A Place To Bury Strangers將以新的樂隊陣容發行新EP《Hologram》，而新的團員John Fedowitz也是主腦Oliver Ackermann在前樂隊Skywave的老戰友，也順道帶來了在前樂隊Ceremony的鼓手Sandra Fedowitz，這樣的組合也讓Skywave這個九零的美國噪音傳奇有機會再度復活在A Place To Bury Strangers上，目前就只等另一位前隊友Paul Baker回歸就能讓Skywave完整復出了。
Spencer Krug發行個人專輯《Fading Graffiti》
不知道大家有沒有注意到加拿大音樂才子Spencer Krug最近創立了自己的音樂廠牌Pronounced Kroog發行了個人專輯《Fading Graffiti》。身為Wolf Parade、Sunset Rubdown、Moonface等樂隊背後的主要創作人，這次會透過Patreon募資以自己的名義製作專輯，也與不滿老東家Jagjaguwar決定走向更商業化的方向有關。
這次玩的還是搖滾樂還帶有一點鄉村味，但歌曲結構怪的一點都不傳統，Spencer跳脫公式化不妥協的態度，堅持在混亂的時代當下繼續做自己，並在每一首歌中放入最真摯的情感，相信世界各處的人們都能在他的樂音中找到屬於自己一處平靜的棲身之地。
The Besnard Lakes - The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings
距離上次The Besnard Lakes推出專輯已經過了五年，上張專輯《A Coliseum Complex Museum》是他們到目前為止最簡短的專輯，歌曲長度也盡量收在三四分鐘以內，但對善於營造恢弘氣氛的The Besnard Lakes來說難免顯得處處掣肘，專輯也未受到關注。主腦Jace Lasek父親和他景仰的音樂人Prince、Mark Hollis等都在這幾年內相繼過世，引發他在新專輯《The Besnard Lakes Are the Last of the Great Thunderstorm Warnings》中討論生死這深刻難解的問題。這是The Besnard Lakes首次推出超過一小時的雙專輯，他們也告別長期合作的Jagjagwar廠牌，轉到Fat Cat發行新作。
熟悉The Besnard Lakes音樂的歌迷在新專輯中依然會聽到他們喜愛的元素，像是充滿回授效果的瞪鞋風吉他、迷幻搖滾的磅礴氣勢、Jace Lasek的誇張假音和Olga Goreas的合唱，不過歌曲的高峰需要更多的時間醞釀，在這講求速成的年代，聆賞這張專輯需要一點耐心，如果原本就喜愛他們先前的專輯，在新作中聆聽各件樂器的微妙音色變化並代入Jace Lasek所寫的情境中仍然是件享受。
專輯分成「瀕死、死亡、死後、生命」四個部分，〈Blackstrap〉用閃爍的合成器聲響和如風聲般的音效開展「瀕死」篇章，當吉他聲響出現，整首歌宛如籠罩在低氣壓中，歌詞採用Jace Lasek一直以來都熱愛的間諜故事情節，不時出現無人接聽的電話聲暗示憾事即將發生，等到Olga Goreas的歌聲加入，整首歌到達頂峰，讓人如閱讀悲劇後獲得情感洗禮。〈Raindrops〉的歌詞 On the other side of the world / Is my backyard/ Garden of Eden spirited 向Talk Talk的主唱Mark Hollis致敬，雖然是一首輓歌，晶瑩的合成器和壯麗的副歌將悲傷情緒轉換成美麗的事物，相信許多人會和The Besnard Lakes一樣，在懷念Mark Hollis的同時創造作品，延續他的精神。〈Christmas Can Wait〉的歌詞讀起來私密，描寫Lasek的父親過世時，家人將聖誕慶祝儀式放到一邊，聖誕節還會來臨，父親走後卻永遠不會再回來了，前三分鐘Jace Lasek戲劇化的花腔滿盈著悲痛，在後五分鐘的吉他轟鳴間，Olga Goreas冷靜的歌聲給了聽眾一些撫慰。
「死亡」部分的歌曲都比較直接明快，單曲〈Our Heads, Our Hearts on Fire Again〉我當初聽到時其實覺得沒有什麼驚喜，但放在專輯的這個位置倒是舒緩了聽眾連聽幾首史詩篇章後的緊繃感，此外這首歌處理死亡的方式幾乎是充滿喜悅，讓人想起樂團的舊作如〈Albatross〉、〈Colour Yr Lights In〉等曲子，能激發出悲喜交集的奇妙感受。〈Feud With Guns〉可能是專輯中最容易接受的歌曲，簡單的主副歌結構、漂亮的旋律與迴盪的吉他近似的一般的瞪鞋歌曲，The Besnard Lakes又在背景點綴跳動的合成器、弦樂和笛子，整首歌在響亮的鈸聲後結束，歌詞訴說掛念的綿長，不過死去只是瞬間的事。
