The Irrepressibles - Nude

每個時期聽音樂的習慣都在改變，因此每個時期都會有專屬於自己的樂風，有些樂團也許在過去自己的耳朵裡是悅耳動聽的，但以現下的狀態去聽變顯得索然無味。同樣的，既然有些樂風在歲月的道路上遭到摒棄，自然也有些樂風在這當下備受愛戴。以我自己而言，這一兩年逐漸對傳統三件式的龐克搖滾編制感到厭膩，而對於以搖滾樂模式為基底，配以管樂、弦樂或爵士老調的風格則愈漸喜愛，The Irrepressibles 也就是在這樣的天時地利人和下，成為個人 2012 年底音樂聆聽部分的亮點。

The Irrepressibles 是來自倫敦，以詞曲創作人Jamie McDermott為首的一組 10人編制交響樂隊， 2010 發行首張專輯《Mirror Mirror》，第二張專輯《 Nude 》則在2012 年底發行。假如在第一張專輯《Mirror Mirror》就認識他們，我恐怕不會喜歡上他們的音樂，然而《Nude》裡呈現的音樂場景卻來得恰是時候。

Jamie McDermott 陰柔高亢的歌聲很容易讓人直覺聯想到Justin Vernon (Bon Iver) 與 Antony Hegarty (Antony and the Johnsons) ，然而 Jamie McDermott 的聲音相較另外兩者又顯得更加詭譎，這一方面可能也與樂團音樂的特色有關。《Nude》專輯開首是類似歌劇演繹的曲子，漂移不定的提琴聲響將寧靜的夜晚帶入更深沉的黑暗，其所著重的是環境與氣氛的營造。〈Pale Sweet Healing〉則讓人見識到 Jamie McDermott 是一個多麼鬼才般的人物，他的歌聲頻域極廣，時而鬼魅陰柔，時而沙啞低鳴，情感飽滿卻不濫情俗套，光是聽他一人戲劇化的聲音演出就足以感受到其中的情感流動。

而在〈New World〉中樂團為歌曲帶入Electro-Ambient音效，使得整體聽來頗有 Depeche Mode 之感。〈Two Men In Love〉細緻刻劃一段同志戀情從初識到墜入愛河的情感波動，無論是同志情感的隱晦不安或者陷入單戀後的無法自拔，又或者是陷入熱戀後的喜出望外，都演繹得極度出色，那不斷高聲疾呼的 ”I'm in love! ”聽得我渾身雞皮疙瘩。

〈Arrow〉則藉由歌頌同性戀守護神St.Sebastian來重述同志戀情的正當性，電子氛圍從這裡開始佔據樂曲主軸，擺脫前述濃厚的歌劇色彩，讓人一窺The Irrepressibles 在室內交響與電子雙棲的優異編曲能力。〈Tears〉則可能是整張專輯裡頭曲勢聽來最輕鬆的歌曲，小步舞曲式的電子跳躍，然而歌詞裡唱得卻是則哀傷故事。專輯最後以Dance-pop的〈Ship〉作結，回首專輯開頭的模樣，簡直是完全不同世界的產物。

Jamie McDermott 在談及創作音樂的初衷時，便坦承是在告白被好友拒絕後，傷心欲絕想跳崖時，才轉念立志要用音樂向世界展示Boy Love的美。《Nude》也確實是一張名符其實的同志專輯，從專輯名稱到封面上的兩個赤裸男體，再到歌詞的撰寫，處處歌唱著同志戀情的樣貌，對於同志情誼的暗喻明示遍處皆是，一切都顯得如此理直氣壯。而我也確實從他的音樂裡感受到那情感的深度與溫度，一種具有張力拉扯又渴望溫柔的真摯赤裸。

by Headphone Youth

評分：

"ARROW" - THE IRREPRESSIBLES Pre-order the special edition of NUDE http://theirrepressibles.bigcartel.com/product/the-irrepressibles-nude-special-edition-digipack Directed & choreographed by Jamie McDermott Camera Person: Kate Perring Filmed at Studio 7, Alston Works, London.

