The Embassy - Sweet Sensation

有一篇樂評說：「在圈外晃盪八年後，The Embassy需要出一張扭轉情勢或至少佳作連連的專輯。新作《Sweet Sensation》充其量只是一張交差了事的專輯，只為了證明他們還存在。」如果是其他樂團消失很久之後發了一張不怎麼樣的專輯，以上的評論可能算是中肯，但是我想要為The Embassy辯護，因為我覺得他們與眾不同。我不是要為他們發行爛專輯開脫，只是要說，他們有自己發片的原則，不照著音樂產業走，所以他們可以做自己想做的事。如果你不夠瞭解他們想法的話，他們的新專輯可能會辜負你的期待，讓你一頭霧水。

假如你不太熟悉瑞典的電子音樂，那我來簡單介紹一下。一切都是從2000年代初期哥德堡的廠牌Service開始的。Service發行了The Embassy、The Tough Alliance、Studio的美妙流行專輯。這些樂團從Sarah Records和Factory Records得到他們的創作靈感，我覺得他們就是借用了這些廠牌的所有精髓，不論是反傳統的行銷方式、反骨的態度或是那清亮的聲響。Service 旗下的這些樂團想和主流做區隔，又同時想做出完美的流行音樂，像The Field Mice或者New Order那樣。他們將流行旋律與美好的節拍結合，創造出獨特的風格，曾經掀起短暫的風潮。不知道為什麼，這種音樂好像挾帶著舒服溫暖的微風、柔軟的沙灘和陽光，讓人能完全放鬆心情，感到愉悅。不少人把這樣的音樂歸類為Baleric-pop。

不過近年來情況有了變化。Service宣佈歇業，Studio已經解散，團員各自改為擔任協助其他音樂人的角色。The Tough Alliance已經無限期分道揚鑣，團員Eric Berglund忙著個人音樂計劃ceo，並負責廠牌Sincerely Yours的發行，而Henning Furst則是製作了其他樂團的專輯，像是Taken By Trees等。雖然還有其他樂團玩著這種樂風，例如Air France、Honeydrips、jj、Korallreven等等，然而場景的性質已經改變。如同其中一個當時場景的見證者Jens Lekman所說，他覺得許多在哥德堡的年輕樂團只是在遵照過去的傳統，而不是創造自己的新東西。考慮以上提到的背景資訊，The Embassy回鍋的意義遠超過另一張新專輯發行而已。他們自己辯解道，樂團從來都不是故意要打破傳統，他們只是去做自己覺得正確且必要的事。我還沒辦法決定要把這些話看成諷刺的回應還是誠實的回答，或許兩者都有吧。人本來就可以同時表現真誠又在半開玩笑，他們就是走這樣的路線。樂評說他們「交差了事」？對The Embassy這樣的樂團來說，這段話太過偏離事實了。他們仍然把自己看成真心誠意想做好音樂，但是不得其法的業餘人士。The Embassy出新作的意義在於他們選擇回到原點，重新學習如何創作音樂，而不是利用他們過去的名號然後不加思索地追隨潮流。他們並不妥協。

延續我以上寫的內容，The Embassy在歌曲〈Related Artists〉中取樣了一段Andy Warhol在被問到他的藝術是不是在「對大眾開玩笑」時，Warhol的回答，他說：「沒有，我只不過是在殺時間。」而這個玩笑的點在於Andy Warhol並不是在開玩笑。The Embassy的心態也是一樣，像流行藝術中的Andy Warhol一樣，The Embassy只做他們自己喜歡的音樂，不管眾人是喜歡或者不以為然，他們都無所謂。在你開始批評他們之前，他們就已經承認失敗。因此，他們真的不是想要討好別人或追求讚譽。〈Related Artists〉也對「歸類音樂」這件事開了個玩笑。玩的音樂屬於某個樂風的樂團，在使用last.fm或AMG這樣的服務時，可能會在具有類似音樂概念的其他樂團頁面上顯示成「相關音樂家」。所以Fredrick以他一貫戲謔的方式唱道：「我可不可以也是相關音樂家呢？你的樂團... 還有其他的樂團，掰掰！」不過，這首歌音樂聽起來有種慵懶的韻律，要不是接近結尾的地方有類似New Order的吉他段落，可能會是一首有點無聊的歌。