〈The Dark Side of Paradise〉不論是名稱和曲式都致敬《The Dark Side of the Moon》，像後搖歌曲般層層堆疊情感。長篇哀悼後的〈New Revolution〉風格結合瞪鞋和福音歌曲，讓人想起Spiritualized的音樂，歌曲後半部可以聽到一把扭曲吉他從聲音的濃霧中穿透出來，傳達出原始的生命活力。〈The Father of Time Wakes Up〉提到Prince的本名Jamie Starr，音樂中融合了悲傷、疑惑、歡欣等多樣複雜的情緒，當Jace Lasek和Olga Goreas合唱道 With love there is no death 時，背景出現張狂的吉他獨奏，若Prince能聽到以如此無所畏懼的態度面對死亡的致敬之作，應該會感到寬慰。
專輯同名曲〈Last of the Thunderstorm Warnings〉獨佔了「生命」的全部篇幅，鼓擊與專輯其他歌曲相比較有活力，明亮的副歌讚頌生命的美好。大部分的樂團可能會選擇在這樣光輝的時刻結束專輯，然而The Besnard Lakes反倒繼續製造長達11分鐘的吉他噪音，似乎想打破人生自此一片光明的幻象。雖然11分鐘的Drone聲響有點多餘，但樂團也藉此揭示他們異於傳統，或許還有更多挑戰聽眾的內容等著發表。
《The Besnard Lakes Are the Last of the Great Thunderstorm Warnings》從個人失去親人與偶像的經驗出發，其中思索生死的過程在全球許多人面對親友離世的當下定能感同身受，也證明了長篇的作品還是能找到願意聆賞的聽眾。
by Debby
Shame - Drunk Tank Pink
即便Shame三年前所發行的首張專輯《Songs of Praise》獲得了相當的好評，也成功吸引到眾人的注意力，但他們並沒有因此裹足不前，在經歷首張專輯發行後兩年漫長的巡迴，主唱Charlie Steen將新作品的創作更專注在私人的情緒上面，比起首張專輯桀傲不馴的態度，新作《Drunk Tank Pink》變得更成熟內斂，就如同去年Fontaines D.C.在創作上的轉變一樣，他們在作品中同樣在獲得名氣後重新審視自己，並且跳脫第二張專輯的框架另闢新徑。從單曲〈Snow Day〉我們聽到的截然不同的Shame，在六分鐘內放入複雜的編曲結構、不斷變換的橋段，將心碎的孤寂透過扭曲的雙吉他刷奏與強烈緊湊的鼓拍節奏排山倒海強襲而來，聲音上的表現如同後龐克樂隊Women及其嫡系樂隊工業感的電吉他音色，但又加上龐克音樂原有的能量，不斷的衝刺又緩衝並且挾帶龐然的氣勢，整體呈現出他們音樂中前所未有的深度，使我們大可以把〈Snow Day〉放入兩千年後後龐克新世代的經典歌曲清單裡。
專輯取名Drunk Tank Pink這個粉紅色的分類之一主要是因為Charlie Steen將他的新房間漆成了這顏色，而專輯大部分的歌詞都是在這個房間創作出來的，他說在一個人在入睡的時候最能忠實的面對自己，這樣的睡前時刻就成了他的靈感泉源。房間或房子成了專輯中的一個意象，像在歌曲〈Born in Luton〉中，他徹底展現被鎖在房門外窮盡一生等待某人回家的情緒，鎖在門外也象徵著被他人拒絕於心門外，這多少反應出他在情感上遇到的困境，歌曲擁有無比放克的節奏感與零碎的電流般噪音，在快速的主歌後又切入緩慢的副歌，毫無違和在兩種不同的情緒間切換，你不得不佩服他這樣大膽的唱歌方式。
〈March Day〉和〈Water in the Well〉宛如一首首Parquet Courts的歌曲，跳脫陰鬱的跳舞節奏，充滿熱鬧的樂隊合聲，眾人的呼喊聲極具現場演奏感，讓人直直回顧他們在現場的強大動能。接在〈Snow Day〉後的〈Human, For a Minute〉是整張專輯最動人的歌曲，沒錯，這首Shame的慢歌也是能夠打動人心的，Charlie Steen在此曲完整的將他的心碎唱出來，唱著：「只要今天就好，你為什麼不留下來呢？在遇見你之前，我從沒活得像個人類」。
