Elbow - Audio Vertigo

Elbow的上一張專輯《Flying Dream I》是我當年最鍾愛的作品之一，原本以為團員們隨著年齡增長會繼續推出比較寧靜的創作，隨著單曲〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉和〈Balu〉的發佈，展現出團員依然能炒熱氣氛，並透過多元曲風的融合和別出心裁的敘事角度打動樂迷。

雖然主腦Guy Garvey是鎂光燈焦點和Elbow的靈魂人物，造就《Audio Vertigo》的重大功臣可說是鼓手Alex Reeves和貝斯手Peter Turner。在前鼓手Richard Jupp離團後加入的Alex Reeves終於成為Elbow的正式團員，首次參與創作，他在開場曲〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉的細膩鼓聲的細膩鼓聲達成精彩的開局，另外在單曲〈Balu〉充滿異國風情的敲擊使這首歌立刻捉住聽眾的注意力。貝斯手Peter Turner在上一張專輯的〈Six Words〉等歌曲就已經扮演關鍵的角色，而他在〈Lover’s Leap〉、〈Balu〉、〈From the River〉中搶耳的貝斯都為歌曲增添了神秘氣息。《Audio Vertigo》節奏組的強化有時候讓我感覺像在聽Doves的專輯，表現出曼徹斯特樂團善於結合奮進的節拍、廣袤的音場和私人感情的特色。

Elbow音樂中的豐富元素和發人深省的詞句還是他們的音樂最大的魅力所在。〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉在放克和華麗搖滾元素中，Guy Garvey敘述他回憶年少輕狂時的歲月，「當然我要活到96歲，重建福利國家」或許仍然是他的夢想？

「殉情」一直是Guy Garvey很感興趣的主題，在〈Lover’s Leap〉中他用黑色幽默描述這種劇情時常在影視媒體中被過度使用，拉丁風情的鼓聲和合成器的運用使得這首歌一開始就引人入勝，副歌的 Shake / Shake / Spray Our Names / Where We Land 可以想像現場表演時觀眾自然而然地加入合唱，歌曲最後的溫柔收尾「沒有任何一個在世的藝術家能夠捕捉到你的眼睛」非常唯美。

專輯中有幾處插曲無縫銜接到較長的歌曲是之前比較少見的，收錄團員談話聲的〈(Where Is It?)〉或許是為了襯托 〈Balu〉，使它出場時更有現場感及份量，〈Balu〉歌曲中令人心碎的異國女子並不是多創新的主題，不過搶耳的合成器、厚實的節奏組和琅琅上口的旋律，讓這首歌和專輯後段的〈Good Old Mexico City〉都成為Elbow繼〈Grounds For Divorce〉後最激昂的單曲。

〈Poker Face〉與〈Knife Fight〉的組合則有故事的延續，前者在低微的旋律中，敘事者自述當年的銳氣已經被消磨，能夠無動於衷地度日，但〈Knife Fight〉提及他親眼目睹在伊斯坦堡的街頭械鬥，勾起曾與人劇烈衝突的不快回憶，希望日後再與人爭執時能夠透過酒精潤滑，避免傷害再度發生，Elbow大概是少數能將浪子回頭主題處理得如此優美的樂團，最後的團員和聲 Hallelujah buy us a pint 就像在電影中看到衝突事件化解時立刻令人安心。

〈From the River〉是Elbow作品集中常見的療癒結尾歌曲，和《Giants of All Sizes》中的〈Weightless〉一樣是寫給Guy Garvey的兒子Jack。歌名忍不住讓人不禁聯想到R.E.M.《Automatic For the People》的最後一首歌〈Find the River〉，這兩首歌的主題恰巧相互呼應，都是老一輩鼓勵年輕世代勇敢追求美好的前景，不過Michael Stipe的歌詞比較抽象詩意，Guy Garvey的歌詞更私密，河流與「清晨的噪音和聲」（指工廠）都是他住家附近的景象，他期望兒子成長過程中遇到挫折時不要喪志，因為失敗的經驗反而會豐富他的人生。《Audio Vertigo》是Elbow近期長度最精簡的專輯，但〈From the River〉美好的旋律、搖擺的節奏和畫龍點睛的琴聲，讓這張專輯在搖滾與抒情之間找到絕妙的平衡。

