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一般情況下，我們會期待一張專輯會有前後連貫的主題或者統一的風格，將專輯的形式發揮到極致，但是低傳真樂團Sebadoh在1993年發的專輯《Bubble & Scrape》完全不是這麼一回事。通常被視為主導者的Lou Barlow當時對於和J Mascis的創作理念不合，而被踢出Dinosaur Jr.的創傷記憶猶新，因此在Sebadoh他便堅持採行民主作風，不論是和他一起創團的Eric Gaffney以及後來加入的Jason Loewenstein所創作的歌曲都會收錄在專輯中，三人在專輯或者現場表演經常互換樂器，輪流擔任主唱。這樣的作法在他們1991年的專輯《III》算是成功，三人寫的歌曲雖然各有特色，但聆聽起來的感覺是團員都有互相交換意見，加上歌曲長度短促和低成本製作的粗糙質地，整體上是張異中求同的完整作品。經過《III》打開知名度，還有著名獨立廠牌Sub Pop的一紙合約，Sebadoh終於有經費到比較像樣的錄音室錄音，然而Lou Barlow與Eric Gaffney之間的對峙情勢卻也浮上檯面，《Bubble & Scrape》將他們風格迥異之處以相當暴力的方式呈現給聽眾，我很少再聽到比這張專輯更精神分裂的作品，彷彿親眼見證Lou Barlow與Eric Gaffney交戰時的刀光劍影，不過歌曲中表達的情感是非常原始、不假修飾的，尤其Lou Barlow的作品特別扣人心弦，所以不少人會把《Bubble & Scrape》選為Sebadoh的最佳專輯。
Eric Gaffney在發完《Bubble & Scrape》不久就會離團，在此之前他已經多次威脅要離開，讓人不由得仔細檢視他在Sebadoh樂團中的貢獻。曾經當過電台DJ和披薩外送人員的他，對世界懷有強烈的敵意，驅使他寫出奇怪到令人摸不著頭緒的曲子。當他用撕裂般的聲音在〈Fatastic Disaster〉一曲中唱（唸）道：「我是你此生中唯一會怨恨的漂泊者，但我會替你煮飯，還會清掉你吃不完的食物」，我只能說，蛤？每次聽到〈Elixir Is Zog〉，都會被他大吼的「Capricorn, rising!」嚇到。不過在專輯中許多地方都可以看出他的創意巧思，像在〈Fantastic Disaster〉當中編入的口琴真是神來之筆，那口琴嚴重走調，讓已經構成混亂畫面的吉他、人聲和鍵盤更顯扭曲，〈Emma Get Wild〉雷鬼風的開場也充滿趣味。
會一直待到Sebadoh幾乎獲得商業成功和復出的Jason Loewenstein此時依然非常年輕，他的創作反映了其他兩個團員對他的影響，〈Happily Divided〉氣氛上和Lou Barlow寫的慘情歌比較接近，不過Jason Loewenstein多了一份年少的純真，〈Happily Divided〉和〈Sixteen〉都寫出他成長過程中遭遇的家庭問題。專輯的結尾曲〈Flood〉就感染到Eric Gaffney的瘋狂情緒，Loewenstein忘情嘶吼和朋友外出狂歡的喜悅。
《Bubble & Scrape》最動聽的歌曲自然是Lou Barlow所寫的歌，其實把Eric Gaffney和Jason Loewenstein的歌曲抽掉，就可以得到一張風格統一的低傳真搖滾專輯，我承認我有時候會這樣做，因為Barlow漫長的音樂生涯中不少最優秀的作品都收錄在此處。Lou Barlow當時和女友（後來的妻子）Kathleen Billus短暫分手，他陷入強烈的悲傷，並寫了無數首歌曲期望挽回這段感情，其中最有名的就是專輯的開場曲〈Soul and Fire〉，空蕩的吉他一響起，聽者立即就會感受到哀愁迫近，Lou Barlow用平靜、絲毫不矯情的聲音唱著那些悲痛的詞句，讓副歌的「我想我們的愛情已經走到了終點」格外令人難過，諷刺的是，即使他用這首歌、專輯中其他歌曲以及之後陸續收錄在Sebadoh其他專輯上的歌贏回Kathleen的心，這句話在二十年後終究還是成真了。〈Two Years Two Days〉我認為是Lou Barlow所寫過最棒的一首歌，沒有使用奇怪的拼貼元素或營造親密感的劣質錄音，甚至沒有醞釀情緒，一開始就全力傳達出情傷的痛處，從「罪惡感是件愚蠢的事，不要因此留下來」到歌曲結尾都讓人離不開注意力，的確要正在經歷感情生變的人才能寫出這樣真實的內容。專輯後段的〈Think (Let Tomorrow Bee)〉也得到眾多讚許，是專輯中唯一完全不插電的歌曲，一樣是關於失敗的感情，這個主題對他來說永遠是難解的謎，「不斷追問答案，但當下情況根本沒有任何疑問可言」聽起來沉痛不已。
