The Strokes - Comedown Machine

因首張專輯《Is This It》一炮而紅的The Strokes在經歷一個十年之後還能玩出新花樣，這不外乎是所有樂迷所關注的問題。對我來說，他們在《Is This It》之後的作品並不怎麼吸引人，甚至會懷疑媒體對《Is This It》的評價是否太過度吹捧，沒錯，他們玩起復古搖滾的確曾經頗具新意，但後來的音樂則讓人嚼之無味，覺得吉他手Albert Hammond, Jr的個人作品可能還好聽一些。

不過這張《Comedown Machine》稍稍扭轉了我的看法，至少他們願意嘗試新的風格，整體的節奏聽起來相當輕快，也有很鮮明的旋律，或許聽到〈One Way Trigger〉你會對主唱Julian Casablancas的假音有點不以為然，不過這種從低音到高音的轉折其實還滿有趣的，配上電玩式的合成器聲響，讓人想起挪威的新浪潮樂團A-ha。

不管他們加入了多少電子元素到音樂，兩把電吉他的刷彈依舊是The Strokes的強項，也一直是曲子節奏最重要的支撐點，當節奏吉他與獨奏吉他搭配的天衣無縫便無人能敵。像〈Welcome to Japan〉的吉他韻律就給人一種慵懶的感覺，彷彿隨時的可以搖擺身軀，而仿低傳真的〈50/50〉以快速的吉他刷奏以及滑音效果來完成曲子，速度感十足。

〈Partners In Crime〉又是一首以吉他為導向的曲子，最後短小的獨奏聽來更是神來之筆。〈Chances〉為專輯中少數的慢歌，融入了電子聲效，唱著對感情的困惑，到了〈Happy Ending〉則用了小巧的電玩聲效，聽起來有種夏季的愉悅，Julian的嗓音也實在唱的流行的可以。

雖然《Comedown Machine》是一張流行元素滿溢的專輯，也容易讓人享受在曲子的律動當中，但在歌詞方面就顯得薄弱許多。當然，排除那些嚴肅的觀點，《Comedown Machine》相當適合在出遊的時候聆聽，簡單來說就是一張頗具娛樂性的專輯。這時，在車上放上你的衝浪板，買一罐清涼的可口可樂曲線瓶，放著The Strokes的音樂，暫時甩開煩惱，駛向晴空萬里的一片廣大海洋吧。

by pblue

評分：

昏鴉 - 寓言式的深黑色風景

聽昏鴉的《寓言式的深黑色風景》會讓人陷入到一種似曾相似詭異的場景中，彷彿被日落後的台北所散發出的魅惑氣氛所包圍，最近已經很少能從台灣樂團中找到這樣的感覺。即使歌詞多少有點怵目驚心，但整張專輯的本質終究是傳達出一股異色的浪漫，不管音樂後不後龐克，加入傳統樂器的配置與詩歌的旋律給人一種時空錯置的幻覺，卻也在現代與古典間找到平衡，減弱了我們習以為常的洋味。

從〈親愛的密室殺人事件〉開始就像是一則異色的寓言，關於無法抹滅的記憶、空間中所存有的氣味，猶如與幻影共存，俐落的鼓擊與電吉他強襲著耳膜。押著聲韻的歌詞為〈宇宙只有我和妳〉的旋律帶來跳躍感，風琴與急促的吉他刷奏訴說漫長的孤寂，以及等待被碰觸的渴望。

〈午夜暗橋探戈探戈〉是相當有趣的一首曲子，舞曲的節拍打在風琴的彈奏上，猶如有人正跳著死亡的雙人舞，詭譎的呼喚開通了通往空蕩的街道。主唱的獨特腔調在〈我就是迷戀著妳即使妳以沈入湖底〉與〈打包我的心當午餐吧寶貝〉聽來更顯著，低沉又帶著念詩般的韻味。

由貝斯為前底的〈打包我的心當午餐吧寶貝〉有著很特別的樂器鋪陳，交雜的電吉他聲響編得相當漂亮，中間穿插著小提琴明亮的輕撥聲，最後再以虛無的嘶喊畫下句點，雖然字裡行間臟器和骨灰，但超現實的文字無關乎是將掏心掏肺的奉獻化為一種激烈的形式。

昏鴉的編曲創意在〈黑海之舞〉一展無遺，你會覺得他們編曲很不傳統，但富饒詩歌的韻味又將那傳統的旋律纏繞在自身，整首歌分成好幾個小段，器樂聲在空間中的此起彼落、忽快忽慢，讓人漂浮在黑暗潮汐的激浪與平靜之上。

