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Read More[Mixtape] 近年來的（類）抗議歌曲
2000年以後的搖滾樂經常受到非難的一點，就是不夠關心嚴肅的議題，而完全浸沐在避世的心靈幻夢中。我原先也抱持著這樣的想法，時常遙想更早的年代搖滾歌手積極參與社會運動的風氣。然而，當這類說法成為主流意見，讓我不禁懷疑實情是否真是如此。現今的搖滾樂真的不關心時事嗎？會不會是目前要對抗的目標物過於龐大且不斷變異，各方意見隨著網路時代的演進也已經百花齊放，舊時那種少數意見領袖的語彙已經不能滿足現在聽音樂的年輕人？就算當下正流行仿古的音樂風格，思想上我認為還是要找到符合時代脈動的新立基點，一味接受六零年代的烏托邦理想只是有點偷懶的作法。
幾個月前在書店看到音樂雜誌《Under the Radar》在做抗議專題，在好奇心驅使下，我買了一本。《Under the Radar》的報導深度一向備受肯定，在該期專題中，他們訪問了EMA、Andrew Bird、Will Sheff (Okkervil River)、Chris Walla (Death Cab for Cutie)、Carl Newman (The New Pornographers)、Lætitia Sadier (Stereolab) 和Dan Deacon等人，報導的內容解答了一些我對抗議歌曲的疑問。
事實上還是有許多歌手仍寫著政治意味濃厚的歌曲，特別是整個音樂生涯都致力於表達理想的人，例如工人皇帝Bruce Springsteen、Rage Against the Machine的主腦Tom Morello等，他們並沒有因為自己的音樂目前受歡迎與否而改變作法。也有部份的獨立樂團/歌手嘗試創作抗議歌曲，例如indie pop團The Mynabirds今年的專輯《GENERALS》當中的歌曲幾乎都具有政治意涵，但主腦Laura Burhenn也承認對於歌手該不該選擇討論嚴肅議題，她內心仍十分掙扎，但她認為在能力範圍內依然值得一試。
其他的獨立樂團/歌手就不一定像Laura Burhenn這麼樂觀了。要是主題只限於某個抗議行動，後世的人聽到便無法感同身受，但也不能寫得太廣泛，像是任何人口中都能說出的話。不能表現得太激動，否則有煽情之虞；要對自己的立場表現出一定程度的堅持，但也不能太過斬釘截鐵，不然會像是在說教。最常見的作法是融合自己的想法，使用隱喻和詩化的語言，經過聽者詮釋後也許抗議的原意也不存在了，Andrew Bird、Carl Newman等歌者都擅長將理念雜揉在隱晦的字句中。Okkervil River的主腦Will Sheff感嘆獨立創作人無法說真話，認為獨立音樂的獨特性正在消逝，和主流價值的享樂主義靠攏，然後媒體的無所不在又削弱了音樂的影響力。他甚至連Bob Dylan、Johnny Cash等老牌民謠歌手的歌曲曾經促成社會革命的故事都持保留態度，他說，我們現在之所以還聆聽這些歌曲，是因為其中描寫的現象目前仍在上演，其實什麼都沒有改變。
我們很難期待一首3、4分鐘的歌可以改變世界，可以確定的只是音樂能在我們無助的時候提供心靈上的慰藉，這種人與人之間的連結才是讓社會前進的動力。當然，如果一首藏有反抗意識歌觸動了聽者的內心，他（她）也能體會到面對不公義的事件不要輕易屈服。有些樂團像Godspeed You! Black Emperor一樣開宗明義用音樂散播反叛火苗，有一些樂團可能諱莫如深，但這不代表他們不在乎社會議題，或私下沒有在居住的社區貢獻一己之力，改善居民的生活。身在數位時代的我們只需上網瀏覽或者多方閱讀就能知道一般民眾面臨的種種困境，也不一定需要音樂人來負責告知。
這次的混音帶選了一些近年來帶有反抗訊息的歌曲，不管抗爭火力或大或小，希望是能感動人的好音樂。
Tracklist:
- Swans - Song for a Warrior
- The Mynabirds - Karma Debt
- Lætitia Sadier - There is a Price to Pay for Freedom (and it isn't Security)
- Andrew Bird - Lusitania
- PJ Harvey - The Words That Maketh Murder
- The New Pornographers - It's Only Divine Right
- Tom Morello - World Wide Rebel Songs
- Dan Deacon - True Thrush
- Thee Oh Sees - Robber Barons
- Bruce Springsteen - Land Of Hope And Dreams
