James - Living in Extraordinary Times

《Living in Extraordinary Times》已經是曼城樂團James的第十五張專輯，距離休團後再重組也已經過了十年，彷彿他們從未離開過，上一張專輯《Girl at the End of the World》還達到創紀錄的佳績，他們的音樂生涯可說是老來俏。不過對於James近年來的專輯，我一直都略感失望，覺得他們時常打安全牌，避免作大膽的嘗試。因此第一次聽到新專輯《Living in Extraordinary Times》時，〈Hank〉爆裂的電子元素和激進的政治宣言馬上讓我感到耳目一新，雖然歌曲不像前幾張專輯那麼琅琅上口，但他們寶刀未老的批判力道強烈宣示這就是2018年該聽的音樂。

生活在2018年，尤其是在右派勢力當道的英美，許多人不由得對社會現況感到憂心，足跡橫跨歐美的Tim Booth也不例外，《Living in Extraordinary Times》應該是樂團近年來收錄最多政治歌曲的專輯，然而Tim Booth也坦言不希望專輯變成一張純粹「反川普」的作品，應該包含更多面向。明顯指涉批評對象的歌曲包括前述的開場曲〈Hank〉，把川普上任後發生的事情大略做了歸納，在主歌的隆隆炮火之間，Booth指出目前美國政治的矛盾之處：Black Lives Matter和種族暴力的事件並存、當權者用假數據引發族群對立，但在這些事件發生的同時，人們也有機會想像一個更好的社會應當如何運作，他唱到 Now every possibility exists in everybody's mind 時也顯得特別溫柔。

〈Heads〉的攻擊火力同樣猛烈，Mark Hunter行軍般的鍵盤聲製造出肅殺的氣氛，富人從困苦的人手中掠奪資源，還假裝是在助人的無數騙局，令樂團十分憤慨，憤怒的情緒到了副歌達到高峰，奔忙的鼓聲和鍵盤維持能量要擊破給人錯誤期待的美國夢。接續的歌曲〈Many Faces〉是James這張專輯的抗議歌曲之中我覺得寫得最好的，一開始相對平和的吉他和喇叭、慢慢加入的鍵盤和鼓給了歌曲很棒的層次感，而既然是一首強調人人平等的歌曲，採用James音樂裡時常運用的結尾大合唱真是再適合不過，現場演出一定效果絕佳。

有趣的是，在個人層次上，Tim Booth提出面對種種社會議題的解決方式是去享受性愛，不禁令我聯想到D. H. Lawrence的小說，八零年代的Depeche Mode亦抱持此種論調。具有漂亮旋律的單曲〈Leviathan〉用不甚隱晦的方式描寫結合的過程，燦爛的副歌切實傳達出無邊的歡愉。同名歌曲〈Living in Extraordinary Times〉開頭的詞句有點太過不加修飾，不過此曲一樣旋律動人，在前幾次聆聽專輯的時候率先留下深刻印象。

除了探討時事的歌曲以外，部份歌曲亦提及Tim Booth的一些個人經歷，像〈Coming Home (Pt.2)〉即在懺悔當初為了追求音樂事業、時常巡迴而錯過兒子的成長過程，全曲華美的鍵盤讓人感受到Tim Booth胸臆湧出的父愛以及子女所帶給他的喜悅。另外他們也描繪了一般人的生活處境，〈How Hard the Day〉以一個難以改變處境的人的角度，寫出他眼中的世界。〈Better Than That〉則鼓勵聽者超越自我設下的限制，做能夠發揮所長的事情，鍵盤和吉他橋段都很鼓舞人心。

即使撇除掉Bonus tracks，《Living in Extraordinary Times》本身的12首歌就已經長達57分鐘，加上專輯裡慢歌較少（嚴格說起來只有〈How Hard the Day〉和〈Hope to Sleep〉），聽到結尾耳朵已經有點疲乏，可惜了〈Mask〉和〈What's It About〉其實是專輯後三分之一的亮點，這兩首歌的音樂都顯得行雲流水，樂團聽起來也很放鬆。

如果是購買專輯豪華版或聽串流，正片結束後還有四首加收曲目，展現了James創作寧靜、詩意的一面，也讓我思考若將這些歌變成正式曲目，專輯的可聽性會不會再提升。〈Backward Glances〉和〈Moving Car〉有著《Laid》專輯的氣質，後者的結尾給人輕飄飄快要飛起的感覺，非常美妙。