在經歷一陣暗潮洶湧後〈敦北地底洞窟勘查實錄〉聽來意外的悠然自得，空氣突然輕盈了起來，感傷的情緒卻被隱藏在表面無事的假象底下。專輯同名曲〈寓言式的深黑色風景〉則描繪著主人對一隻貓離去的感觸，以及等待死亡後的再度相遇，尖銳的吉他聲響咆哮劃過夜色天際，朝不知去向的貓兒前進。最後的短歌〈詩〉 就像一段浪漫的邂逅，旋律聽來異常的溫暖。

雖說《寓言式的深黑色風景》是昏鴉的首張專輯，但聽起來並不是一張新手之作，無論是樂器或是詞句都表現得相當成熟。你以為你聽到的只是一個樂團，不過感覺倒比較像是一個臥虎藏龍的藝術計劃，且看身懷絕技的他們在黑暗的城市中心玩著古今交融的浪漫詩歌。

by pblue

評分：

Depeche Mode - Delta Machine

聽完Depeche Mode的新專輯《Delta Machine》，心裡不禁浮現一個問號，在2013年，我們還需要聽Depeche Mode嗎？他們成軍三十多年一直在做的電子樂也許聽起來不再獨一無二，但專輯的製作與混音一貫都是非常精良，主要創作者Martin Gore的歌詞依舊能夠鑽進聽者的內心深處，Dave Gahan曾受到毒品與放浪形骸生活刮傷的的嗓子，詮釋起那些撩撥的字句還是充滿毀滅性。然而，用樂團過去的輝煌成就來稱讚《Delta Machine》應該不是一個好策略，只會讓新專輯更加相形見絀。

自從推出Alan Wilder離團、Dave Gahan戒毒並重獲健康的療癒專輯《Ultra》 (1997) 後，Depeche Mode之後每推出一張作品，都會同時聲稱新作能夠媲美他們的經典之作《Violator》 (1990) 和《Songs of Faith and Emotion》(1993)，身為樂迷，有時候真的很希望他們不要再發表此類言論。但就算前幾張專輯未能達到《Violator》 與《Songs of Faith and Emotion》的高度，樂團起碼沒有完全複製舊有的模式，而寫出了一些動聽的新歌。反觀《Delta Machine》，許多過去的歌曲片段只做些微改動就移植到新歌中，而且這種地方多到令人心寒。〈Angel〉間奏部份的一些破音吉他讓人回想起〈I Feel You〉，〈Sacred to the End〉的間奏疑似抄自〈Only When I Lose Myself〉，〈Broken〉的開頭與〈Behind the Wheel〉如出一轍，終曲〈Goodbye〉的藍調吉他也和〈I Feel You〉很相像。最讓我不能接受的大概是單曲〈Soothe My Soul〉，使用了和名曲〈Personal Jesus〉一模一樣的節奏，樂團現場表演的歌單還毫不避諱地把這兩首歌放在一起，令人哭笑不得。

要是忽略那些創意枯竭的部份，我想這張專輯還是有一些值得稱許的地方。開場曲〈Welcome to My World〉的第一個電子聲響便給人顫慄的感受，之後加入的元素使得音樂與詞句間的惡意益發強烈，Martin Gore使用的文字「只要妳留下/我將穿透妳的靈魂/讓血液沁入妳的夢境/讓妳失去掌控力/我的淚水將湧進妳的雙眼/打開寬廣無際的天空/乘著妳殘破的翅膀/迎接妳來到我的世界」依然大膽、強烈，很高興得知Depeche Mode仍能寫出讓人這麼不舒服的歌。〈Angel〉是專輯中製作得最成功的歌曲之一，Dave Gahan撕扯般的唱腔切實傳達了墮落後的痛悔與迷惘，可怖的電子噪音分別從左右喇叭闖出，墨黑的夜色佔領四周，雖然Gahan理應找到了救贖，但他在副歌中唱的「peace」（平靜）聽起來卻像「beast」（野獸）。Martin Gore主唱的慢歌〈The Child Inside〉和前幾張專輯的慢歌不論是情緒或曲調都很類似，不過他這次卻表現得更自然且真誠，也許童真的消逝對他來說是特別切身的經歷，畢竟他是三個孩子的父親。

