The Notwist - Close to the Glass

德國獨立樂隊The Notwist一直不是一組墨守成規的樂團，在Markus Acher與Michael Acher這對兄弟檔與其團員的開創下，他們早期的音樂風格雖然玩著硬蕊龐克、金屬，卻在電子編曲奇才Martin Gretschmann的加入下有了不一樣的轉變，從專輯《Shrink》的憂鬱氛圍開始，電子編曲成為The Notwist音樂中的主幹，於是在《Neon Golden》我們聽到了完美融合Glitch電訊雜音與流行旋律的首首曲子，這也是他們評價最高的專輯，不過接下來浪漫、溫暖的《The Devil, You + Me》它的溫度似乎更貼近我們的體溫。

回顧著這些往事是因為專輯《Close to the Glass》的發行剛好是The Notwist成團的第二十五年，能如此持續玩著音樂並不是那麼容易的事，如今他們已是德國相當重要的獨立樂隊以及旗手。當時要不是Markus Acher推促著Thomas Morr成立廠牌，我們現在也不會聽到德國獨立廠牌Morr所發行的無數作品。

回過來聊《Close to the Glass》這張專輯，其中某些曲子給我的感覺是相對冷調的，但又有一些愉悅的變化，聽起來並不是那麼的一致，但也因此有些意外的驚喜，如著重各式節拍的〈Close To The Glass〉與以吉他為導向的單曲〈Kong〉聽起來幾乎是兩種心情。〈Kong〉的主題是Markus年輕時家裡遭遇水災因而受困的經歷，他幻想自己被超級英雄給拯救，在帶有童心的敘事下，是絕望與希望間的對抗。

另外在作品當中似乎有些像其它樂團致敬的橋段，當然全憑我自己的猜測，像〈Into Another Tune〉急促的虛擬提琴奏鳴不斷繚繞，在旋律上讓人想起Portishead的〈The Rip〉，曲子的行進方式也頗為相似，還有在〈Seven Hour Drive〉當中顫動扭曲的吉他音牆、雷射槍掃般的聲響、朦朧不清的合音，讓人想起My Bloody Valentine的音樂，彷彿向大家宣告The Notwist也是能玩Shoegaze音樂的，而且玩的還不差。

〈Run Run Run〉取樣了各種不同的聲音來源，除了主旋律外，曲子每一秒的行進都有隨機的元素加入，然而聽著長達九分鐘無人聲的〈Lineri〉像是面對訊息不斷流竄的屏幕，人們在一片無機的海洋上載浮載沉，The Notwist的音樂是訊號，是音符，也是文字，他們始終站在這樣的交叉點上。

當Markus被問到為什麼只用英文寫詞，他說他們從以前到現在都受到英美流行音樂的影響，所以自然習慣這樣的創作方式，也因此Markus的歌聲在唱英文時有種特別的腔調，但絲毫不會讓人感覺有不自然的地方，他薄淺不張揚的嗓音一直是樂團的標誌之一。

總體來說《Close to the Glass》是一張在聲音上富有層次的作品，雖然並不具有最原創的風格，但有趣的地方就在於他們不害怕嘗試，不願停留在原地，即使過了二十五年後依舊如此。

by pblue

評分：

Temples - Sun Structures

記得第一次聽到Temples的歌曲是在2012年年底，某個慵懶的早晨想到許久沒看NME網站，上去瞧瞧他們推薦了什麼音樂。當時網站上有個類似「矚目新團」的播放清單，上面有兩首歌吸引了我們的注意力，其中一首是Merchandise的〈Time〉（專輯《Children of Desire》後來選入了年終榜）， 另外一首就是Temples的〈Mesmerise〉；〈Time〉雖然因為那搶耳的riff和主腦Carson Cox獨樹一格的表演方式而略勝一籌，不過〈Mesmerise〉明亮爽朗的旋律還是在心中留下了印記，推進的貝斯、灑滿陽光的吉他與鍵盤像個充滿自信的宣言，宣告當下正是迷幻搖滾復興的時代。

