The Radio Dept. - Running Out Of Love

就如同新專輯的一首歌名，〈This Thing Was Bound to Happen〉，該發生的遲早會發生，喜歡The Radio Dept.並特別注意他們的樂迷，應該對於新專輯的走向不感到意外。比起他們過往的作品，他們的音樂逐漸地拋去過往的白色音牆，轉而投向拍子偏重的電音節奏。另外，從過去發的幾首單曲如 〈Freddie and the Trojan Horse〉、〈The New Improved Hypocrisy〉、〈Death to Fascism〉，可以發現他們音樂的政治意識越來越強烈。

而從這張新專輯《Running Out Of Love》的歌曲到封面的選擇，他們的意圖再明顯不過了，而他們想表達的也不留任何的灰色地帶。看著世代的崩壞，受夠了令人沮喪的社會現狀，所以只好拾起他們的電腦與鍵盤，用音樂武裝自己，開始對他們不滿的地方開始開砲。然而，出來的作品卻是蒙上了一層濃厚悲觀色彩的反烏托邦主義。即使音樂本身仍然還保有些流行的旋律，但是在他們這樣鬱悶的情緒下做出來的電子樂，顯然並不是為了舞池、取悅大眾而做的，反倒是比較單調且又黑暗的工業化電音節拍。

這張新專輯的序曲〈Sloboda Narodu〉，開頭用平緩的合成樂鋪底，加入爆破的吉他刷音挑起音樂的張力，為這張充滿政治化的專輯掀開了序幕。主唱Johan Duncanson唱到我們不要再忍耐了，因為我們已經沒有時間，我們現在就要自由。歌曲後段又回爐取樣了〈Death to Fascism〉裡貫穿整首歌在二戰時期反法西斯主義的克羅埃西亞語口號，「Death to fascism/ Freedom to the people」，曲名正是後面那句給人民自由。會如此執著地喊著反法西斯主義的口號，可見他們是多麼害怕人類的發展卻是在走回頭路，因為歷史證明我們確實是有可能放棄多元的自由去選擇法西斯主義。

他們開的第一炮就是瑞典的軍工業。瑞典有很多知名的東西出口到世界，如IKEA、Volvo、H&M等，但鮮有人知道瑞典也是世界武器輸出大國。擁有高科技武器技術的瑞典，已經將許多導彈，槍砲，甚至是戰機賣到世界各地，其中包括長年戰爭的中東戰場，如阿富汗、沙烏地阿拉伯、突尼西亞等地。就在2014，瑞典慶祝他們已有200年之久的和平歷史，這段期間並未介入任何的戰爭，甚至在兩次世界大戰都維持中立的立場避免衝突。然而，在知道他們軍工業背後的消息，這樣的慶祝不免讓人感到無盡的諷刺。講求人道主義的瑞典，轉個身把製造的武器賣給那些中東國家，任由他國自相殘殺，迫害著無數無辜的百姓。我想也許是這樣，The Radio Dept. 特別選了這首〈Swedish Guns〉作為新專輯的主打歌，點出這個大家寧願迴避不願多談的話題。並用嘲諷的語氣唱到：「如果你要解決問題，買瑞典武器就對了」。

再來開砲的對象就是瑞典民主黨（Sweden Democrats）。在〈We Got Game〉裡，團員表示這是關於警察保護納粹主義與種族歧視者的，卻對追求平等和平的抗爭者加以施暴。但明顯的把矛頭指向了瑞典民主黨，一個極右派民粹主義的黨。他們主張拒絕移民外來者，宣稱移民者只是瑞典社會的負擔，對於瑞典而言，文化上與經濟上並沒有任何幫助。這樣仇視移民的言論也讓一向開著大門歡迎外來著的瑞典，開始限制開放的人數。即使在歐洲難民危機中，瑞典是接收難民數全球排名第二的國家，但這也絲毫沒有影響瑞典民主黨從原本的小黨躍升瑞典第三大黨的勢力，持續地分歧瑞典人民，散播排外歧視的恨。當然這也反應了這幾年國際社會的動盪，特別是在中東戰爭後帶來的難民潮，讓許多國家都關起門來朝著愛國主義，右派主義在走，從英國脫歐到川普成為共和黨參選人，都不難看出這個國際趨勢，這世界的確感覺越來越沒有愛了。

