black midi - Schlagenheim

by DOPM
blackmidi_%u200BSchlagenheim.jpg

black midi的首張專輯《Schlagenheim》對我來說是今年最令人興奮的吉他搖滾組合,就像是四十年前的人初次聽到This Heat的音樂一樣以實驗精神為後龐克音樂另闢蹊徑,只不過二十出頭歲的black midi們這次來得更快更有能量,他們的音樂融合了你過往熟悉的音樂類型,猶如擁有爵士即興精神與放克節奏的後龐克吉他噪音搖滾,不斷變換的拍子又讓你猶如進入數學搖滾般瘋狂失序的工整拍數中,讓聆聽者不確定自己下一秒會聽到什麼。

團員們皆來自倫敦的BRIT School一所專精於表演藝術的學院,該學院培育出了許多知名的藝術表演者與歌手,而black midi在這樣子鼓勵創作自由的空間中將他們的潛能發揮到最大。他們從小受到家裡的影響,使他們對各種音樂類型都有一定的敏銳度,甚至靠著Youtube自學吉他,不斷摸索出自己的風格,在琴譜上找到無限的可能性,然後以時而戲劇性時而激進的歌唱方式讓主旋律控制住瘋狂流竄的音符。

如果鼓不能打在吉他跟貝斯上那一切就失去意義了,他們的單曲〈bmbmbm〉彷彿在宣示著這件事,以這位出發點來添加一些神經質的囈語跟噪音,然後進入一種瘋狂的狀態,像Swans的音樂一般用噪音不斷敲打著你內心的恐懼。讓我們回到專輯一開始的〈953〉,這首歌一聽就讓人知道他們是玩真的,反覆的噪音吉他Riff從一開始的加速到剎車減速再到加速最後再減速,主唱Geordie唱著他對於因為追求道德至高點所產生的罪惡感導致人失去自我的想法。

〈Speedway〉用了Krautrock中的技法將反覆單調的音符置放在每節的鼓拍上,冷調的吟唱如同反烏托邦電影裡的機器人在自言自語,講述著城市即使不斷的被更新,但舊思維與過往的問題依然存在,表象的進步掩蓋了事實的真相,這讓我想起Talking Heads在《Fear of Music》時的黑暗氛圍。〈Reggae〉中快速複雜的吉他的和弦單音讓他們的數學搖滾基因躍上檯面,但Geordie以相當戲劇性的唱法來唱這首歌,使人將注意力不只聚焦在搶眼的節奏上,如果只是單純演奏數學搖滾那歌曲可能就不具有獨特性與個人特質。

〈Western〉是專輯中我相當喜歡的一首,因為歌曲的開始只是音量極小的鄉村音樂曲調,就像黑白的西部電影正要開始一般,然後轉瞬間音樂突然大聲起來,將他們原本後現代的曲調帶進曲中,而Geordie在這首歌的唱法突然讓他搖身成為David Bowie,歌曲不時猶如馬聲的音效彷彿提醒著你這是一部西部電影主題曲,歌曲最後又回到開頭的鄉村曲調,宣告著重新進入西部生活的夢鄉裡,這讓你想到一部美劇了嗎,沒錯就是西部世界。

接著的〈Of Schlagenheim〉也是相當的精彩,德文Schlagenheim翻成英文是hit home意指讓你意識到事情有多艱難或不愉悅,歌詞意旨敘事者在性愛或羅曼史後意識到的空虛感但到最後又想著這或許也不錯又將自己退回到那些美好的想像中。歌曲一開始尖銳的吉他聲響呈現出一種危險的感覺,但又不時轉換成輕柔的彈奏,聽來就如同隨著創作者的意識流在不斷的切換思緒,最後鼓與貝斯的即興為歌曲帶來了極佳的現場感。

專輯到最後一首都不讓人有喘息的機會,〈Ducter〉的放克節奏加上合成器猶如讓人進入全新的數位世界跟另一個自己搏鬥,讓Geordie發狂神經質的尖叫來結束這張專輯,給人一種未完待續的感覺。

black midi的首張專輯是一張相當具有新意且成熟的吉他搖滾作品,他們不妥協的態度讓他們的音樂具有著超俗不凡的特質,有點挑釁且神經質的演唱方式也建構出他們具有能量的獨特性,曲風的盤根錯節也讓你不確定自己聽了什麼,而也就是這種不確定性才讓人感到莫名的興奮。

by guan

[Mixtape] 2019年上半年歌曲精選

by DOPM
Photo source: Unsplash

Photo source: Unsplash

隨著年紀增長、生活上的責任加重,能夠聽音樂的時間也受到壓縮,透過製作上半年的歌單的機會,我們整理了今年到目前為止聆聽的音樂,期許自己下半年和未來的日子都要熱愛這些獨特的音樂。

曲目:

  1. black midi - Western
  2. Fontaines D.C. - Roy's Tune
  3. The Twilight Sad - VTr
  4. American Football - I Can't Feel You (feat.Rachel Goswell)
  5. The Appleseed Cast - Time the Destroyer
  6. The National - Quiet Light
  7. Bill Callahan - Angela
  8. Marissa Nadler & Stephen Brodsky - In Spite of Me
  9. Sharon Van Etten - Jupiter 4
  10. Ladytron - Figurine
  11. These New Puritans - Into the Fire
  12. Hot Chip - Melody of Love
  13. Flying Lotus (feat. Denzel Curry) - Black Balloons Reprise
  14. Drahla - Twelve Divisions of the Day
  15. TOY - Energy
  16. Deerhunter - What Happened to People?
  17. Thom Yorke - Dawn Chorus
  18. Foals - Sunday

The National - I'm Easy to Find

by DOPM
5c7d596bcc6a9.jpg

在聽了兩個月後The National的新專輯《I’m Easy To Find》,我可以理解樂評的無感和樂迷的些許失望。簡單說,就是樂風沒有甚麼顯著的突破,歌曲上也沒有過往專輯必備的獨立搖滾金曲。但是,我並不想討論這些,因為這些都是客觀的事實。我想主觀的聊聊看了人生第一次現場的The National後,他們的音樂陪我一起走過了這十年,2019年推出的新專輯,對我來說又代表了甚麼。

在討論音樂前,我想先提到關於這張專輯的孿生作品,那就是導演Mike Mills所拍的同名短片。影片剛出隔天,我吃完中餐就在外面點開來看,看得淚流滿面。瑞典女星Alicia Vikander,在影片中演出了一個女孩的一生,從平淡無奇的成長,成熟邁入老年故事,在這宏觀縮時的簡潔鏡頭下,看起來卻是令人感動。而打動我的絕對不是這個故事有多動人,而是他能勾起我在人生歷程中屬於我的回憶,其實不難看出創作者讚頌的正是平凡人的生活。我想他們也是用這樣的出發點去創作這張專輯,因此必須內化這些作品,我才能真正把它變成屬於「我」的The National專輯。

熟悉The Nationa的樂迷都知道他們的聲音,它或許是過去十多年來最一貫也一直維持在水準之上的獨立搖滾樂團。無論是強勁的後龐克快節奏歌曲,或是憂鬱至極的慢拍抒情歌曲,在主唱Matt Berninger的低沉歌聲中,總能把我們心裡不安焦慮的情緒唱出來。或許在成長過程中,我一直有這樣的不安情緒,也使我更常拿出他們的專輯來聽,導致他們的音樂也早就成為我音樂DNA的一部分。

一開始聽這張新專輯,有很多地方讓我覺得很陌生。像是幾乎每首歌都能聽得到女聲,編曲來說也鬆了許多,鋼琴與弦樂部分遠遠比上一張還要吃重。這些改變,我想每個人的看法不同,但是既然這張專輯和影片本是相互影響的作品,影片既然是以女性為主角,其實這些安排都是很合理的。而找來的女聲,也都幫音樂加分了不少,也呈現出他們比較脆弱的一面,而這往往是比較接近真實的。如〈Oblivions〉,不斷重複地唱出 “You won’t walk away, won’t you? I still got my eyes for you.” 另外在〈The Pull of You〉,甚至還找來其他兩個女生Lisa Hannigan和Sharon van Etten在助唱這首關於戀人在離開後,仍然能感受到對方所帶來的影響。

另外一點我覺得很有意思的是,歌詞中偷渡了不少影片中的台詞和場景,在他們一貫抽象的歌詞中有了更具象的呈現,我似乎更能體會Matt Berninger 和他老婆Carin Besser 所譜寫的人生場景。在〈Hairpin Turns〉中,當他們唱到 “What are we going through? We’re always arguing about the same thing.” 腦袋立刻就想到了影片中夫妻爭吵的畫面,我想經歷過的戀人們都能體會那種無力挫折感。我也很喜歡〈I’m Easy to Find〉與〈So Far So Fast〉 這兩首抒情慢歌,輕輕的鋼琴彈奏聽起來就像是Alicia 躺在房間,躺在草地上,回憶著自己的人生是如何上演。

除了讓人沉澱的慢歌外,也有他們的招牌快歌,如〈You Had Your Soul With You〉,〈Rylan〉,〈Where Is Her Head〉 都是令人情緒激昂的作品。必須得特別提一下鼓手Bryan Devendorf在這張新專輯出色的表現,無論歌曲速度快慢,他總是能打出絕佳的節奏。除此之外,他們也做了過去不曾嘗試的實驗,如在〈Dust Swirls In Strange Light〉,直接用Choir唱出影片裡的台詞。〈Not In Kansas〉,另外一首耐人尋味的作品,除了歌詞使用了大量的文化符碼,副歌更是讓女合唱團唱出Thinking Fellers Union Local的歌曲〈Noble Experiment〉。這絕對是專輯中最令人驚豔也讓人感到撫慰的時刻。

