專訪：台灣樂團Doodle

by DOPM

DOPM很榮幸能訪問到剛發行第二張專輯《Endless Dreamless》的Doodle，聊到專輯的製作過程、團員喜歡聽的音樂如何反映在創作中、以及在國外巡演的經驗。

1. 作為台灣早期就開始製作瞪鞋音樂的樂團，可否談談當初是怎麼喜歡上瞪鞋，又是如何決定以瞪鞋作為你們的主要風格呢？不曉得你們是否有發現最近開始有越來越多20世代的孩子在關注瞪鞋，你們又是怎麼看這個現象呢？

郭恆：應該是因為《Lost in Translation》這部電影的影響，在加上那時候剛認識誠品音樂的孟桓所以就跟著聽了很多90年代的英國樂隊。因為大家都很喜歡所以就玩了。因為90年代的四大瞪鞋團相繼都在2000年之後復出了，所以造成迴響吧！
孟桓：這樣顯得我們年紀很大，哈哈，但我們的確玩團都玩很久就是了，我自己是從玩Grunge到後搖。 我愛90年代，但在此強調，我從來沒有想要定義什麼曲風為Doodle的主要風格，只是很喜歡有迷幻元素又大音量的搖滾樂，所以自然就會表現在所彈奏出的歌曲當中，這絕對刻意不來。 有沒有人關注瞪鞋曲風，這不是我該關心的，做好自己就好。
ZEN：我們應該沒有刻意地要做什麼樣子的曲風吧！？大家把自己口袋裡的東西丟出來就變成現在這個樣子。

2. 你們的第二張專輯聽起來比第一張專輯感覺使用了更多的元素，甚至有人覺得不夠迷幻了，你們的想法是什麼？

郭恆：我覺得新專輯有種Bitter Sweet感，適合一個人的時候靜靜聆聽，9首歌編排出3段不同的情緒與感受，至於是什麼感受就交給大家的耳朵去體會嘍！
孟桓：使用更多的元素而不夠迷幻了？這應該沒有因果關係吧！ 若說廣義的迷幻，本來就是很個人的體驗，我想反問那迷幻是什麼？ 我們並沒有要被貼上任何標籤，只是我們很喜歡迷幻，也希望把這些迷幻體驗帶入我們的音樂當中，就這麼簡單。 迷幻是很右腦的東西，而非左腦的定義或是苦練模仿而來。

3. 你們有一些機會在日本作巡演，日本樂迷的迴響可以跟我們分享看看嗎？這當中有很多跟日本樂團交流的經驗，你們有沒有什麼有趣的收穫呢？

郭恆：日本的Livheouse幾乎每天都有表演，而且每次表演的樂團都超過3個以上，跟台灣的文化很不一樣，也因為很多樂團要表演的關係，彩排時間往往都是中午以後就要開始，甚至在彩排後還有樂團自我介紹忘年會（關西地方）或after party圓桌會（關東地方），總之就是交流的時間很多，聽不懂也很多的台日友好之旅。
孟桓：日本團普遍很愛喝酒，我們也是，所以有了更多交流的時機，曾經聽過一種說法，關東地區樂團會在表演後喝醉，而關西則是表演前就醉了。 且就像郭恆說的，他們也許在表演前或是表演後，都會有共演樂團互相介紹彼此的party，而且是極有禮貌的，可以有互相交流並且鼓勵打氣感覺很好。 也真的真的很感謝讓我們有機會在日本登台演出的一切！
ZEN：我很喜歡日本LIVE HOUSE的AFTER PARTY（至少我們去過的都有PARTY），並不是因為喝酒什麼的；所有共演的團體，不管認不認識彼此、是不是強迫留下來的，大家至少都願意花一點時間相處，也因此有更多機會認識更多不一樣的人，大家以後有機會可以互相幫忙，乎相切磋學習。

另外，普遍在日本演出時的內場監聽都很舒服，所以表演起來很容易進入狀況，沒有什麼好擔心的地方。

4. 做為一個台灣的瞪鞋樂團，你們怎麼反思和落實這個英國血統的曲風？或是曾經想過像川秋沙那樣以台語做為創作的語言，融合一些台灣的元素嗎？

郭恆：因為就是喜歡那個時代的TONE，但每個團表達方式不同嘍！
孟桓：我也聽了更多的美國團，而Doodle本來就是台灣團，團員也都是台灣人，不需要刻意地去融合什麼所謂的台灣元素。 所有音樂的呈現方式，本來就是我生活週遭體驗的實踐。
ZEN：沒有必要刻意地融入任何一個元素，就像之前講的，我們的音樂會是什麼樣子，就是大家口袋挑一挑會有的東西，要多了可能也沒有。

5. 可否跟我們聊聊專輯名稱《Endless Dreamless》的由來？

孟桓：人都有理性與感性的一面，但我總希望感性可以佔大多，那代表一種無止境的絕望輪迴，而且這兩個單字，非常美。

6. 介紹中有提到樂團花了很多時間錄專輯，克服了很多技術問題。可以跟我們分享專輯的製作過程嗎？

郭恆：我覺得錄音是一種很好的自省方式，無論如何就是要找到自己的tone。(我真的超愛#victoriaamp音箱的tone喔!)
孟桓：對於Doodle來說，「感覺」勝過一切。 而我們並不是學生或是無主業的在玩團，團員各自都有很多事情在忙，所以時間的配置就是最基本的一大問題。

技術方面是指，也許會對歌曲有很多想法，但礙於個人技術面或是時間或是預算問題，我們必須要從中取捨到可接受並最接近完美的程度，對得起自己對得起聆聽我們音樂的人。

製作過程通常是鼓與bass先進行錄音，再錄製吉他以及vocal的部份，混音經過大家一起討論提供方向及意見，經由Zen的錄音及混音技術加以實踐，我們常常會容易吹毛求疵要求完美，而導致製作時程拉得很長就是了。