接著他們要開砲的對象，應該就是他們的老東家拉不拉多廠牌。在去年發行的單曲〈This Repeated Sodomy〉已經把拉不拉多罵過了一番，形容他們與廠牌的關係猶如一場不平等的慣性雞姦。這首單曲回歸到他們早期 indie pop噪音吉他的根，簡潔又夠芭樂。但與新專輯的風格顯然格格不入，也就沒有收錄進來。至於他們與廠牌之間的鬥爭，我也不是特別了解，不過大概是這樣的。向來低調內向的The Radio Dept.從來就不太愛宣傳，更是不輕易妥協的音樂人，因此取消了不少訪問與巡迴演出的曝光機會。比起環遊世界四處演出，他們寧願待在家慢慢琢磨讓他們的音樂更完美，這一磨反倒磨出拉不拉多的老闆Johan Angergård的耐心（請見《Passive Aggressive: Singles 2002-2010》合輯內頁）。不過The Radio Dept.反倒是指控拉不拉多佔盡了他們的便宜，還騙他們簽下了三張專輯的合約，甚至還告上法院。最後，樂團敗訴，只好履行當年簽下的合約，而這張專輯將會是他們在拉不拉多最後的發行。專輯裡的〈Occupied〉，正是當時在打官司時所寫的歌曲。

比起 A面比較工業化的節奏，B面對於老歌迷來說會更親切些，曲子有比較像是indie pop的感覺。〈Can't Be Guilty〉就是經典的The Radio Dept.，只是在這首令人沈溺夢幻的曲子裡，Johan Duncanson反諷著那些對於時事現狀無動於衷的那些人，他們不想知道、不願面對，因此他們自認是無罪的。即使整個世界正在朝著錯誤的方向走，我只要繼續沈溺在我的夢中，繼續不聞不問，我可以假裝一切都沒事。〈Committed To The Cause〉這首算是我覺得專輯裡韻律性最佳的曲子，帥氣的貝斯riff 搭上搖擺的節拍，中間再加入鍵盤與合成器互尬的橋段，聽來極像是九零年代搖滾樂與電子樂交融年代從Cool Britannia出來的作品。就算音樂充滿正向能量，歌曲內容描繪的卻是一個反烏托邦社會的寫照，或是共產極權主義國家的寫照，總之是個我不願意活的一個地方。

最後一首歌〈Teach Me To Forget〉，用重拍的 dub techno帶出專輯的尾聲，Johan Duncanson哀傷的唱到教我如何忘記，忘記過往的不堪，而不遭受後悔之心的折磨。我不確定Johan 是在對舊愛說，還是對舊東家說，甚至是對這個世界說，不過能確定的是邁入中年的他依舊相當的憂鬱，就以上述的曲子看來要不憂鬱也難。音樂本身，這首歌應該也是他們一路從吉他噪音與流暢旋律走來最遠的地方。就這點來說，我覺得相當可取，至少在他們做音樂的過程是不斷的想要改變和突破的，雖然歌迷並不一定會買單。而且他們在處理這些電音歌曲，顯然沒有像他們在做噪音吉他或是上一張Synth-pop專輯那樣信手拈來。但是，還是會期待他們後續能做出更棒更有趣的作品。

by fuse

Michael Kiwanuka - Love and Hate

出道EP《Tell Me A Tale》獲得諸多讚譽，人們將Michael Kiwanuka美譽為Bill Withers、Curtis Mayfield、Otis Redding等靈魂樂大師的接班人。然而隨後發行的首張專輯《Home Again》，雖仍依循著《Tell Me A Tale》原真質樸的音樂特性，但整體策略明顯趨於保守。當下並未將他的聲音牢記在心，只隱約記得《Home Again》讓他拿下BBC Sound of 2012的殊榮。

《Love and Hate》發行之初亦無特意關注，直至某日夜晚在Apple Music上點開了〈Cold Little Heart〉的MV，那一刻徹底地被震懾住（上一回有此相同感受的音樂，是坂本龍一於Avatar Studio現場演奏的影片）。長達五分鐘的前奏鋪陳，有著媲美〈While My Guitar Gently Whips〉的滑絃吉他獨奏，低迴幽美的氛圍更宛如Pink Floyd經典再現。爾後節拍漸起，Michael Kiwanuka厚實穩定的人聲湧入，拉開序幕後的場景彷彿Terry Callier搭上Wilco的旋律線，加上帶點Motown風格的顫抖琴弦，那毫無疑問是一觸及靈魂的聲音。

