Fontaines D.C. - Romance

一開始聽到Fontaines D.C.釋出《Romance》中的兩首歌曲〈Favourite〉以及〈Starburster〉時頓時不知道這兩首歌要怎麼樣並存在同一張專輯當中，一首樂觀明朗另一首黑暗又憤怒，外加上樂隊霓虹風格的著裝令人對《Romance》的音樂調性完全摸不著頭緒，當專輯一發行後才對專輯中音樂風格的多樣性驚嘆不已，他們不只嘗試風格上的改變，而是透過各種八零、九零年代的經典音樂風格來建構出自己的音樂宇宙，對我來說那不只是一種致敬與懷舊情懷反倒是他們讓模糊未來與過去的方式，如同反烏托邦電影《銀翼殺手》或是日本動畫《阿基拉》中同是描繪未來又因科技的高度發展而產生高度落差的毀滅光景。

團員們也述說電影、影集以及這些影像的原聲帶對《Romance》的影響其實是大於音樂的，這次找來James Ford來擔任製作人，相較之前製作人Dan Carey讓器樂與人聲較為原始與平衡的音像輸出，James Ford讓Grian Chatten的聲音更為靠前，並且採用更多合成器與弦樂的堆疊來製作出電影配樂般的音像。這也是Grian第一次對他自己的歌聲感到滿意，畢竟這次他真的把他自己的聲音從心底給唱出來了，這張專輯無疑展現出他毫無修飾又個性化的歌聲，他的歌聲並不特別優美或富有技巧性，但是他能夠讓人感受到他真誠的嗓音就已足夠。

《Romance》的概念就像是在說人如何在末世的情境下依舊能夠墜入愛河，找到自己能夠繼續能夠珍惜所愛之人事物的地方，如同專輯同名歌曲唱到的 "Maybe romance is a place" ，第一次聽到〈Romance〉這場開場曲，心想這唱法、歌曲旋律跟合成器也太像Depeche Mode了吧，James Ford先前也的確製作過Depeche Mode的專輯。嘻哈節奏加上合成器與鋼琴的〈Starburster〉讓你想到以前最愛的那些嘻哈歌曲，又外掛上Nu-Metal黑暗的吉他刷奏與Grian饒舌與斷句中「呃～」的喊聲聽來都讓人倒抽一口氣，整首歌就像是恐慌症發作的過程，副歌後Grian突然改變唱法，猶如撥雲見日般的輕柔的唱著旋律，與主副歌中的憤恨呈現出完全的衝突，這一表現也呈現出他們在此張專輯中光與暗同時並存的意象。

〈Here's the Thing〉中骯髒的吉他痛調讓我想起Suede吉他手Bernard Butler所彈奏的手法與音色，只可惜貝斯的音線不夠突出，只讓Grian的歌聲與吉他成為亮點，歌曲像是對電影中的人物對話般，宛如一種對角色產生同理的過程。Grian在〈Desire〉唱著人是被慾望驅使的動物，我們永遠無法滿足永遠都想要更多，讓我想到《阿基拉》被慾望吞噬的鐵雄，當人掌握力量後便以為自己成為了神能夠無所不能，孰不知這一切都只是通往自我毀滅的道路上，他的聲線如同漩渦般將人捲入灰濛的霧氣中，這首歌的琴鍵聲與唱法讓人想起Radiohead在《A Moon Shaped Pool》中所營造出的深層的灰色調氛圍。

不管是洛杉磯還是東京，從這些城市的逃離成為了〈In The Modern World〉這首歌，也為了逃離了名氣所帶來的關注與紛擾來重獲自由，這首歌在旋律、弦樂的編排上都無疑受到Lana Del Rey影響，但從Grian口中唱出來又是另一種截然不同的聽感，我想這首歌動人的地方在於告訴世人逃離喧囂不是一種罪過，你永遠都能在這世界上找到自己的藏身之處，歌曲在合音的搭配也相當絕妙，如同一張重複曝光的照片，兩個孤寂的靈魂默契般的重疊在一起。