〈Cliche〉到〈Sacred Attention〉是我在《Bubble & Scrape》中最喜歡的段落。〈Cliche〉中的每件樂器和人聲都佔有同等份量，形成獨特的風格。Lou Barlow認為〈Sacred Attention〉是Sebadoh樂團最趨近成熟的作品，如果Eric Gaffney願意繼續留在Sebadoh，他們可能得以進一步發展這激情、絕望又冷酷的聲響。
聆聽《Bubble & Scrape》就像坐雲霄飛車，體驗人生中所能經歷最深刻的情緒反應，歌曲之間的差異讓人很難照單全收，不過如此一來也避免專輯滿佈Lou Barlow筆下的悲哀與痛苦。少了Eric Gaffney帶來的怪異元素，Sebadoh之後的音樂就會變得「相對」圓熟、溫暖且親民，這張專輯保存下的偏執與挑釁反而顯得彌足珍貴，在中年的Sebadoh即將復出推出新作品之際，這張二十年前的專輯記錄了他們最後一段年少輕狂的時光。
by Debby
Anna Von Hausswolff - Ceremony
你知道音樂可以是商業產品，也可以是種藝術的表現形態。對我來說，Neutral Milk Hotel 的《In The Aeroplane Over The Sea》，或是 My Bloody Valentine 的 《Loveless》都可以算是音樂藝術作品。至於怎樣的音樂作品才能算是藝術？我想每個人都有他自己的看法... 但就對我而言，藝術作品應該要能夠在離開創作者仍舊能夠有自己的生命力，也就是說藝術作品不應該是靠藝術家名氣來凸顯它的價值。而作品本身應該是創作者心靈狀態的寫照。而最重要的，就是創作人必須自己摸索屬於他們自己表現藝術的型態，同時並不妥協於外在的影響。Jeff Mangum 在看過 Anne Frank 的日記後，受了莫大的震撼，並嘗試用他那低傳真的表達方式，加上超現實的歌詞，寫出了這張聽了會想要捶心肝的專輯，震撼度不亞於安妮的日記。
而最近我還蠻喜歡這張來自瑞典的 Anna Von Hausswolff 發行的第二張專輯《Ceremony》，我覺得是近年來少數算是完整的音樂藝術作品。
在這張專輯之前，我並沒有聽過她的名字或是她的音樂，但當我放這張專輯來聽，馬上就被開頭曲〈Epitaph of Theodor〉那哥德式的管風琴給吸引了我的注意力。猶如其專輯名稱，開頭聽起來就像是某種儀式的配樂，當鼓聲也一起加入時，腦袋裡不自覺地就浮現死亡的行軍儀式。這音樂聽起來既莊嚴，又嚴肅，而且黑暗的氣氛無所不在。自然而然地也想到了 Joy Division，但不是 JD 的〈Ceremony〉 (這首歌聽起來至少還是有希望的)，不，我想到的是 Anton Corbijn 為〈Atmosphere〉所拍攝的影像。緊接在後的是長達八分多鐘〈Deathbed〉，我甚至不想介紹這首曲，我只想說，這就像是一部從來沒有人拍過的哥德恐怖片中，我最愛片段的配樂。從聽覺，到從聽覺去想像的視覺，遠遠超過我能在這裡打的幾個句子。
在〈Mountains Crave〉，Anna 譜寫的其實就是一首流行上口的曲子，只是她那慷慨激昂的演唱方式，聽起來像是哥德式的《真善美》歌曲。另外一首這種哥德式真善美歌曲應該就是〈Harmonica〉，開頭由簡單的拍手聲，鏡頭慢慢的往後拉，不是綠油油的草原，而是黑暗一片的荒蕪。〈Ocean〉聽起来就像是一波接著一波的海浪，在後面 "Woah~oah~Woah~" 時，那高音唱起來和 Kate Bush 實在是像得不得了。
〈Sova〉的前奏下去，我馬上想到的是 Philip Glass 為電影《Koyaanisqatsi》所譜寫的配樂，特別是影片裡那段快轉重複動作，配上重複音符的旋律。其實，專輯裡有不少片段聽起來都像是 Philip Glass 為那一系列電影的配樂。同時也有極具實驗性的 Drone 音效，像是放在專輯中間的〈No Body〉。而最後的一首歌〈Sun Rise〉，在這首漸漸離開黑不見底的世界，飄渺緩緩上升的曲子中，仍舊帶著黑暗唯美樂團 This Mortal Coil 的影子。
文章開頭提到那些完美的音樂藝術作品，並不是要把這張也捧上與那些專輯相提並論。而是，我覺得 Anna Von Hausswolff 在這張專輯，藉由教堂的管風琴為主幹，摸索到了屬於她自己表現音樂的形式。她的態度是莊嚴的，神聖的，且充滿神祕感的。而這張作品所呈現的多少也反應了創作人的心靈狀態，關於死亡，關於心靈的黑暗面。儘管它仍舊算是一張流行的音樂作品，但光剛剛提到的這幾點就足以另眼看待這張主題可能不是很討喜的專輯。
by fuse