ZEN：感覺很重要，我們不會刻意的要弄得很精準，把TONE決定好之後，就是在一堆瑕疵之中，找出一顆最透亮的瑕疵，有沒有透亮最重要。

7. Doodle的兩張專輯都是請JJ Golden這位Mastering Engineer做母帶。當初是怎麼找到他，或者特別喜歡他製作過的哪些專輯嗎？

孟桓：當時找Mastering Engineer是有參考過很多喜愛的專輯，其中當然包括我的第一愛團The Warlocks的《The Mirror Explodes》和《Skull Worship》、The Upsidedown的《Human Destination》、Devendra Banhart的《Cripple Crow》…

8. 去年Doodle有推出限量的7”黑膠 ，《Endless Dreamless》也會發行黑膠版本。你們認為和發行首張專輯的時候相比，台灣聆聽黑膠的樂迷是否增加了？

郭恆：黑膠復興、黑膠復興
孟桓：會做黑膠的發行，是因為Zen本身就一直有在聽黑膠，起初是經過他的提議才決定，而並非是在認為黑膠聆聽人數變多了才想要發行黑膠的，畢竟那跟製作CD的成本付出完全是不成比例的暴增。
ZEN：有沒有增加是不知道，但認真地做完一張專輯，就是要呈現最好的一面出來，我覺得黑膠很能夠完整的回放錄音本身所要記錄的東西，那不是mp3或是串流，甚至是CD能夠表達出來的，後面有很多科學的根據在裡面。

9. 台灣的音樂環境從Doodle發行第一張專輯到第二張專輯之間有什麼改變嗎？

郭恆：有一種邁入中年般的轉變。
孟桓：專輯越來越難賣，也越來越少人願意逛實體唱片行，可能願意花錢看團表演（尤其是國外團），但卻不願意買專輯，雖然都很重要，但專輯裡的錄音版本才是歌曲最完整的樣貌啊！
ZEN：在台灣玩團越來越辛苦，以前認真寫歌、認真練團表演自然而然的就有人支持你，也會來看你演出，現在資訊獲取的越來越方便，但要人注意到你越來越難，很容易就被淹沒在資訊海裡面。所以許多人現在會花龐大的預算在企宣上面，大概是10幾年前的千倍吧！但能夠花在唱片製作上面的經費，卻跟10幾年前差不多！？

10. 最近喜歡聽的專輯有哪些？

郭恆：Super Napkin - 《Rhythmic Lizard Moon》、Sloth Scamper - 《Animal Experimentation》、Stereolab -《Fluorescences EP》、Spectrum - 《Indian Giver》、Blanche Blanche Blanche《Wink with Both Eyes》、Pharmakon - 《Bestial Burden》
孟桓：Various Artists - 《Psych Box》、The Brian Jonestown Massacre - 《Mini Album Thingy Wingy》、Anton Newcombe & Tess Parks - 《I Declare Nothing》、The Black Ryder - 《The Door Behind the Door》、Orange Revival - 《Futurecent》

專訪：英國樂團Sennen

by DOPM

DOPM 和剛發行新專輯的英國樂團Sennen聯繫上，為他們做了專訪。他們對創作的珍視，同時希望表現美感與實驗性的態度都令我們非常感動。

1. 有人會說 Sennen 算是瞪鞋復興運動的一員，你們怎麼看這個標籤？

Larry: 我們從來沒想過要這麼做。我們沒特別聊過這件事，不論是瞪鞋的復興，或是其他的樂風，我們從沒想過要為了成為什麼而特別製作什麼元素。不過如果大家發現我們，甚至喜歡我們的原因是因為他們喜歡瞪鞋，那我們也完全OK。

2. DOPM 已經關注這波所謂「瞪鞋復興」的風潮很多年了，但我們發現這幾年越來越少 nugaze 的樂團有什麼動作，反而是第一代的經典瞪鞋樂團（例如 MBV、Slowdive、Ride 和 Lush）紛紛重組，你們對於這種現象有什麼看法嗎？你們認為隨著經典老團的重新復出，會有更多 nugaze 的作品嗎？

Larry: 可能，我想如果人們一邊看著這些重組而復出的表演一邊想著要玩音樂，可能有些聲響就這樣出現在他們的腦海裡。如果新的樂團可以從這些經典的作品裡擷取一些片段，朝著新的方向組成不同的作品，那一定是很酷的事。

3. 你們的音樂受到誰的影響呢？（除了 Ride 之外，這比較明顯一點）我們甚至在第一次聽到 Sennen 的作品時（那是《Where the Light Gets In》這張專輯），想到紐約的樂團 Ambulance LTD，請問你們曾經聽過任何人這麼說過嗎？如果可以的話，想請你們分享一些其他人常常會拿來和 Sennen 相提並論的作品好嗎？

Larry: 我知道 Ambulance LTD，不過從來沒人說過 Sennen 像他們！他們並沒有對我們的音樂有什麼特殊的影響力，不過我可以從他們的音樂裡找到些許和 Sennen 類似的蛛絲馬跡。Rich 和我唱歌的方式曾經被拿來 Teenage Fanclub 做比較。這還算合理的推測，因為當初 Rich 和我會開始一起做音樂，就是因為我們一起翻唱 Teenage Fanclub 的歌，大家都說我們兩個人的合唱很棒！我們從那時開始喜歡上 Yo La Tengo、Mercury Rev 和 Spiritualized，這幾個樂團都是可以同時寫出極其優美的作品和非常暴力的歌曲的樂團，他們也能夠自在地在結構和聲響上做文章，甚至把一些很驚人的作品帶向奇怪的方向。我想那也是我們一直以來嘗試在做的事，不論是我們的第一首歌或是最近的作品。

4. 你願意談談 David Bowie 是否對 Sennen 有什麼影響嗎？

Larry: （我們不是很確定我們是否能給出什麼漂亮的答案，尤其是如果拿我們跟正統的鮑伊迷來說... 不過以下的答案你們可以參考就好。）《The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》是我14歲時擁有的唯一一張專輯，所以當時的我每天每天聽，聽了大概三個月，現在我還是很愛！不過我不是什麼正統的鮑粉，所以我也不會認為他對我們的作品有任何直接的影響。但回頭來說，就像剛剛談的，如果我們一直追求的就是把優美的歌曲帶往奇怪的方向，這種帶有實驗性質的方式就是我們的對搖滾樂的態度，那麼很顯然地，鮑伊對我們有極大的影響力。