在James推出的這麼多張專輯當中，《Living in Extraordinary Times》算是還不錯的作品，他們到此刻依然期望創作切合時事，並持續拓展聲響上的嘗試，實在是很難得。如同〈Many Faces〉中的歌詞 There's only love that's strong enough / To rescue us from self-destruct，James的音樂充滿正面能量，能把聽者的心凝聚起來，得知自己不是孤立無援。

by Debby

評分：

Rolling Blackouts Coastal Fever - Hope Downs

Rolling Blackouts Coastal Fever的首張專輯《Hope Downs》無疑的是讓Jangle/Guitar Pop起死回生，他們的出現也更加凸顯出澳洲墨爾本這座獨立搖滾場景的熱絡，而在加入西雅圖獨立廠牌Sub Pop後的EP《The French Press》更將他們的音樂帶到整個世界，從EP中就能聽出這五人組合用吉他譜寫流暢旋律的功力，到了《Hope Downs》也就毫無保留的將他們的實力展現出來。

R.B.C.F.特別的地方在於樂隊裡有三位主唱兼吉他手，分別是Fran Keaney、Tom Russo以及 Joe White，雖然很難分辨出哪首歌個別是誰唱的，不過其中歌聲的差異是很明顯的能夠聽得出來的，但這樣的差異絲毫不會影響到專輯的流暢度。他們的音樂讓你想起一整票八零年代以Jangly吉他為主的搖滾樂，不管是R.E.M.、The Go-Betweens、The Church還是紐西蘭獨立廠牌Flying Nun的The Clean、The Verlaines等等，又再加入一些衝浪搖滾以及鄉村搖滾的元素，你甚至還能聽到Neil Young或Bob Dylan的影響在他們音樂的血液中。

專輯首曲〈An Air Conditioned Man〉 輕快雀躍的節拍與活耀的貝斯線外加上兩把電吉他與一把木吉他就定義了他們轉換出旋律的方式，用一位社會化之人的角度來描述著他回顧過往時所產生的焦慮感，在充滿空調的生活中失去那個最初的自我。單曲〈Talking Straight〉絕對有潛力可以成為我們這個世代的Jangle Pop經典，就像 R.E.M在Reckoning中的〈Pretty Persuasion〉擁有扣人心弦的吉他彈奏與旋律，用主副歌加吉他獨奏的形式來寫出完美流暢的歌曲，只要聽過一遍就很難忘卻。歌詞描述兩個人雖然同處一室卻無法直接將出心裡的話，所謂的在一起卻很孤獨指的就是這樣的感覺。

〈Mainland〉講的是在歐洲難民危機中人們登上另一片土地的渴望與幻滅，即便專輯的調性可以讓人感受到澳洲豔陽的熱度與度假氛圍但曲子卻是展露出當中角色的困境。而〈Sister's Jeans〉則用鄉村搖滾的曲調與Bob Dylan的唱法將一獨自人的孤單生活描繪出來，錚錚的吉他聲響將獨自一人的慵懶攤在煦陽底下。

快節奏的〈Bellarine〉用快速上升即下降的吉他聲響來貫穿整首曲子，聽來如同某些DIIV的歌曲充滿著速度感。然後〈Cappuccino City〉又把你從急迫的節奏中拉回來慵懶的氛圍，響亮的電吉他撥弦與手指在木吉他滑動的摩擦聲合而為一，把那種在玩世不恭的生活逐漸中失去樂趣的心情表達出來。

沒有一首歌在《Hope Downs》會讓你感覺不對勁，因為他們手上三把吉他的彈奏實在是配合的天衣無縫，這樣的編曲補足了歌曲中的每一個空缺處，也讓每一首歌聽起來相當縝密扎實。或許歌詞的內容並沒有音樂來的扎實和深厚，但不可否認的是專輯從頭到尾相當的流暢且完整，對R.B.C.F.來說這絕對是一張成功的首張專輯，讓人搭乘時光機重返過往Jangle Pop盛行的美好年代。