Temples的確非常擅長在一首歌的時間內便吸引到聽眾，主唱/吉他手James Bagshaw所寫的旋律彷彿得到The Beatles的真傳，成團後的第一首創作〈Shelter Song〉乍聽之下還真會以為這是The Beatles當年遺落的曲子，乾淨的吉他、令人難以忘懷的旋律、歌曲中段的美妙轉折、純真樂觀的態度，都讓獨立廠牌Heavenly的老闆Jeff Barrett一聽到這首歌就決定簽下他們。首張專輯《Sun Structures》當中的每一首歌都有作為單曲發行的潛力，有幾首之前樂團已經發表過，資深樂迷或許會希望聽到更多新歌，但這些歌的順序安排相當適切，構成一幅完整的聲音地圖，並沒有給人精選集般倉促集結的感覺。

專輯的A面是一首接一首的金曲齊發，在〈Shelter Song〉後接著同名歌曲〈Sun Structures〉，貝斯與鼓緊密結合成Krautrock式的節奏，而人聲與吉他部份帶點東方氣息，不時出現像喇叭又像風笛的演奏段落，樂團拼貼各式新舊元素的能力令人激賞。〈The Golden Throne〉異國風的前奏讓人想起九零年代的英搖樂團Kula Shaker，以鍵盤鋪墊的副歌非常生動、討喜。不知道是不是因為Temples的團員來自小鎮，專輯由主腦James Bagshaw在自家錄製及混音，他們的創作比起近期同樣玩六零年代迷幻搖滾的樂團Tame Impala、Unknown Mortal Orchestra等多了一份清新質感，〈Keep in the Dark〉像民歌一般質樸，寫著夜晚飲酒時體會到非常單純的逸樂；慢歌〈Move with the Season〉彷彿一個鄉間的童話，恬靜而神秘。

B面的歌曲實驗性較強。去年的單曲〈Colours To Life〉令我百聽不膩，Bagshaw的吉他像The Byrds一樣純淨、細緻，Adam Smith的鍵盤突然晃入，使人眩暈，這首歌表現出年輕生命的熠熠多彩，Bagshaw的詞帶點哲思（「各種想法的平衡，在你吐露的言語中得到確認 / 文字因為你的表達而安定 / 全心投入而召喚的創造契機 / 愛、慾、時間的流動都為生命帶來色彩」），殷切鼓勵人們熱愛創作與生活。〈A Question Isn't Answered〉可能是全輯最像The Beatles的歌曲，段落間的起伏宛如思緒天馬行空的活動，就算找不到解答，也能享受思考的過程。迷幻風格最顯著的歌曲〈Sand Dance〉為《Sun Structures》的心靈旅程做了完美的摘要，中東風情的吉他旋律令人宛如置身沙漠，背著行囊企圖尋找心中的豐美綠洲，歌曲後段的長篇演奏相信如果在現場聽到必定很精彩。最後專輯以緩慢朦朧的〈Fragment's Light〉結束，在接受整張專輯和煦光束的洗禮後，萬物趨於寧靜，在幽黑的夜讓所有的經歷與回憶沉澱下來。

《Sun Structures》是一張專屬於夏日的專輯，在連日的好天氣中，隨時都感到活力十足，但即便在目前嚴酷的冬日，Temples既古老又創新、飽含陽光的音樂也能幫我們稍稍卸除一身疲憊，這樣對生活純粹的禮讚常常要在第一張專輯中才找得到。

by Debby

評分：

Have a Nice Life - The Unnatural World

距離Have a Nice Life的首張專輯《Deathconsciousness》已經過了整整六年，他們靠著樂迷口耳相傳以及網路樂評得到一些知名度，不過除了專輯以外，他們鮮少有現場的演出，或許在聽Have a Nice Life音樂的過程中會讓人覺得他們是一個完整編製的樂隊，但實際上只有靠兩個人在錄製音樂，一位是Dan Barrett，另一位是Tim Macuga，主腦Dan Barrett曾說Have a Nice Life的音樂很難在現場重現出來，畢竟他們一個人可能就負責了好幾個部份的錄音，要找到其他人來一起演出還得安排時間排練，但他們總是很忙碌，不過自己在網路上看過一些他們僅有的現場影片還是覺得相當厲害。就這樣，不常浮上檯面的Have a Nice Life這幾年給人的感覺依然神祕，即便出了EP還是讓我感覺他們像是一個不曾存在的樂團，但又很期盼他們能帶來新的東西，讓這世界上的音樂齒輪能繼續轉動。