- Ladytron - White Gold
2012.12.9 Spiritualized @ Neo Studio
我想，這其實是場非常私人的演出，是場讓回憶蜂擁而至的演唱會，每個人都在裡頭找尋、拼湊著過往的自己。
重回Neo Studio，這回的站位意外地來到舞台前前五排，已許久未如此靠近舞台，挑選舞台上椅子擺放、面對舞台左邊的位置，為的當然是近距離仰望那位傳奇的太空人。
經過〈Hey Jane〉初步熱鬧現場氣氛後，〈Electricity〉毫不保留地全速前進，這首集瞪鞋、迷幻、噪音於一體的歌曲，在現場聽來更加狂爆，巨大吉他聲響如野獸出閘般毫無保留，震破所有預設的防備，爽度直線爆衝。〈Headin' for the Top Now〉與〈Freedom〉成功地為〈Electricity〉的轟炸做了些災後重建，這時所有知道內幕的人們（也就是那些漂浮於兔毛之上的人們），都明白接下來要集體飄浮。無論它在耳機裡已經反覆播送數千次，現場聽著Jason Pierce親口唱出那令人心碎、療癒、重生的話語，身體還是不由自主地酥麻，彷彿重回初次相遇的悸動。
新歌〈'A' Song〉後半段的飆奏則讓我經歷了整場演出最迷幻的體驗，由於緊閉雙眼的緣故，亮白的燈光在眼皮上投射出泛紅的屏幕，燈光快速的轉換閃爍不斷在視覺上積累堆疊，像一場急襲而來的滂陀大雨，極度目眩神迷，而歌曲突然結束時似乎是身體感官的慣性作祟，胸口隱約被音場重重一擊，彈開似地後撤一步，當下目瞪口呆。
by Headphone Youth
「用生命作音樂」已經是一個遭到濫用的說法，但是用來形容Spiritualized的主腦Jason Pierce真是再貼切不過了。年輕時，他和一同創立Spacemen 3的Peter Kember沉浸在用藥後的恍惚狀態裡，寫下夢囈般扭曲的長篇搖滾歌曲，完全不害怕以自己的身體作為載體來傳達創作理念。改組Spiritualized後，前幾張專輯悠晃絕美的音符記錄了他和前女友從熱戀到感情生變的過程。也許是生命曾經燃燒得太過熾烈，Pierce在2005年患上嚴重的肺炎，心跳還停了兩次。製作新專輯《Sweet Heart Sweet Light》的期間，他的肝臟又出了大問題，為了不想在病榻上躺一年，他主動要求採用可以不必臥床的實驗療法。知道Jason Pierce孱弱的健康狀態，能在台灣看到Spiritualized的演出，看到他安然無恙地在台上彈著吉他唱著歌，我衷心覺得自己非常幸運。
進到Neo Studio的表演場地前，必須先爬五層樓的階梯，主辦單位很貼心地在樓層間貼上天文小百科，讓我們預期到，看表演時將隨著Spiritualized飄忽的音樂飛上天際，而且永遠不想從這場夢中醒來。開場的〈Here It Comes〉有著淒迷的吉他聲響，福音女歌手的合音豐厚了Pierce略微乾啞的歌聲，整體感覺相當療癒。眾所期待的〈Hey Jane〉一開始熱鬧非凡，結構變換之際，背後投影的畫面也轉為充滿希望的黎明，剎那間似乎所有危難都能撥雲見日，迎刃而解。〈Electricity〉和〈Heading for the Top〉延續〈Hey Jane〉的熱力，讓人搖頭晃腦，身體不自覺隨著音樂擺動。
溫馨的〈Freedom〉和名曲〈Ladies and Gentlemen We're Floating in Space〉應該要是當晚情緒最飽漲的時刻，改編的〈Ladies and Gentlemen We're Floating in Space〉不斷重複著「I will love you till I die...」的字句，的確是真心不換，中間加入的貓王歌曲〈Can't Help Falling in Love〉十分有創意，只是我還是覺得原曲那種漂流在真空環境，隔著障蔽呼喊的殷切承諾更為感人。
在聽〈So Long You Pretty Thing〉時，我經歷了當晚唯一的失神體驗。堅定異教徒立場的我，竟然跟著Pierce唱出「Help me, Lord. Help me, Jesus.」，當我察覺到歌詞內容時，真是震驚到難以言語，也欽佩Pierce在《Sweet Heart Sweet Light》專輯中企圖做出的靈魂搖滾樂，能在你最沒有防備的時候佔據你的心。音樂本該如此，不是嗎？
接下來是未發表過的新歌〈'A' Song〉和〈Perfect Miracle〉。〈'A' Song〉是一首有著搶耳吉他間奏、效果器大鳴大放的迷幻曲子，如果Spiritualized的新作也會有較多這樣搖滾曲式的歌，更是令人期待。〈Perfect Miracle〉則像是直接從〈Ladies and Gentlemen We're Floating in Space〉改寫的歌。