by Guan

評分：

落差草原WWWW - 盤

會買到這張唱片，可以說算是個美好的意外。上個禮拜去唱片行送修CD播放器，遇到另一位電子音樂人，話題正好轉到落差草原WWWW的新專輯。因為老闆剛到貨，我們便拿出來播放一起欣賞。在這之前，本站曾經訪問過落差草原，因此這名字對我而言並不陌生，但是對於他們的音樂，筆者卻沒有那麼熟悉。而當喇叭流出「雨連結天與地的通道」的開頭，那急促而渾厚的bassline與呢喃的歌聲相互交錯穿插出一種邪典的詭異氣氛，接著大鼓出來時更像是某個異端的宗教儀式。我的耳朵立刻被這充滿實驗性的音樂給吸引了。當我們聆聽的時候，該音樂人也不禁讚嘆這張專輯的製作，從錄音到製作混音都可以聽得出落差草原在聲響上下了一番功夫。而我聽到第二首時，馬上就下手買了，等不及想要回家聽。雖然網路上都有發行宣傳，也有Youtube試聽，但是要不是在實體店面有機會正好聽到，而且是用比較好的音響設備聽到，我可能又會錯過這一張今年聽過最有趣的台灣專輯。

關於這張專輯《盤》，其實我覺得有幾個可以討論的面向，像是專輯概念、視覺包裝、文字意境，和最根本的音樂本身。當我在搜尋關於這張專輯的資料時，其實有點困惑。文宣裡提到《盤》是對「共生世界」的意識延伸，是將生命經驗和概念相互融合。以更宏觀的角度來觀察並記錄下在台灣這個島嶼上共生的生命與輪迴。音樂上，除了提到找來Forest主唱Jon Du處理後制錄音及混音，並送給英國Alchemy Mastering首席工程師Matt Colton做母帶後製。對於由一之、愛波、唯祥、阿龍及小白這五位落差草原WWWW的成員如何一起創作出這張專輯裡令人驚奇的音樂，幾乎都沒有提到。

自2010年組團到現在，八年的時間慢慢累積彼此的默契和生命經驗，這張專輯有點像是一種集大成之作。對於像我這樣，初次接觸他們音樂的人，也不難被這聽起來有點陌生但又有點熟悉的音樂給吸引。在〈碎花星辰〉裡，我們先聽到溪水流動的野外錄音，接著加入如部落音樂的敲擊鼓聲，最後充滿震撼感的大鼓聲也跟進，宛如大自然萬物共同進入瘋狂夢境的行進曲。這首長達近十分鐘，巧妙的融合迷幻音樂，世界音樂，與電子音樂，是首極為精彩的作品。〈渡〉更是讓人直接聯想到人過世時，變成了鬼魂走向極樂世界的那段路。樂器的編排上靈活地使用了大鐘與嗩吶，讓這些傳統樂器在樂曲中更有畫龍點睛的效果。

要說到他們在音效的錄製和音場上的設計，這張專輯可以算是在我聽過台灣獨立音樂中，相當厲害的。拿〈精靈〉來說好了，曲調結構經過三四段的變化，無論是鼓聲、鑼聲、鈴聲、敲擊琴聲、實驗電子音效，甚至是吉他聲，我們都能清楚聽見這些樂器出場的位置與力道，聽著它們相互承接轉換，進而改變我們所聽到的聲音場景。〈符號學〉裡更是聽到電子鼓與打擊樂器重複演奏，而其中也有些微妙的變化，搭配著長笛聲的旋律，男女合聲吟唱如符號般隱晦的字句。在曲中後半段，更是轉變成ambient/drone的音效，其浩瀚無根的程度絲毫不亞於太空電影配樂。

其實一開始在聽到這張專輯時，除了對聽到的音樂感到驚喜外，某部分的我一直在腦裡摸索這聽起來像誰，或是這聽起來像甚麼，甚至在想他們到底是在唱三小。但是，多聽幾遍這些問題就顯得越來越不重要。重點是我喜歡我耳裡所聽到的音樂，即使不懂，但我還是能聽到他們玩實驗音樂能玩得如此忘我，玩得如此精彩，並且是這樣獨一無二的。就如同他們專輯封面，由愛波和一之所製作的那盤雕塑品，你能說出那是甚麼東西嗎？你看得到它，但卻說不出來那是什麼。而他們的音樂也一樣，《盤》算是甚麼樣的音樂？我只能說它是實驗音樂，這個猶如「雕塑品」這樣籠統的概稱而已。你必須把心打開，用聽的去感受它，而且最好是用好一點的CD音響系統去體會這張專輯應有的面貌。

by fuse

Beach House - 7

Beach House的《7》看似簡單的用他們所發行的專輯數來命名，但這不單單只是他們的第七張專輯，也是他們至今十多年音樂生涯的轉捩點。之前對他們《Teen Dream》後的專輯一直都感到興趣缺缺，總覺得他們似乎已將自己的風格定型，不斷重複之前詮釋歌曲的方式，雖然同樣是動人夢幻的旋律卻少了某種想要突破自我的渴望，將創作禁錮在有限的邊界內，但《7》雖不能說在獨立搖滾的脈絡中有驚天動地的突破，但風格的轉換跟聲音的重塑卻帶給人耳目一新的感覺，這次的氛圍很黑暗，所呈現的聲響就像是在整個宇宙無邊際的黑上放上星芒，在黑暗中又不缺乏溫度。

