2014.6.7 生祥樂隊 - 《我等就來唱山歌》15週年音樂會 @ Legacy

June 12, 2014 by DOPM

畢竟是一場名為《我等就來唱山歌》15週年音樂會的演出，表演一開始自然而然照著《我等就來唱山歌》專輯曲目走。〈下淡水河寫著我等介族譜〉由月琴與生祥的獨唱緩緩道出美濃客家族群的源起，而「美濃山下」後的演奏闡明這場演出的獨特之處：完整的樂隊組合讓音樂面貌更為豐盈飽滿，適切傳遞專輯錄音之原貌，其磅礡曲勢所帶來的震撼與感動直讓人覺得這演唱會已然值得，但這僅僅是當晚的揭幕之曲。

伴隨著〈夜行巴士〉那如高速轉動輪子般轟隆作響的硬蕊搖滾吉他，現場大螢幕投射出當年美濃反水庫運動的資料照片，那事件雖已過了20個年頭，但照片裡眾人眼神與身影卻是如此熟悉，一方面乘著影像倒流時空，一方面感嘆壓迫依舊囂張跋扈地在這社會中流轉，憶起那些不斷在抗爭場合中望見的身影，心頭不由感到心酸不捨。

緊接著許久未唱的〈我等就來唱山歌〉揭開這晚「合唱之夜」之序幕，中段以嗩吶solo作為曲勢轉折的間奏十分暢快，這場演唱會氣氛大抵是歡愉、慶功宴式的，現場合唱著「唱啊到樓屋變岌崗 (有！)/唱啊到大路變河壩 (有！)」實是無比爽快。而由鍾永豐唱頌專輯裡的旁白，無疑也是演唱會的高潮橋段，現場聽到專輯中的直爽口白，讓人很難不大聲鼓譟叫好。

再來的〈山歌唱來解心煩〉、〈課本〉與〈大地書房〉一連三首歌則是開啟這晚的器樂獨奏比拼。大竹研率先以深具藍調韻味的吉他破題，接著嗩吶手黃博裕以獲得滿場觀眾叫好的精彩吹奏作為完結。再來則是由大竹研與早川徹於〈課本〉裡帶來一組極具爵士即興色彩的solo演奏，配合觀眾打著節拍，一瞬之間真會以為自己來到了老派爵士酒吧。鼓手吳政君則在〈大地書房〉裡展現精湛的敲打技巧，藉由手指拍打手鼓的變化，製造出豐富多變的音色。

此外，這場演唱會也讓我聽到久未耳聞的〈秀仔歸來〉。對我而言，〈秀仔歸來〉所描述的歸鄉情感其實比〈風神125〉更為打動我(當然風神125也是每聽必哭)，尤其喜愛其末段歌詞：故所以菅仔打花\掂菸秧介時節\秀仔歸來\歸到尷尬梆扒\感情落根介所在\謄佢歸來介問題\莊頭嚌啊到莊尾\但係秀仔歸來\就係答案。回鄉其實不需理由，因為回鄉本身就是答案，它已解釋一切。對於準備要開啟歸鄉模式的我而言，現場一口氣聽完〈秀仔歸來〉與〈風神125〉，真的是哭到自己都慌了手腳。

整場演出下來，看著台上的樂手們的自在演出，我不禁想著，如果每個人自出生的那一刻起都是為了找尋、發掘最原初自然的生命狀態而活著，那或許眼前的這些人便是那已尋獲個人天命所在的人們，悠悠地擺晃身軀，陶醉於演奏音樂的姿態是如此自在無邪、不存在一絲猶疑，那堅毅的神情真真正正地感動著我，讓人更有氣力堅定前行。

by Headphone Youth

2014.5.18 Tortoise @ The Wall

May 21, 2014 by DOPM

記得以前喜歡聽後搖滾的時候，在網路上查資料總是會看見Tortoise的名字，並且將他們歸類於此樂風的經典之一，當然這樣的訊息也許只是出自樂評筆下，但自己的意識至此後已經被深植他們是經典的印象，但真要說出到底經典在哪裡可能就是後來的事了，至少在這次看完Tortoise的現場之後，我才真能感受到他們音樂真實的性格，那個經典已經不再是別人來定義的，而是靠自己耳朵所判斷來的，二十多年來，Tortoise從來沒有向任何東西妥協，從他們精彩的演奏技藝中來看，表現音樂對他們來說是一件極其自然不過的事。