5. 樂團的成員們是否有其他的音樂計畫呢？

Larry: Brownie、Rich 和我最近和 The Early Years 的 Roger Mackin 有一些新的嘗試。實際上我們已經有了大概可以作為兩張專輯份量的作品了，只是我們還在思考該怎麼整理這些作品。我們這個組合的團名會叫做The Nite Fights，希望今年稍晚能有一些表演。

6.《First Light》和你們之前其他的作品有什麼相似或是不同之處嗎？是否能請你們談談為什麼《First Light》讓我們等了這麼久？：）

Larry: 在我們完成了最後一張專輯之後，我們有點像是停止作音樂了。不是故意想要休息，我想只是人生就剛好走到了這個階段。然後我們開始在 Holloway 的一些練團室見面，不是為了 Sennen，也不是為了作歌，只是我們喜歡在那裡瞎耗，在那裡鬼混，隨便弄一些噪音。我們開始有點想念那種「你真的在一個樂團裡面」的感覺，瞎混了六個月之後，我們開始發現其實我們也弄出了一張專輯，雖然一開始不是為了 Sennen 而創作，但不知怎地，這些作品也並不是離我們的早期作品太遙遠。所以這大概就是為什麼我們後來又跑去 Norfolk 的 Sickroom 找 Owen Turner 吧，那是我們錄製第一首歌的地方，可以回到那邊真的感覺很好。

7. 你們錄製專輯的方式有因為 Spotify 等串流音樂服務的竄起而造成什麼影響嗎？你們對於串流音樂服務有什麼想法嗎？你們如今還是會出黑膠唱片，是否有任何原因呢？畢竟現在大部分的錄音都是數位錄音了。

Larry: 無庸置疑，串流讓錄製專輯的過程或是賺錢變得更困難了，但對我們來說那好像是另外一個世界的事。我們總是仰賴彼此創作歌曲，這甚至跟我們的商業計劃一樣重要。

我們感到很幸運，能透過 Indelabel 這個廠牌來發行我們的專輯，他們也出錢幫我們發行限量的黑膠唱片，我們喜歡這麼做，也認為我們的粉絲會喜歡。但無論如何，我們都會嘗試用各種管道推出作品。在流通、傳播的方面，串流音樂很明顯地可以為樂團們帶來很多好處，理論上來說，你可以做點什麼東西，而任何人隨時隨地都有機會可以聽到你的作品。

8. 你們的音樂生涯裡有什麼最值得驕傲的階段嗎？或是什麼時期最難熬？

Larry: 我們的首發專輯一定可以算是某種頂點了，我們經歷了剛組團的人所有想達成的事：和很酷的人一起工作，我們和 Dave Allen 一起錄製《Lost Harmony》，回去和 Owen 一起錄歌，和 dEUS 一起巡迴，和很多很棒的樂團一起表演，我們固定會在表演後，通常是半夜，開車回 Norwich，不論我們在英國的哪裡。但隔天還要早起上班永遠是最最痛苦的事。

9. 你們的巡演計劃好像還沒公開，我們今年有可能在倫敦看到 Sennen 的現場表演嗎？

Larry: 當然了！今年夏天！一定！

10. 你們在《First Light》的新聞稿裡提到「為了藝術而藝術」，你們是怎麼會有這樣子的想法的？是不是對你們來說，玩音樂已經是每日生活裡不可缺少的一件事了呢？

Larry: 就像我們前面提到的，在《Lost Harmony》之後無預期的短暫休團之後，我們開始只為了好玩而聚在一起鬼混，三十幾歲了還玩團好像有點可笑，但我們真的很想念玩團的日子！當我們開始重新作音樂，我們才發現音樂對我們來說有多重要－創作、玩團、錄音。朝著創作的目的玩團只是因為沒有其他任何事情可以取代這件事，而《First Light》裡面充滿了許多這樣的情感。Scott Walker 在他的專輯《Scott 4》內頁裡引用卡繆的句子[1]，就說得比我能夠想像得還要好上千百倍，我想那也可以用來描述 Sennen 以及其他無數個樂團。

[1]：
A man's work is nothing but this slow trek to rediscover, through the detours of art, those two or three great and simple images in whose presence his heart first opened.
— Between Yes and No, Albert Camus, 1950

一個人的作品不過是藉由藝術的媒介，在緩慢的生命路途上，迂迴地重新找回在最初相遇時讓他敞開心門的那兩三個偉大但簡單的畫面。

[Mixtape] Thank you, David Bowie!

by DOPM

一月十一日的早上一起床，就在Facebook上看到David Bowie去世的消息，當下覺得難以置信，因為不過幾天前才聽到他的新專輯《Blackstar》，沒想到這竟然是他告別人世前送給歌迷的禮物。

雖然人在倫敦，能夠即時聽到BBC 6Music為Bowie做的紀念專題，也有機會親炙歌迷在Brixton為他設的祭壇，但緬懷Bowie的儀式橫跨了歐亞大陸，我們在地球兩端討論關於Bowie的一切。

Bowie的肉身已經火化，但他多變的形象、傑出的藝術成就將會一直留在樂迷心裡。DOPM挑選了十五首我們喜愛的Bowie歌曲，並簡述這些歌曲對我們的意義。

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1. V2 Schneider (1977)

出自《Heroes》的〈V-2 Schneider〉據說是Bowie要向Kraftwerk團員Florian Schneider致敬的曲子，這首歌以樂器演奏為主且沒有明顯的主旋律，唯一出現的歌聲就只有Bowie隱晦的唱著曲名。受到Kraut-rock的影響，可以聽的出他這時期對環境聲響相當感興趣，曲中的薩克斯風演奏以及火箭升空般的吉他乍響更讓曲子顯得與眾不同。
(by P)