對我這個熱愛他們前兩張專輯《Futile Crimes》和 《Tacking》的樂迷來說，我自然會比較喜歡《Sweet Sensation》的後半部份，呈現The Embassy直率的流行風格。專輯的上半部份有〈Roundkick〉和〈International〉這樣趨向House和Techno的歌曲，製作方式比較先進前衛，但歌卻不見得比較好聽。〈Livin' Is Easy〉和〈Nightshift〉有The Smiths式的搖擺風加上八零年代的Disco合成器。這些歌可以邊聽邊跳舞，但我懷疑要是有人真的跟著跳的話，舞步應該會綁手綁腳的。開頭鼓聲聽起來猶如Fleetwood Mac的〈Brown Eyes〉的歌曲〈I-D〉表現出The Embassy多愁善感的一面，當主唱/吉他手Fredrik Lindson用脆弱易感的聲音唱道：「Better die on your feet / Than live on your knees」，正是這首歌最動人的時候。

下半部份的話，〈It's Always A New Thing〉和〈Everything I Ever Wanted〉表面上都是延續他們過去專輯風格、平淡無奇但輕鬆悅耳的流行歌曲，但我想假設The Embassy其實透過這些歌釋出了某種座右銘還是宣言。對The Embassy來說，〈It's Always A New Thing〉就像一個時時提醒他們要向前看，找到新視野的座右銘。雖然人生可能就是一個不斷在重複的循環，但是找到新視野並不是一定要去嘗試新的東西，而是用新的態度去看事物，這樣才能我們對待事物才能保有源源不絕的新鮮感和好奇心。接在後面的插曲〈U〉，就像是用別人的話來為他們剛唱完的歌做註釋，這些話正是節錄自他們的偶像Marine Girls在1983接受BBC訪問的內容。裡面她們談到了如何對音樂維持一定的興趣和熱情，和她們為什麼並不想當職業的音樂人，但是，如果你問The Embassy他們節錄這段訪問是不是表示認同，他們會回說：「我們純粹喜歡她們講話的聲音。要當職業的音樂人是OK的，但對我們來說很難，我們喜歡不合邏輯的東西，虛幻模擬和在商店裡行竊。」

而〈Everything I Ever Wanted〉這首則是在講珍惜目前已經擁有的東西，任何你想要的東西，你其實都已經擁有了。這些原則固然都很難達成，不過The Embassy正以他們笨拙的方式在付諸實踐。不然的話，何必自找麻煩成立自己的廠牌International而不是和別人簽約？他們為什麼不認真巡迴？為什麼他們還要做全職工作而不專心做音樂？因為這就是The Embassy的處事風格。話說到底，新專輯真的吸引我的不是他們的音樂，而是他們那半開玩笑的笨拙自嘲態度，但卻堅持做自己，而不是變成你我想要他們成為的樣子。

Written by fuse

Translated by Debby

Snakadaktal - Sleep in the Water

從高中時期便開始玩音樂的一群朋友組成了Snakadaktal，你可能會好奇這組年輕的澳洲墨爾本樂隊的團名到底是怎麼來的，居然連翻閱字典都找不到任何解釋，據說是他們在數學課上畫了一種結合蛇 (Snake) 與翼手龍 (Pterodactyl) 的動物，於是就把這兩個詞結合在一塊，便成了團名Snakadaktal。

在EP發行過後，他們重新找到方向想要做一張關於海洋、讓人沉浸在水底的專輯，於是《Sleep in the Water》就因此誕生了，Snakadaktal音樂中潔淨透亮的單音吉他彈奏與男女雙主唱的表現不免讓人想到The XX，但整體的感覺更加的夢幻，鼓與貝斯低音也相當充滿韻律，如同層層的小海波給人沉浮的舞動感，旋律的部分並不會刻意的追逐流行，身為Beach House歌迷的女主唱Phoebe所唱出的是微冷的夢幻旋律。

