How to Dress Well - Total Loss

第一次聽著這張專輯，望著電腦後的窗戶外，發呆。窗外的景色還是沒有改變，我坐在這張椅子上的姿勢也沒有變，但播放清單裡從〈When I Was in Trouble〉跳到〈Ocean Floor for Everything〉，感覺卻好像甚麼事也沒有改變過，還是有甚麼事改變了，只是我在發呆，所以錯過了？不，我才剛戴著耳機花了四十多分鐘聽完 How To Dress Well的新專輯《Total Loss》，隱約的好像聽到了他好像是在呻吟著失去的過去，也好像只是為了呻吟而呻吟。不知道，我剛剛在發呆。

第二次聽這張專輯，我試著努力去聽歌詞，試著去認真地聽歌曲的結構，但是attention span幾乎是零的我，聽著他製作的R&B音樂加上流行無比的節奏，像是一塊躺在熱鍋上的牛油，一下子就融掉了，一點原則都沒有。所以我決定改用音響聽，然後去泡杯咖啡，然後吃中秋節剩下來的月餅。

其實不難猜出How To Dress Well 的主腦Tom Krell想做的是甚麼音樂。他想當天使，在地球和天堂間的雲端上唱歌，用他像Prince般的高音調的聲音唱著從他雲端上俯瞰世間的歌。在弦樂和ambient的合成樂中，他想創造出比世間上更高一點的音樂，一個幾乎神聖般的祭典。整張專輯像是走在水面上，他冒險的走著，怕掉進去裝腔作勢的水裡。好險，他有著足夠的誠摯和非常私人的傾訴，還好他沒有。聽著他的歌，不斷地讓我想到去年很紅的The Weeknd，兩個人都玩R&B，兩個都喜歡高亢的呻吟，而且都把他們的音樂空間控制得很好。我指的音樂空間，是指他們唱的主題和玩的音樂間拿捏。The Weeknd（或是指他歌裡形容的主角）是個生活在追求成名、毒品和性愛世界裡的人，他自溺、自憐、自哀。How To Dress Well的音樂世界則是屬於你也屬於我的，唱著一個普通人對愛情、親情、友情的逝去，而自溺、自憐、自哀。兩個人的音樂都追求某程度的救贖，在音樂虛幻的空間裡，他們都試著創造自己的翅膀，讓在他們的音樂，能從人群中逃脫，飛得高一點點。我忍不住想起忘了在哪看到的，他說：我們這一代，在某種程度上，都是逃避現實的人。讓我們戴上耳機吧！

by Fus

Deerhoof - Breakup Song

要如何作出永不妥協的音樂呢？實驗流行樂隊Deerhoof一直走在這條理念的路上，在他們的曲子上很少能找到所謂的架構與規則。剛開始聆聽時，你很難預期下一秒鐘出現在你耳朵前的會是什麼樣的聲音，但也因為如此，你可以在他們的音樂中找到很多的驚奇與樂趣，而且絕對不會艱澀難懂。如果真要說 Deerhoof的音樂有什麼潛在的規則話，那也就是四位團員以腦內創意所碰撞出的方式吧，這也不是用「酷」這個有點距離感的形容詞能夠來形容的，簡單來說就是好聽又有趣。

往回看，《Breakup Song》已經是他們的第十二張專輯，當然，這張還是奇怪的不減過往聆聽上的趣味。把《Breakup Song》想像是一綑捲起好的地毯，找塊寬廣的地板，展開那張地毯，你會看到毯上五顏六色的奇異圖騰與不規則的對稱線條，有點眩目，不過坐在上面毛茸茸的 卻很舒服。女主唱兼貝斯手的Satomi Matsuzaki同樣以童稚唱著日式口音的英文，隨性的哼唱著旋律，有時候則是以一些連串的發聲詞來當作旋律，悅耳又可愛，但這樣的可愛配上鼓手 Greg Saunier與兩位吉他手John Dieterich和Ed Rodriguez張牙舞爪的即興鼓擊與噪音，居然也不顯得任何違和。

〈There's That Grin〉的合成聲效相當有電玩感，中後段的雙吉他變奏，左右聲道此起彼落，就像遇到遊戲中的大魔王一樣，角色的技能鍵先預備好，準備迎戰。Satomi 在〈Bad Kids to the Front〉的歌詞唱著：「你不會知道，我在裡頭唱的是什麼歌。」她讓一首歌不再只是一首歌，反而像是一個藏著秘密的黑色小盒子，正等待被找到打開的方 法。

《Breakup Song》有些地方雖然使用到很重的合成器效果，但並不完全依賴在上面，三件式樂器依舊是曲子的主軸，像〈Zero Seconds Pause〉和〈To Fly or Not to Fly〉中流暢的變奏，讓人完全無法預期旋律的行蹤，這也是他們和大多樂團不同的地方，他們絕對不會以同樣的手法來玩一首歌。