這次找來Spaceman團員Peter Kember來擔當製作人並且由英國名製作人Alan Moulder來參與專輯的混音讓《7》在聲響的表現更為精緻但又不顯得匠氣，很多地方都聽得出在製作上的巧思，加上團員Legrand和Scally本身的創作天賦，更為他們的創造力添加了更多的可能性。從第一首〈Dark Spring〉就讓我很驚訝Beach House也能做出這麼深沉的Shoegaze的曲子又聽不出是從九零年代那些的Shoegaze名團中偷來的風格，歌曲中的合聲與飛梭於左右聲道的音效為歌曲帶來了很棒的空間感，猶如隨著隕石在宇宙不斷向黑暗中高速的墜落。〈Pay No Mind〉用緩慢的鼓擊將Legrand口中的旋律與琴鍵聲帶出，唱著：「當我看著黑暗中的你，沒有什麼能讓我感到疑惑了。」浪漫的詞句與旋律緩緩的深植在你的腦中。

在黑暗中的光芒一直是這張專輯中不變的主題，而〈Lemon Glow〉又再一次將這主題完美的呈現在聲音中，你可以聽得到過往Beach House所擅長的夢幻吉他琴響，但在人聲與合聲的處理聽來相當有層次感，電吉他聲響不斷在左右聲道輪流響起如同不斷閃爍的光芒，曲末的大鼓過門給了一個意猶未盡的句點。〈L'Inconnue〉更將人聲的堆疊用的淋漓盡致，這也是Legrand第一首有用法文來歌唱的歌曲，靈感來自一名在塞納河溺死的女子，並又在曲中對照專輯的數字7講述著七名受苦的女孩，並且對他們的遭遇感到憐憫，法文的演唱更為整首歌添加了神祕感，最後以鼓機的聲響與真實鼓拍交錯著高明的將歌曲淡出耳際。

〈Drunk in LA〉是整張專輯最重要的一首歌，不管是旋律還是歌詞都充滿著對生命流逝的不悔，Legrand在訪問說道她很高興自己能夠變老，能夠成熟的看待事情，可以不用在乎他人眼光來做決定，她覺得變老是一件很美的事；Scally第一次聽到這首歌時便覺得驚為天人，幾乎是整張專輯中他最喜歡的歌曲。歌詞描述的是一位明星獨自在昏暗的LA酒吧腦中所掠過的畫面，她在黑暗中渴望著被愛，渴望著爬上艾菲爾鐵塔對著天空書寫希望它能被他人收到。開場的冰塊聲清脆的滑落斟滿酒水的水晶杯中，加上如同唱針放上唱片卻還未撥放樂音前的雜訊聲效，眾聲響細緻的將場景重現在耳旁，內心獨白婉轉緩慢的觸動你的靈魂，相當黑暗卻又優雅絕美的一首歌。

他們也在〈Black Car〉中嘗試了電子元素將冷冽的聲響帶進歌曲中，這首歌以譬喻的方式影射著我們所處的世界，即使我們所處的地方如同寒冷的墓穴但至少還有值得牽掛的事物支撐著我們繼續走下去，這是否也反映著美國現在的政治氣候。當他們被問到這是不是一張政治專輯，他們覺得聽者願意它可以是一張政治專輯，畢竟每個人對政治專輯的有不同的看法，但他們認為專輯不變的主軸還是愛與憐憫。〈Girl of the Year〉受到Andy Warhol旗下女明星Edie Sedgwick的啟發，向從閃耀到殞落的她致敬。還記得The Velvet Underground跟Nico也曾在〈Femme Fatale〉中向Edie Sedgwick致敬，而〈Last Ride〉則反過來向女歌手Nico致敬，歌名也影射了Nico因在Ibiza渡假騎車時因心臟病摔倒所導致的意外死亡，Beach House這次以兩位曾經耀眼的女明星作為專輯的結束，也體現了整張專輯中對女性的敬意。

