Bear in Heaven - Time Is Over One Day Old

布魯克林樂團Bear in Heaven在上一張專輯《I Love You It's Cool》中將實驗性與搶耳的流行旋律結合，層層堆疊的聲音效果讓聽眾宛如成為光影明滅的科幻電影中的角色，不過有些樂評仍然偏好他們2010年的專輯《Beast Rest Fourth Mouth》比較直截、簡約的編曲。新專輯《Time Is Over One Day Old》去除掉《I Love You It’s Cool》繁複的綴飾，雖然引人起舞的節拍還在，這些拍子不是要讓人接收環境中無所不在的刺激，而是引導人在紛雜世界找到安定自己的力量，Bear in Heaven寫的一直都是給內向個性聽眾的舞曲。

第一首歌〈Autumn〉就定下了沉思的氛圍，機械般的節拍與人聲聽起來冷淡而疏離，但加入猶如鳥類鳴叫的音效阻擋人的麻木感持續無限蔓延，促使人去感受當下。Jon Philpot深具年輕氣息的聲音在〈Time Between〉較沒有受到效果器障蔽，在合成器與鼓聲不斷回授的空間中發現人性的定位。〈If I Were To Lie〉特別能聽出新鼓手Jason Nazary帶給樂團的新氣象，整首歌建立在搶耳的鼓擊節拍上，不時響起類似八零年代New Order的合成器聲響。

《Time Is Over One Day Old》的許多歌曲將過往的音樂元素與現今的獨立音樂做了非常有趣的融合。以強勁貝斯為主導的歌曲〈They Dream〉採用了迷幻味十足的合成器元素和扭曲的人聲，歌曲結尾處氣氛突然一轉，Jon Philpot乾淨的歌聲透出，彷彿在唱八零年代的靈魂樂流行歌。〈The Sun and the Moon and the Stars〉還以夢幻的shoegaze吉他開頭，慢慢鋪陳進入迷離、化外的場域，像是上張專輯〈Warm Water〉一曲更迷幻的版本。

〈Demon〉無疑是《Time Is Over One Day Old》的重頭戲，一開始鼓機轉換到真實鼓的橋段就很精彩，接著節奏組與合成器都以詭異的方式顫動著，副歌的女聲和音也令人不安，或許我們內心都有難以示人、連自己都感到恐懼的黑暗面。

專輯後半段更深入探討人們在繁忙現代社會中的生存恐懼。〈Way Off〉的歌詞談到城市中迷惘、令人困惑，難以和人建立關係的生活，搭配Depeche Mode般灰暗的合成器聲線，眼前似乎可以見到下雨的黑夜裡，街燈閃爍、行人稀落的市街。〈Dissolve the Walls〉沒有任何的鼓聲，雖然談的是打破疆界與阻隔，卻比專輯中任何一首歌聽起來都更詭譎且冰冷。如果專輯在此結束可能會顯得很悲觀，然而Bear in Heaven不願意放棄希望，終曲〈You Don't Need The World〉激勵聽眾，即使整個世界都像在與自己作對，沒有任何事物值得相信或倚靠，一個人依然能靠自己的勇氣存活下去。

既復古又難以歸類，《Time Is Over One Day Old》越聽越吸引人。上一張專輯《I Love You It’s Cool》可能比較流行討喜，不過戴上耳機仔細聆聽，《Time Is Over One Day Old》能夠引導我們思考在科技主導的世界中個人生存的意義，感謝Bear in Heaven又帶給我們一張傑出的創作。

by Debby

評分：

Adult Jazz – Gist Is

《Gist Is》是一張很容易讓人進入的專輯，當我第一次聽到時就被專輯當中的某些特質吸引，無疑的，Adult Jazz這組來自英國里茲的樂隊成功的在他們的首張作品展現出驚人的才華。樂隊主唱Harry Burgess，在大學期間主修藝術，也曾參與戲劇的演出，因此從他的歌聲你可以聽出彷彿經過聲樂訓練的旋律，在真假音的轉換滑順自如，當然會有人不習慣這樣的唱法在流行音樂中出現，不過至少對我來說聽起來是滿自然的，你也可以說他的歌聲就是樂器演奏的一部分。