專輯中的單曲〈Hung On Tight〉是由男主唱Sean來獻唱，這首歌的節奏感相當好，緊實的鼓拍與朦朧的吉他音色搭配出一種青春的迷惘。〈Deep〉中輕巧的電子鼓拍與合成器讓Phoebe飄渺的歌聲聽來幻妙，與下一首〈Isolate〉無縫銜接的完好，不得不說這首的貝斯聲線還編的真好，所有的律動都彈跳在鼓點上，各樂器的錄製混音都表現出立體的層次感。

另一首單曲〈Ghost〉就沒有那麼讓人驚艷的感覺，反而像是看著無風而平靜的海面，有些平淡卻不失深邃。反觀〈Feel The Ocean Hold Me Under〉的編曲就把他們所有的特點都帶出來，把海洋律動的感覺整個帶到他們的音樂上，而且充滿變化性，緊接上的〈Too Soon〉讓你整個放鬆在歌聲中，如同水中泡沫的叮咚聲響，給人在水裡沉睡的感覺。

聽著Sean隨著明亮的吉他旋律唱著〈The Sun II〉，就好比看著日落與愛情一同消逝在海平面上，但身旁還是有人正等著代表希望的曙光升起，他會告訴你，如果無法停止悲傷，就只好靜靜聆聽音樂吧。〈Sleep〉是一首將海洋化為搖籃的曲子，低沉的吉他聲調與吟唱，夢遊者從遙遠的夢中不斷呼喊意識還停留在現實的人們。

《Sleep in the Water》是一張相當完整的專輯，有著精心的起伏，曲子的調性相同卻又有變化性，成熟的編曲讓人忘了他們還只是大學生，如此年輕卻又有譜寫美妙歌曲的才華，甚至比一些前輩們還具由概念和格局，不禁讓人拭目以待這顆閃耀新星的崛起。

by pblue

評分：

Fuck Buttons - Slow Focus

由Andrew Hung、Benjamin Power兩位來自英國布里斯托的青年所組成的Fuck Buttons這幾年帶給喜歡電子、後搖滾、噪音音樂的樂迷們不少驚喜，雖然只有兩位成員，卻可以運用合成器、筆電、聲音玩具等發聲物創造出猶如銀河般的音樂世界。他們並不是那種停滯不前，滿足於現狀的音樂組合，因此我們從新作《Slow Focus》中所聽到的是前所未有的Fuck Buttons。

《Slow Focus》不同於前兩張專輯分別有Mogwai的John Cummings和名製作人Andrew Weatherall的加持，這次他們決定自己來製作這張專輯，雖然整體氣氛明顯與前作有些分隔，但《Slow Focus》中的深邃以及黑色調性無疑的為聽者帶來全新的體驗，有些人或許會覺得當中重複的音節、節拍會帶來沉悶感，但實際上他們是為了讓音層能夠漸漸疊砌起來，且不是刻意的去營造累積出來的情感一次爆發出來，一切都是以慢、沉的行進方式來表達他們音樂中的層次。

從開場的〈Brainfreeze〉開始是重覆不斷的機械化節拍，然後開始有很重的合成器氛圍，甚至是一些怪奇的聲響，如果要用我自己的解釋方式可能就會是，看著一座小島開始被雲霧繚繞，雲霧上頭盤旋著展翅的巨翼怪鳥們，然後閃電開始擊落在島上，怪鳥們驚慌四處逃竄，雷鳴依舊大作。〈Year Of The Dog〉則像是科幻驚悚片當中會出現的配樂，彷彿主角要進入一艘墜毀的太空船，尋找失事的真相，卻遇到詭異的超自然力量一般。Fuck Buttons的音樂自然能在腦中具現化出來其實是一件有趣的事，因為你跟本沒辦法從歌詞來定義它們，你所能做的只能運用想像力去解釋。

然後〈The Red Wing〉又把情緒帶的更深一些，聲音在你腦中不斷挖掘，奇怪的地方是，這首歌的節拍其實很嘻哈，他們也說到嘻哈音樂所帶給這張專輯的影響，但經由合成器的鋪蓋下變成了一首難以形容的聽覺感受。〈Sentients〉有低重的工業節拍，加上雷射般的音效以及機器人般的失語發聲，再引入合成器的聲響，如同科幻電影配樂中所帶有的未來科技感。