《Delta Machine》既然經過高規格的製作，專輯中確實有一些大聲播放起來相當「好聽」的聲音，它們散佈在各曲目間。〈My Little Universe〉律動的前奏讓人以為聽到Atoms For Peace今年專輯遺落的曲目，〈Broken〉副歌到間奏中叮叮噹噹的合成器冰冷卻晶瑩，彷彿快速移動的光點，將聽著的注意力從背景裡其他無趣的事物移開。〈Alone〉沒有搶耳的橋段，以層次取勝，歌曲晦暗寂寥的主題構成黑白色調的畫面，但每一層電子聲響和山雨欲來般的鼓聲使人不由得凝神細聽。如果專輯在這邊結束也許就已經足夠，但樂團偏偏畫蛇添足地收錄前面已經抱怨過的無趣歌曲〈Soothe My Soul〉。〈Goodbye〉的合成器聲響和吉他的搭配有些違和感，可能是刻意做出的效果，Gahan和Gore不斷重複唱的「Good-bye」真是詭異到了極點。

整體來看，《Delta Machine》只能算是一張拼裝車作品。即便如此，萬一Depeche Mode如同專輯結尾所述，向歌迷道別，我還是會覺得非常不捨，不過我想Martin Gore、Dave Gahan和名義上的團員Andrew Fletcher應該不會輕易放棄Depeche Mode這項事業。他們已經達到某種地位，不管推出什麼，樂迷意思意思批評一陣，接著又乖乖買帳。祈禱Depeche Mode的下一張作品不會再讓人如此為難，只在發行期間拿起來聽一聽，然後就被收在櫃子裡，改播放他們的舊專輯。

by Debby

評分：

Jenny Hval - Innocence Is Kinky

Jenny Hval 這位來自挪威的女唱作歌手，總是知道如何吸引眾人目光的進場，專輯一開頭在〈Innocence Is Kinky〉就直接唱道「那天晚上，我在電腦上看著別人做愛；反正也沒有人知道我在看」。這不單單只是色情和性慾的描述，而是一步一步地走進內在的自我意識，大膽的面對慾望的誘惑和走進慾望所引領的黑暗地帶。無論歌詞描寫的情況是比喻、想像還是超現實，Jenny Hval 能用文字勾勒出如此震撼的影像並為聽者帶來強烈的印象，光這點就在現在時下靡靡之音中裡獨樹一格，一個獨一無二的聲音。

她在音樂中的探索不光只是歌詞，在音樂創作上也帶著同樣大膽的探險精神。專輯中，可以很明顯地聽到流行樂搖滾樂的元素，但經過她手中後，出來的結果卻是截然不同並難以預料的音樂。她可以轉眼間從寂靜的民謠轉換成扭曲的實驗音效，從快節奏的搖滾到強勁電子樂，甚至是念詩詞。聽者的感受當然是因人而異，有些人可能覺得難以接受，但我覺得這樣的音樂充滿新意，相當令人驚艷！雖然一次聽下來，會感覺非常的神經質。

主打歌〈Mephisto In The Water〉應該是專輯裡最美的一首歌，但可能不是你預料中的流行歌曲。很明顯的受到 4AD 發行的保加利亞音樂合輯《Le Mystère des voix Bulgares》的影響，Jenny Hval 把保加利亞傳統民俗音樂的女合唱團和聲融入她的歌曲中。有別於福音的女和聲，傳統民俗音樂的女和聲往往不是那麼的和諧溫暖，反而更像是帶了神靈感召而發聲的，神秘的氣息往往離不開音樂。配合著歌曲名「水中的梅菲斯特」，說著浮士德傳說中的惡魔－梅菲斯特，潛在水裡用歌聲召喚著靈魂們，再漸漸地用海浪將其包圍。我想這首歌最大的亮點就是 Jenny Hval 的演唱歌聲，可以把聲音運用得變幻莫測，甚至在最後面唱著「I run out of you」時不斷地拉高演唱的音調，直到聲音高到消逝在靜靜如水的音樂中。

〈I Called〉這首歌讓我想到前幾年 St. Vincent 推出的專輯《Strange Mercy》裡比較神經質的幾首歌，像是〈Surgeon〉和〈Northern Light〉。因為她們對於吉他的使用，好像並不是用來演奏旋律，反倒更像是發洩用的。同時，大膽的把歌曲結構任意拆解再結合。緊接在後的是〈Oslo Oedipus〉，一首結合環境音效和實錄音效作為背景的歌，Jenny Hval 化身為奧斯陸的伊底帕斯，念起了詩詞。如果你看過村上春樹的《海邊的卡夫卡》，你就會知道在希臘神話裡，伊底帕斯是個受了詛咒後弒父娶母，最後拿針插了自己雙眼的悲劇角色。〈Give Me That Sound〉也是另一首這樣的曲子，實驗性甚至更強，在她充滿挑戰性的詩詞中，她念道「我要唱得像一個處女膜破裂般連續不斷的回聲」。