音樂上，他們受到Van Morrison的歌曲〈Rave On, John Donne〉啟發，還有Joanna Newsom的《Ys》、Radiohead的《In Rainbows》以及Wild Beasts的《Limbo, Panto》等專輯的影響，既然團名取做Adult Jazz，爵士樂風也成了他們的隱性基因，你所聽到的元素還是相當現代，只不過他們為了擺脫4/4拍搖滾樂的限制，多少將即興的感覺帶到編曲中，在同一首歌可以聽到不同的節奏在變換，像是〈Am Gone〉的韻律及停頓點就相當有趣，一下加入吉他，一下加入管絃樂但兩個元素並不會同時行進在歌曲中。

到了〈Springful〉，由透亮的吉他旋律引領在前，再穿插電子聲效到曲子中，但同時又把鼓機以及各種敲擊聲響參雜在一塊，因此所呈現出來的層次是相當奇妙的。媒體常將他們拿來與Dirty Projectors做比較，但個人覺得Adult Jazz在歌唱方式上還是相對自然一些，不過兩組樂隊在實驗性上的確是有相似的地方，像〈Donne Tongue〉所發出的粗曠吉他聲調，毫無章法卻仍給予一種難以形容的藝術感。

《Gist Is》所要表達的意涵包括了溝通的挑戰、憐憫、道德以及尋找生命的意義，但你很難從歌詞中直接理解實際的意義，我想Harry Burgess的作詞仍然是相當個人的經驗並且抽像的。在〈Spook〉這首近十分鐘的曲子中，讓人感覺生命就是一種追尋的過程，過程中恐懼偶爾會來敲門，你不知道為什麼，也無法理解，只能將感覺寫下成歌，此後生命中所遇到的事物都成為藝術，而最後生命的意義也呼之欲出。

Harry Burgess說，與人建立起信任感比起得到商業成功還要重要，你可以成為一個噪音音樂藝術家，但那不是最具包容性的音樂，他認為最強而有力的信任，存在於包容及友善上，所以音樂如何能有巧思與聽眾建立起信任是Adult Jazz所要嘗試做的事。如同〈Idiot Mantra〉這一首人性化的歌曲，節拍如同心跳在你耳中噗通的跳著，與真實的心跳頻率建立起連接，鼓聲即心跳，心跳即鼓聲。

這是一張極具有巧思的作品，延續英倫Art-Pop的優良傳統，從學院派風格另闢蹊徑，什麼都不會太飽滿，將層次堆疊的恰到好處，讓人能夠享受到樂器演奏與歌聲旋律的細節，首張作品就能對音樂有這樣的掌握度，實在令人驚嘆。

by pblue

評分：

James - La Petite Mort

今年對喜歡曼徹斯特樂團的樂迷來說真是幸福的一年，後英搖時代的曼城樂團Elbow和Doves主唱Jimi Goodwin紛紛發表新專輯，而長青團James也推出暌違四年的新作。過去這段時間，主唱Tim Booth失去了他的母親和摯友，促使他在《La Petite Mort》探討生命結束的問題。但James並不是一支會沉溺在傷痛中一蹶不振的樂團，音樂上《La Petite Mort》給人的印象反而趨近於死的對立面——生，濃縮了過去生涯中曾嘗試過的曲風並以嶄新的面貌呈現給聽眾。他們還在專輯名稱上幽了一默，“La Petite Mort”的法文直譯是“a little death”，意指魚水之歡。

當〈Walk Like You〉的音樂響起，Tim Booth嘹亮的嗓音滑入耳際，不禁讓人好奇他從何處啜飲了青春之泉，讓歌聲永不顯老。描寫與父母親之間權力拉鋸的〈Walk Like You〉的曲調有點像《Laid》專輯中同樣是開場曲、低微的〈Out to Get You〉，不過〈Walk Like You〉掙脫憂鬱枷鎖的力道更強，引領出壯麗的結尾。〈Curse Curse〉聽起來像《Gold Mother》時期的作品，隨著有點俗氣的合成器旋律起舞，Tim Booth筆下的情景（像是看到梅西進球）非常逗趣。〈Moving On〉的靈感直接出自Booth母親過世的經歷，如同經典歌曲〈Tomorrow〉一樣，樂團把悲傷的事件轉換成鼓舞人心的曲式，無論生命多麼困頓都要堅強起來。全輯電音元素最重的歌曲〈Gone Baby Gone〉融合《Gold Mother》時期琅琅上口的副歌和《Whiplash》、《Millionaires》時期較為洗鍊的編曲，使老派樂迷感受到新舊交融的歡樂。第一支公佈的歌曲〈Frozen Britain〉相較之下就中規中矩，像《Millionaires》時期氣氛低調但旋律討喜的中速歌曲。

