Swervedriver - I Wasn’t Born to Lose You

剛開始接觸Shoegaze的時候，其實對Swervedriver沒有特別的好感。可能聽瞪鞋音樂想追求的是模糊曖昧的氣氛，和同樣來自Oxford且同在傳奇廠牌Creation的瞪鞋樂團Ride相比，Swervedriver的音樂聽起來太生猛直接，歌曲中寫到在公路馳騁時腎上腺素飆升還有對車輛的迷戀，個人也不太能體會，不過情況在我購入他們的專輯之後有了改變。某次在連鎖書店的特賣會，我買到他們1993年的專輯《Mezcal Head》重發版，聽後發現Swervedriver和我之前的印象不盡相同，他們的歌曲的確比大多數瞪鞋團陽剛，但建構在易於入耳的流行曲調上，主腦Adam Franklin和主要吉他手Jimmy Hartridge此起彼落的吉他對話也非常引人入勝。

從2008年復出巡迴，隔了七年Swervedriver終於發行新專輯《I Wasn’t Born to Lose You》，而距離樂團上一張專輯《99th Dream》甚至已經過了17年。有趣的是，這麼多年後Swervedriver和Ride還是有點互相較勁的意味，後者的重組消息搶去了大家對前者發片的關注。要是喜歡瞪鞋樂風而且想嘗試新音樂，《I Wasn’t Born to Lose You》是一張無可挑剔的作品，Swervedriver團員早已步入中年，歲月撫平了年少時的急躁，《I Wasn’t Born to Lose You》的每首歌都讓人感覺到樂團對歌曲創作和樂器編排的駕輕就熟，即使高速疾駛，乘客也能夠安心仰賴樂團的技術，Adam Franklin和Jimmy Hartridge的吉他分開出現在左右聲道，整體的空間感極佳。

專輯發行前先公佈的歌曲〈Autodidact〉描寫駕駛時眼前所見的景象，壯麗的吉他傳達出遇見新事物的由衷喜悅，聽完心中充滿希望。在〈Last Rites〉，團員誠摯邀請原本頹喪的朋友到異地旅行、改變心境，從主歌的輕快刷奏到中後段的迷幻獨奏都是樂迷熟悉並喜愛的風格。〈For a Day Like This〉和單曲〈Setting Sun〉展現出Swervedriver較以往放慢、柔性的新面貌，樂團生涯日正當中、吐放烈焰的年代已經過去，但日落前的餘暉仍然美麗，足以令人記得過往榮景。

中間的〈Everso〉和〈English Subtitles〉是專輯的重心所在。不同於專輯開端的勵志，〈Everso〉散發出悲傷的氣息，鼓擊從頭到尾變化不大，Adam Franklin和貝斯手Steve George的聲音同時訴說景物仍在、人事已非的感慨，抑鬱的吉他不停繚繞之後爆發，聽眾的情緒隨著這些鋪陳逐漸累積，所以當專輯名稱 “I wasn’t born to lose you” 出現在歌詞裡時，讓人覺得分外感動。〈English Subtitles〉主要由同一段重複數次的主歌組成，這段旋律非常美，反覆出現讓感染力變得更強。

如果希望聽到Swevedriver剛硬的一面，〈Red Queen Arms Race〉像是美國迷幻樂團Brian Jonestown Massacre會寫的歌，吉他和鼓重重敲在耳膜上。而2013年就先以單曲發行的〈Deep Wound〉綿長粗重的吉他獨奏充滿影響過Swervedriver的美國樂團線索，例如Hüsker Dü和Dinosaur Jr.，剛好Deep Wound也是Dinosaur Jr.的J Mascis和Lou Barlow學生時代樂團的團名。

專輯末段的吉他音色變得非常多樣。〈Lone Star〉稱讚某個不流俗的人物，能夠隨世局調整自己，並運用機會影響他人，和Deerhunter有些相似的吉他效果代表這個人的多面向，另外，這首歌也非常搶耳，是我整張專輯印象最深的歌。〈I Wonder?〉探索夢境與現實的界限，順著吉他編成的繩索攀爬，我們彷彿能夠到達峰頂，看見所居住地區的全貌。