2. Sound and Vision (1977)

如果要說我最喜歡哪一張David Bowie的專輯，答案肯定是他柏林三部曲中的《Low》，當中的第四首歌〈Sound and Vision〉不管是吉他編曲還是主旋律都給人一種俏皮的感覺，但Bowie的唱腔卻是略帶憂鬱的，他描述他所處的房間充滿了藍色調，他待在那裡無所事事，沉浸在孤獨之中，等待聲音與視覺所能帶來的喚醒。
(by P)

3. Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise) (1974)

《Diamond Dogs》當中相連的三首歌可說總結了David Bowie音樂生涯的重要成就，他是個出色的表演者，並且極度擅長將怪異難懂的內容用戲劇化的方式呈現出來。像〈Sweet Thing〉這首歌描繪類似George Orwell《1984》一書中的反烏托邦世界，當中的人們進行挑戰禁忌但疏離的性關係，但Bowie在字裡行間留下許多謎團，古怪的樂器編制、他誇張的聲音表情，接續的〈Candidate〉和〈Sweet Thing (Reprise)〉更加深歌曲的神秘色彩。或許他和愛爾蘭作家James Joyce一樣企圖在創作中佈滿迷陣，讓我們這些後輩能花上許多時間去解謎。
(by D)

4. Heroes (1977)

猶記第一次聽到Heroes的時候，像是被音樂電到一樣。每次聽到開場那飄渺的電吉他，加上Bowie嘶吼地唱著 “We could be heroes, just for one day” ；儘管不能永恆，但透過音樂感覺已經相當接近，像是Bowie替我們唱出了追求超越現實生活的願望。
(by F)

5. Space Oddity (1969)

這首曲子也許是除了〈Heroes〉 之外，最常在電影片段裡出現的Bowie歌曲。雖已無從記憶首次聽到這曲子是何時，但很清楚記得被〈Space Oddity〉深深撞擊是從Exitmusic翻唱的版本開始。那是所聽過翻唱版本中最哀傷孤寂的，完全沒有之後電影〈白日夢冒險王〉所賦予的，對於冒險壯遊的致敬崇拜，唯一感受到的就是向世界、親人告別的單純感傷。不過Bowie最原始的版本並未如此煽情，迎向無垠未知的孤寂的同時，似乎也唱出Major Tom對世事雲淡風輕的超脫，然而那句" Tell my wife I love her very much, she knows" 還是讓人聽得心碎不已。
(by H)

6. Modern Love (1983)

法國導演Leos Carax在他的電影〈Mauvais Sang〉中穿插了這首〈Modern Love〉，這首歌與影像一直在我心中難以磨滅，他的歌聲完美的將為愛瘋狂的感覺表現出來，電影中橫向的鏡頭抓準了Denis Lavant在街上奔跑的畫面，這一幕實在太古怪了，不印象深刻也很困難。然而在另一部電影〈Frances Ha〉也用了同樣的歌曲在女主角於紐約街頭奔跑的畫面上，想必也是向Carax以及Bowie致敬，此後當我們在街上奔跑都會想起這首歌。
(by P)

7. Absolute Beginners (1986)

〈Absolute Beginners〉是Bowie出演電影的同名主題曲，個人非常遺憾還沒有看過電影，但因為Shearwater的主唱Jonathan Meiburg澄淨的翻唱版本而注意到這首歌。原曲的旋律及編曲都不脫八零年代流行樂的常見風格，不過看似普通的情歌還是寫得很有深度，相愛的人一起度過的每一天當中都宛如新手，因為每天都有不同的困境需要面對。令人琅琅上口的副歌充滿正面能量，結尾的弦樂也收得漂亮。
(by D)

8. The Next Day (2013)

睽違樂壇十年後所發行的專輯，雖然封面用上的是《Heroes》改編版本，但對我來說它更像是對於《Scary Monsters》闊別30多年後的遙相呼應，電吉他編曲同樣生猛有力，歌詞對現世的批判更是精準到位，像是左右連拳般不斷敲響醒鐘，一出場便讓人明白薑還是老的辣。
(by H)

9. Warszawa (1977)

《Low》應該是我個人最愛的Bowie專輯。而主要原因正是因為它的B-side，放了四首類似配樂般的組曲。整個氣氛冷峻陰森，可是旋律卻又是優美神秘。與Brian Eno聯手下譜出了搖滾樂裡最令人匪夷所思的專輯B-side。但是，我卻對它愛不釋手。
(by F)

10. Ashes to Ashes (1980)

Major Tom二度現身，也讓世人對於〈Space Oddity〉有了另一層的解釋：或許Major Tom不是位航向太空的壯烈英雄，而是個嗑藥嗑昏頭、嗑掛了的癮君子。充滿funky氣味的bass線條深深吸引著我，而《Scary Monsters》或許也是David Bowie眾多專輯中，電吉他聽來最生猛的一張專輯。同時也覺得在這張專輯之後，David Bowie的音樂生涯便開始走下高峰，即便〈Let's Dance〉帶來其生涯最成功的商業成就。
(by H)

11. The Man Who Sold the World (1970)

Bowie有許多歌曲的主題都涉及到個人的身分認同，過往覺得不被世界理解，不被同儕接納時，總會循著Bowie的歌找尋情緒出口，〈The Man Who Sold The World〉也是其中之一。為依附這個世界的法則而不斷改變自己，直到最後真我站在面前時，卻已再也不認得他了。
(by H)

12. Oh! You Pretty Things (1971)

David Bowie喜愛閱讀，歌曲中常可以看出文學或哲學的影響〈Oh! You Pretty Things〉引用了尼采的「超人」學說，但Bowie使用了較為隱晦的 "homo superior" 一詞。超人對世俗價值觀抱持懷疑的態度、甚至鄙視，他能夠在虛無的生命中找到自我的價值觀，並且依自己的意義創造人生。Bowie在這首歌中描寫守舊勢力的失勢、由年輕世代主宰的新時代已到來，此刻正值他挑戰性別與性傾向疆界的時期，他在副歌激昂的聲音聽得出他對更自由、提倡解放的世界充滿自信。
(by D)