〈Bug〉的節奏與和弦行進讓我想起The Church的〈Under the Milky Way〉，配上歌詞的韻腳讓這首歌更有詩韻，如同念出拿著鉛筆在筆記本上隨手寫下的詩詞。吉他手Conor Curley作為〈Sundowner〉難得在歌曲中擔任主唱，由於他本身就是Shoegaze音樂的愛好者，所以這首歌帶有夢幻般的旋律與重度回響效果的吉他噪音，他的歌聲與貝斯手Connor Deegan III的合聲搭配起來也呈現出與其他歌曲不同的聽感。而〈Death Kink〉中扭曲骯髒的尖銳吉他聲響則是聽起來相當的The Pixies，但也說不上是一首能與The Pixies經典歌曲媲美的曲子。

也因為他們將〈Favourite〉放在專輯的尾端，《Romance》成為了一張由黑暗走向光明的專輯，爽快的電木吉他刷奏著大調和弦行進，宛如The Cure的〈Just Like Heaven〉，歌曲直接了當的表達人跟人之間對彼此之間的友誼或是情誼，然而聽完〈Favourite〉又彷彿給人一種專輯還未結束又要重頭開始的感覺，成為一個帶給人希望的結尾。

《Romance》就像是一張八、九零年代另類音樂的合輯，卻又不流於俗的在經典的曲風之中加入當代流行音樂的元素，展現出他們不斷突破自我的態度，雖然犧牲了先前幾張專輯中出色的低音節奏，但在製作上將器樂的編制擴大，在大編制中營造出可以讓Grian Chatten發揮嗓音的空間，讓人沉浸在Fontaines D.C.所打造出的玻璃雪球中，Grian是這樣形容《Romance》如同玻璃雪球：「雪球中美麗平靜的景象在下一秒可能就被暴雪所籠罩成為混亂。」

by guan

toe - NOW I SEE THE LIGHT

toe在他們專輯《NOW I SEE THE LIGHT》介紹的開頭寫下了一句話「この世界のどこかに居る、僕に似た君に送る」(獻給在這世界某處，與我相似的你)，這句話中的「我」或許指的就是toe的詞曲創作者山嵜廣和，而這樣的宣告也是toe近幾年來作品風格的轉變，從緊密精細的器樂搖滾中走向融入多元風格的詞曲歌謠，在山嵜廣和的歌聲與詞曲中，我們聽到的是他內斂的情感以及享受在喧囂中的孤獨。而這次《NOW I SEE THE LIGHT》中就有四首歌由他擔任唱作人，這也是在toe以往作品中比較少見的。

《NOW I SEE THE LIGHT》取名自Bob Marley & The Wailers的〈Get Up Stand Up〉中的一句歌詞 "So now you see the light"，只不過是把句子改成了第一人稱，意指著自己看見了希望。在確定專輯名稱前就先跟攝影師佐藤健壽講好了要使用他的照片作為專輯封面，直到確定名稱後看到封面的照片才發現照片中島嶼上的燈塔與名稱不謀而合。《NOW I SEE THE LIGHT》就好像當今音樂世界中的一座小燈塔等待被漂浮在這混亂世界般的茫茫大海上的人們發現。音樂不是解藥，但起碼能讓你看到繼續前行的路。

其實我覺得toe在2018發行的EP《Our Latest Number》是一張很優秀的作品，尤其是當中〈The Latest Number〉跟〈F_A_R〉兩首人聲作品，那時就能聽出山嵜廣和對singer-songwriters創作方向的興趣，他也提到他很喜歡Bon Iver的音樂，因此在這張EP歌曲中所結合悲傷曲調與實驗性的風格也延續到了現今，或許對喜歡精準變拍的老樂迷來說有點不夠過癮。

專輯首曲〈風と記憶〉使用了原音吉他的撥奏與透亮音色的分解和弦，給人相當輕盈明亮的感覺，各個器樂緊密的交織的在一起，他們用此曲定義了整張專輯聲音元素的組成，接著〈LONELINESS WILL SHINE〉反而是讓所有聲響在空間中被展開，鼓手柏倉隆史精密的鼓點伴隨著停頓的收與放與山嵜廣和距離感的歌聲交錯著，原音吉他的刷奏成為了要角之一，再由美濃隆章反覆的電吉他Riff聲響串起整首歌的主線條讓其他的聲音可以自由的疊加上去，山嵜廣和唱出的憂愁旋律讓人猶如感受與世隔絕的孤立感，彷彿不管他的歌聲有多大聲都沒有人能夠聽見。