《I Wasn’t Born to Lose You》中表現出許多類型的情感，以瞪鞋專輯來說非常難得。雖然原本喜歡Swevedriver爆衝風格的樂迷可能會認為新作聽起來不夠過癮，但他們新展現出的細膩手法我很喜愛，希望其他重組復出樂團的新專輯也能有一樣的水平。最後不免要來祈禱許願一下，既然這幾年內很多瞪鞋樂團都重組了，什麼時候輪到Pale Saints和Catherine Wheel呢？

by Debby

評分：

Panda Bear - Panda Bear Meets The Grim Reaper

如果不喜歡Animal Collective後期的音樂，或對Panda Bear之前的音樂沒有太大感覺，Panda Bear的這張《Panda Bear Meets The Grim Reaper》還值得一聽嗎？就我一個對Animal Collective後期音樂沒有太大感覺的聽眾來說 (曾路過Animal Collective現場演出卻轉頭就走)，這張專輯真的值得你花上五十分鐘待在音響前仔細聆聽，咦？Animal Collective跟Panda Bear到底有什麼關係，其實Panda Bear就是樂團成員Noah Lennox的化名，他在九零年代末期後就以Panda Bear發行過不少個人作品。

自從上一張《Tomboy》找來Peter Kember參與製作後，這張作品同樣也繼續與他合作，Peter Kember人稱Sonic Boom是英國八零年代新迷幻樂隊Spacemen 3的成員之一，而這次的合作讓人感覺像是新迷幻音樂的世代交替，即便Noah Lennox也不再是二十幾歲的年輕人，甚至也已經為獨特的Animal Collective奠基了在獨立音樂圈的地位，無論如何，從《Tomboy》就能聽出整體氛圍的不同，到了《Panda Bear Meets The Grim Reaper》則是一種新的冒險，從Peter Kember的吉他噪音到Noah Lennox的合成器噪音，如果新迷幻音樂就是為了探索音樂能給與人們多少未知的感官體驗，那這張作品的確成功的完成了它的任務。

對我來說，Noah Lennox在這張專輯中找到了一種真正在寫歌的狀態，用他自己的意識就能寫出很好的旋律，再用意識流將排山倒海的類比非類比合成器效果呈現出來，然後再將一些詞句填入，並且讓自己的聲音介由詞句發出音韻來成為聲效外的另一種旋律。在〈Mr Noah〉中你可以聽到層次相當豐富的效果環繞交疊在一塊，然後他的含糊的歌聲在其中哼著旋律，如同服用藥物過後的暈眩狀態，相當令人印象深刻。

動物總是憑著本能反應行事，為什麼人類時常就會迷失在自我當中，單曲〈Boys Latin〉所唱的就是比較兩者之間的差異，彈跳的聲效與迴響的電子節拍與Noah Lennox迴音效果的歌聲相輔相成，彷彿在另一個世界舉行祭典。〈Come To Your Senses〉不斷唱著：「Are you mad?」聽來像是在詰問，但或許是唱者自己在反問自己，一種腦內迴音的不斷反射，而在副歌的橋段則是告訴自己不要再搞砸自己的作品了。

受到他父親罹患癌症的影響，〈Tropic of Cancer〉唱著這樣對生死之間的無奈，也暗示著疾病隨著基因而遺傳下去，對已經中年的他來說，死亡的想像只會越來越深刻，這首歌在專輯鮮豔動人的色彩中顯得無比的黯淡。以彈跳般的合成器效果開場，〈Selfish Gene〉也是Noah Lennox的自我疑問，到底我是在製造音樂，還是在製造噪音，這個問題在Animal Collective的音樂中似乎很難分界，但對這張作品來說答案肯定是前者。

好吧，你會說這張專輯可以用Animal Collective最流行的單曲〈My Girls〉來概括啊，就是那種重複不斷會在你腦中自動撥放的單純旋律，但我一點也不介意能有多一點這樣的曲子，而且《Panda Bear Meets The Grim Reaper》在聲音的呈現上的確比較出色，主要的差別我想就在於那種會讓人陷進去的感覺，就好比整個人被丟到五彩繽紛的漩渦攪拌五十分鐘一樣，歌曲間的耦合與完整度都讓人覺得相當好。另一方面，對從紐約搬到里斯本居住的Noah Lennox來說，他全新的生活也為自己的音樂帶來前所未有的改變。

by pblue

評分：