相較於〈Prince's Prize〉的電玩感，〈Stalker〉又讓你回到一種情緒積累的狀態，直到耳膜最後完全被噪音包覆，聽到後來耳朵不免有些疲累，甚至掌握了Fuck Buttons在這張專輯中想要玩的把戲，不過沒想到終曲〈Hidden XS〉還是讓人猜不透，在智慧跳舞音樂的拍子下，甚至還帶了一些小流星不斷劃過天際的溫暖。

Fuck Buttons與一般臥室電子樂手的不同處就在於他們不會完全使用電腦編曲，擅於使用類比合成器，注重現場演奏的聲音表現，所以即使聽他們的錄音室作品也能聽出那股真實的力道，而《Slow Focus》也正是建立在這股力道上，形塑出一個善於吸收也善於質變的聲音變形體。

by pblue

評分：

Anna Von Hausswolff - Ceremony

你知道音樂可以是商業產品，也可以是種藝術的表現形態。對我來說，Neutral Milk Hotel 的《In The Aeroplane Over The Sea》，或是 My Bloody Valentine 的 《Loveless》都可以算是音樂藝術作品。至於怎樣的音樂作品才能算是藝術？我想每個人都有他自己的看法... 但就對我而言，藝術作品應該要能夠在離開創作者仍舊能夠有自己的生命力，也就是說藝術作品不應該是靠藝術家名氣來凸顯它的價值。而作品本身應該是創作者心靈狀態的寫照。而最重要的，就是創作人必須自己摸索屬於他們自己表現藝術的型態，同時並不妥協於外在的影響。Jeff Mangum 在看過 Anne Frank 的日記後，受了莫大的震撼，並嘗試用他那低傳真的表達方式，加上超現實的歌詞，寫出了這張聽了會想要捶心肝的專輯，震撼度不亞於安妮的日記。

而最近我還蠻喜歡這張來自瑞典的 Anna Von Hausswolff 發行的第二張專輯《Ceremony》，我覺得是近年來少數算是完整的音樂藝術作品。

在這張專輯之前，我並沒有聽過她的名字或是她的音樂，但當我放這張專輯來聽，馬上就被開頭曲〈Epitaph of Theodor〉那哥德式的管風琴給吸引了我的注意力。猶如其專輯名稱，開頭聽起來就像是某種儀式的配樂，當鼓聲也一起加入時，腦袋裡不自覺地就浮現死亡的行軍儀式。這音樂聽起來既莊嚴，又嚴肅，而且黑暗的氣氛無所不在。自然而然地也想到了 Joy Division，但不是 JD 的〈Ceremony〉 (這首歌聽起來至少還是有希望的)，不，我想到的是 Anton Corbijn 為〈Atmosphere〉所拍攝的影像。緊接在後的是長達八分多鐘〈Deathbed〉，我甚至不想介紹這首曲，我只想說，這就像是一部從來沒有人拍過的哥德恐怖片中，我最愛片段的配樂。從聽覺，到從聽覺去想像的視覺，遠遠超過我能在這裡打的幾個句子。

在〈Mountains Crave〉，Anna 譜寫的其實就是一首流行上口的曲子，只是她那慷慨激昂的演唱方式，聽起來像是哥德式的《真善美》歌曲。另外一首這種哥德式真善美歌曲應該就是〈Harmonica〉，開頭由簡單的拍手聲，鏡頭慢慢的往後拉，不是綠油油的草原，而是黑暗一片的荒蕪。〈Ocean〉聽起来就像是一波接著一波的海浪，在後面 "Woah~oah~Woah~" 時，那高音唱起來和 Kate Bush 實在是像得不得了。

〈Sova〉的前奏下去，我馬上想到的是 Philip Glass 為電影《Koyaanisqatsi》所譜寫的配樂，特別是影片裡那段快轉重複動作，配上重複音符的旋律。其實，專輯裡有不少片段聽起來都像是 Philip Glass 為那一系列電影的配樂。同時也有極具實驗性的 Drone 音效，像是放在專輯中間的〈No Body〉。而最後的一首歌〈Sun Rise〉，在這首漸漸離開黑不見底的世界，飄渺緩緩上升的曲子中，仍舊帶著黑暗唯美樂團 This Mortal Coil 的影子。