'NEW WORLD' single released digitally on the 27.08.12. Taken from The Irrepressibles forthcoming album 'NUDE'. Pre-order the special edition of the album NUDE. http://theirrepressibles.bigcartel.com/product/the-irrepressibles-nude-special-edition-digipack Follow The Irrepressibles: http://www.facebook.com/TheIrrepressibles 'NEW WORLD' - The Irrepressibles (The prequel to video 'ARROW') Directed by Jamie McDermott Starring Theo Stacey, with Tristan Irvine, Nicolas Coates, William Robertson, and Ian Tripp.

Scott Walker - Bish Bosch

Scott Walker早已經不是我們所認識的那位活躍於六零年代的英國歌手，從八零年代後他離開了流行音樂範疇走向前衛音樂的製作，有不少樂迷對此感到不解，甚至不再聆聽他現在的作品，但也有新樂迷願意跟隨著他的黑暗旋律走向尚未開拓的現代音樂世界，無論如何，他並不是一直走在時代後端的音樂家，而是站在時代的前端，等待後人追隨上他的腳步。

如果已經熟悉他前兩張作品《Tilt》和《The Drift》，你或許會馬上習慣《Bish Bosch》中聲音進行的方式，但如果你是初次聆聽Scott Walker的音樂，《Bish Bosch》可能不是一個最好的選擇，畢竟它古怪的旋律與怪異的聲響，會讓聽者在聆聽上有些挑戰性。這張專輯就如同前兩張作品的續作，一貫的黑暗、混亂、 分裂，也可以說是他前衛作品系列中的第三部曲。

先撇開旋律不談，專輯中難解的歌名與歌詞，使得要進入《Bish Bosch》更加的困難，但對我來說這張專輯是比《The Drift》還來得易聽，至少在節奏的行進上還算得上是緊湊，製造聲音的方式也相當有趣，除了之前使用敲擊肉塊來當拍子外，你可以在〈Corps De Blah〉和〈Tar〉等曲子聽到他以兩把刀子互磨的方式來造音，把磨刀霍霍之音用在音樂上實在是古怪到了極點，讓人聽得不寒而慄。

我倒是比較喜愛〈Phrasing〉這首，至少裡頭使用較多的搖滾樂器來編曲，但還是聽來相當斷裂，一段電吉他，一段合成器，一段鈴響全都不連貫的串在一塊。更讓我驚豔的是年歲已六十九的Scott Walker，還能保有如此深厚的嗓音，有些人說他的音樂已完全失去旋律性，但他在這唱出的旋律彷彿是由它過往唱出的流行旋律所提煉出的，只是以一種變調、斷裂的方式來表現在他現在的音樂上。

長達21分鐘的〈SDSS14+13B (Zercon, A Flagpole Sitter)〉非常精彩，你很難去辨別自己聽到的是音樂還是其他的什麼，像是把流行（搖滾）音樂丟到果汁機裡打碎成純黑色汁液，再把它倒到杯中一飲而 下，噁心和美味全都在一念之間。單曲〈Epizootics!〉就像是Scott Walker的一場夏威夷惡夢，重覆著低沉的電噪聲、詭異的號角聲、簡潔的鼓擊，聲音如同疾病蔓延在耳蝸。〈The Day the "Conducator" Died (An Xmas Song)〉肯定是今年最怪異的聖誕歌，這次聖誕老人不再穿著紅衣，而是穿上黑色皮衣來獻上聖誕大禮。

   《Bish Bosch》不會是一張好聽的專輯，它比較像是Scott Walker用各種聲音在探索現代音樂的深度，聆聽者聽的到多深它就有多深，然而在這一道深不見底的黑溝中，你始終無法精確測量出黑暗的向度。

by pblue

評分：

'Epizootics!' is the first track to be aired in full from Scott Walker's new album. Pre-order Bish Bosch on iTunes - https://itunes.apple.com/ie/album/bish-bosch/id571979563 Bish Bosch is released on December 3rd (4th in North America).