13. Letter to Hermione (1969)

〈Letter to Hermione〉是David Bowie寫給初戀女友的歌曲，同樣收錄在《Space Oddity》專輯的歌曲〈An Occasional Dream〉也是以她為主角。雖然這個時期的David Bowie已經在創作中注入他無限延伸的想像力，但首次戀愛刻骨銘心的記憶讓Bowie在這些歌曲中展現出他脆弱易感的一面。細膩的吉他撥弦和Bowie輕聲的吟唱就像我們腦海中所留下逝去戀曲的畫面：遙遠、泛黃但美麗，當他唱起"But did you ever call my name just by mistake?"的那一刻最令人心碎。
(by D)

14. Stay (1975)

〈Stay〉是《Station to Station》中的第五首曲子，這首曲子的編曲相當具有層次感，帶有放克的節奏，但又含括了Bowie獨有的憂鬱感。選這首歌，也只是因為我們想請他不要離開他的歌迷與親朋好友，留在這個世界繼續帶給大家令人驚艷的作品，但最後又有誰能真的永遠留下呢。
(by P)

15. Lazarus (2016)

Bowie傳奇的一生可以算是全都掌握在他自己的手裡。他創造多個角色 (包括電影裡)，決定他們的個性與造型，唱出他們的故事，演出他們的靈魂，最後甚至結束他們的生命。在知道終點將要到來，Bowie也要為自己／樂迷們精心策劃他的謝幕場景，推出《Blackstar》作為他告別人生與音樂舞台前的最後輓歌。特別選〈Lazarus〉這首歌，不只是因為和他的過去因緣際會的關係，而是這真的是很棒的一首歌。充滿悲劇性的薩克斯風、破音的吉他刷弦，加上Bowie哀傷的唱腔唱著為自己的死亡所寫的墓誌銘。R.I.P David Bowie.
(by F)

【2015年終榜】DOPM最喜歡的專輯1到10名

by DOPM

10. Kamasi Washington - The Epic

雖說這只是Kamasi Washington的首張專輯，但整張專輯絲毫不見生澀之情。畢竟他早已是洛城音樂圈裡頗有名號的人物，在實驗電子鬼才Flying Lotus與近期西岸嘻哈當紅炸子雞Kendrick Lamar的專輯裡都能聽見他的身影。要簡介《The Epic》其實有點困難，接近3小時的專輯長度早已遠遠超越一般人對一張專輯聲音的記憶長度。但要簡而言之也很容易，整張專輯幾乎就是爵士樂的縮影，它為這個擁有過往榮光但近來逐漸凋零的樂種找到出路 (或說再次激起波濤)，重新開啟另一波的聲音探索實驗，專輯名為《The Epic》可謂名符其實。

(by H)

 

 

9. Jamie xx - In Colour

想念The XX的人，多少能在這張《In Colour》中尋得所需，〈Sleep Sound〉〈Seesaw〉〈Loud Places〉都是帶有濃厚The XX影子的曲子，但其餘歌曲在風格上卻有頗大差異。或許很難想像〈Gosh〉 〈I Know There's Gonna Be (Good Time)〉這些歌曲，怎麼會和前述歌曲被擺放在同一張專輯裡。然而就如同pblue所言，此張專輯展示的是倫敦生活日常生活中，在街頭上所會聽到的音樂類型。而隨著閱聽經驗的累積，我們也逐步發現，一張好的作品並不取決與它將畫面塞得多麼飽滿，而是懂得在何時該適度的留白，《In Colour》便是深諳此道的一張作品。

推薦單曲：Loud Places, Seesaw, Obvs

 

(by H)

 

8. Swervedriver - I Wasn’t Born to Lose You

要是喜歡瞪鞋樂風而且想嘗試新音樂，《I Wasn’t Born to Lose You》是一張無可挑剔的作品，Swervedriver團員早已步入中年，歲月撫平了年少時的急躁，《I Wasn’t Born to Lose You》的每首歌都讓人感覺到樂團對歌曲創作和樂器編排的駕輕就熟，即使高速疾駛，乘客也能夠安心仰賴樂團的技術，Adam Franklin和Jimmy Hartridge的吉他分開出現在左右聲道，整體的空間感極佳。《I Wasn’t Born to Lose You》中表現出許多類型的情感，以瞪鞋專輯來說非常難得。雖然原本喜歡Swevedriver爆衝風格的樂迷可能會認為新作聽起來不夠過癮，但他們新展現出的細膩手法我很喜愛。

 

 

7. 雷光夏 - 不想忘記的聲音

當今年雷光夏新專輯出來的那一段時間，這張專輯幾乎不曾離開我的耳朵。我記得那時候，正是夏天的尾聲，而每天也幾乎都是雨天。而我正準備著要告別，回首檢視著逝去的日子進入人生的下個階段。也就這樣，雷光夏的音樂、潮濕的雨季與時間的流逝交織出屬於我個人關於雷光夏的回憶。我想對於別人應該也是如此的，在她的音樂裡，我們聽者不只是被動吸取旋律和歌詞的美好直到它無味，而是要主動地將我們個人的經驗與感悟投射到音樂作品中，使歌曲內容更加豐富也更為私人。也因此，雷光夏的音樂對我來說，更像是一個溫暖的家、一個理性又感性的旅伴、一個用回憶譜曲的音樂盒。就如高涌泉教授在〈遠方的鼓聲〉MV 裡提到的時間的死亡與過去的不存在，我們只能在記憶中留下極少的人生片段。

 

雷光夏的音樂或許不能幫我們保留回憶，但在時光持續流逝下，她的音樂總是溫柔地告訴我們「不要畏懼失去，因為有失去，我們才有回憶，也才會不想忘記」。

(by F)

 

6. The Charlatans - Modern Nature

《Modern Nature》的第一支單曲〈Talking in Tones〉就展現出樂團創作技巧的精進，由貝斯、鼓和Tony Rogers彈奏的鍵盤組成的律動前奏很有他們一貫的特色，主歌刻意放輕，平實呈現戀人或好友間日常溝通的傳訊，當伴隨著絢麗鍵盤與吉他的副歌進入時，自己彷彿跟主唱Tim Burgess一樣”feel strengthened”，感受到力量。另一支單曲〈So Oh〉同樣有討喜的鍵盤與吉他橋段，重複著歌名兩個單音節單字的副歌讓人無法抗拒跟著哼。描述親近自然的歌曲〈In the Tall Grass〉鼓和貝斯的節奏組非常迷人，銜接歌曲各部分的鍵盤段落設計得很巧妙，中間一段獨奏雖不長卻切實傳達了自由自在的心境。