雖然〈Cold Little Heart〉顯得難以超越，但整張專輯並不僅止此一佳作：專輯同名歌曲〈Love and Hate〉同樣坐擁絕佳編曲架構，長達七分鐘的曲子毫無冷場，將靈魂樂、弦樂與節奏藍調完美融合，尾段的吉他solo令人回味再三。〈Father's Child〉在曲子中段有著類似〈Bitter Sweet Symphony〉般爽朗大器的弦樂配置，此一反差更顯尾聲爵士鋼琴獨語的哀戚惆悵。

或許有些音樂類型過了一段時日後，便逐步遠離喜好光譜。但偶然聽到類似作品時，內心仍會掀起一番漣漪，位處專輯尾聲的〈The Final Frame〉即是如此，它喚醒腦海深處那逐漸散失的關於Damien Rice的一切。〈I'll Never Love〉則重述了每一個脆弱掙扎的片刻，淒美旋律如泣如訴。即使無法如願地完美落地，卻仍傾心於那如同〈Think You Can Wait〉般優雅的抑鬱情懷。

總歸而言，《Love and Hate》幾乎滿足了我心中對於Soul/Jazz的音樂想像（或許有些淺薄），同時也宣告著Michael Kiwanuka的破繭而出。其超齡成熟並直觸靈魂本質的聲音，以及極具感染力且毫無保留的演繹，皆讓人想起去年此時的《To Pimp a Butterfly》(Kendrick Lamar) 與《The Epic》(Kamasi Washington)。這些創作者彷彿用它們的作品提醒著我，在已逝過往的音樂國度裡，還有眾多瑰麗豐富的脈礦尚待開採，無論如何都要讓唱機的鑽頭不間斷地轉動下去。

by Headphone Youth

評分：

The Avalanches - Wildflower

雖然喊了不知道多少次說要出新專輯，都被騙了不知道多少年了，但是看到The Avalanches正式推出新專輯的新聞，還是覺得相當不真實，畢竟都隔了十六年。選了一個假日的午後，騎著單車四處遛躂，順便體驗一下這張新專輯。開頭曲〈Because I’m Me〉一出，直接讓我陷入那歡樂如萬花筒般的世界。嘴角上揚微笑著，暗自竊喜著耳朵裡聽到的The Avalanches和是我印象中的那個The Avalanches是一樣的。當然也不是完全一樣的，因為回到家後我馬上拿出他們的處女專輯《Since I Left You》出來聽，兩張的差異立刻彰顯出來。然而，在聆聽新專輯的當下，他們擅長將不同的元素天衣無縫的拼貼，編織出一個甜美、迷幻、復古的世界，我不由自主地就陷入他們的世界裡去了。任何一段歌詞、句子、對話、節拍、旋律、聲效，都是能按下我腦袋裡想像力的開關。就這樣，我的雙腳隨著齒輪鍊條循環如機械般的運動，但是我的大腦卻隨著The Avalanches的音樂到處亂飛。

把時間推回16年前，在網路世界尚未發達如今的年代，這群來自墨爾本以Darren Seltmann為主腦的年輕人已經把取樣，拼貼不同元素的音樂的技巧推向另人咋舌的境界。話說取樣了三千多種來自老音樂，舊電影的對話，等許多冷門但卻能在舊黑膠唱盤上找到那些早被遺忘的聲音。即使過了16年，現在再聽到〈Frontier Psychiatrist〉還是會起雞皮疙瘩，並且沒有任何過時的跡象。因為音樂本身就已經過度的建構在「舊」的元素上，這群聰明的DJ將音樂解構的支離破碎後，再隨著音樂本身的感覺重新拼貼成一個新的曲子。就這點來說，他們的新專輯還是沿用了相同的手法，整張聽下來也可以感覺得出來有成功地營造出那復古萬花筒的感覺。但是不知道是不是因為Darren Seltmann離團的關係，新專輯有點不及《Since I Left You》這張專輯那樣地驚為天人，那樣的瘋狂，那樣的讓人印象深刻。剩下的原始團員Tony Di Blasi 和 Robbie Chater，花了16年的嘔心力血之作當然沒有砸了自家招牌，但要追上巨獸等級的《Since I Left You》還是有難度的。