Andy Stott - Luxury Problems

評論Techno及業餘評論Techno專輯

我想先聊聊前半年我在歐洲學到的一些事。跟一群年齡相近的朋友混在一起，我發現時下很多國外的年輕人很喜歡聽電音Techno，特別是那些跑派對的咖。我還領教到了一個對我來說很震撼的音樂祭，在比利時，叫Tomorrowland。甚至我陪著朋友看了一下youtube的現場直播，今年的名單包括現在世界上最紅的電音人，像是Avicii、Swedish House Mafia、Skrillex、Paul van Dyke等等。聽了一些電音音樂讓我體會到這種音樂的可怕性，甚至比時下的流行樂都還要來的可怕。如果現在的流行樂建立在耳蟲（註一）的基礎上，那這種音樂就是耳蠱等級了。為什麼這麼說？因為這種音樂就像是3D的變形金剛，衝著最新科技的效果配上一些沒營養的內容，那些派對咖聽到前奏就他媽的嗨了。這種廉價的快感，已經不是甚麼新鮮事了，所有時下的大眾娛樂，新聞不全都是一個樣。喔，我扯遠了。我想說的是，電音舞曲是現在音樂的一個趨勢，巧妙的把這些音效上的突破運用在這種無腦暴力的音樂美學。我這樣稱呼是客氣了，事實上這種音樂沒有所謂的美學可言，只有廉價的快感，一種永無止境的追求那無以名狀的快感。這也是為什麼，在那個音樂祭上，一首電音金曲（比如，Avicii的〈Levels〉）一天會放個十次。所以，基本上我是不聽電音的。會找到這張電音專輯來聽，純粹是因為我很喜歡他的封面。因此，我也必須先說我沒辦法以專業的角度來介紹這張專輯。

在第一次聆聽這張專輯的時候（那時候甚至還不知道這是甚麼曲風，根據網路上可靠消息指出，叫做Dub Techno，這是什麼啊？），我其實不是很懂這種音樂，但卻有幾個鮮明的印象，首先就是那深黑鬼魅的氣氛，陰魂不散的女聲不斷的被切割重疊，一層又蓋上一層，這時人聲變成豐富的音樂層次，忽遠忽近但始終離你不遠。這種縈繞心頭的特質馬上讓我想到4AD的This Mortal Coil或是Cocteau Twins，以及另一位Dubstep的怪胎Burial。特別是在專輯的第一首歌〈Numb〉，強勁的迴音效果和震耳的拍子，再搭上女主唱 Alison Skidmore（Andy Stott小時候的鋼琴老師）輕盈飄浮的歌聲相互重疊，馬上把整張專輯的氛圍懸在一個更黑暗的角落。對我這個很重視專輯氣氛的人來說，在聽了後面的曲子後，我覺得他把這氣氛做的很貫徹，感覺很完整。

另外，讓我相當驚艷的是曼徹斯特製作人Andy Stott在實驗和流行風格間完美的拿捏。整張專輯的氣氛詭異，顯然來自他處理音效的實驗手法。像是在專輯同名歌曲〈Luxury Problems〉，歌曲的中間他突然丟進來一段完全不搭嘎的拍子，而只停留個一兩秒，過個三十秒後他又丟進同一段拍子的其他部分，一樣也是一兩秒就閃過。我從來沒聽過任何人這樣處理的，如此低調的炫技。而在同一首曲子裡，有著超順的流行節拍在前景和背景中穿來穿去。儘管是極簡和實驗的電音，我相信不難在專輯裡找到喜歡的流行片段。還有，超高階的音效也是另一個這張專輯的重點，幾乎每首歌都能聽到駭然的超炫音效，不管是重低音貝斯還是合成器鼓聲。只是他們來的很低調，建議還是戴耳機聆聽，然後讓他帶你進入這高傳真的暗黑音樂世界，漸漸體會甚麼叫做「層次感」和「空間感」。

儘管主流市場將會繼續濫用最新科技的電子音樂去麻痺他們的消費者，相對的，還是有一群人默默的在做音樂，尋找電子音樂的更多可能性。而這張就是個很好的例子。黑得如此幽深濃厚，美得如此難以捉摸，卻又深得無限沉重。