 

 

5. Algiers - Algiers

Algiers的第一張同名專輯絕對是今年最令人驚艷的作品之一，他們的音樂融合了福音、後龐克、非洲節拍、工業及電子等樂風，即便將多種樂風集於一身卻毫無讓人感到違和，主唱Franklin James Fisher具有力量的嗓音更為他們的音樂帶來前所未有的張力，他們不畏言他們的音樂是政治的，受非裔美國人的激進抗爭事件影響，他們的音樂反抗殖民主義，在當今獨立音樂瀰漫逃離主義的氛圍中找到一條不妥協的道路，將非裔美國人的傳統音樂注入當代獨立音樂以宣示他們的抗爭還未結束。

(by P)

 

 

4. Sufjan Stevens - Carrie & Lowell

我想是特別這幾年在聽音樂，越來越知道自己想聽的音樂是怎樣的，因此對於市面上越來越多的新音樂，反而沒有那麼大的興趣。記得看過文章，有人說我們聆聽音樂的習慣隨著網路串流，漸漸地在改變。以前可能會照著專輯的曲目排序每首聽，現在有了iTunes 和 Spotify，只要輸入心情或曲風馬上就會跳出一堆歌單，而且還能常常發掘新音樂。那專輯的意義還在嗎？ 我不知道，我雖然偶爾也會聽歌單去發掘新音樂，但我對聆聽整張專輯還是有一定的執著。我希望聽一張專輯，那音樂是能完全的包圍我的mood，讓我無處可逃。一首又一首的歌不再只是歌，而是一個故事的不同章節。

在《Carrie & Lowell》裡說的是一個關於死亡的故事。逝去母親的悲傷，生存者的罪惡感，絕望的面對無法避免的死亡，自溺的活在過往回憶，每首歌都瀰漫著一種無以挽回的哀愁，因為一切都失去的無以挽回，所以哀愁；一種已經心寒的絕望禱告，因為已經絕望，所以只好轉向上帝祈禱。即便他也清楚的知道這麼做只是精神的自慰，然而還有哪些選擇呢？當然還有，把這些情感寫成一首首優美的輓歌送到另一個世界，就算他們可能也聽不到。但是我們聽到了，那憂鬱絕望的心境，正是讓我聽的無處可逃，也不願意逃的專輯。

(by F)

 

3. Bill Wells & Aidan Moffat - The Most Important Place In The World

有些歌曲得要到達某種年紀或人生體會，才能沉下心來將它聽個透徹，《The Most Important Place In The World》便是這樣的一張專輯，這或許是一整年下來總體累積聆聽時數最長的一張專輯。充滿中年男子的煙燻酒氣，同時瀰漫婚姻失敗、性生活乏味單調、失業危機、髮量警報、過時的幽默感，以及二手中古車在深夜快速道路上拋錨的水逆氣味。安全是回家唯一的道路，但回家卻不盡然是保證安全的道路。不知何故，如今這樣低迴幽隱的聲響與歌詞，卻能使我無比安心地置身其中。

推薦單曲：On The Motorway、The Eleven Year Glitch、Far From You

(by H)

 

 

2. Low - Ones and Sixes

用「少即是多（Less is more）」來形容Low的音樂真是適合不過，他們的音樂沒有任何贅飾。開場曲〈Gentle〉如此的純粹沉靜令人感到肅穆敬畏，宛如John Berger形容觀看法揚肖像 (The Fayum Portraits) 時的感受。而當Alan Sparkhawk粗嗄的嗓音與Mimi Parker撫慰人心的哼唱結合，那莊嚴的美感至今任何其他樂團都超越不了。此外，Alan Sparkhawk的吉他音色也是一絕，〈No Comprenede〉的刷奏、〈Kid in the Corner〉不安的氣氛、〈Landslide〉的drone式噪音、〈DJ〉清亮的回音聽著都十分享受。《Ones and Sixes》記錄了人與人之間相處的痛苦摩擦，以及寬恕與超脫的可能性。

(by D)

 

1. Viet Cong - Viet Cong

實際去聽Viet Cong的音樂，就會發現他們是在虛無世代成長的青年，非常深刻認知到凡事都已失去意義，親眼目睹同樣的錯誤不斷重複，如同活在尼采描述的永劫回歸中。他們用尼采式的狂熱激情去擁抱虛無，在音樂的神聖早已喪失的年代奮力延續音樂生涯，《Viet Cong》是在巡迴的惡夢間錄成，記錄了樂團的斑斑血淚。結尾曲〈Death〉幾乎占專輯三分之一的分量，開頭像一般的後龐克歌曲一樣以吉他、貝斯和鼓挑動觀眾心中的黑暗面，歌曲中間突然出現Krautrock的節拍，以為歌曲要結束時，音樂又繼續下去而且變得更猛烈。死亡代表結束，但Viet Cong好像就是硬著頭皮要跟死神繼續耗下去，就算只是短暫的對抗，結果勝負已定，他們也不願意不戰而降。

 

Top 20專輯文字版：

1. Viet Cong - Viet Cong
2. Low - Ones and Sixes
3. Bill Wells & Aidan Moffat - The Most Important Place In The World
4. Sufjan Stevens - Carrie & Lowell
5. Algiers - Algiers
6. The Charlatans - Modern Nature
7. 雷光夏 - 不想忘記的聲音
8. Swervedriver – I Wasn’t Born to Lose You
9. Jamie xx - In Colour
10. Kamasi Washington - The Epic
11. Panda Bear - Panda Bear Meets the Grim Reaper
11. Jenny Hval - Apocalypse, girl
13. Kendrick Lamar - To Pimp a Butterfly
14. Girls Names - Arms Around A Vision
15. New Order - Music Complete
16. Unknown Mortal Orchestra - Multi-Love
17. 1976 - 前王子
17. Destroyer - Poison Season
19. Ringo Deathstarr - Pure Mood
20. My Morning Jacket - The Waterfall