今晚的演出由草莓救星開場，但The Wall內的空調不知道是出了問題還是其他原因，整個場地的空氣相當悶熱，幾乎是到了無法好好專心看表演的程度，原本以為後來會有改善，但一直到Tortoise出場依舊是感受不到空氣的流通，只能靠著兩支電扇來撐完整場演出，還好毫無冷場的Tortoise讓我沒有去多想這件事，大家就算汗流浹背也要給他們最大的掌聲。

舞台上，Dan Bitney和John Herndon兩位鼓手在鼓組後面對著面，對芝加哥獨立搖滾場景貢獻至深的John McEntire位在中間彈奏合成器，左邊是貝斯手Doug McCombs，右邊是爵士底子深厚的吉他手Jeff Parker，當然這只是一開始的樂器配置，他們表演不同歌曲都會更換到不同的位置，當有三個人忽然跑去同時敲打鐵琴或是電顫琴的時候真的會讓人感覺到相當神奇，兩位鼓手的默契又搭配絕佳，讓拍子沒有多餘的縫隙，複雜又變化多端的拍奏，在酷炫的音樂之餘好像又藏了什麼東西在裡面。

很多時候想不起演出的歌名，畢竟他們的音樂有時候很實驗，旋律很分散，但總是有幾首歌特別印象深刻，像《Beacons of Ancestorship》的主打〈Prepare Your Coffin〉還有〈High Class Slim Came Floatin' In〉等，他們不像普遍的後搖滾樂團會刻意的去堆疊情緒，通常都是用直線前進的方式來玩音樂，但並不代表他們的音樂沒有畫面，只不過那個畫面通常不會是一幅風景畫，而是由不斷天外飛來的點、線、面所構成的抽象畫，甚至只是一張黑白照片。

對我來說〈I Set My Face to the Hillside〉就是一張黑白照片，六年前第一次聽到這首歌就愛上了，但這首歌其實很不Tortoise，我只能用異國情調來形容Jeff Parker的吉他彈奏，猶如置身爵士之都哈瓦那，這樣講雖然有點跨張，但能親耳聽到這首愛歌只能說是三生有幸，由Jeff Parker迷人的吉他獨奏開始，接著John Herndon左手搖鈴，右手敲鼓，不急不緩，後段的變奏可能會讓有些人不解，但沒有了這段加入敲擊電顫琴的變奏，也就沒有陸龜難以捉模的性格了。

專輯《Standards》的歌也演出不少，鬼靈精怪的〈Eros〉，層次感豐富的〈Blackjack〉，咦？其實有沒有表演這首也記不太得了，實在是熱暈了，但場地再悶熱，他們還是出來安可了兩次，最後一首歌我猜可能是烏龜進行曲〈The Equator〉，整場演出就在大家的手中所製造出的節拍中結束。看完Tortoise的現場不得不敬佩他們的演奏實力，彷彿將芝加哥的音樂化為精華，自在的從每一位團員的手中展現出來。烏龜即便速度慢，但為什麼兩個十年的光景過去還是沒有後輩趕得上它，唯一的解答也許是它早就抵達終點，並啟程繼續通往下一個終點。

by pblue

2014.2.18 The National @ NTU Stadium

February 23, 2014 by DOPM

上回在澀谷Due Music Exchange參加的High Violet Tour，是The National的首度亞洲巡迴。而這回的Trouble Will Find Me Tour，他們終於不再錯過台灣。肖想該團多年的我們，從一兩個月前便成天盼望著演唱會的到來。短短兩張專輯的時間，The National已然從小酒館裡的私房樂團，搖身一變成為頗具巨星架勢的國際樂團。不過這回巡演，Bass手Scott為了迎接新生兒誕生，並未隨團來到亞洲與澳大利亞演出，位置則由Logan Coale暫代。因此這次的演出，嚴格來說並非正宗的The National，但這絲毫未減我們對這場演唱會的期待，畢竟我們已等得太久。

然而，開場的〈Don't Swallow the Cap 〉卻是令人失望的，Matt的嗓音不夠低沉厚實，Bryce與Aaron的吉他聲線略高而銳利，音場整體聽來完全不是記憶中熟悉的聲音，加上色彩繽紛的燈光，一時之間會錯以為台上的樂團是哪組新興的Indie Folk樂隊。現場聲音表現直到〈Bloodbuzz Ohio〉才開始進入合理範圍，各組樂器的音色逐漸被調整至專輯水準。而音量與各自角色的輕重，似乎也因應場地情況而做調整。為了避免鼓的低頻在場地中引起過多的共振殘響，Bryan的鼓聲明顯不似前兩組團體大聲，這樣的改變間接導致Matt的演唱成為整場演出的主導者。