by Debby

Mount Kimbie - The Sunset Violent

第一次聽到《The Sunset Violent》的最後一首〈Empty and Silent〉就被歌曲強烈空寂的氛圍吸引住，從來沒喜歡過King Krule個人的音樂，但每當他乾啞的嗓音配上Mount Kimbie編奏出的聲景總能從虛無中將情感解放出來，彷彿透過Mount Kimbie才能看到Krule的真實面貌，如同他們在《Love What Survives》另一首與Krule合作的〈Blue Train Lines〉就是另一個證明，即便只是一首客座的歌曲卻加深了人們對他們專輯的印象，定義出了這張專輯獨一無二的性格，這次的《The Sunset Violent》也不例外。

回過頭看Mount Kimbie過去的作品再到《The Sunset Violent》不免讓人覺得這形塑的過程跟其他樂隊、組合不太一樣，或許不能將他們當作是一般的樂隊，畢竟一開始只是Kai Campos跟Dominic Maker這兩個英國電子音樂狂熱份子的實驗場域，不像一般樂隊由搖滾的三件式樂器組合走向電子音樂的電氣化過程，Mount Kimbie感覺就像是逆著歷史軌跡行走的旅人，一直到了《The Sunset Violent》才拿起吉他製作電吉他導向的音樂，如果大家有想起來他們上一張兩人分開個別製作出的野心大作《MK 3.5: Die Cuts | City Planning》應該會對這張的製作方向更摸不著頭緒，唯一的方向大概只有他們不斷「跨界」的野心，聽了Dominic去了洛杉磯後製作的《Die Cuts》找來無數R&B、Hip-hop音樂人就知道這野心有多驚人，我甚至覺得這是一張被低估的傑作，畢竟這張專輯居然連一頁Wiki頁面都沒有。

或許我們從《Cold Spring Fault Less Youth》跟《Love What Survives》的某些歌曲就能聽出一些他們搖滾化的端倪，相較起他們第一、二張post-dubstep的曲風，《Love What Survives》這樣冷調帶有後龐克性格的曲調才真正讓他們從英國電音圈中突圍，也聽得出他們走出臥室走向更精細的製作方式，在音色的調配上也更加的細緻，讓整體聽感更加滑順，比起冷調，這次《The Sunset Violent》則是完全相反以暖調的方式來呈現整體的音感，即便Kai在當中使用了大量的電吉他噪音、音牆，你可以明顯感受到那種如暖陽般的鵝黃色色調從音色映現出來，聽另一首合Krule合作的〈Boxing〉就能感受到那種被合成器與音牆包覆的暖度（他們到底是多愛Krule），或許是他們是在加州絲蘭谷沙漠製作這張專輯的緣故，你總能感受到那股熱度，但總有些時刻又變得異常的冷調，就像沙漠氣候的溫差般。

也是鍵盤手Andrea Balency-Béarn跟鼓手Marc Pell的加入讓這張專輯相較過往更有樂隊感，Andrea的合唱與合音也成了專輯中不可或缺的要角，聽Dominic跟她在〈Shipwreck〉合唱心碎的情歌才意識到Mount Kimbie真的成為了一組樂隊，成為了一組遺落在荒漠中還不為人知的獨立搖滾樂團，但也沒有因為吉他導向的緣故而埋葬他們編曲電子節奏的能力，就像他們在〈A Figure In The Surf〉用輪迴的電子鼓點與穩沉的貝斯低音加上彈跳般的合成器聲響製作出了一首精細的電氣流行樂曲，當中電吉他音色在破音與回響效果之間的調配也是相當優異，曲子後段轉為透亮音色的吉他獨奏更是全曲最精采的部分。