以西班牙與作為歌名的〈TODO Y NADA〉將佛朗明哥吉他的彈奏手法帶入曲中，以手指快速撥奏著尼龍吉他弦來做為歌曲的樂句，我很喜歡貝斯手山根敏史在此曲中的表現，他間歇性的低音彈奏讓歌曲有一種舞動感，也讓人完全猜不到低音會在什麼時候出現。toe相當擅長將各種音樂元素的片段以一種輕巧的姿態將它們放入到自己的音樂中，但又讓人聽不出是某種特定風格。與女歌手兒玉奈央合作的〈WHO KNOWS ?〉應該是專輯中最溫馨又單純的歌曲，沒有什麼演奏炫技，只是好好在鼓機的節奏上將旋律慢慢鋪陳出來。

〈キアロスクーロ〉又回到典型的toe，由電吉他Riff作為展開歌曲聲響的核心主軸加上基數拍變奏的狂放鼓拍，這邊的吉他音色與彈奏音階的手法一直讓我想起The Police吉他Andy Summers的彈奏手法。〈サニーボーイ・ラプソディ〉是另一首專輯中的重點歌曲，這一首緩慢又哀愁的進行曲，他們以一種複雜精細的方式來編奏這首旋律聽似單純的歌曲，器樂在聲音與聲音之間交互讓位，山嵜的歌聲被拉到更前面的位置，他唱著：

 一幅令人嚮往的畫，一雙被蒙上的手 
我有著不光彩的陰影，必須背負
在某些人的心中，心的距離變得無比遙遠

這會變得怎麼樣呢？我這愚蠢的詢問
「價值觀的歧異，我們還能走在同一條路上嗎？」

一幅令人嚮往的畫，一雙被蒙上的手 
我已經碰觸到了，讓我們再見一面吧
愛的遺骸，自從我打開你心房的那一刻
我已經碰觸到了，讓我們再見一面吧

我有著不光彩的陰影，必須背負
一幅被覆蓋的畫，一雙尋求著什麼的手

山嵜抽象的歌詞，彷彿是失落，彷彿是渴望，隨著旋律給人一種在黑暗中不斷往下墜落的感覺，下墜的速度極度緩慢而且永遠不會著地的感覺。直到終曲〈NOW I SEE THE LIGHT〉他才在黑暗中看見了一點微光，並且在客座大提琴手徳澤青弦的悠長琴音為專輯畫下句點。

隔了九年才發行的《NOW I SEE THE LIGHT》讓我們聽見了不太一樣的toe，但也因為這樣自己才能重新喜歡上toe的音樂，畢竟自己過去從來就不是toe的音樂的愛好者，如果只是純粹技巧性的數學搖滾並不足以吸引我一聽再聽，不過我想也是因為這次山嵜放入了很多個人情緒在專輯當中，聽者也能深刻的感受到了他想要表達的情感。《NOW I SEE THE LIGHT》最厲害的地方是他們在單純詞曲創作的旋律性上又精細的將一些演奏的巧思給放了進去，在重複的樂句中在添加了一些微小聲響與節奏的變化，讓歌曲每一次都因其中多變的層次而感到意猶未盡。

by guan

Zazen Boys - らんど

在相隔了12年後Zazen Boys終於發行了他們的第六張專輯《らんど》，這也是他們的新貝斯手MIYA加入後的第一張作品，而這樣的轉變也為樂隊本身帶來更強烈的韻律感，相較於上一張《すとーりーず》由合成器譜奏出的機械性節奏，《らんど》在聲響上聽來更加的紮實，每一項音色都被低音節奏緊扣在一起，聽來就如同在他們現場聆聽般的緊湊刺激，但不可否認《すとーりーず》前半部的歌曲有著更加誘人的旋律性。

年初聽完《らんど》後才在東京神保町買了幾張Zazen Boys的二手專輯，赫然發現《ZAZEN BOYS 4》的封底跟歌詞本上主唱向井秀德（也無法確定就是他）帶著帽子用效果器遮住臉的照片就是《らんど》封面上的圖樣，這讓我想到超現實主義畫家Rene Magritte的名畫《The Son of Man》，而無論效果器後面的臉是誰，這也象徵著他們音樂上的變化莫測、無法預期。雖說《ZAZEN BOYS 4》是我最愛他們的一張專輯，因為整體電氣化的氛圍真的很對自己的偏好，而這次的《らんど》目前在我心中還無法超越此張，不過《らんど》搶耳的放克貝斯線與吉他線互擊出強烈生猛的聲響還是比以往出色不少。