剛聽這張《Wildflower》新專輯，大部分樂迷可以發現嘻哈的成分加重很多，畢竟開場的兩首曲子〈Because I’m Me〉與〈Frankie Sinatra〉分別都交給了饒舌歌手Camp Lo 和 Danny Brown。雖然這兩位我都很喜歡，但來到The Avalanches的遊樂園，他們最多只能算是客串的嘉賓。這場秀始終是The Avalanches的。而他們會有偏向嘻哈這個趨向，其實也不難理解。Sampling這項音樂美學就是由嘻哈發揚光大的，在上一張專輯明顯的turntablism亦是如此。就這點，他們深受九零年代黃金嘻哈時期的影響，找來的自然也是同道中人。緊接在後的兩首〈Subways〉與〈Going Home〉，聽得出來八零年代的復古迪斯可明顯地流在他們脈動的血液中。然後，在聽Mercury Rev的Jonathan Donahue 獻唱的〈Colours〉和〈Kaleidoscope Lovers〉或是由Royal Trux的Jennifer Herrema獻唱的〈Step Kids〉，馬上就能聽出那六零年代復古迷幻的感覺，但你知道這不是真正六零年代的音樂，倒更像是某個Elephant 6玩電子的團。

我想The Avalanches對音樂廣泛的愛好與執著，多少會影響甚至鼓勵他們的樂迷去發掘更多不同曲風、無論是新或舊的音樂。即使，他們的音樂大體上還算是罩在他們復古花草清新的包裝下，但我不覺得這兩點有矛盾或是牴觸的地方。但對於最後一首歌〈Saturday Night Inside Out〉我必須多說幾句。大約四年前，他們在網路上丟出了一首罕見的新作品，名〈A Cowboy Overflow Of The Heart〉。它並不是我們所熟悉的The Avalanches音樂，反而更像是迷你版的有聲書。整首曲子由Silver Jews的David Berman念著他自己寫的詩，超現實的場景混雜著生活中的故事，一個回憶著過去的悲傷故事。音樂盒般的背景音樂微微的襯托著，更彰顯出這個故事的感傷。但是，把 (我自認為) 完整的作品切割後再丟到這首〈Saturday Night Inside Out〉歡樂的曲子裡，彷彿是在自我嘲弄，原本那悲傷的感覺完全不見了。而這時，我也可以理解為什麼有些人沒辦法接受這樣東拼西湊的美學，因為不管原作好壞本意善惡，都將不再具有任何意義。他們就只是個需要請自便的原材料而已。在這張的〈The Noisy Eater〉裡面就取樣了The Beatles的〈Come Together〉，並讓一群小孩把他唱成了宛如早餐穀片的廣告jingle作為副歌。我想取樣這件事，真的是個雙面刃。

回到專輯本身，他們的音樂有著濃濃的復古懷舊感，過往的美好時光透過他們的音樂讓我們能夠重返那純真歡樂的感覺，或許，這些從來就不曾存在，而透過他們拼貼的技巧，編織出一個完全能讓人彷彿身歷其境的甜美時光。回憶、夢境和想像明顯地不是一樣的東西，但是在The Avalanches的世界裡，他們像是調皮愛玩的孩子，相互偽裝成對方，向著我們招手，要我們也一同加入他們混亂不真實卻又自在歡樂無比的時空旅程。

by fuse

Minor Victories - Minor Victories

光是將Slowdive/Mojave 3、Mogwai、Editors等樂團名號攤在眼前，便足以顯見Minor Victories此張專輯會是何等受人期待。然而過往眾多Supergroups雷大雨小的經驗，也同樣使人不敢多所期待，以防期待越高、失落越重。好在一切疑慮皆於首次聽到Minor Victories這張同名專輯後煙消雲散，其感動與衝擊遠遠超越原先期待。旋律、聲響絲毫不見老態，歌詞與曲勢的搭配也來得十足groovy，層次轉折有條不絮，恰恰符合個人心中對於Slowdive，以及其後的分支樂團Mojave 3、Monster Movie的美好記憶。

〈A Hundred Hopes〉的起手式輕易地收服了我，鼓點間隱忍著風雨欲來的躁動靈魂更是對上個人胃口；〈Breaking My Light〉裡的哀淒弦樂與迷濛游離女聲，勾勒出Blonde Redhead在《23》時期的迷人意象。即使青春不再永駐，心中依然依戀那每日皆有新鮮事的拓荒時代。〈Folk Arp〉空靈迷離得如同湖上燈籠，將環境音效轉入史詩歌劇般的機巧橋段，更顯後搖巨擘Stuart Braithwaite的鋪陳功力，是整張專輯最棒的部分之一；〈Cogs〉的緊湊節奏與扭曲吉他聲響，則令人想起初出茅廬的The Joy Formidable。那激猛如少的狂躁，讓人一時之間又迷失於時間老人的迷宮之中。