終於，我們聽到了Have a Nice Life的第二張專輯《The Unnatural World》。如果首張專輯得到相當成功的評價，那第二專輯對音樂人來說一直是一個很大的考驗，因為作品將會受到更多的放大檢視和比較，這是一個需要被注意的困難點，不過Have a Nice Life並沒有在乎那麼多，他們依舊沒有去錄音室錄音的資金，還是靠著Logic Pro等軟體以及手邊所擁有的設備和網路資源在自家錄製完專輯，所以《The Unnatural World》接著延續他們過往粗糙的低傳真風格，但這一點並不會減少我對他們音樂的喜愛，畢竟我本身就愛這種獨立製作的風格，而且這樣的作法也不會喪失他們對音樂的敏感度，畢竟這就是他們獨有的風格，就算我們會拿Have a Nice Life的音樂跟早期的工業音樂、後龐克、瞪鞋 (Shoegaze) 音樂等來做比較，也無法去貼上一個唯一的標籤，因為他們幾乎是混合了這些另類音樂的風格去開創新的方向，而這個獨特性並不會因為錄製方式給消除，在這一點上面，確實給重金錄製音樂又沒有相對成果的獨立樂團一個重擊。

Dan Barrett提到他最喜歡的幾個樂團分別是Joy Division、My Bloody Valentine、Bauhaus、The Sisters of Mercy、The Chameleons，嗯，等等，還有The Smiths，但他很謙虛的說他吉他技巧太差沒辦法彈出類似The Smiths的吉他音樂，所以專輯《The Unnatural World》接續承襲這些後龐克、瞪鞋音樂先鋒並且除了The Smiths以外的特點為根源，不過我真的不認為他們完全相似上述的那些樂團，應該是他們只取了其中的一點風格上的精華，但Have a Nice Life的旋律更給人一種難以形容的情緒波動，帶來的是焦慮、抑鬱以及緩慢的死亡氣息。

〈Guggenheim Wax Museum〉是一個很具氣勢的開場曲，悔暗的噪音氛圍鋪天蓋地襲來，慢板的鼓擊在遠處迴響著，不過接著的〈Defenestration Song〉才是重頭戲。〈Defenestration Song〉光聽前奏粗噪音色的低音線與迴響感的鼓拍就讓人著迷，然後是十足後龐克感的吉他重複樂段加入，Dan Barrett焦慮的喊唱著："Get off my back! Hey!" 又低吟著："Is this what it’s like? Is this what it’s going to be like?" 作為曲末的淡出，整個人像是要被拋出窗外(Defenestration)，是生是死從來是未知數，畢竟他從未想過他可以活那麼久，他的天性讓他對死亡所帶來的焦慮特別敏感。

在厭世的〈Burial Society〉中，他閉上雙眼想像自己是一個更好的人，但這不能改變他靈魂所受到的折磨，其中最激烈的一段唱著 "Cut my wrists, slit my throat, take this body and string it up, and I’ll never hear what you said, because I’ll be fucking dead by then"。他如此憎恨每一件事情，包括他自己，但內心卻很虛弱，無法抵抗他所憎恨的事物。

〈Music Will Untune the Sky〉給我一種在聽Drone Doom音樂的感覺，再加上詭異的鈴聲和呼喊彷彿在招喚魂魄，嘗試在跟另一個世界做連結，也作為這張專輯的分界點。而〈Cropsey〉更讓我感到悚然，前奏的對談聲取自紀錄片《Suffer The Little Children》，紀錄片內容探究一間精神病院對有心理疾病的孩童所實施的不人道管理以及治療方式，Dan Barrett或許覺得自己正在等待被丟到那樣的地方，成為又一個受折磨的靈魂。

快節奏的〈Unholy Life〉在噪音和尖銳的電吉他聲線埋葬了歌聲，為後龐克與瞪鞋音樂的混融又做了一次示範。而〈Dan and Tim, Reunited by Fate〉則是將後龐克的粗躁的低音樂句帶進工業音樂的氛圍裡，機械式的迴響鼓拍不斷重複直到曲子結束，至慢，至深，直到末曲的〈Emptiness Will Eat the Witch〉才讓人放鬆下來，空無的氣息包覆著你的耳朵，督促著存於現實世界的鬼魂移動到下一個目的地。