若要說這次演唱會有何意外驚喜，那便是《Trouble Will Find Me》的新歌，在現場聽來均較專輯更有渲染力。〈I Need My Girl 〉與《 Boxer》中的〈Slow Show〉組成強大的慘白情歌組曲，而為專輯點題的〈Sea of Love〉，現場竟是三把吉他合奏的歌曲。〈Don't Swallow the Cap〉帶來的爽朗吉他擺脫了既定色彩；〈This is the Last Time〉與〈Pink Rabbit〉亦不如專輯版本般死沉，現場和聲令人無比陶醉。

而其他意料之外的發現則有：〈Afraid of Anyone〉的尾聲，Bryce彈奏出一段專輯沒有的吉他Solo，當下的他真是帥氣破表。〈Conversation 16〉的吉他聲響也較專輯來得格外清亮，〈Squalor Victoria〉的現場更是盪氣迴腸，幾乎是演唱會中段的最高潮。〈Fake Empire〉、〈Terrible Love〉、〈Mr. November〉的好則早在預期之中，沒有太多驚奇但十分滿足。倒是個人最期待的〈Slow Show〉，意外成為當天少數有點失望的歌曲。

此外，由Beruit兩位團員Kyle Resnick與Ben Lanz組成的銅管樂組，亦是現場演出的聆聽重點之一。他們悠揚的樂聲可以是良好的陪襯，同時也能成為奪目的主秀，是積壘情緒層次不可或缺的要角。當天舞台的燈光設計，同樣令人印象深刻。單色系的紅、藍、紫光束輪番上陣，如同夜裡匆匆流逝的燈河，與基調的黑在空間裡延伸交纏、相互襯托，建構出與歌曲意境足堪比擬的都市冷寂意象，也讓人重新意識到聲音視覺化的魅力。

前面已經提到這次的現場調音讓Matt成為主軸，因此，若要評斷這整場演出的聲音表現，當屬Matt時而壓抑低吟、時而歇斯底里吼叫的演唱最為出色。相較於上回於Duo Music Exchange的演出，這回的場地更為寬敞。寬闊的左右聲道間距，使歌聲的縱深表現更為理想，彷彿能將聲音的時間差具象為空間維度的數據。想像整個場所是一浩瀚的汪洋，Matt的聲音如氣泡般上浮，包裹著深藍底蘊的憂愁。看他一如往常，西裝筆挺地站在舞台高處，儼然便是新世紀的搖滾樂救世主。

不過在經歷演唱會的極度亢奮情緒後，心中不免有些擔憂。眾所皆知，The National在這幾年獲得相當程度的商業成功，巡迴演出的觸角也遍佈世界各個角落。從《Boxer》開始，他們的確打造出專屬風格的音樂，但連續三張專輯的曲風過於接近，不免揣想他們的創作能量是否已碰上瓶頸，下張作品可能會是個重要分水嶺，假若仍未做出重大改變，或許如Broken Social Scene般休團充電，也是有其可能性的。所以，在這種悲劇末日發生前，只要能力所及，就趕緊趕場巡迴，把The National的現場看到飽吧！

by Headphone Youth

如果要選出一個最能表達我們這個世代心聲的樂團，相信許多人都會毫不猶豫地選擇The National。走在奔忙的大都會街頭，一道道冷酷、壓迫的暗流立刻從四面八方湧上，讓人感到徬徨、憤懣、厭世，然而壓在肩上的擔子以及倚靠我們支撐的親友都使我們無法或不願意選擇其他型態的生活。當今可能沒有其他樂團能將中產階級茫然無措的狀態比The National傳達得更好，Matt Berninger的低沉嗓音和意象豐富的詞、Aaron和Bryce Dessner的樂器編制、Bryan Devendorf辨識度極高的鼓在聆聽多年後依然後座力強勁。雖然隨著年齡漸長，我逐漸不喜歡沉溺在過於消沉的情緒中，對The National的手法也不再感到那麼驚奇，但去看一個音樂在我二十多歲人生中意義重大的樂團現場還是件不能錯過的事。