〈Light Years〉 則是我個人今年的最佳單曲之一。這首由Aaron Dessner 所譜寫的鋼琴曲本身的旋律就極美,再加上歌詞中唱出情侶間的鴻溝彷彿是無法挽回的距離。而這也是他們最會寫的主題之一,人與人之前的距離,自我疏離與他人所造成的隔閡。在編曲較為輕鬆的〈Quiet Light〉,字句間都在對著已經離開自己的對象傾訴著,然而原來焦躁不安的情緒似乎不再令人那麼難受。The National從原本的中年危機的大叔變的更老熟了,也變得更溫柔了。而我覺得用溫柔的方式表現出他們的成熟,也算是一種優雅的浪漫。對於聽著他們的音樂一起變老的我,他們相對比較沉靜的音樂,完全符合我現在的心境。

by fuse

Ladytron - Ladytron

by DOPM
106044.gif

距離Ladytron推出上一張專輯《Gravity the Seducer》已經過了八年,這段期間內主腦Helen Marnie推出了兩張個人專輯,其他團員也有零星的計畫,不過我最期盼的還是聽到Ladytron的新作品。但長期未推出新作,樂團不免擔心樂迷是否仍對他們的音樂感興趣,因此先透過募資平台Pledgemusic為新專輯試水溫,在2019年初同名專輯《Ladytron》終於順利推出。

先釋出的兩支單曲〈The Animals〉和〈The Island〉傳達出強烈的末世感,Helen Marnie機械般的演唱方式和搶耳的旋律一向都是Ladytron受人喜愛的特點,而比起上一張專輯《Gravity the Seducer》的內斂,《Ladytron》中的歌曲受到世界情勢的啟發而變得更具攻擊性。〈The Animals〉的主副歌只要聽過幾遍就會縈繞在耳,There's no wrong/ There's no God / There's no harm/ There's no love / We are more like you / Than the ones that you knew 幾個簡單的句子諷喻各國對於移民和弱勢族群的偏見,歌曲結束前的合成器重奏宛如電影配樂般壯麗。〈The Island〉曲調流行,歌詞卻描寫人類濫用環境資源的貪婪行為,以個人慾望作為行事依歸,這種論調與八零年代的Depeche Mode不謀而合,真遺憾在三十多年後的當今,人們還是把私慾置於永續發展之前。

專輯的封面拍出一對戀人朝向森林大火跑去,也許這正是世界上許多地區時代精神的寫照,人們前仆後繼地往即將帶來毀滅的方向前進。開場曲〈Until the Fire〉雖然重複的副歌略顯單調,歌詞中的牆和大火等意象都能讓人聯想到實際的時事。探討資本主義假象的〈Tower of Glass〉與《Gravity the Seducer》中歌曲的取向相近,速度放慢、合成器的音色較為溫暖,主唱Helen Marnie和Mira Aroyo的歌聲緊密融合卻帶著一絲惡意。〈Far from Home〉從難民的角度敘事,詞句間訴說只要到了新國度就能安心生活,實際上卻並非如此,這首歌趨近樂迷所熟知的「經典」Ladytron風格,冰冷、木然,可以聽到industrial rock和shoegaze的影響。

〈Run〉一曲把專輯分為上下半部,這首歌不少樂評都不甚滿意,認為了無新意、Helen Marnie的歌聲有氣無力,不過我倒是很喜歡它Krautrock的風格,且與其他歌曲比起來編曲較簡約。專輯後半段收錄了幾首優異的歌曲,〈Deadzone〉的迪斯可節拍尖銳如刀鋒,歌詞中提及的性犯罪和預知意外的能力就像犯罪小說的情節,讓人心驚膽戰。〈Figurine〉描述民粹領袖當選時的狂歡場景,合成器層層堆疊卻給人疏離的感覺,歌曲越到後面Helen Marnie的聲音越顯得微弱,眼見當初候選人勾勒的夢想實現的可能性越來越低。〈The Mountain〉乍聽之下有點像他們的後輩School of Seven Bells的歌曲,延續先前歌曲的基調,主題圍繞在遷徙、階級隔閡、預見未來等議題上。最具實驗性的歌曲出現在專輯最後的〈Tomorrow Is Another Day〉,朦朧的牛鈴聲、電子節拍和人聲讓全曲受低氣壓籠罩,但隨著敘事者從受過創傷的記憶中逐漸找到對未來的希望,曲調也變得明亮,為這張沉重的作品下了一個樂觀的註解。