我覺得，最吸引我的倒不是音樂，而是 Jenny Hval 她對這世界充滿好奇心和無畏的態度。正因為充滿好奇心，她四處網羅知識、訊息、聲音，不管是哲學、A片、神話、電影、詩歌、電視；而無畏的態度，正使她能把這些東西做為她創作的靈感，用顛覆一般人想法的方式呈現於世。如果對她有興趣，可以去找她的上一張專輯《Viscera》來聽，或是更早之前她化名 Rockettothesky 所發行的作品。最後，我想說的是，這張來勢洶洶且擾亂思緒的專輯，應該是到目前為止，能和 The Knife 同樣進入2013年「年度最帶種專輯」的作品。我覺得（或是說我希望）今年還會有更多能進入這個榜單的專輯。

​by fuse

David Bowie – The Next Day

當消聲匿跡多年的David Bowie再度發行新作時，對許多樂迷來說是相當值得雀躍的事，尤其在聽完《The Next Day》後，你不得不對已經六十六歲高齡的他肅然起敬，整張專輯除了充滿不流俗的搖滾樂能量更多是David Bowie對自我以及各種不同角色的沉思。

《The Next Day》的封面挪用一九七七年的經典專輯《Heroes》，突兀的將套有The Next Day字樣的白色正方框置放在《Heroes》的封面上，上方的Heroes字樣也被畫掉改為David Bowie，這樣的作法像是Bowie在與過去的經典印象做區隔，他想要顛覆自己，將自己從過去被解放出來。被劃掉的Heroes，表示著在得到搖滾巨星等名聲後的數十年，即使曾是英雄，即使年華老去，他還想繼續作自己，有所前進，就像專輯名稱「The Next Day」，我們無法拒絕每一天的到來，於是我們都得繼續前進。

同名曲〈The Next Day〉有著間歇的吉他刷奏，Bowie高昂的唱著曲子，整體的節奏感相當強烈，他如同扮演著一個遭人唾棄、喊打的角色，卻大聲疾呼自己還沒死透，還要繼續過著明天的日子。由薩克斯風和Wah-wah的電吉他節奏來詮釋的〈Dirty Boys〉，描寫年輕人晃蕩在街頭的日子，偷竊、擊碎窗門然後在陽光之下逃跑。

單曲〈The Stars (Are Out Tonight)〉是一首頗具神祕感的曲子，關於永恆事物之美與生命逐漸衰老的對比，就像小時候我們曾看見的星星，在我們踏入死亡前又再一次出現在眼前，我們會忌妒那永恆還是會給予釋懷。〈Love Is Lost〉唱著二十二歲的年輕女孩到了一個新的環境（好比成為明星，嫁入上流社會），卻換來了恐懼以及失去。

專輯中，〈Where Are We Now?〉與其他歌曲的曲式相比，聽來更為慢板、深沉，Bowie回憶起七零年代在德國柏林的日子與現今，與Brian Eno合作的柏林三部曲(Low、Heroes、Lodger)等三張專輯也是在這段時間所製作的，這首曲子也描寫到一九八九年柏林圍牆的倒塌，無數人從東德橫過Bornholmer這座橋墩到達西德，這樣的歷史事件對Bowie來說是一個現在與過去的分界點。

我很喜歡Bowie在〈Valentine's Day〉中的視點，他描繪一位造成校園槍擊案的年輕人Valentine，在詞中成為他的密友，得知他將要射殺的對象，老師們、橄欖球隊的明星球員，Bowie描寫的Valentine的身形削瘦，我們可以猜測他所受到的欺壓，以及射殺的反抗是為了得到應有尊重。他們又遺忘了一個需要被傾聽的年輕靈魂，導致悲劇不斷上演。

而Bowie在〈I'd Rather Be High〉化身為一位二次大戰時期被派上戰場的十七歲青年，對戰爭的死亡充滿恐懼，想要逃離戰場，飛越這一切種種。〈You Feel So Lonely You Could Die〉則將一位間諜的孤獨描繪的一覽無遺，永遠只能躲在暗處的心境讓人直逼死亡的邊緣。

在聽《The Next Day》的時候，我想了很多關於生與死的問題，當然也關乎過去與未來。Bowie的旋律會讓你的思緒沉的更下一層，畢竟這是他這個歲數所能告訴我們的事，更厲害的是他從年輕人到年邁的自己不斷在變換每個故事的角度。而下一個日子，我們又會在哪裡，我們又會是誰，繼續，在茫茫大海上不斷被時間的浪頭拍打前進，在還未沉溺之前。

by pblue

評分：