而找來James Graham (The Twilight Sad) 插刀助拳的〈Scattered Ashes (Song for Richard)〉則宛如Monster Movie的復辟之作，偶一回首便撞見歲月遺漏的陳跡。美絕動人的噪音音牆，即便滿坑滿谷亦不嫌多。除此之外，樂團也邀來Mark Kozelek (Sun Kil Moon) 合唱一曲，然而相較於〈Scattered Ashes (Song for Richard)〉的完美契合，〈For You Always〉在整張作品裡顯得突兀尷尬了些，也再次驗證 Mark Kozelek 坐擁將所有歌曲皆唱成個人特色曲調的特殊能力。

專輯尾聲兩首曲子亦毫不遜色：〈The Thief〉在輕盈（Chamber Pop）與沉重（Post-Punk）間交織出嶄新色彩；而〈Higher Hopes〉則以印象派琴鍵帶出古典美學，佐以極簡電子聲響點綴。結尾再以Mogwai招牌式的後搖噪音破牆而出，倍增孤絕疏離感受。曲閉靜默之際，已然心碎滿地。

by Headphone Youth

評分：

The Coral - Distance Inbetween

當BBC 6Music重播今年在Bristol舉辦的音樂祭重點回顧時，第一次聽到The Coral的新歌，當下心中第一個想法是怎麼和Temples這麼像，但我對這種仿六零年代風格的音樂一向沒什麼抵抗力。

The Coral的團齡當然比Temples長上不少，在推出新專輯《Distance Inbetween》之前，樂團已經五年多沒有新作品（2014年的《The Curse of Love》專輯只是釋出沒機會發行的舊作），所以《Distance Inbetween》被視為樂團強勢回歸的宣言。專輯整體聽起來滿溢正面能量，彷彿冬眠後回到生氣盎然大地的生物，準備迎接新的開始。

〈Connector〉機械式的節拍揭開專輯序幕，歌曲結構簡單，散發濃濃迷幻味，訴說著敘事者與另一人之間唇齒相依、密不可分的關係，歌曲主題與編曲令我想起Depeche Mode的〈It's No Good〉，只是沒有那麼激情。開場曲略微慵懶的步調在〈White Bird〉時加快，Krautrock的元素也變得更鮮明，主唱James Skelly的聲音被多部和聲包覆著，響亮的合成器橋段應該能滿足眾多的六零迷幻搖滾控。

〈Chasing the Tail of a Dream〉明顯聽得出是單曲，強勁的節奏與James Skelly自信的嗓音都非常討喜，並加入綿長吉他獨奏，旋律也寫得流行，一聽便讓人難以忘懷。在浪漫深情的專輯同名曲後，〈Million Eyes〉醇厚的吉他一度讓我以為James Skelly會像Manic Street Preachers的JDB一般引吭高歌，但這首歌還是沒有溢出樂團所掌控住的工整框架。

另一支單曲〈Miss Fortune〉描寫搖滾歌曲中常見的繆思女神，節奏組與吉他都帶著一種輕盈感，就算原本情緒低落，清甜的鍵盤聲也會驅散所有的不快；專輯末段另一首讚頌女性的歌〈She Runs the River〉則捕捉到The Byrds的音樂化外脫俗的神韻。

專輯後半段有幾首非常有趣的歌。〈It's You〉的吉他與主歌行進的方式實在像極了Radiohead的〈Creep〉，但樂團在訪問中都沒有提到任何來自Radiohead的影響，或許只是巧合。而假如The Coral突然決定翻唱Lou Barlow或The Folk Implosion的歌曲，最後成果大概會和下一首歌〈Holy Revelation〉相去不遠，貫穿全曲的歪斜吉他迥異於專輯其他曲目比較唯美的風格。〈Fear Machine〉狂放的吉他與《Second Coming》時期的The Stone Roses有點相似，但樂團選擇用朦朧復古的演奏曲〈End Credits〉作結尾，讓聽眾對《Distance Inbetween》的最後印象停留在美麗易碎的幻境中。

《Distance Inbetween》宛如去年The Charlatans的《Modern Nature》或前年Temples的專輯《Sun Structures》，將過去搖滾樂當中的美好元素舊瓶裝新酒，同時彰顯出樂團自己的特色。雖然The Coral的專輯的動聽與感人程度略遜於《Modern Nature》與《Sun Structures》，但它還是能給人愉悅的聆聽體驗，為春日生活增添光彩。

by Debby

評分：