《Ladytron》和樂團過去的作品有相同的問題,就是專輯長度可以縮短一些,並且可以篩選掉某些歌曲。第二主唱Mira Aroyo主唱的歌曲通常會為專輯注入新活力,而在專輯前半部的〈Paper Highway〉效果還算佳,後半部的〈Horrorscope〉則與專輯其他歌曲的差異過大,有很大的機率會被聽者略過。〈You've Changed〉一曲沒有太多亮點,或許可以考慮放在單曲的B-side而不收進專輯。

Ladytron的成員目前散居世界各地,等到下一次聚首錄專輯不知道會不會又是多年之後;另外,募資平台Pledgemusic營運失利而讓許多當初捐款者沒有收到專輯,也讓《Ladytron》的發行蒙上一層陰影。無論如何,在合成器音樂再度復興的時期再次聽到他們的新作都是很值得高興的事,他們筆下反烏托邦的場景在這紛亂的年代顯得真實無比。

by Debby

Fontaines D.C. - Dogrel

by DOPM
FontainesDC_Dogrel.jpg

愛爾蘭樂隊Fontaines D.C. 的主唱Grian Chatten說過,那些最好的歌曲都是讓生與死能夠對話的三分鐘曲調,像是The La’s的〈There She Goes〉和Lou Reed的〈Perfect Day〉,這些流行曲調也讓他們的音樂與同廠牌的樂隊IDLES不大一樣,雖以龐克音樂為基底但也有像〈Roy’s Tune〉這首剛好三分鐘的流行曲調,甚至是《Dogrel》這張專輯最後的〈Dublin City Sky〉更以愛爾蘭傳統民謠為曲調,也讓這支愛爾蘭樂隊與其他同期的英倫龐克們有所不同。

專輯名稱《Dogrel》其實是一種詩體,取名於波耳戰爭時期,當英國進軍南非與波耳人開戰時激起愛爾蘭人的反殖民情緒所流傳的一種工人階級所愛傳唱的詩體,不講究詩的嚴謹程度以及韻律,而著重於表達上的自由,即便是很瑣碎片段的生活景象都能化成詩。團員們也因為對詩有共同的熱愛所以才聚在一塊,除了喜愛愛爾蘭詩人葉慈跟卡范納外也備受凱魯亞克、金斯堡等垮派詩人的啟發,也讚譽Iggy Pop是最棒的搖滾樂詩人。

對詩的熱愛也讓聆聽《Dogrel》時就像在閱聽一本關於都柏林街頭的詩集,在〈Big〉中就宣示自己屬於雨中的都柏林,並且用街頭無名小卒的成名美夢來自嘲那種病態的野心,某天當主唱Grian從他工作的酒吧下班在雨中回家的路上,他感受到自己的貧窮與脆弱,也使他在〈Big〉中投射出這樣充滿野心的相反意象,他將對雨中都柏林的爛漫壓縮進了這首兩分內的龐克歌曲。

即便他們深受愛爾蘭後龐克樂隊Girl Band影響,但在曲風上並沒有他們來得黑暗且實驗性,專輯的所有歌曲都相當的直接,如果真要提到實驗性,那或許就是在〈Too Real〉在吉他音效的處理,讓吉他的反饋聲響在左右聲道不斷的來回切換,歌曲也控訴都柏林因美國科技公司進駐所導致的仕紳化,讓當地的文化逐漸凋零,使得人成為金錢的奴隸。聽到〈Sha Sha Sha〉這首歌時,讓人想起了The Clash的〈London Calling〉,因為吉他的刷奏跟節拍實在是非常相似,同樣直接了當的態度似乎在呼喚都柏林人的心。

專輯內最扎實的歌曲莫過於是〈Hurricane Laughter〉,吉他、貝斯與鼓緊密的交纏在一起,而另一把電吉他的Riff像是挾帶閃電的颶風般席捲著整座城市,Grian如同Iggy Pop單調低沉的在混亂的樂音中呢喃著,歌曲接轉到〈Roy’s Tune〉又如同雨過天晴般,在凶險的城市生活中找到一絲絲的溫情,即使在街上或工作場所被威脅,丟掉性命丟掉工作,在看不見的未來也要支手撐住不讓生活壓垮自己。

〈Boys in the Better Land〉嘲諷著逃離鬼島這件事,每個人都想離開這裡去過更好的生活,但孰不知自己的家鄉也有值得驕傲的一面,而終曲〈Dublin City Sky〉則將都柏林的街頭景象又再用愛爾蘭傳統民謠的形式傳唱出來,再一次的向這座城市致敬。

《Dogrel》是一張相當完整的專輯,而最讓人讚賞的地方在於他們的不加掩飾的將都柏林的街頭景象以他們的方式傳唱出來,簡單來說就是向眾人宣示著:「就算這地方這麼爛,我們還是他媽的愛爾蘭人,我為我們的文化感到驕傲」。

by guan

Deep One Perfect Morning © 2012-2025