如同開頭所說的專輯終曲〈Empty and Silent〉對我來說反而成了聆聽專輯的進入點，Krule呢喃唱著如他日記瑣碎般的歌詞，配上Mount Kimbie莊嚴的合成器音色與motorik beat將他的歌聲放置在空曠與速度感的維度內，完美的呈現出那種寂寥、無助的脆弱感，如同六神無主的靈魂盤旋在倫敦清晨的街道上，他們不急著用低音去填滿空白處，而是緩緩的用低音去支撐起Krule唱出的旋律中那股無助感，直到最後才用不斷的Bassline去走完歌曲的軌譜，這應該是他們繼〈Blue Train Lines〉之後最完美的一次合作。

Mount Kimbie以九零年代的吉他音樂再次證明他們的「跨界」能力，以人聲與吉他為主導的流行音樂對他們來說已經不是難事，即便這不是他們的強項，在傳統樂器上的編曲也不見得有比其他樂隊突出，但他們對節奏的敏銳度與客座樂手的契合還是相當出色，當你聽第一首〈The Trail〉以為只是一首千篇一律Shoegaze曲風的仿效，一直到那個鼓機般的節奏與短小不斷回響的琴鍵聲才發現這聲音遠不止於此，《The Sunset Violent》的聽感如同感受沙漠上夕陽西沉的過程，捕捉了溫暖轉化為冰冷的那個瞬間。

by guan

Wilco - Cousin

或許看到《Cousin》這專輯名稱會讓人覺得困惑，以為整張專輯是以創作者的表兄弟為主題，但看到Jeff Tweedy用"Cousin"這個沒有直接血緣關係的親緣來描繪自己跟這個世界的關係再透過聆聽感受整張專輯才豁然開朗，他想要呈現這種身處這個世界其中卻又同時對世界有一種的疏離感的氛圍。

其實Wilco的音樂已經很久沒有吸引到我的注意力了，或許是過於平淡也沒有突出的製作跟吸引人的旋律性，但《Cousin》卻成功的重新引起我的注意力，比起他們上一張鄉村專輯，隔一年又出了一張風格截然不同的專輯，可能也要歸功於專輯製作人Cate Le Bon，同樣身為音樂人的Cate Le Bon將他處理節奏、合成器音色的方式帶入到了Wilco的音樂，使得整張專輯的聽感變得更加透亮且輕盈，沒有任何的急躁，讓Jeff Tweedy的旋律能夠自由的在節奏上飄盪。

從〈Infinite Surprise〉就回歸《Yankee Hotel Foxtrot》時期在聲音上的實驗感，細碎的節拍跟吉他噪音不斷的迴響在你耳邊，大鼓聲如同心臟般的跳動，然後噪音越來越大，讓歌聲逐漸消逝在音景之中，給人相當印象深刻的開場。Jeff Tweedy在〈Ten Dead〉中用美國槍擊案的新聞來呈現他如何成無能為力到與這個世界產生疏離感，漸強的樂音就如同這種有毒的麻痺感慢慢擴散的佔據他整個人。

〈Levee〉的副歌旋律盤踞在我的腦中，Jeff Tweedy唱著：「拯救我，再一次的拯救我。」他彷彿不需要任何人，又渴望他人的幫助，整歌陷在這個渴望互助的循環中，歌曲中節奏的速度與吉他Riff的搭配可以說是完美，小調的音階來回的爬升將憂鬱感提升至最高。Jeff Tweedy在〈Evicted〉唱著一個人被他人從心中完全排除在外的感覺，唱著：「我就像是在一台老舊孤獨的列車上的一個口哨，無時無刻在哭泣。」刷奏木吉他的用有點哀愁的情緒表達自己再也不會見到對方，自己也應該得到這樣的結局。

〈Sunlight Ends〉的歌詞如同詩句：「你不是那種城市街道能讓任何人能跨越，你是那種高速旋轉的新星讓你自己迷失。」Jeff Tweedy習慣用一些不合常理的譬喻手法讓歌詞看起來更加有趣一點，他又唱道：「你跳舞，就像光中的塵埃，在那個陽光進來的地方，我跟隨著，直到陽光消失在那。」簡單的一些句子就足夠讓人產生畫面感。專輯到了〈Cousin〉，歌曲節奏變得更雀躍，聽來就像是一首The Velvet Underground還是Deerhunter的曲子，反覆緊密的節奏與樂句可以說是整張專輯最吵鬧的曲子，會讓人覺得比起玩鄉村音樂，Wilco還是適合這種搖滾樂。