Hostess Club台北場第一天還邀請了冰島唱作人Ásgeir和低傳真新秀Youth Lagoon。我們進場時，Ásgeir的表演已經開始了一陣子，他的音樂算是甜美、易於消化，有些歌曲隱約有Bon Iver或Beirut的影子，不過並沒有特別令人驚豔之處，場地模糊的音場可能也為他的演出效果打了折扣。接下來的Youth Lagoon音樂像是旋律性降低、走調的Beach House，一些鍵盤效果處理則有點像Deerhunter，在錄音室作品中可以聽到Trevor Powers飛馳的想像力與憂鬱情緒兩者激盪，重現複雜的內心世界，可惜在現場他的鍵盤與人聲調得過於尖銳，整段表演期間耳朵被高頻聲音不斷轟炸，實在不是個舒服的體驗，不然我或許會更喜歡他的表演。每一次在台大體育館看表演，都對現場的聲音效果不甚滿意，這時就不由得擔心The National的演出會不會也受到影響...

The National在晚上九點半過後不久出場，團員似乎現身得早了，開始演奏前播了一段The War on Drugs的〈Brothers〉，意思是團內有兄弟檔嗎？這次貝斯手Scott Devendorf（鼓手Bryan的哥哥）因為喜獲麟兒而無法參與這次澳洲與亞洲巡演，由Logan Coale暫代，老實說聽不太出有什麼差別，因為整場表演的低頻聲音都非常微弱，聽不到樂器的細節。前幾首歌各件樂器的聲音比例失衡尤其嚴重，深刻描寫出成為社會人的無奈、我們鍾愛的歌曲〈Mistaken for Strangers〉連最重要的特徵——鼓聲都非常不明顯，聽得最清楚的是Matt的歌聲，只能藉機重新品味他醇厚的嗓音。一直要到〈Bloodbuzz Ohio〉，現場的音樂才比較接近我所熟悉的The National的樣子。

然而The National的現場魅力終究戰勝了場地限制，演出期間我們在激昂時跟著Matt嘶吼，低微時默默思考歌曲的含義。新專輯的歌曲〈Sea of Love〉之前並沒有特別喜歡，但現場多把吉他夾擊的確令人感到焦慮至極，渴望最後的情緒釋放。《High Violet》的歌曲〈Afraid of Everyone〉和〈Conversation 16〉當中的恐懼及絕望都如此真切，看著台上團員演出的自信姿態，心中卻浮現一些自己生命中最黑暗的時刻。〈Squalor Victoria〉的現場版本後龐克氣味較為強烈，Aaron Dessner改彈鍵盤，舞台右方的Bryce Dessner專心造出一些迴盪的吉他效果，Matt在歌曲後面加入吼叫的表現，讓這首歌展現類似《Alligator》專輯歌曲的風貌。

與日本場比起來，樂團已經減少了新專輯《Trouble Will Find Me》的曲目，但與舊作一併呈現，新歌不禁給人老調重彈的印象，後龐克風格較明顯的新歌〈This Is The Last Time〉與顛狂的〈Abel〉相比之下有點乏力，後者的生猛活力是我整場最喜歡的時刻之一。演出前最期待的〈Slow Show〉也沒有讓我失望，記得Matt一開始似乎抓不到音準，A、B段也進行得平凡無奇，不過Bryce Dessner在進入結尾段落前的獨奏煞是好聽，Aaron Dessner的琴聲也帶來悵惘感，最後的弦樂組收得相當漂亮。在〈Pink Rabbits〉和〈Graceless〉後，〈Fake Empire〉悠揚的琴聲響起，和大家一同合唱時也不免感傷表演已經接近尾聲。

安可曲沒有意外，先是將不安惶惑轉成近乎榮耀的〈Mr. November〉。Matt在〈Terrible Love〉時跳下舞台，全場觀眾的目光迅即隨著他移動；每次聽專輯版的〈Terrible Love〉都希望錄音品質能好些，沒想到這次因為場地限制依然沒聽到清晰版本，要是還能看到The National，期待下一次能夠如願。終曲〈Vanderlyle Crybaby Geeks〉樂團要求觀眾一起合唱，Matt曾說「Vanderlyle Crybaby」是他胡謅出的角色，整首歌的歌詞也十分隱晦，但「All the very best of us / String ourselves up for love」等字句的確在不間斷的苦悶情緒蓄積後，引回一絲撫慰人心的光亮。

