流行後,英國就全身投入電子電音的懷抱,不管是 UK Garage、2-Step、Dubstep 或是浩室音樂。而這十幾年來走入地下的實驗音樂,終於有人願意毫不害臊的把它重新帶入流行。儘管這對兄弟 Guy 和 Howard Lawrence年紀很輕(哥哥22歲,弟弟18歲),但他們對於流行的靈敏度卻是100%的敏銳。在一則訪問中,更把自己跟 Daft Punk 做比較,說他們倆都是喜愛在舞曲中運用歌聲的。因為利用歌聲的旋律才能讓一成不變的拍子中有所起伏。而他們說的一點都沒錯,在聽過他們的專輯幾次後,我發現我真的中了他們音樂的毒,動不動腦中就會出現那些歌曲的旋律。而中他們音樂的毒是甚麼樣子,看一下他們〈When A Fire Starts To Burn〉的影片,你就會懂得。

我知道寫了這麼多,對於音樂本身我提到的基本上並不多。不過,我想寫這篇主要是想要回答一個問題:音樂如果沒有經過行銷的包裝,純粹的以音樂人他們想要的樣子呈現給聽眾,我們還是會認為這音樂真的很棒嗎?當然,我沒辦法就事論事地去回答這問題,因為這個可能性根本不存在,至少對這兩組人來說。所以,我要拋出我的假設,應該是不會的。《RAM》是張製作過頭的專輯,太多不同的想法讓整張聽下來沒有《Settle》流暢。但同時,《RAM》有不少相當令人驚豔的變化,像是〈Within〉抒情的鋼琴伴奏和〈Contact〉裡高潮的大爆炸。而《Settle》裡的歌則少了這樣的變化,整張專輯像是全都套用了他們的私家配方-閃亮流行無敵的旋律+舒爽麻痺的強力重拍。當然,有人會認為這樣很爽,也會有人覺得這樣單調無味。不過,不管你喜歡不喜歡,〈Get Lucky〉將會繼續在世界每個角落強力放送,而媒體將會繼續炒作今年這兩張最棒的電子專輯。喔,可能也不能說是炒作,在「流行音樂」的世界裡,這兩張專輯的成就確實是令人刮目相看的。

by fuse

The National - Trouble Will Find Me

by DOPM
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關於 The National 的這張新專輯《Trouble Will Find Me》,主唱 Matt Berninger在一次接受訪問中,說到在經歷十幾年浮沉的音樂生涯,終於換得前兩張專輯的成功後,現在的他們可以舒服地做自己 (live comfortably under one's own skin),已經不再需要嘗試去向人證明他們的身分。但是,身為他們多年的歌迷,我知道這句話和 The National 這個樂團的本質上是相當矛盾。

焦躁不安、悲愴的懊悔、慢熱的內斂、神經質的抑鬱,不管是從音樂或是歌詞都濃濃的散發出這些他們的特質;換句話說,他們就是沒辦法舒服地活在自己的皮膚裡。即使洗了澡,穿上體面的藍色西裝外套,在派對上和朋友談笑風生,似乎永遠無法藏住自己的不安和脆弱的心靈。像是在他們的意識中,永遠都面臨著各種心理問題、身分危機、強迫症、妄想症等。

如果我們可以認同這些就是 The National 的特質,那我們可以接下去討論為什麼說他們現在終於可以舒服地活在自己的皮膚裡。就我從新專輯聽了幾次下來,前面提到那些不安的特質都還在,但就像他們自己說的,他們不需要再去試著告訴聽眾他們的種種不安。所謂的身分危機已經變成了他們的身分,焦躁抑鬱的精神狀態已經成了他們的正常狀態。我想他們自己本身很清楚他們樂團生涯的變化,和這之間的弔詭。所以他們才會說自己終於可以不用去向人證明甚麼,而或許就是少了這個東西,讓整張專輯雖然擁有 The National 的聲音和樣子,但是靈魂卻不在家。

就像我和朋友開玩笑地說,他們這張聽起來像是他們在音樂生涯起飛後,進入了自動飛行模式。雖然他們可能不會認同這樣的說法,畢竟他們也花了時間和心思去做這張專輯,但是他們也有可能低著頭尷尬的默認:現在的我們已經失去了去追求的慾望,我們就只是希望利用我們十幾年磨合下來的默契和對彼此的了解,繼續做我們的音樂,如果觀眾仍舊喜歡,那很好;如果沒感覺了,那也無所謂,我們已經混得比我們想像的還要久了(笑)。(註:這是我假想的訪問對談,純屬虛構)

專輯的第一首歌 〈I Should Live In Salt〉,並不是一首情歌,而是Matt Berninger 對自己弟弟Tom (也就是《Mistaken For Strangers》紀錄片的導演) 唱的一首坦誠又黯然的歌曲,不像團裡的其他兩對兄弟檔,他們倆是完全不一樣的兩個人,情感中充滿了無奈、感嘆和自責。接下來的 〈Demons〉 和 〈Don’t Swallow The Cap〉 我們聽到的是修飾美化過的招牌「國際牌」聲音;Bryan的鼓點雖然仍有點焦慮,但已經內斂並沉穩許多;身為製作人的兩位吉他手Aaron與Bryce 稀釋了他們的吉他聲卻加入了不少的弦樂,讓歌曲聽起來更加優雅;甚至連主唱 Matt 填的詞,似乎都不需要努力,只要他開口咕噥,就是一首歌了。(自動飛行模式?)