註一：

英文叫做Earworm，意思是指腦子裡滿是一首歌的旋律，嘴裡不由自主的哼出來，走到哪兒都揮之不去。不瞭解的話，試著唱唱〈Someone Like You〉或是〈Call Me Maybe〉。就算你不喜歡，你都會唱，不可怕嗎？

by fuse

andy stott Luxury Problems Label: Modern Love Mancunian producer Andy Stott is ready to release a new album on Modern Love called Luxury Problems. The eight-track release is the latest part of a particularly prolific run for Stott, coming one year after his two acclaimed double-packs from 2011: We Stay Together and Passed Me By.

1. Numb 0:00 2. Lost and Found 6:30 3. Sleepless 12:36 4. Hatch the Plan 18:26 5. Expecting 27:06 6. Luxury Problems 35:01 7. Up the Box 40:06 8. Leaving 45:07 I don't own Andy Stott or any of his music. All rights go to him or his respective owners.

Letting Up Despite Great Faults - Untogether

當東岸發跡的The Pains Of Being Pure At Heart已然嶄露頭角成為世界各地音樂祭固定班底，並展現出其商業賣座潛力的此時，曲風及樂團編制皆與The Pains Of Being Pure At Hear神似的西岸樂團Letting Up Despite Great Faults，人氣指數卻仍然徘徊滯留於網際網路的圈子裡。假如你聽過他們的〈Teenage Tide〉（《Paper Crush》, 2011），面對眼前這番情景，也許你也會和我一樣感嘆Letting Up Despite Great Faults的時運不濟。

這支由洛杉磯出身的主唱Mike Lee主導的Indietronica/Dream-Pop樂隊成立於2004年，團名取材自Blonde Redhead的〈Loved Despite of Great Faults〉。一開始，樂團是藉由現場演出的機會，販售自行錄製的Demo帶，一直到2006年才由洛杉磯的New Words Records發行他們的首張7-Tracks EP《Movement》。

2009年底，Letting Up Despite Great Faults出版了首張同名專輯，這張由Mike Lee龜在家中以Ableton Live軟體錄製而成的處女作，無疑又再度讓人體認到那組放下計程車司機正職不幹、跑來兼差送信卻只出勤一次便宣告辭職不幹的樂團所遺留下的巨大影響力。 相隔三年之後，Letting Up Despite Great Faults在今年10月中旬帶來樂團的第二張專輯《Untogether》。

專輯開頭的〈Vision〉藉由清脆的吉他與合成器聲響，建構一幅春日午後暖陽斜照DreamPop場景。而如果你是新褲子樂隊的頭號樂迷， 〈Details Of My World〉這類以復古又帶點俗套氣味Synth-Pop旋律為主軸，並以吉他、鼓機間歇點綴的作品，必然會滿足你的耳朵。接著，再來聽聽 〈Scratch〉那像極New Order的吉他前奏，與隨即而來的〈Take My Jacket, Pauline〉中的The Radio Dept.融為一體，在Letting Up Despite Great Faults的音樂裡，始終能找到類似的情感寄託。

此外，重拍電子鼓擊搭以破裂氣音反覆堆疊的歌曲，似乎已成為這些年新興樂團的新寵，專輯裡的〈Postcard〉便是個例子。〈Numbered Days〉則有著整張專輯最動感舞曲的一面，吉他飆奏的部份有著Delphic式的俐落帥氣，節奏感強烈的鼓機試著搖醒舞池裡所有低迴踏步的人群。結尾的 〈On Your Mark〉擺脫前述的電子聲響，回歸純粹的木吉他與迷濛低語，像極了煙火燦爛後的曲終人散。