即使The National的歌曲老是討論受困的情境、悲哀的境地，他們還是走了這麼遠，用常人難以駕馭的優雅文字與音符寫出一般人的苦難，他們的表演渲染力強，每一張專輯都各有千秋，但這次的表演或許也標示出一個該停止將自己投射到歌曲中主角心境的時刻。只要樂團繼續活動，他們之後就需要決定要繼續用相似曲式打天下或者另創新局，而我們也該想辦法突破生命中的困境。

by Debby

Photos by Yo Charlie

2014.1.23 Unknown Mortal Orchestra @ The Wall

January 27, 2014 by DOPM

不知道為什麼，每次接觸到Unknown Mortal Orchestra音樂的時候，都是在慶賀的時節，而我並沒有真正感染到歡慶心情。從公司的慶典匆匆離開，拋開那些虛假作態，我想聽到Unknown Mortal Orchestra (UMO) 為我們這樣的平凡小人物演奏的「交響樂」。看表演前曾看過YouTube影片，大概知道他們歌曲的錄音室版本和現場差異甚大，很期待那些內斂的歌曲在演唱會時展露更奔放的一面，也很壞地偷偷猜想主唱Ruban Nielson會不會破音。

表演在週間夜晚，觀眾稀稀落落，但看得出來有來到現場的人都是死忠粉絲。當舞台的布幕掀起，樂團現身，大家便忘情歡呼。樂團以《II》的〈The Opposite Of Afternoon〉開場，整場表演看下來，開場曲大概是和專輯版本最接近的，不過他們現場的貝斯韻律感極佳，和Ruban Nielson彈奏的吉他結合出趣味的風格。Unknown Mortal Orchestra的怪異元素在表演進行間逐漸顯露出來，Ruban Nielson吊著嗓子的唱法現場聽來常常令人捏把冷汗，但他從頭到尾都沒有出錯。彈著吉他，Nielson在歌曲的段落間或者結尾jamming時不時做出古怪的動作，我沒辦法把那形容成跳舞，因為他有時蹲下，有時像抽筋一樣甩動手腳，找不出規則可以預測他下一刻的動靜。他和貝斯手Jake Portrait全場不時踩著效果器，他們手上外型也很奇特的樂器變換出各種不同的音色。

前兩首歌〈The Opposite Of Afternoon〉和〈Thought Ballune〉的鼓都設計得很簡單，我原本以為當UMO的鼓手還算輕鬆，結果鼓手Riley Geare在〈Thought Ballune〉的結尾就來了一段幾分鐘的獨奏，後來吉他和貝斯加入，做出一道濃重的噪音迷霧。的確要親自看到UMO，我才深刻體會Ruban Nielson的歌聲只是UMO眾多吸引人特質的其中一項而已。

樂團連續唱了幾首第一張專輯的歌，像奇趣的〈How Can You Luv Me〉、〈Strangers Are Strange〉、〈Jello And Juggernauts〉、〈Little Blu House〉，都比專輯版本長上不少，變得更活潑、逗趣。正當我好奇怎麼都沒有唱《II》的歌，神經質的〈Monki〉便響起，後段奇妙的吉他聲響將觀眾引入神秘的境地。之前看Nielson的訪問，他目前的心理狀態已經不像剛創作《II》專輯時那樣抑鬱，〈From the Sun〉那絕望的詞在現場聽起來反而有種自嘲感，而且因為這首歌太搶耳，不論內容多麼黑暗，大家還是忍不住跟著唱「Isolation can put a gun in your hand...」

〈No Need For A Leader〉應該是當天最棒的歌曲。歌曲節奏較專輯版要快，每件樂器緊密地咬合在一起，製造出一種緊張氣氛，理智彷彿就要斷線。Jake Portrait的貝斯聲線特別搶耳，這首歌結束後，我身後的外國人對他的演奏讚不絕口，讓他臉上出現一絲羞赧的笑容。唱完〈So Good At Being In Trouble〉後，樂團短暫離開舞台，進入安可時間。

安可也非常精彩。Nielson一開始獨自演奏不插電版本的〈Swim and Sleep (Like A Shark)〉，在房間裡靜靜聽這首歌時那種貼近的感受又湧上心頭。接著他們的出道歌曲〈FFunny FFrends〉想令人不注意也難，重複的曲調、復古的聲響、Nielson的歌聲在表演結束後幾天都還在我腦海中徘徊不去。最後樂團以迷幻指數滿點的〈Boy Witch〉結束這個美妙的夜晚。