單曲〈永遠少女〉在《らんど》中算是一個相當特別的存在，相較於其他歌曲圍繞在東京地域的主題，〈永遠少女〉則是串起日本二戰結束後至現今世界其他各處仍持續進行的戰爭狀態，向井秀德用「永遠」來對照出「死亡」，當時因為戰爭傷亡的少女，年齡就這樣永遠停留在15歲，而現今活著的少女跟過去失去生命的少女沒有任何差別，他們同樣都應該有活著的權利。向井秀德唱著：

「你在想，這個世界是沒有希望的。

你已經放棄了，所有大人都說著謊言。

你錯了，人性本該就是如此。」

他用黑暗的語彙跟對這世界感到失望的年輕人說，我們必須認清事實持續的跟人性對抗，持續的透過自身去尋找答案。

首曲〈DANBIRA〉向井秀德藉由反覆刷奏他的Fender Telecaster，用放克的節奏讓人如同搖擺的行走在東京街頭上，試圖嘗試解放那股在新宿街頭被壓抑的躁動感，他又唱著那句「諸行無常，死灰復燃的性衝動。」將東京變幻多端的生命力轉換成高低的音譜，黃昏下東京的每一個角落都成為他一首首歌曲中的種種景象。城市生活的孤寂幻化為〈バラクーダ〉跟〈八方美人〉，被愛的渴望反覆從字字句句中流瀉出來，貝斯手MIYA彈奏著如同機關槍的貝斯線交織在高頻響亮的吉他單音中，〈チャイコフスキーでよろしく〉或許是專輯中旋律性最好的歌曲，鼓手松下敦快板連環的鼓擊節奏加上貝斯、節奏吉他、主奏吉他交疊出的聲景可以說是完美搭配的演出，彷彿將團員間的演奏默契的發揮推到無人能及的極致。

〈ブルーサンダー〉響亮又騁馳在鼓典上的電吉他刷奏，一直讓我想到Number Girl那一大片一大片不斷回響的吉他噪音，向井秀德唱著對過往夏日的回憶，那些無法消逝的記憶成為一幅幅的殘像存在在他的腦海中，那個藍色閃電成為一個記憶中的印記，錯置在各個年代時空中。專輯中最長的歌曲〈公園には誰もいない〉描繪了東京黃昏下公園的景色，慢板的曲調與藍調吉他的彈奏，呈現出一股緩慢又惆悵的感覺，面對眼前的景象他就像是一個透明的旁觀者。

必須要說〈ブッカツ帰りのハイスクールボーイ〉的吉他實在是太The Smiths了，向井秀德彷彿被The Smiths的吉他首Johnny Marr附身，行雲流水的用Reverb以及Chorus的效果來彈奏，然而吉他手吉兼聰的獨奏又像是劃破天際的一顆流星，讓大音量的破音吉他硬生生的在你耳朵在炸開就像The Replacement在歌曲〈Bastard of Young〉的結尾那般，他們將高中生下課的日常景象轉化為一首復古浪漫又據爆點的歌曲。

《らんど》又是一次Zazen Boys精彩的回歸，無論他們花了多久時間製作一張專輯，無論他們出了幾次新專輯，每一次的反覆都證明了他們無常變化的能力，你永遠猜不到他們會玩出什麼無法預期的節奏與變拍，在向井秀德的宇宙裡彷彿存在著無限的可能，他精準的掌控著節奏，又在字裡行間將那種恍惚不定的心情以非預期的方式表現出來，而這樣特立獨行的風格也證明了他們在當代另類音樂中獨一無二的存在。

by guan

Mount Kimbie - The Sunset Violent

第一次聽到《The Sunset Violent》的最後一首〈Empty and Silent〉就被歌曲強烈空寂的氛圍吸引住，從來沒喜歡過King Krule個人的音樂，但每當他乾啞的嗓音配上Mount Kimbie編奏出的聲景總能從虛無中將情感解放出來，彷彿透過Mount Kimbie才能看到Krule的真實面貌，如同他們在《Love What Survives》另一首與Krule合作的〈Blue Train Lines〉就是另一個證明，即便只是一首客座的歌曲卻加深了人們對他們專輯的印象，定義出了這張專輯獨一無二的性格，這次的《The Sunset Violent》也不例外。