後半段的歌曲比較細膩敏感，也是我比較喜歡的部分。在歌詞中不斷自我詰問的〈Interrogation〉善用James樂手眾多的優勢，多種樂器演奏讓這首歌很有層次感，宛如人類思緒的層層密網；中段的吉他刷奏與合成器的搭配又把這首歌帶到新的高點。〈Bitter Virtue〉用婉約的方式表達對權威限制自由的不服從，而溫柔動人的〈All In My Mind〉鼓勵人不應該在感情關係內不表達自我，因為要是偽裝問題不存在，終有一天所有的問題會反噬，弄得一切無法挽回。

專輯最後又回到死亡的正題，Mark Hunter行雲流水的鋼琴開啟了〈Quicken the Dead〉，雖然有些人健康地活在世上，但過著一成不變的平淡生活對樂團來說死氣沉沉，不能算是真正的活著。終曲〈All I'm Saying〉對於生命從出生到死亡的過程已經釋懷，過世的親友能永遠以他（她）們最美好的面貌活在我們心中，遠離曾經承受過的痛苦。

某些版本還多收錄一首歌曲〈Whistleblowers〉，獻給Chelsea Manning和Edward Snowden這樣的洩密者，他們為了追尋心中的正義而遭受囚禁或展開逃亡生涯，想起這些為了理想犧牲自己的人，心裡既覺得敬佩、難受又羞愧。

整體說來，《La Petite Mort》給樂迷的驚喜不多，不脫典型James專輯的框架。但Tim Booth和團員隨著年齡增張所傳達出的智慧，和歌曲中濃厚的人文關懷，讓專輯值得一聽再聽。他們音樂中那種不畏艱難的勇氣始終能夠打動我，期許自己在面對未來無可避免的各方面衰退時，還能堅強勇敢地生活，還能付出心力關心別人。

by Debby

評分：

Manic Street Preachers – Futurology

自去年Manic Street Preachers同時錄製完兩張專輯後，我們先是聽到了《Rewind the Film》這張以家鄉情懷為基調的作品，之後才是這張以歐洲為主要影響的《Futurology》。這兩張專輯雖出自同樣的錄音室及製作人，但聽起來卻是截然不同的感受，不過個人對主唱James Dean Bradfield在《Rewind the Film》的唱腔沒有特別的喜愛，即便歌曲溫情動人，還是喜歡他早期渾厚有力道的聲音，並且沒有太多刻意的矯飾，比起他們給人陽光、力量的那一面，自己還是對他們自省、憤怒的那一面比較有興趣，而《Futurology》中對不同樂風的嘗試以及概念，除了JDB回到早期的唱法，在音樂上他們也從舊有的編曲規則中跳脫出來。

當然，《Futurology》還是一張相對樂觀的專輯，甚至帶有一點自傳性質，像是貝斯手Nicky Wire在〈Walk Me To The Bridge〉的歌詞上寫到他在行駛一條連接瑞典與丹麥的大橋上思索要不要離開樂團的事以及對成名之後的自我懷疑。另一首〈The Next Jet To Leave Moscow〉則是提到他們之前到古巴表演的事情，做為史上第二組到古巴表演的西方樂團並且跟卡斯楚握手之後，他們回國也飽受批評的聲浪，大家也清楚MSP的音樂與政治是密不可分的，但在追尋政治理念的同時多少會有更多的自我懷疑產生，所以你能在同名曲〈Futurology〉聽到他們決定從失敗、過錯與幻滅中的重新出發，且對事情持續抱持著懷疑的態度。

專輯名稱也表現出了他們對未來主義的喜好，在欣賞未來主義的藝術中思索未來，在不斷革新、勞動、速度的人事物中找發掘美的定義。在未來主義的影響下，MSP在他們的音樂中加入Krautrock的節奏、工業感的電子聲效、合成器，讓一切更有速度感，像〈The Next Jet To Leave Moscow〉、〈Europa Geht Durch Mich〉、〈Misguided Missile〉等歌曲都融入了這些元素。〈Europa Geht Durch Mich〉找來德裔女演員同時也是德國綠黨成員的Nina Hoss擔當合音，將對歐洲景像的景仰化作曲子，在德國沒有限速的高速公路上體悟未來還未被寫下，選擇的權利終究還是在自己的手上。