Charlie Steen把他的存在焦慮全都寫在〈6/1〉這首兩分多鐘的歌曲裡頭，他唱著他不向神禱告，因為他自己就是神，即便他年輕的軀體正逐漸老化；他在厭惡自己的同時也愛著自己，他的存在本身就是一個矛盾，並且在這人世間轉瞬即逝，聽這這歌你會想說這電吉他節奏也太像Women及其嫡系了吧，但無縫緊接著的〈Harsh Degrees〉又變回他們最赤裸的樣子，在專輯最後將能量一次宣洩殆盡。
整張專輯就在以慢板琴鍵為主軸的〈Station Wagon〉中結束，Steen隨興的思緒像在遨遊在天際，隨著樂音的加重，他渴望將天空上的雲朵摘入他的口袋中，觸及他所不能觸及到的事物，畢竟他並不只想當一個平凡人，而是要像神一樣能夠達到人所不能達到的境界，他望著頭頂藍天想著那些不可能能做到的事，也或者這只是在創傷後的異想天開。
《Drunk Tank Pink》突破了Shame本身過去所畫下的界限，在尋求變化的過程中找到一條屬於他們能走的路，卻沒有將他們先前所維持的高能量給捨棄，反之成為他們能夠繼續進化的動能。Shame結合了兩千年後後龐克音樂最重要的元素，並且將其灌注最原始的爆發力，在爆發力與成熟的編曲中間找到絕佳的平衡點。
by guan
Hot Chip - In Our Heads (2012)
英國電音樂團Hot Chip生涯早期是以幽默諷刺的洗腦舞曲走紅，等到2012推出《In Our Heads》的時候，他們涉及的主題已經變得更廣泛，在五花八門的音效、滑稽的人聲和滿滿宅氣當中透露出對人性的關懷。專輯中的歌曲不但旋律美妙、聲響多采多姿，Alexis Tayler和Joe Goddard雖不完美但真誠不做作的歌聲還能融化因為對現實失望而冰封的心。
受到House音樂影響的首支單曲〈Flutes〉是首七分鐘的自我探索之旅，也是專輯的重心，開頭像孩童唸詩般的聲音取樣聽起來有些詭異，Alexis Taylor的歌聲出現時帶著憂傷的氣氛，副歌令人摸不著頭緒的動作指導似乎象徵他想掌握人生而做出的各種努力。當他唱道「這些話語令我疲累不堪，我的頭腦無法理解任何事情」的同時，背景出現一段爬升的合成器橋段，將聽者的情緒推到高峰，之後副歌每次重複時背景的合成器組合都有微妙的差異，傳達出即使人生中經歷許多徒勞的嘗試，我們還是要敞開心胸勇於面對新的挑戰。
音樂人時常在創作中討論自己對音樂的喜愛，但Hot Chip在開場曲〈Motion Sickness〉中切入的角度很有創意，歌詞先描述地球是圓的，接著聯結到圓形的CD在播放器上旋轉的樣子，再描述播放CD的人閉上眼睛，沉浸在音樂的世界裡，離開俗世的塵囂，這首歌精確捕捉到聽音樂這件事帶給人單純的幸福感，以及樂手和樂迷之間無形的連結是如何建立的。
專輯中的多首歌曲討論對長期穩定關係的理解與包容，除了可能指涉團員們當時的感情狀態之外，也暗喻Hot Chip團員長久合作的情誼。這些歌曲充滿赤子之心，鼓勵聽眾擁抱生命中單純的快樂。〈How Do You Do?〉乍聽之下旋律洗腦又有點笨拙，不過等到歌曲關鍵的主旨出現時（「教堂不是祈禱的地方，而是慶祝那些能穿越過窗框的光線之所在」），呼應了專輯封面的彩繪玻璃意象，讓人領會到樂團的聰明巧思。〈These Chains〉雖然把人與人之間的牽絆比喻為枷鎖，整首歌曲聽起來喜多於悲，合成器的聲響類似《A Broken Frame》時期的Depeche Mode，給人返璞歸真的感受。〈Don't Deny Your Heart〉和〈Now There Is Nothing〉也都是在讚頌長久經營的感情，不過到了〈Now There Is Nothing〉的時候，難免會覺得煩膩了起來。
幸好專輯好酒沉甕底，最後三首歌使得《In Our Heads》在我心目中的評價大幅提升。〈Ends of the Earth〉前奏到主歌的合成器組合讓我百聽不厭，當然歌曲的主題先前已經一再闡述，讚頌平凡而非驚天動地的愛情，但Alexis Taylor在這首歌的聲音表情不知怎地比前面的曲目還能感動人。〈Let Me Be Him〉可能是《In Our Heads》最優秀的歌曲，電子音效和吉他刷弦溫暖無比，取樣了一些孩童的嘻笑聲和鳥鳴聲，歌曲的七分多鐘間讓人短暫置身於熱帶島嶼，享受陽光和一望無際的海景。在接收完整張專輯各式各樣的音效後，簡單甜美的〈Always Been Your Love〉正是聽眾所需要的。
不可否認，Hot Chip在聲音處理上下了許多苦工。除此之外，典型的電音舞曲較常討論稍縱即逝的感受，透過享樂主義來逃避現實生活的殘酷，而Hot Chip享樂的基準是來自現實生活的體悟，這使得他們獨樹一格，成為一個備受喜愛的樂團。
by Debby