回過頭看Mount Kimbie過去的作品再到《The Sunset Violent》不免讓人覺得這形塑的過程跟其他樂隊、組合不太一樣，或許不能將他們當作是一般的樂隊，畢竟一開始只是Kai Campos跟Dominic Maker這兩個英國電子音樂狂熱份子的實驗場域，不像一般樂隊由搖滾的三件式樂器組合走向電子音樂的電氣化過程，Mount Kimbie感覺就像是逆著歷史軌跡行走的旅人，一直到了《The Sunset Violent》才拿起吉他製作電吉他導向的音樂，如果大家有想起來他們上一張兩人分開個別製作出的野心大作《MK 3.5: Die Cuts | City Planning》應該會對這張的製作方向更摸不著頭緒，唯一的方向大概只有他們不斷「跨界」的野心，聽了Dominic去了洛杉磯後製作的《Die Cuts》找來無數R&B、Hip-hop音樂人就知道這野心有多驚人，我甚至覺得這是一張被低估的傑作，畢竟這張專輯居然連一頁Wiki頁面都沒有。

或許我們從《Cold Spring Fault Less Youth》跟《Love What Survives》的某些歌曲就能聽出一些他們搖滾化的端倪，相較起他們第一、二張post-dubstep的曲風，《Love What Survives》這樣冷調帶有後龐克性格的曲調才真正讓他們從英國電音圈中突圍，也聽得出他們走出臥室走向更精細的製作方式，在音色的調配上也更加的細緻，讓整體聽感更加滑順，比起冷調，這次《The Sunset Violent》則是完全相反以暖調的方式來呈現整體的音感，即便Kai在當中使用了大量的電吉他噪音、音牆，你可以明顯感受到那種如暖陽般的鵝黃色色調從音色映現出來，聽另一首合Krule合作的〈Boxing〉就能感受到那種被合成器與音牆包覆的暖度（他們到底是多愛Krule），或許是他們是在加州絲蘭谷沙漠製作這張專輯的緣故，你總能感受到那股熱度，但總有些時刻又變得異常的冷調，就像沙漠氣候的溫差般。

也是鍵盤手Andrea Balency-Béarn跟鼓手Marc Pell的加入讓這張專輯相較過往更有樂隊感，Andrea的合唱與合音也成了專輯中不可或缺的要角，聽Dominic跟她在〈Shipwreck〉合唱心碎的情歌才意識到Mount Kimbie真的成為了一組樂隊，成為了一組遺落在荒漠中還不為人知的獨立搖滾樂團，但也沒有因為吉他導向的緣故而埋葬他們編曲電子節奏的能力，就像他們在〈A Figure In The Surf〉用輪迴的電子鼓點與穩沉的貝斯低音加上彈跳般的合成器聲響製作出了一首精細的電氣流行樂曲，當中電吉他音色在破音與回響效果之間的調配也是相當優異，曲子後段轉為透亮音色的吉他獨奏更是全曲最精采的部分。

如同開頭所說的專輯終曲〈Empty and Silent〉對我來說反而成了聆聽專輯的進入點，Krule呢喃唱著如他日記瑣碎般的歌詞，配上Mount Kimbie莊嚴的合成器音色與motorik beat將他的歌聲放置在空曠與速度感的維度內，完美的呈現出那種寂寥、無助的脆弱感，如同六神無主的靈魂盤旋在倫敦清晨的街道上，他們不急著用低音去填滿空白處，而是緩緩的用低音去支撐起Krule唱出的旋律中那股無助感，直到最後才用不斷的Bassline去走完歌曲的軌譜，這應該是他們繼〈Blue Train Lines〉之後最完美的一次合作。

Mount Kimbie以九零年代的吉他音樂再次證明他們的「跨界」能力，以人聲與吉他為主導的流行音樂對他們來說已經不是難事，即便這不是他們的強項，在傳統樂器上的編曲也不見得有比其他樂隊突出，但他們對節奏的敏銳度與客座樂手的契合還是相當出色，當你聽第一首〈The Trail〉以為只是一首千篇一律Shoegaze曲風的仿效，一直到那個鼓機般的節奏與短小不斷回響的琴鍵聲才發現這聲音遠不止於此，《The Sunset Violent》的聽感如同感受沙漠上夕陽西沉的過程，捕捉了溫暖轉化為冰冷的那個瞬間。

by guan

Wilco - Cousin

或許看到《Cousin》這專輯名稱會讓人覺得困惑，以為整張專輯是以創作者的表兄弟為主題，但看到Jeff Tweedy用"Cousin"這個沒有直接血緣關係的親緣來描繪自己跟這個世界的關係再透過聆聽感受整張專輯才豁然開朗，他想要呈現這種身處這個世界其中卻又同時對世界有一種的疏離感的氛圍。