沒想到這張專輯到了最後居然這麼溫暖，〈Soldier Child〉像是一種與他人久別重逢的感觸，用單純的木吉他刷奏與節拍傳達這份溫情給聽者，聲音彷彿成為了重逢瞬間的快照，那個瞬間彷彿忘記了所有痛苦，加上老套的吉他獨奏卻很有效的將人帶到思念的情緒裡。最後的〈Meant To Be〉更加雀躍，「我們的愛是命中注定的。」Jeff Tweedy這樣唱，如同一首節慶歌曲，歡鬧的將《Cousin》導向了一個更加篤定的結尾，一掃專輯前半段的陰霾，給聽到專輯後段的人留下了彌補失落的印象。

《Cousin》再次證明有了對的製作人才能將Wilco的音樂變得更加動感，Cate Le Bon讓他們成功重返了搖滾樂，也讓專輯的完整度變得更高。即便歌曲間的氛圍不斷轉化，你還是可以很輕鬆流暢的把整張專輯聽完，畢竟每一首歌都維持不俗的旋律性與製作水準，節奏與環境音的處理上也讓人可以體驗到一些聲響上的小巧思。

by guan

bdrmm - I Don't Know

上半年bdrmm的《I Don't Know》專輯尚未正式發行前，單曲〈It's Just A Bit of Blood〉就令我驚豔，比起上一張專輯的青春憂傷氣息顯得更濃重一些，前奏開始不久立刻用吉他音牆轟炸聽眾的耳膜，接著歌曲採用Pixies般動靜交錯的手法，主歌抑鬱迷惘，副歌盛大壯麗，彷彿戰勝了心魔，成為更強大的自己。後來發現bdrmm從廠牌Sonic Cathedral換到Mogwai的Rock Action，並從與Mogwai巡迴的經歷獲取了不少養分，便特別期待聽到完整作品。

當受到Thom Yorke電子樂創作啟發的曲子〈Alp〉響起，立刻成功證明bdrmm成功化解了第二張專輯魔咒，歌曲誕生自樂團與Mogwai巡迴時行車經過阿爾卑斯山時，一面接收到來自家鄉英國的負面消息，絕望的感受油然而生。樂團打造的電子聲響是前作從未見過的，展現了他們成長的軌跡，比較可惜的是隨後的歌曲沒有再融入這麼多電音元素，只能看bdrmm日後的作品會不會往這個方向探索。

〈Be Careful〉也是《I Don't Know》專輯中很有記憶點的歌，貫穿全曲綿延的吉他有點像《The Bends》時期的Radiohead，主腦Ryan Smith描寫即使前幾年心理狀態不佳仍從事創作（「值得治癒的心靈 / 創造著簡單的十四行詩」），副歌的字句「自己要小心 / 為前所未見的事情做準備」主要是安慰身為音樂人的自己熬過了前幾年的艱難景況，不過聽眾也能感同身受。

〈We Fall Apart〉凸顯出bdrmm對於Krautrock的喜愛，Ryan Smith以感情關係為主題自然地寫出這首歌，後半段的口白營造出新浪潮電影的氣氛，宛如放慢版《Primary Colours》時期的The Horrors。演奏曲〈Advertisement One〉呈現一段優美的鋼琴旋律並搭配鳥鳴聲，不確定取名「廣告」是不是為了諷刺，但自然環境的聲音取樣的確能讓人感受到幸福，也回憶起十多年前後搖還盛行時，人們從旋律和編曲細節中想像出許多風景。