《The Unnatural World》整體還是延續了《Deathconsciousness》的風格，不過野心沒有以往那麼龐大，少了一些長篇的環境音樂，主要以詞曲為主，或許沒有更大的突破，但他們的音樂與其它樂團相較從來就不光只是風格上的酷而已，Dan Barrett所要表達的情緒是可以跟聽者做連結的，那樣的感受是很真實的，也可以說是一個靈魂所會擁有的苦痛都能彼此連結，那是這個社會想埋葬卻永世無法埋葬的事實，因為承受所以存在，而音樂的存在該也是建立在這樣的根基上，轉化所有感覺，並引起一個能長長迴盪所有空間的共鳴。

by pblue

評分：

Warpaint - Warpaint

洛杉磯四人女子樂隊 Warpaint 在這張睽違三年的作品中，找來曾製作過 PJ Harvey、Nick Cave、Depeche Mode 等多張暢銷專輯的重量級音樂人 Flood 擔當製作人，而混音後製工程則交由有著「電台司令第六人」之稱的 Nigel Godrich 打理。有著這樣的製作團隊名單，自然讓人對這張新輯有著更高期待，那大概就像得知喜愛的網球選手換了一名新教練後，迫不及待想看看他的表現有何突破一般。

聽完幾次新專輯後，不難發現樂團積極走向 Minimalist Sound 的決心。 對於Trip Hop 碎拍的採用，以及 bass 的節奏躍動與打擊樂器的拍點轉換，皆逐步脫離搖滾樂的原始色彩。同時採樣 R&B 與 Rap 樂風特色，讓音樂聽來更為迷幻真空。此外，樂團在這張新輯中對於環境音效的處理之用心亦是顯而易見的，空間感的掌握愈趨純熟，聲音更加包覆厚實。

先行單曲〈Love Is To Die〉有著完美傳唱力道，迷幻氣息與旋律兼容並蓄地打造出市場暢銷潛力，是首一聽便覺有實力問鼎年度單曲的歌曲。而第二支單曲〈Keep It Healthy〉的前奏編曲與吉他彈奏的停頓節拍，聽來好似另一組 Dream Pop/Psychedelic Rock 樂隊Blonde Redhead 招牌歌曲〈Dr. Strangeluv〉的翻版。這兩首單曲適當地延續了樂迷對於《The Fool》的懷舊之情，卻也是新專輯中少數能讓人與她們先前作品產生連結的歌曲。

〈Hi〉的音符沉降流順和諧，滿溢 Portishead 式的迷幻氣味，昏黃迷濛的色調宛如在午夜時分的中山高林口路段上行進。〈Teese〉的清唱宛如妙齡女子在面前搔首弄姿，慵懶歌聲若即若離，像是精心安排的蠱惑戲碼；〈CC〉審判降臨的沉重鐘聲，如同Joy Division的後龐魂魄再現；〈Drive〉滴答滴答地積累碎片，反覆呢喃著奇異國度的神祕咒語。而結尾的〈Son〉以極簡的鋼琴演奏帶出情緒脈絡，彷彿讓一切故事停止在寂靜沉默的夜色裡，頗有〈Street Spirit〉之神韻。

我想對於習慣聽著搖滾樂明快旋律與爽朗節奏的樂迷來說，Warpaint 這張新輯或許會使其感到煩悶無趣與不知所措。然而，近年來的確有著許多新進樂團嘗試將 Hip Hop/R&B 融入 Indie Rock 樂風，這似乎正說明著，他們成長過程所經歷的音樂場景與90年代樂隊間的差異，而當樂團做出改變時，身為樂迷的我們好似也被逼迫地做出選擇。幸運的是，擁抱新產物與緬懷舊有美好並非死板板的單選題，而這也正是作為一個樂迷單純幸福的所在，只需簡單地做出選擇，無需死拚活拚地弄出可能導致家破人亡的突破性改變。

by Headphone Youth

評分：

Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra - Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything

Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra（錫安山）是以加拿大知名後搖滾樂隊Godspeed You! Black Emperor團員Efrim Menuck為首的樂隊，老實說，我過去一直專注在GY!BE的音樂卻往往忽略了錫安山，對錫安山的第一印象就是會唱歌的GY!BE，但對主唱Efrim Menuck的哀喪的嗓音不太習慣，但新專輯《Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything》徹底改觀了我以前對他的看法，他曾說過有些人來看錫安山的演出並不希望聽到他唱歌，或許這個原因是因為他們慕GY!BE之名而來卻沒聽到他們想要聽的音樂。