文章開頭提到那些完美的音樂藝術作品，並不是要把這張也捧上與那些專輯相提並論。而是，我覺得 Anna Von Hausswolff 在這張專輯，藉由教堂的管風琴為主幹，摸索到了屬於她自己表現音樂的形式。她的態度是莊嚴的，神聖的，且充滿神祕感的。而這張作品所呈現的多少也反應了創作人的心靈狀態，關於死亡，關於心靈的黑暗面。儘管它仍舊算是一張流行的音樂作品，但光剛剛提到的這幾點就足以另眼看待這張主題可能不是很討喜的專輯。

by fuse

Sigur Rós - Kveikur

經歷鍵盤手Kjartan的離團以及脫離主流廠牌Parlophone後，大家不免懷疑這對Sigur Rós的音樂會造成什麼樣的影響，而且去年才剛發行過專輯《Valtari》隨即又錄製了新專輯《Kveikur》並在今年發行，在這樣緊湊的行程下，他們是否能製作出一張好作品。

不過這些疑惑在聽完《Kveikur》之後便消失了，或許我較不喜歡《Valtari》和《Með suð í eyrum við spilum endalaust》所帶來的平穩與喜樂，反倒是《Kveikur》所帶來的黑暗氣氛，很直接的就與我想要的感覺很契合，讓人想說：「對！就是這樣」，至少在這張專輯下我又重新聽到他們找回自己最初的模樣。

《Kveikur》的封面採用了巴西藝術家Lygia Clark的攝影作品，這其實是她的一個藝術行動之一，讓照片上的人帶著她所製作的面罩，使人感到自身的呼吸與心跳，重造一個小型的私人空間，彷彿重新回到母體的包覆，而《Kveikur》的音樂似乎也帶著這樣重生的感覺。

早先在現場演出便聽過的〈Brennisteinn〉，在專輯的版本上聽起來少了一些更強烈的低沉電氣感，但開場的氣勢還是很驚人，後半段的轉折不免會使人與Radiohead的〈Where I End and You Begin〉作聯想，但Jónsi用拉弦吉他所製造出的廣闊聲景還是相當具有特點，他很擅長利用破音的殘響來製造出獨特的空間感。

以黑曜石的冰島語作為歌名的〈Hrafntinna〉，他們用鈴響般的敲擊穿過整首歌曲，Jónsi歌聲的低高起伏穿梭大氣夾層來到一處冰島的山嶺，你如同從地上黑曜石的黑色亮澤中看見自己模糊的身影，雖然我們這輩子也許不能有機會去到那樣的地方，但Sigur Rós的音樂給你的是超越空間的想像力，我們不一定要去過那些地方，也不一定要稱羨那些絕美的景色，回頭看，你會發現最美的早已經在身邊，我想這才是音樂的本質，每個人都有權力享受音樂所能帶來的想像力。

〈Ísjaki〉或許是一首情歌，或許不是，但看歌詞感覺出是一種人跟人之間關係的崩離，就像冰山遇上火焰，彼此互相消融直至空無，Jónsi在這首歌中唱出了很好的旋律。

而黑暗的同名曲〈Kveikur〉所帶來的是毀滅的警示，即使是燭光也是殘酷的火焰，歌詞寫著：「我們消失在地平線上，消融在太陽的記憶當中」給人一種地球的臭氧層消失殆盡而遭受太陽直射的灼烈感。至少〈Rafstraumur〉和〈Bláþráður〉感覺還能帶來些希望，但我們不並不確定那「希望」到底是什麼，在沒有歌詞的情況下，也只能用聽覺去感受。

沒有賣弄長篇的實驗環境音效、後搖滾鋪陳，《Kveikur》是一張很直接的作品，一張充滿黑色氣氛又不至於了無生氣的搖滾專輯。後來，我在《Kveikur》後面接著聽他們的第一張專輯《Von》，整個氣氛居然莫名的搭合，像是一種重生之後的初始狀態，這次，他們真的重新找到了自己。

by pblue

評分：