或許有人會回想起在二戰期間義大利的極端未來主義份子擁戴法西斯政府與左派未來主義者分道揚鑣的事，在MSP反法西斯主義的理念下，《Futurology》自然被染上的是左派的未來主義情懷，不過在〈Sex, Power, Love And Money〉曲中反倒嘲諷著，不論左右的政治光譜、不論人種，都離不開性、權力、愛和金錢，這些私欲才是驅動人們的主要原因。

以俄國至上主義藝術家作品Kazimir Malevich作品為名的曲子〈Black Square〉與〈Let's Go To War〉都提到了奮戰， Kazimir Malevich的作品因為史達林的掌權被禁止展覽以及停止繼續創作相關的抽象藝術，這也表現出共產主義對人權的剝奪，當消滅階級變為惡意的剝奪，我們必須思考另一種戰鬥的方式，到了當代，在我們面對無法消弭的階級時，我們從鬥爭轉變為對權利的爭取，這又是另外一場必須去奮戰的場域。我們該如何逃脫物質的主宰，超越所有的色彩，以抽象的思考方式解決問題，變成一個難解的課題。

沒有歌詞的演奏曲〈Dreaming A City (Hugheskova)〉讓人想起David Bowie在專輯《Low》中的〈Speed of Life〉，在受到德國文化的影響下，《Futurology》似乎也與《Low》搭起了一座相隔三十七年的橋梁。整體聽起來《Futurology》的曲風比起前兩張作品來得有新意，在概念上也跳脫了他們自己的框架，這是他們給舊樂迷的驚艷，也是給新樂迷接觸他們的機會。這會是繼《Journal For Plague Lovers》之後MSP最好的作品嗎？我想答案的確是肯定的。

by pblue

評分：

White Lung - Deep Fantasy

《Deep Fantasy》是加拿大硬蕊龐克樂隊White Lung首次在獨立廠牌Domino下所發行的專輯，有別與前兩張的製作，《Deep Fantasy》聽起來更加具有力道，曲與曲之間的搭應相當的流暢，整張專輯沒有一首歌是超過三分鐘的，他們在二十多分鐘之內就把十首歌從你的喇叭轟出，讓人聽得腎上腺素直升。

White Lung的女主唱Mish Way是整個樂隊的能量核心，她受到九零年代初期Riot grrrl音樂場景以及女性主義的啟發，在歌詞中表達女性所受到的壓迫與恐懼，並極力對抗性別歧視的意識，但他們並不希望被人們貼上Riot grrrl的標籤，場景已成過往，他們做的是自己的音樂，並不屬於某一個特定的場域。大學就讀創意寫作的Mish Way因為修讀女性主義哲學而打開了她對性別的觀點，也在網路媒體上擔任專欄作家，直接了當的談論性與性別的各種議題，也鼓勵女性不要畏懼談論這些事物，但她在White Lung歌詞上則選擇用比較隱晦的方式來表達她的觀點以及情緒，Mish Way並不想讓White Lung成為一個政治立場鮮明的樂隊，因為她並不想用這些立場分化其他人。

在White Lung的音樂上，吶喊做為一個明顯的表徵，誰掌握了聲音誰便掌握了權力，Mish Way用她充滿力量的嗓音將女性失去的權力奪回，幾乎快將她的肺給喊了出來，但與以往的作品相較，這次她明顯的將更多的情緒放進聲音中。而White Lung的另一個令人注目的聲音就是吉他手Kenneth William所彈奏的Riff，從一開始的〈Drown With The Monster〉就能感受到一波又一波的力量和旋刷奏，尖銳的Riff不時從而耳邊快速的畫過，雖然接下來的歌曲以相似的編曲行進，但你不得不說他快速富變化性的彈奏方式很引人入勝，沒有Melt Banana的吉他手Ichirou Agata這麼花俏，但個人風格還是有成功的建立起來。

〈Snake Jaw〉講的是女性對於外界觀感的自我掙扎，當我們被告知女生就是要瘦、要妝扮，但事實上沒有人可以決定妳並須看起來像什麼，或該做什麼事。專輯中最吵鬧的歌曲〈I Believe You〉受到The Runaways女主唱Cherie Currie的自傳Neon Angel: A Memoir of a Runaway影響，將女性在性暴力底下的恐懼表現出來，Mish Way說：如果有人只是因為你的性別，想從你身上奪走任何東西，告訴他們，別想！

White Lung在以女性主義為立基的《Deep Fantasy》上將音量開的更大，除了挑釁與憤怒之外，更是對抗整個荒謬的性別文化。

by pblue

評分：