樂團在安可時唱了Spacemen 3的歌〈Come Down Easy〉和〈Walking with Jesus〉，飄渺的吉他噪音齊發，填滿全場觀眾的耳朵，終曲〈Smiles〉迴盪的器樂聲響無限延伸，到散場後還久久不散。雖然私心以為他們如果用類似〈So Long You Pretty Thing〉這樣溫情的曲子作結會給觀眾更多的感動，但長篇的噪音詩篇也讓大家記得Spiritualized的實驗性。不論Spiritualized接下來的音樂會偏向靈魂、藍調音樂發展，或是回頭鑽研噪音的各種可能性，我都感佩Jason Pierce在音樂上投注的所有心力，謝謝他和團員們帶給我們這場不可思議的表演。
by Debby
Andy Stott - Luxury Problems
評論Techno及業餘評論Techno專輯
我想先聊聊前半年我在歐洲學到的一些事。跟一群年齡相近的朋友混在一起，我發現時下很多國外的年輕人很喜歡聽電音Techno，特別是那些跑派對的咖。我還領教到了一個對我來說很震撼的音樂祭，在比利時，叫Tomorrowland。甚至我陪著朋友看了一下youtube的現場直播，今年的名單包括現在世界上最紅的電音人，像是Avicii、Swedish House Mafia、Skrillex、Paul van Dyke等等。聽了一些電音音樂讓我體會到這種音樂的可怕性，甚至比時下的流行樂都還要來的可怕。如果現在的流行樂建立在耳蟲（註一）的基礎上，那這種音樂就是耳蠱等級了。為什麼這麼說？因為這種音樂就像是3D的變形金剛，衝著最新科技的效果配上一些沒營養的內容，那些派對咖聽到前奏就他媽的嗨了。這種廉價的快感，已經不是甚麼新鮮事了，所有時下的大眾娛樂，新聞不全都是一個樣。喔，我扯遠了。我想說的是，電音舞曲是現在音樂的一個趨勢，巧妙的把這些音效上的突破運用在這種無腦暴力的音樂美學。我這樣稱呼是客氣了，事實上這種音樂沒有所謂的美學可言，只有廉價的快感，一種永無止境的追求那無以名狀的快感。這也是為什麼，在那個音樂祭上，一首電音金曲（比如，Avicii的〈Levels〉）一天會放個十次。所以，基本上我是不聽電音的。會找到這張電音專輯來聽，純粹是因為我很喜歡他的封面。因此，我也必須先說我沒辦法以專業的角度來介紹這張專輯。
在第一次聆聽這張專輯的時候（那時候甚至還不知道這是甚麼曲風，根據網路上可靠消息指出，叫做Dub Techno，這是什麼啊？），我其實不是很懂這種音樂，但卻有幾個鮮明的印象，首先就是那深黑鬼魅的氣氛，陰魂不散的女聲不斷的被切割重疊，一層又蓋上一層，這時人聲變成豐富的音樂層次，忽遠忽近但始終離你不遠。這種縈繞心頭的特質馬上讓我想到4AD的This Mortal Coil或是Cocteau Twins，以及另一位Dubstep的怪胎Burial。特別是在專輯的第一首歌〈Numb〉，強勁的迴音效果和震耳的拍子，再搭上女主唱 Alison Skidmore（Andy Stott小時候的鋼琴老師）輕盈飄浮的歌聲相互重疊，馬上把整張專輯的氛圍懸在一個更黑暗的角落。對我這個很重視專輯氣氛的人來說，在聽了後面的曲子後，我覺得他把這氣氛做的很貫徹，感覺很完整。
另外，讓我相當驚艷的是曼徹斯特製作人Andy Stott在實驗和流行風格間完美的拿捏。整張專輯的氣氛詭異，顯然來自他處理音效的實驗手法。像是在專輯同名歌曲〈Luxury Problems〉，歌曲的中間他突然丟進來一段完全不搭嘎的拍子，而只停留個一兩秒，過個三十秒後他又丟進同一段拍子的其他部分，一樣也是一兩秒就閃過。我從來沒聽過任何人這樣處理的，如此低調的炫技。而在同一首曲子裡，有著超順的流行節拍在前景和背景中穿來穿去。儘管是極簡和實驗的電音，我相信不難在專輯裡找到喜歡的流行片段。還有，超高階的音效也是另一個這張專輯的重點，幾乎每首歌都能聽到駭然的超炫音效，不管是重低音貝斯還是合成器鼓聲。只是他們來的很低調，建議還是戴耳機聆聽，然後讓他帶你進入這高傳真的暗黑音樂世界，漸漸體會甚麼叫做「層次感」和「空間感」。
儘管主流市場將會繼續濫用最新科技的電子音樂去麻痺他們的消費者，相對的，還是有一群人默默的在做音樂，尋找電子音樂的更多可能性。而這張就是個很好的例子。黑得如此幽深濃厚，美得如此難以捉摸，卻又深得無限沉重。
註一：
英文叫做Earworm，意思是指腦子裡滿是一首歌的旋律，嘴裡不由自主的哼出來，走到哪兒都揮之不去。不瞭解的話，試著唱唱〈Someone Like You〉或是〈Call Me Maybe〉。就算你不喜歡，你都會唱，不可怕嗎？
by fuse
試聽Phosphorescent的新歌Song For Zula
化名為Phosphorescent的美國詞曲創作人Matthew Houck即將在明年三月發行新專輯《Muchacho》，試聽第一首新歌〈Song for Zula〉。