 

Staff Lists:

P:

  1. Viet Cong - Viet Cong
  2. Sufjan Stevens - Carrie & Lowell
  3. Algiers - Algiers
  4. Low - Ones and Sixes
  5. Ought - Sun Coming Down
  6. Jim O'Rourke - Simple Songs
  7. The Charlatans - Modern Nature
  8. Girls Names - Arms Around a Vision
  9. Jenny Hval - Apocalypse, girl
  10. Panda Bear - Panda Bear Meets The Grim Reaper
  11. Colin Stetson & Sarah Neufeld - Never Were the Way She Was
  12. Young Fathers - White Men Are Black Men Too
  13. Mount Eerie - Sauna
  14. Jamie xx – In Colour
  15. New Order - Music Complete
  16. Destroyer - Poison Season
  17. Unknown Mortal Orchestra - Multi-Love
  18. 1976 - 前王子
  19. Ringo Deathstarr - Pure Mood
  20. My Morning Jacket - The Waterfall

D:

  1. Viet Cong - Viet Cong
  2. Low - Ones and Sixes
  3. The Charlatans – Modern Nature
  4. Majical Cloudz - Are You Alone?
  5. Sufjan Stevens - Carrie & Lowell
  6. Bill Wells & Aidan Moffat - The Most Important Place In The World
  7. Swervedriver - I Wasn’t Born to Lose You
  8. Unknown Mortal Orchestra - Multi-Love
  9. Algiers - Algiers
  10. Julia Holter - Have You In My Wilderness
  11. Jamie xx - In Colour
  12. Panda Bear - Panda Bear Meets the Grim Reaper
  13. Jenny Hval - Apocalypse, girl
  14. Destroyer - Poison Season
  15. Girls Names - Arms Around A Vision
  16. 橙草 - 烏鴉
  17. 1976 - 前王子
  18. New Order - Music Complete
  19. Ringo Deathstarr - Pure Mood
  20. My Morning Jacket - The Waterfall

F:

  • Anna von Hausswolff - The Miraculous
  • Beach House – Depression Cherry
  • Bill Wells & Aidan Moffat - The Most Important Place In The World
  • Björk – Vulnicura
  • Floating Points - Elaenia
  • Grimes - Art Angels
  • Jamie xx - In Colour
  • Jenny Hval - Apocalypse, girl
  • Kamasi Washington – The Epic
  • Kendrick Lamar - To Pimp a Butterfly
  • Levon Vincent - Levon Vincent
  • Max Ritcher - Sleep/From Sleep
  • New Order - Music Complete
  • Oneohtrix Point Never - Garden of Delete
  • Rachel Grimes – The Clearing
  • Richard Hawley - Hollow Meadows
  • Sufjan Stevens - Carrie & Lowell
  • Tame Impala - Currents
  • The Weather Station - Loyalty
  • 雷光夏 - 不想忘記的聲音

H:

  1. Bill Wells & Aidan Moffat - The Most Important Place In The World
  2. Low - Ones and Sixes (2015)
  3. Kamasi Washington - The Epic
  4. New Order - Music Complete
  5. EL VY - Return to the Moon
  6. 雷光夏 - 不想忘記的聲音
  7. Jamie xx - In Colour
  8. Sufjan Stevens - Carrie & Lowell
  9. The Charlatans - Modern Nature
  10. Public Service Broadcasting – The Race for Space
  11. 1976 - 前王子
  12. Swervedriver – I Wasn't Born to Lose You
  13. Tame Impala – Currents
  14. Spangle Call Lilli Line - Ghost Is Dead
  15. Lanterns On The Lake – Beings

【2015年終榜】DOPM最喜歡的專輯11到20名

by DOPM

2015年結束前，得知我們都很喜愛的音樂網站Cokemachineglow即將停止更新，心裡十分遺憾。Cokemachineglow的寫手撰寫評論長達十多年，且一直沒有營利，許多專輯我們是透過該網站介紹才會聽到，多年來受到他們啟發，心中滿懷感謝。

但我們理解為什麼Cokemachineglow無法繼續。目前DOPM的成員分散在地球兩端，大夥也有各自的事在忙，所以更新頻率明顯下降。不過只要我們還有能力，就會持續在這邊分享音樂，以下是2015年的第11到20名專輯。

 

20. My Morning Jacket - The Waterfall

《The Waterfall》不是一張令人頹喪的專輯，〈In Its Infancy (The Waterfall)〉與〈Spring (Among the Living)〉都出奇地樂觀，前者相信微小的想法能夠匯聚成遠大的概念，在爬升的迷幻搖滾橋段與美麗的民謠調子交互出現後，樂團激昂地讚頌人們的創作能量。〈Spring (Among the Living)〉慶祝著春季帶來萬物的復甦，James在看似單純的季節循環主題中，藏了一句歌詞“I didn't think I'd make it”，結尾前的呼喊迫切懾人，使得「身處在生命中」這種自然的狀態顯得得來不易，幸好他最後選擇的是光明面。

 

 

19. Ringo Deathstarr - Pure Mood

已經推出第三張專輯的Ringo Deathstarr在音樂中加入不少noise pop元素。〈Heavy Metal Suicide〉的大片吉他聽起來非常過癮，〈Stare at the Sun〉、〈Guilt〉融合了流行旋律與吵鬧噪音的衝突感。他們應該也是當代瞪鞋樂團裡面與早期的My Bloody Valentine最相像的，〈Big Booper〉、〈Never〉等曲子當中扭曲的吉他以及Alex Gehring與Elliott Frazier模糊的人聲，都充滿My Bloody Valentine在《Isn't Anything》時期的影子。要是喜歡瞪鞋音樂較具挑戰性的一面，想感受多樣化的吉他噪音在甜美旋律間竄動，《Pure Mood》是值得一聽的專輯。

(by D)

 

 