作為低傳真樂團，Unknown Mortal Orchestra的現場遠遠超出我的預期，他們整場聲音都調得非常溫暖、好聽，即使觀眾人數少，演出氣氛也讓人感到很舒服，感覺上他們正處於即將起飛的階段，未來會有更精彩的東西呈現出來，但願他們很快就能得到應有的賞識，到時Nielson也能保有他的嬉皮氣質。

by Debby

2013.11.28 Sebadoh、Neutral Milk Hotel @ Legacy

December 3, 2013 by DOPM

今年已經是連續第三年看Sebadoh/Dinosaur Jr.的演出了，不知不覺Lou Barlow已經變成像幾年前的Yo La Tengo一樣，是每年必會造訪台灣的音樂人，身為樂迷的我真的很開心，也特別期待聽到新專輯《Defend Yourself》中的歌曲。當〈I Will〉的前奏響起，登時有來到Lou Barlow個人表演的錯覺，他不慍不火的歌聲搭配簡單的吉他總是很動人，貝斯手Jason Loewenstein和鼓手Bob D'Amico在副歌時加入，讓這首歌成為專輯中那首旋律美好的indie rock曲子。

接著Jason Loewenstein便和Lou Barlow互換位置，開始Jason的主秀時間，這場表演由Jason擔任主唱的時間還多過Lou，他在第一回合唱了〈Drama Mine〉、〈Mind Reader〉、〈Shit Soup〉、〈Love to Fight〉和〈Careful〉，之前聽經典專輯《Bakesale》的時候，經常會忽略Jason寫的〈Drama Mine〉、〈Shit Soup〉等歌曲，然而這些歌在現場就展現出不一樣的生命力，我記得Jason在訪談中提到過，在現場表演中觀察舊作品如何演變是他覺得很有意思的一件事，而在當晚我完全可以感受到他的真性情。他這次唱歌稍微正經一些，不像兩年前來台時幾乎每首歌都在嘶吼。〈Careful〉調皮的貝斯和歌詞中的不明憤怒極具感染力，始終是樂團現場最值得期待的歌曲之一。

Lou接回主唱棒子後，就是接連三首的《Bakesale》金曲齊發：〈Magnet's Coil〉、〈License to Confuse〉、〈Rebound〉，雖然大部分的在場觀眾應該是在等不久後要出場的Neutral Milk Hotel而反應不是特別熱烈，我還是忍不住手舞足蹈。這些歌在現場速度都比錄音室版本更快，長度因而縮短，一瞬間就結束了，或許因為它們這麼短促我才會一聽再聽，想像它們要是加長的面貌。唱完幾首歌後，Lou透露他在表演前喝了某種不知名的茶，害他當下心跳加速、手腳發抖，在他這麼說之後，我便開始覺得他這次演出的狀況似乎沒有Jason好。下一首終於是新歌，收錄在去年《Secret》EP中的歌曲〈Arbitrary High〉，吉他在現場特別搶耳，即使不是特別吵，接下來Lou唱溫柔情歌〈On Fire〉時，我還能感受到耳際隱約的嗡鳴。〈On Fire〉在現場比錄音室版本多了些微妙的吉他效果，更符合標題的意象。

在〈Skull〉結束後，又到了Jason主唱的時間，〈Not Too Amused〉低微的開始讓現場瀰漫滯悶的低氣壓，憤懣情緒逐漸釋放，到結尾時完全爆發，聽起來大呼過癮。接續的一分多鐘的車庫搖滾歌曲〈Bird in the Hand〉繼續發洩不滿，再帶到神秘、晦澀的新歌〈Final Days〉。當晚演出讓我切實認知到Jason對Sebadoh樂團的不可抹滅的貢獻，還有他在各種不同樂風間遊走的能力，在Lou疲憊時，他仍舊堅守反抗的態度。