大概是因為生存在這個以人際關係架構起的世界，所以我們好像不得不面對各種關係的告別，有時在若干年後仍會憶起當下的美好。《Untogether》便是描述那些在時間軸移動消逝的連線，在微甜悅耳的歌曲裡藏匿著苦澀歌詞，如同訴說一段關係的終結同時也代表另個生命歷程的萌芽。因此即便佇立於略顯哀傷的寒 風冷雨裡，我們仍試圖表現出內心的傲骨與堅強，以歡愉微笑目送對方的離去，並且禮貌性地送上一句：「看著你過的這麼不好，那我也就安心了。」

by Headphone Youth

評分：

Visions - Letting up

Merchandise - Children Of Desire

或許有點難想像Merchandise的兩位主要團員Carson Cox和David Vassalotti早在這項音樂計劃之前就已經活躍於佛羅里達州坦帕的hardcore punk場景，當你聽到他們的單曲〈Time〉時，還會以為是某個初試啼聲的後龐克樂團，有著令人印象深刻的吉他Riff以及溫情動人的旋律，但後來接著聽專輯的其他曲子，才會發現他們的音樂其實與他們骨子裡野性的龐克根源脫不了關係。

Merchandise將他們的所有作品放在網路上免費供人下載，當然他們的第三張專輯《Children Of Desire》也不例外，雖然這張專輯由紐約布魯克林的小廠牌Katorga Works發行，但專輯和音樂錄影帶全靠他們自己錄製，甚至連演出都由自己安排。在《Children Of Desire》開始受到注目後，便有不少廠牌來與他們接洽，有人問，難道你們不想加入大型的獨立廠牌嗎？主唱Carson Cox說道：現在大型的獨立廠牌就已經是主流了，反正我們什麼都可以自己來，加不加入好像無所謂。也就是這樣的獨立精神，讓Merchandise保留了最原始的粗曠興味。

把所有Merchandise都聽過一遍後，你會發現《Children Of Desire》是他們最平易近人的作品，就像八零年代那些我們所愛的後龐克音樂一樣，充滿黑暗深邃的旋律。他們的家鄉的唱片行不多，但還是買得到卡帶版的 Sisters of Mercy、Clan of Xymox 、Cocteau Twins的第一張專輯，這些音樂構成了Merchandise音樂的雛形，不過Carson Cox也提到Nina Simone 和Miles Davis這些傑出的爵士樂手對他們音樂的潛在影響。

有些人根除了欲望獲得自由，有些人被欲望束縛無法超脫，《Children Of Desire》的主旨就是探討著欲望對人的影響。實體專輯附有一本小書，團員David Vassalotti將歌詞隱藏在書的內容當中，你必須透過故事才能窺探到他們的歌詞，實在是相當有趣的一個做法。

這張專輯的長度雖然不長但卻令人聽得滿足。我很喜歡他們編的吉他Riff，從〈Time〉、〈Become What You Are〉再到〈In Nightmare Room〉都讓人感到航行在時間的長流上。長達十分鐘的〈Become What You Are〉分成兩部分，上半部為主旋律，下半部為Krautrock式的噪音演奏，鬼魂般的歌聲與鼓機、合成器、電吉他刷奏扭打在一塊，雜鬧的過癮。

〈In Nightmare Room〉中黑暗壯闊的吉他音牆成功的將幽閉的空間感營造出來，似乎夠勁的後龐克音樂就該是如此。〈Satellite〉是專輯少有的鋼琴曲，讓恐懼的情緒回歸到平靜。做為專輯最後的曲子〈Roser Park〉把時間拉得很長，讓人在慵懶的合成器、噪音旋律中漂流，然後再接上〈Time〉中那段讓人印象深刻的Riff，為專輯闔上封頁。

沒有宣傳、沒有大製作，《Children Of Desire》又再一次證明Merchandise走在獨立製作音樂這條路上是對的，他們玩音樂並不為了什麼，能支撐他們的一直是對音樂的那股熱情。

by pblue

評分：

Merchandise - "Time" from 'Children of Desire' on Katorga Works Id House Vid Group - Tampa Bay http://Merchandisetheband.wordpress.com

filmed live on the rooftop of thee House of Infinity on 12/01/12 by Andrew Petersson. original version of "Become What You Are" available on the "Children of Desire" LP.

Thanks Mike!