專輯後半段的歌曲回到本位瞪鞋風格，可以聽出Ride、My Bloody Valentine和Slowdive等經典樂團的影響，不過從點綴的電音元素和製作方式又透露出自己的理解，不僅僅是承襲前人的風格。Ryan Smith在〈A Final Movement〉的結尾唱道「看我們的世界在我眼前崩毀 / 我一行一行地寫下我活著的證據 / 我願意忘掉一切 / 如果你願意的話」，看似要放棄努力，但鼓聲轉瞬變強，淒美的弦樂和吉他音牆穿透了種種冷漠的偽裝，如此餘韻不絕的結尾，讓人難以輕易忘記bdrmm的音樂。

by Debby

Slowdive - Everything Is Alive

還記得Slowdive在九零年代解散前的最後一張專輯《Pygmalion》嗎？樂隊主腦Neil Halstead因為對電子音樂感興趣而做出了一張極為冷調，環境音樂取向的專輯，如同效仿Talk Talk的轉變，你可以把他當作Slowdive的《Spirit of Eden》，但其他樂隊成員並不喜歡這樣的走向，專輯本身的鬱悶氛圍如同團員間的關係也間接宣告了樂隊解散的結局，但Neil在這之後也沒有做出一張個人的電子專輯，反而走向了鄉村民謠組了Mojave 3，在他心裡還有未完成的電子音樂夢，一人製作出音樂比起被他人認可、參與來得容易，即便他在2019用了類比合成器開始創作歌曲打算製作成個人專輯，他還是決定將這些歌曲分享給其他團員，徵詢其他團員的意見，將它們從純電子音樂轉變為一首首Slowdive的歌曲，這也意味著吉他噪音溫厚的Bassline依舊會是歌曲的一部分。

《Everything Is Alive》製作期間經歷了疫情也經歷了團員Rachel Goswell母親及Simon Scott父親的過世，他們決定將這張專輯獻給他們離世的親人，原本預期這張專輯會更為黑暗但沒想到結果卻是比想像中來得明亮，在冷與熱的調性之間找到了中間的溫度，就算是使用了合成器也聽起來溫和，在分解和弦的彈奏與貝斯低音的韻律下從機械式的節奏中取得完美的平衡。

〈Shanty〉的由弱漸強的類比合成器Loop，再讓突如其來的吉他噪音炸響在你的耳膜上，搭上Simon的Motorik beat每一次小小的過門都相當讓人驚喜，因為你從未聽過Slowdive如此強調節奏，每一項元素都相當極簡又重複，卻能刻劃出美妙的音頻。但不得不說後搖滾走向的〈Prayer Remembered〉作為一首過渡的歌曲放在節奏感強烈的〈Shanty〉後面顯得有點突兀

不管是〈Alife〉還是〈Kisses〉都再度展現他們創造出在流行旋律中帶有夢幻感的能力，即便Neil跟Rachel都已經年過半百，兩人合唱聽起來還是能重現那股青春的悸動，即使是年輕一代的人聽到還是能從中找到歸屬，只要聽過〈Kisses〉副歌一遍後那旋律就在腦中揮之不去，吉他延遲與迴響效果的堆疊讓整首歌被迷霧包覆，舞曲節拍則讓你在迷霧中找到不知何去何從的方向，連原音吉他的間奏也是驚喜之處，如同一首New Order與Slowdive合作後的作品。

〈Chained To A Cloud〉在合成器與節奏組的巧妙搭配與環境音的增幅下聽來相當的壯闊，雖然合成器Loop聽來極簡到不行卻能製造出驚人的氛圍，更不用說終曲〈The Slab〉的堆疊有多驚心動魄了，就像是你攀登上高山看著雲霧繚繞的光景，琴聲快速的震盪著空氣不斷的延盪進你的耳門，彷彿你能夠從那一大片音景中找到窮極一生都在追尋的答案，Neil跟Rachel幽魂般的歌聲重疊在一起，如同他們發聲的形體並不存在在同一個時間與地點，而是來自不同時間點讓彼此的聲音交疊在一起。

比起2017年重組後的同名專輯，《Everything Is Alive》在各方面來說都更具有突破性，也彌補了Neil將近三十年的遺憾，當初沒有好好把Slowdive的另一個面向給展現出來，這次則是一了心願，放下作為主要創作者的固執，將不一樣風格的Slowdive帶給大家，也向世人展現了實驗音樂如何能轉化成流行音樂又不失樂隊核心的本質。

by guan