至少我覺得GY!BE與錫安山的音樂是相輔相成的，GY!BE沒辦法說的事情就交給錫安山的語言去說，錫安山不能表達的意境就讓GY!BE去表達，如果要將他們獨自分開來聽也不會有什麼大礙。但不得不承認錫安山比GY!BE來得有個性，這個個性是屬於Efrim Menuck對於這個世界的憤怒。他們第三張專輯的專輯名稱《"This Is Our Punk-Rock," Thee Rusted Satellites Gather + Sing》開宗明義就是宣告錫安山就是我們的龐克搖滾，這裡的龐克搖滾已經不再是一種曲風、風格，簡而言之就是他們想對什麼事物做對抗就去對抗。當Efrim Menuck被問到什麼是龐克時，他說這問題就像是在問一條魚，水是什麼？當你已經在「其中」的時候，也不用再去定義「其中」是什麼了。

專輯名稱取作《Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything》像是一種可以呼喊的口號，與GY!BE的《'Allelujah! Don't Bend! Ascend!》有異曲同工之妙，帶著強而有力的鼓舞氣息。錄製這張專輯時他們刻意找了一間老式的公寓來當作他們的錄音場地，雖然離開了錄音室，但成果卻超乎想像的好，團員調整為五人的錫安山，每個人都有相當大的發揮空間，每個人都能製造出大音量的聲景。專輯的確比以往錫安山的音樂來得大聲、緊實，至少前面幾首歌很難讓人有喘息的空間，雙小提琴與一把電吉他在你的耳朵不斷嗡鳴 (Drone)，以及Efrim Menuck獨特的嗓音不斷吶喊著。

Efrim Menuck提到錫安山音樂很重要的一點就是要讓人知道他們是從何而來，專輯第一首〈Fuck Off Get Free (For The Island Of Montreal)〉就是獻給蒙特婁這處他們生活的地方，也是他們一直在對抗的地方，這地方有蓬勃的社會運動場景，也是一個對抗整個加拿大的起點，整首歌的起伏震闊人心。

聽到〈Austerity Blues〉時你可能會想說 "Austerity" 是什麼意思，這個字意指「撙節」，也是政府一項經濟政策所使用的簡稱，在經濟低迷的情況下，利用提高稅收、降低社會福利、削減開支，挽救債務危機，但這項政策並沒有換來經濟的成長，失業率反而上升，不少人成了政策下的受害者。〈Austerity Blues〉像是一首悲歌，對這套從底壞到頭的經濟體制表達不滿。

〈Take Away These Early Grave Blues〉急促的小提琴樂句讓人想到國樂裡的二胡，這樣非西式的表現手法相當有趣，激昂的提琴高音、吉他噪音、有力的鼓點全部鬥打在一塊，Efrim Menuck根本不在乎他唱的好或壞，他就是把聲音給唱出來，多麼如此獨特、怪異的嗓子啊，但你怎麼不被這樣誠懇的聲音所打動，聽他在〈What We Loved Was Not Enough〉的呼喊，想像我們眼前所擁有的一切最後都將崩壞、死亡，我們的愛永遠都不夠，不夠去對抗那些無形的體制，身為人父的Efrim Menuck開始想像會發生在下一代的事，如果我們對現狀麻木不仁，等著他們的未來會是死亡的恐懼，還是存活的希望。

二零一二年的十二月，來自紐約布魯克林年僅十九歲的饒舌歌手Capital Steez自殺墜樓身亡，而專輯的最後一首歌〈Rains Thru the Roof at Thee Grande Ballroom (For Capital Steez)〉便是獻給才華洋溢的Capital Steez。錫安山覺得這些早逝的音樂人就像是活在Grande Ballroom這個傳奇表演場地牆上的痕跡，殘破卻在歷史上占有一席之地。

錫安山的音樂圍繞著死亡、光芒、希望，在這張《Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything》也不例外，但更重要的是專輯中讓人所感受到的那股無法被鬆動的意志，Efrim Menuck說他們走的比傳統的龐克搖滾還要更遠，不過對抗的信念一直都沒有改變。在現在這個越來越易於包裝、偽裝的獨立音樂社群中，總有些真實的聲音不會被掩蓋掉，該讓「滾開！讓我們得到自由並傾倒光芒在所有事物上」不再是句情緒化的口號，而是成為能使我們走得更遠的方向。

by pblue

評分：