Lou回到舞台左側時，表演已經接近尾聲。樂團唱了新專輯的歌曲〈State of Mine〉，全場觀眾隨著搖擺的旋律晃動身體，我看著略顯疲態的Lou唱著關於他婚姻結束的故事，不由得難過起來，另一方面又很佩服他每晚對一群陌生人講述自己的挫敗，這需要多麼大的勇氣，不過他也在這樣的過程中療傷。Sebadoh用《Bubble & Scrape》中令人心碎的慘情歌〈Soul and Fire〉收尾，好像提醒了大家在搖滾夢醒後，現實生活的艱難，不過我知道Lou、Jason和Bob無論如何會繼續編織這個夢。但願將來能有機會看到Lou Barlow的個人演出，他會把歌曲呈現得更簡單、更私密也更脆弱。

by Debby

今年聽到了一些以前打從心底覺得這輩子可能都看不到的樂團，像是My Bloody Valentine、Depeche Mode、Neutral Milk Hotel等，當中最驚喜、最意想不到的莫過於是Neutral Milk Hotel，他們在台灣的歌迷或許沒有那麼多，但都是聽了喜歡就會變死忠的那種，除了著迷這個樂團，也深深被主腦Jeff Mangum等團員所建立廠牌Elephant 6以及整個低傳真音樂王朝的故事所吸引，Neutral Milk Hotel就像是一個能讓各個音樂怪傑聚首在一塊的大家庭，從來沒有一個樂團可以把低傳真民謠與東歐音樂融合的那麼好，即使只有兩張完整的專輯作品，不過到現在他們的音樂還是讓人感到不可思議。

演出這天，看完我們都愛的Sebadoh後，啜飲幾口啤酒，看著舞台上發光的小馬 (狗？)等待Neutral Milk Hotel的出現，終於，燈光亮起，Jeff Mangum等團員走入舞台，拿起他的插電空心木吉他，和弦一下就是專輯《In the Aeroplane Over the Sea》的第一首歌〈The King of Carrot Flowers〉，帶著可愛毛帽的Julian Koster拉著手風琴，各種聽了幾百遍的聲音組成熟悉的在耳前重現，Jeff Mangum的聲音一點都沒變，一種喉頭乾乾又具由穿透力的獨特嗓音迴盪整個場地，而一貫白鬍子的Scott Spillane吹起各種銅管樂器則是毫不臉不紅氣不喘，空檔時還會與Jeff Mangum跟著唱，他們各個像是來自森林裡的精靈，從與我們不同的時空當中出現在這裡，多麼讓人感到不真實，猶如一場馬戲團般的夢境。

在〈The King of Carrot Flowers〉第二部分，當Jeff Mangum唱著「我愛你，耶穌基督」心裡想的不會是耶穌基督，而是Jeff Mangum的生命歷程以及它來自的那個地方，Fuzz的吉他聲與其他樂器吵鬧喧囂迎面而來，接著〈Holland, 1945〉延續這股炸裂的情緒，台下的觀眾們全都跳了起來，安妮日記中的生命力又再一次經由音樂重現。

這次除了有唱《In the Aeroplane Over the Sea》的歌之外，第一張專輯《On Avery Island》當中的曲目也唱了不少，《On Avery Island》的曲子相較起來我覺得是比較低傳真惡搞且不花俏的，聽起來就像是以一把老舊木吉他所寫出的好歌，現場唱了〈A Baby for Pree〉、〈Gardenhead〉、〈Song Against Sex〉還有大家喜歡的〈Naomi〉等，不過沒有唱到我喜愛的〈April 18th〉有點期待落空，畢竟先前的演出有幾場有唱到。

整場演出我最喜歡的部分是Jeff Mangum獨唱之後團員再慢慢走出來演奏，像是〈Two-Headed Boy〉轉〈The Fool〉以及〈In the Aeroplane Over the Sea〉、〈Oh Comely〉等歌，Jeff Mangum是那種只要給他一把木吉就可以征服世界的人。當他唱到〈In the Aeroplane Over the Sea〉實在過於感人，怎麼能再撒手人寰之前不好好珍惜擁有的當下，Julian Koster的鋸琴所發出的聲音還是這輩子第一次聽到，像微風溫柔的穿過窗縫一般，悄遞神秘的訊息。

再好看的表演都有結束的時候，他們選擇用〈Holland, 1945〉的B-Side歌曲〈Engine〉向大家說再見，沒有普遍演出的激情結尾反倒是平順的撫慰人心，讓人覺得真的是結束了。看Neutral Milk Hotel是一種不可思議的體驗，Jeff Mangum與他神奇的音樂讓這個世界看起來是一個巨大的馬戲團，荒謬、有趣、超越真實。

By pblue