其實Wilco的音樂已經很久沒有吸引到我的注意力了，或許是過於平淡也沒有突出的製作跟吸引人的旋律性，但《Cousin》卻成功的重新引起我的注意力，比起他們上一張鄉村專輯，隔一年又出了一張風格截然不同的專輯，可能也要歸功於專輯製作人Cate Le Bon，同樣身為音樂人的Cate Le Bon將他處理節奏、合成器音色的方式帶入到了Wilco的音樂，使得整張專輯的聽感變得更加透亮且輕盈，沒有任何的急躁，讓Jeff Tweedy的旋律能夠自由的在節奏上飄盪。

從〈Infinite Surprise〉就回歸《Yankee Hotel Foxtrot》時期在聲音上的實驗感，細碎的節拍跟吉他噪音不斷的迴響在你耳邊，大鼓聲如同心臟般的跳動，然後噪音越來越大，讓歌聲逐漸消逝在音景之中，給人相當印象深刻的開場。Jeff Tweedy在〈Ten Dead〉中用美國槍擊案的新聞來呈現他如何成無能為力到與這個世界產生疏離感，漸強的樂音就如同這種有毒的麻痺感慢慢擴散的佔據他整個人。

〈Levee〉的副歌旋律盤踞在我的腦中，Jeff Tweedy唱著：「拯救我，再一次的拯救我。」他彷彿不需要任何人，又渴望他人的幫助，整歌陷在這個渴望互助的循環中，歌曲中節奏的速度與吉他Riff的搭配可以說是完美，小調的音階來回的爬升將憂鬱感提升至最高。Jeff Tweedy在〈Evicted〉唱著一個人被他人從心中完全排除在外的感覺，唱著：「我就像是在一台老舊孤獨的列車上的一個口哨，無時無刻在哭泣。」刷奏木吉他的用有點哀愁的情緒表達自己再也不會見到對方，自己也應該得到這樣的結局。

〈Sunlight Ends〉的歌詞如同詩句：「你不是那種城市街道能讓任何人能跨越，你是那種高速旋轉的新星讓你自己迷失。」Jeff Tweedy習慣用一些不合常理的譬喻手法讓歌詞看起來更加有趣一點，他又唱道：「你跳舞，就像光中的塵埃，在那個陽光進來的地方，我跟隨著，直到陽光消失在那。」簡單的一些句子就足夠讓人產生畫面感。專輯到了〈Cousin〉，歌曲節奏變得更雀躍，聽來就像是一首The Velvet Underground還是Deerhunter的曲子，反覆緊密的節奏與樂句可以說是整張專輯最吵鬧的曲子，會讓人覺得比起玩鄉村音樂，Wilco還是適合這種搖滾樂。

沒想到這張專輯到了最後居然這麼溫暖，〈Soldier Child〉像是一種與他人久別重逢的感觸，用單純的木吉他刷奏與節拍傳達這份溫情給聽者，聲音彷彿成為了重逢瞬間的快照，那個瞬間彷彿忘記了所有痛苦，加上老套的吉他獨奏卻很有效的將人帶到思念的情緒裡。最後的〈Meant To Be〉更加雀躍，「我們的愛是命中注定的。」Jeff Tweedy這樣唱，如同一首節慶歌曲，歡鬧的將《Cousin》導向了一個更加篤定的結尾，一掃專輯前半段的陰霾，給聽到專輯後段的人留下了彌補失落的印象。

《Cousin》再次證明有了對的製作人才能將Wilco的音樂變得更加動感，Cate Le Bon讓他們成功重返了搖滾樂，也讓專輯的完整度變得更高。即便歌曲間的氛圍不斷轉化，你還是可以很輕鬆流暢的把整張專輯聽完，畢竟每一首歌都維持不俗的旋律性與製作水準，節奏與環境音的處理上也讓人可以體驗到一些聲響上的小巧思。

by guan