17. Destroyer - Poison Season

聽Destroyer的音樂像在解讀神秘的詩篇。上一張專輯《Kaputt》主腦Dan Bejar展示了他們音樂最悅耳、滑膩、歡愉的一面，面對《Kaputt》的成功，《Poison Season》打破了前作的風格，回到更早期Big Jazz的時代，Dan Bejar像個醉醺醺的遊人在七零年代的紐約遊蕩，並不介意讓他辨識度極高的聲音時而被盛大的樂器組合隱沒。貫串全輯、以各種變體出現的〈Time Square〉或許是娛樂工業的隱喻，他身在其中同時感到沉膩與迷惘。

(by D)

 

 

 

17. 1976 - 前王子

相較於已遠遠駛離音樂光譜的Echo來說，76的年初發行的《前王子》多少還能讓人聽見一路走來的痕跡。即使摩登少年的年紀增長是如此明顯而近乎尷尬，但歌曲仍保有獨特的青春氣味。15年過去，76依舊唱著關於台北這座城市的故事，仍然寫下琅琅上口的自溺詩句。雖然那未必是每個人眼中所認識的台北，但至少對我而言，他們的歌曲與現場演出，的確代表著個人對於台北的部分記憶，而這一切全在聆聽《前王子》這張專輯時湧上心頭。

推薦單曲：十二月、酷的選擇、平凡的早晨

(by H)

 

 

16. Unknown Mortal Orchestra - Multi-Love

《Multi-Love》記錄了Nielson處理多元關係時的感受和遇到的難處，開場曲〈Multi-Love〉的副歌 "Multi-Love has got me on my knee/We were one, then become three" 就展現出他內心的糾結，不過歌曲寫得很搶耳，只要聽過幾遍就忍不住想跟著哼。復古合成器的聲音在許多歌曲中都可以聽到，像〈Like Acid Rain〉和〈Ur Life One Night〉，前者Nielson精神分裂的胡言亂語 "Ya ya la la yeah" 和奇異的音效像是實驗電影的配樂，〈Ur Life One Night〉鮮明的節奏反而宛如刀片，把原本完整的敘事切成令人費解的片段。

 

15. New Order - Music Complete

暌違多年推出的《Music Complete》(上一張正式專輯已經要回溯到10年前)，可說是New Order自《Republic》後最具有舊日風格的作品。 〈Tutti Frutti〉、〈Peopel on the High Line〉的亮眼表現令人頗有十年磨一劍之感，〈Singularity〉則彷彿是New Order與Joy Division的綜合體 (雖然電子節拍明顯廉價許多，bassline也充斥消費之實)。〈Restless〉、〈Academic〉這類以吉他主導的歌曲，則聽得出來是由《Get Ready》《Waiting for the Sirens' Call》以及 Bad Lieutenant 一脈相承而來。雖然比較起80年代那些經典專輯而言，《Music Complete》的電子節拍不再脫俗出眾，但其生為本命團的地位並不會因此而有所動搖，尤其今年我們不約而同親睹New Order without Peter Hook的演出。因此對於2015年來說，New Order的確可寫入年度大事紀的重要事件！

推薦單曲：Tutti Frutti、People on the High Line

(by H)

 

14. Girls Names - Arms Around A Vision

愛爾蘭樂隊Girls Names今年的專輯《Arms Around a Vision》不同於他們上一張作品的冷調性格，這次則放入更多的巧思讓吉他噪音成為歌曲中的主力，主唱Cathal Cully的歌唱方式也變得更加外放且漫不經心，雖說專輯後半段聽起來有點疲軟，專輯前半段的旋律性相當足夠。他們一向擅長將Krautrock的節拍融入後龐克樂風中，這次當然也不例外，像是歌曲〈Desire Oscillations〉由鼓拍與貝斯線形塑了如同行駛公路般的速度感，合成器的點綴猶如昏暗隧道的奇異光點在眼前不斷劃過眼前，而〈Chrome Rose〉中所呈現的樂器層次相當的好，搭上主唱向空無呼喊的唱腔讓人感到一股悲憤的能量不斷向外傾倒而出。

(by P)

 

13. Kendrick Lamar - To Pimp a Butterfly

無論是嘻哈或爵士，這絕對是一張純正的黑人專輯，不僅是音樂上，就連概念和意識上流的都是黑人的血，不過我們還是先談音樂。仔細去看專輯內頁，會發現這張找來了現代爵士相當厲害的樂手，像是最近得了葛莱美獎的爵士／靈魂鋼琴手Robert Glasper，今年剛發了3CD專輯《The Epic》的薩克斯風手Kamasi Washington，和表現亮眼的小號手Ambrose Akinmusire。能夠把西岸的爵士群雄帶到錄音室一起玩音樂，忍不住讓我想到五六零年代的爵士場景。

 

 

 

11. Jenny Hval - Apocalypse, girl

每次聽挪威女唱作人Jenny Hval的音樂就像在偌大白淨的美術館欣賞一個被鏡頭所投射出的女體，一個我們所謂的裝置藝術，在上面你看到的不只是形體而是整個社會所投射出來的女體樣貌。《Apocalypse, girl》是由她自己的身體出發，所帶來的喃喃自語、觀察、感受，以一種後現代的方式將環境聲響包覆在她的語言上。她在〈That Battle Is Over〉以反諷的方式唱著我們現在更加平等、自由了，而女性主義、社會主義已經結束了，我們可以消費任何我們想要的東西了，歌曲象徵著那些左翼的觀念已過時、被取代，但是否這社會真該走向如此，是否這就是歷史的終結，這也是Jenny Hval在專輯中所要問的問題。

(by P)

 

11. Panda Bear - Panda Bear Meets the Grim Reaper

對我來說，Noah Lennox在這張專輯中找到了一種真正在寫歌的狀態，用他自己的意識就能寫出很好的旋律，再用意識流將排山倒海的類比非類比合成器效果呈現出來，然後再將一些詞句填入，並且讓自己的聲音藉由詞句發出音韻來成為聲效外的另一種旋律。在〈Mr Noah〉中你可以聽到層次相當豐富的效果環繞交疊在一塊，然後他的含糊的歌聲在其中哼著旋律，如同服用藥物過後的暈眩狀態，相當令人印象深刻。

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