《7》雖然黑暗但卻是一張充滿亮點的作品，每一首歌從起頭到結束都絲毫不含糊，在製作上也充滿了巧思，將專輯中想要塑造的氛圍完整的帶給聽者。即使在風格上有顯著的轉變但還是將他們自身原本的夢幻旋律完美的轉換到另一個黑色空間讓這張作品成為了他們音樂生涯上的另一個里程碑。

by guan

評分：

Loma - Loma

前年在倫敦看過德州樂團Cross Record與Shearwater的演唱會，身為Shearwater數年的樂迷，注意力都放在主場上，不過聽暖場團Cross Record時覺得音樂十分美麗。今年初得知Shearwater的主腦Jonathan Meiburg與Cross Record合組了新團Loma倒也不感到驚訝，因為Jonathan Meiburg先前已經有許多提攜後輩的事蹟（Sharon van Etten曾是Shearwater的經紀人）。仔細聆聽Cross Record的上一張專輯《Wabi-Sabi》並閱讀資料，發現Shearwater當時還出借了鼓手Thor Harris給Cross Record，所以這兩團在音樂上原本就有很多交集。

Loma這個計畫結合了Cross Record幽微細緻的特質和Shearwater近年來比較戲劇化且外放的風格，從曲子中的轉折和旋律的流動可以聽到Jonathan Meiburg的手筆。為了與Shearwater作區別，Loma由Cross Record的Emily Cross擔任主唱，她的歌聲不屬於受過訓練專業歌者的類型，反而像身邊的友人那般樸實無華，同時又似乎與外界隔了一層膜，散發出孤獨的氛圍。錄製《Loma》時，Cross Record中原本是夫妻的Dan Duszynski和Emily Cross決定結束婚姻關係，雖然專輯並非刻意在描寫感情事件，但游離的心境還是滲入了專輯中的每一首歌。

開場曲〈Who Is Speaking〉細瑣的吉他撥弦帶出沉思的心境，Emily Cross扮演的角色正處於生命中過渡不明的階段，她疑惑地探問晝夜運行的現象，或許因為她找不到自身在世界中的定位。歌曲無縫連接到〈Dark Oscillations〉，鼓手和製作人Dan Duszynski的鼓聲一敲下，聽者彷彿進入了還看不到出口的隧道，在幽閉的空間中迷走，這首歌背景詭異的音效讓人想起Massive Attack，仔細聽也可以聽到Jonathan Meiburg高亢的和聲像鬼魅一樣跟隨著Emily Cross。連續經過兩首黑暗的歌曲，〈Joy〉顧名思義帶來一些光彩，主歌到副歌的樂器堆砌與Shearwater的上一張專輯有些相似，一分半鐘左右出現的優雅吉他破音可說是Jonathan Meiburg的正字標記。

〈I Don't Want Children〉聽著令人心碎，感情生變後，要是孕育了下一代便會一直看到前任伴侶的影子，鍵琴與時而出現的吉他搭配Emily Cross脆弱的歌聲為逝去的愛情留下絢麗的剪影。即便是專輯裡最琅琅上口的歌，且有節奏明快的合成器，〈Relay Runner〉氣氛上仍然顯得淡漠，在專輯的這個時刻敘事者尚未戰勝低潮，想繼續沉溺在回憶裡。

專輯後半段到尾聲前的歌曲都很細膩，戴著耳機聽能捕捉到許多精巧的音效，畢竟樂團錄音時對於細節處理下了苦心，例如〈White Glass〉就收尾地很漂亮。〈Sundogs〉和〈Shadow Relief〉都是情感豐富但低傳真製作的歌曲，前者還能聽到樂團在德州鄉下錄音時，周遭的鳥類和小狗活動的聲音，不過調性上與Shearwater的慢歌極為接近，甚至讓人覺得只是換了主唱。

終曲〈Black Willow〉最能展現出Loma與樂團成員其他計畫的不同之處，也是專輯的首支單曲。音樂聽起來極簡且詭異，但同時歌唱的樂團成員們彷彿亦步亦趨相互扶持，企圖找到新方向，終於脫離整張專輯一直滯留的臨界區域。Loma這個計畫理當沒有取得商業性成功，今年中Jonathan Meiburg還需要向外界募款來支付巡迴的費用和樂手的薪酬，然而在製作專輯的過程中，團員的合作也協助了彼此度過生命中的難關。不論以後成員們還會不會以Loma名義發行專輯，他們澄淨脫俗的音樂會繼續為平凡的事物賦予詩意。

by Debby

評分：