老實說,初次聽這張專輯,我有點聽不下去。因為裡面有不少熟悉的音樂片段,讓我有種似曾相識的感覺。而這重複感使我感到不太好,就像 Depeche Mode 的新專輯一樣。我不知道是不是只有我才有這種感覺,但重複的聲音並沒有帶來熟悉的安慰,反而帶來點小小的排斥感。這張專輯的 〈Graceless〉 讓我想起了前兩張叫受歡迎的兩首快節奏單曲 〈Apartment Story〉和〈Bloodbuzz Ohio〉。〈Fireproof〉像是重複了 〈Racing Like A Pro〉的結構。而且,我發現 Matt 的詞彙和情感也開始有點重複了,但是他的詞仍舊是這張專輯的一大亮點。

並不是說這張專輯不好聽,相反地,這是張相當完整,並且製作上也別有用心的專輯。而我也不討厭這張專輯,只是比起他們之前的作品,這張的有效期限可能會更短,至少對我而言。不過,我想我還是會繼續喜歡 The National 的。除了喜歡他們好聽的音樂,我更喜歡的是他們在精神上和情感上的坦白,特別是針對這種連活在自己皮膚底下都不舒服的人。

by fuse

 

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也許是草創時期受盡娛樂圈的冷淡與忽視,The National 一直企圖向人們證明他們的能力足以擁佔一席之地,創作的能量從《Sad Songs for Dirty Lovers》開始迸發,在《Alligator》帶上油門、加足馬力,於《Boxer》達到巔峰,而上一張專輯《High Violet》則延續成功氣勢,一舉將他們拱上一流樂團行列。《Trouble Will Find Me》幾乎在發片訊息公布的同時,就被全世界音樂媒體視為年度專輯的候選作品,對於一支連續繳出三張漂亮成績單的樂團來說,發片前人人倍感期待,發片後人人備受感動,似乎也是件理所應當的事。

然而對我而言,《Trouble Will Find Me》並未達到原先應有的期待,也許是不再需要對這個世界證明什麼,The National 來到一個安穩自在的位置,焦躁難安依舊在專輯中隱約出現,但已經不似過往那般強烈,不似過往激動熱烈地拉扯內心,張力積累、緊繃欲裂的片段亦大幅減少,那聲音已不再從陰暗潮濕的地下室傳出。吉他聲響大幅退場,Bryan 震懾人心的鼓擊回歸本初、不再搶眼,單純做為穩定歌曲節奏之用,Matt 的男中音成為《Trouble Will Find Me》的主旋律,彷彿就在面前低沉鳴唱,好似親眼看見其聲帶經過威士忌液體潤滑過後的細微共振變化。
 
《Trouble Will Find Me》大部分的作品都像是《High Violet》最終曲目〈Vanderlyle Crybaby Geeks〉的延續,如〈Pink Rabbits〉、〈I Should Live In Salt〉、〈Hard to Find〉。而歌詞所寫的,則像是為漫畫《20世紀少年》特地譜寫的配樂歌曲,是Matt 大叔對於年少歲月的回憶與反思。〈Don't Swallow The Cap〉 是首激似Arcade Fire的歌曲,弦樂編曲、鼓機節奏與女和聲配置都是十足地 Arcade Fire;Bryan Devendorf 在〈Graceless〉、〈Sea of Love〉上演師兄歸位戲碼,重回 The National 最膾炙人口的曲風;〈I Need My girl〉有種自我懷疑的晃動不安,讓人以為是〈Think You Can Wait〉的巒生作品。

反覆地聽著《Trouble Will Find Me》,有個主要問題慢慢浮現,那便是對於這組已經帶給我們如此豐富感動的樂團,究竟我們還期待從他們身上獲得什麼、挖掘到什麼?城市孤寂的靈魂早已在《Boxer》、《High Violet》中獲得慰藉,而對現狀的憤怒與不滿也早在《Alligator》中得到釋放。我們身上到底還有什麼,是非得依靠 The National 才能找到解答與舒坦的呢?或許該認份地告訴自己,The National 不是另一組Radiohead,他們手中有組慣用的寫歌公式 (*),並未企圖發現太多的未知領域。而你血液中需要疏濬的部份,如果覺得《Trouble Will Find Me》無法滿足,那就動手挑張 The National 歷屆自選合輯,在沒開燈的深夜出租公寓裡,轉開音響喇叭,開一場屬於自己的 The National 演唱會,然後好好地大哭一場,睡個好覺。隔天起床,你就會發現這個世界已經煥然一新(才怪)、異常美好(個屁)。

by Headphone Youth

* Pitchfork:
"Instantly memorable melodies and minimal chord progressions become familiar after one listen, and then there’s a pivot, usually undetectable the first time around, that takes the National towards one of their proprietary grand finales."