〈The Trouble with Candyhands〉實在太可愛了，強烈的節奏與頓點，順耳的流行旋律，無疑是完美的Deerhoof式舞曲。專輯最過癮的還是〈We Do Parties〉的雙人電吉他亂鬥，該怎麼說，如果你對最近的吉他音樂感到無聊的話，這首絕對是一錠解藥，粗裂感的破音與極富節奏感的刷奏，嗯，很帥。

        瑪莉歐的燒鬍鬚舞曲〈Mario's Flaming Whiskers III〉有很棒的電子節奏，機械式聲效，又一次讓人重回過關斬將的電玩樂趣。

        長度只有三十分鐘的《Breakup Song》聽來非常的精煉，好像把整個宇宙都給濃縮起來了，現代的、古代的、新的、舊的、雜七雜八的，什麼都在，聽完才發現這些音樂到底跟專輯名稱「分手 歌」有什麼關係，好像也沒什麼關係。有次，有人問鼓手Greg要怎麼解釋你們的音樂，他說：「他們的音樂就已經在解釋他們的音樂了。」

by pblue​

評分：

Dinosaur Jr. - I Bet On Sky

Dinosaur Jr.的團員盡釋前嫌並重組絕對是本世紀最令人振奮的搖滾故事之一。現在到了第三張專輯，應該不會有人再懷疑J Mascis、Lou Barlow和Murph的原班人馬組合只是一時興起。即使他們影響了眾多獨立搖滾的後輩，Dinosaur Jr.式的音樂還是他們自己駕馭得最好：J Mascis目空一切的吉他獨奏和含糊不清的唱腔、Lou Barlow當吉他在彈的肥厚bass、與Murph的鼓擊接力成漂亮的過場。

三位大叔在《I Bet On Sky》還是玩出了一些新把戲，也許J Mascis在The Electronic Anthology Project中鍵盤還玩得不過癮，開場曲〈Don't Pretend You Didn't Know〉背景鋪墊的鍵盤聲讓人有點擔心這張專輯的走向，不過副歌的漂亮riff馬上證明這仍是不折不扣的吉他搖滾。第一首單曲〈Watch the Corners〉是專輯上半部份的亮點，強而有力的吉他、轟轟作響的bass、加上最後Mascis招牌的長篇獨奏結合得天衣無縫。到了〈Almost Fare〉時節奏放慢，隱隱的木吉他和旋律性極高的bass，組成專輯中最悅耳動聽的曲子。由Lou Barlow所寫的〈Rude〉有他一貫誇張的自我貶低態度，那神經質的詭異氣氛，讓我不禁想像這首歌若是由Sebadoh演繹的可能風貌。

專輯的第二部份的〈I Know It So Well〉像是延續上張專輯《Farm》風格的歌曲，用討喜的Wah Wah效果吉他與美妙的旋律融化聽者的心。〈Pierce the Morning Rain〉的飆速橋段有著龐克音樂的生猛活力。另一首Lou Barlow的歌曲〈Recognition〉則帶給我意外的驚喜，真高興聽到他們除了《Beyond》專輯中的〈Lightning Bulb〉以外，又有一首以低沉bass為主軸的歌曲。如果Barlow又在透過歌曲尋求Mascis的認同，Mascis的〈See It On Your Side〉就給了他最溫馨的回應。

這也許是他們復出之後最可親的專輯，三人重聚這些年已經練成了絕佳的默契，專輯每首歌都有一致的品質，沒有任何拖沓之處，只是與先前的作品型態並沒有太大的不同，也似乎沒有特別要表達的中心概念。仔細想想，Mascis近乎不知所云的迷惘歌詞，以及聽來暢快的神乎其技吉他獨奏十分符合當下的時代精神：聽音樂是為了追求一種舒暢感，尤其在每天都面對了那麼多問題以後。

無論如何Dinosaur Jr.在獨立樂界依舊是個特殊且自信的存在。雖然有時候會期待他們在任何一方面都能有更多突破，但是即使他們停留在現在的狀態，從他們的音樂始終可以找到搖滾樂牽動情感的原始力量。

by Debby

評分：

Cult of Youth - Love Will Prevail

Cult of Youth的《Love Will Prevail》是一張充滿黑暗、力量、溫柔的專輯，而能擁有這樣的特質無疑是來自於主唱Sean Ragon淬鍊多年的結果，早在Cult of Youth有現在的樂團樣貌前他已在家錄製無數的歌曲，後來又在紐約布魯克林開了間名叫Heaven Street唱片行，並在唱片行後頭建立自己的錄音室，這張《Love Will Prevail》便是在這間錄音室的錄製下所誕生，他在訪談中也提到不少錄製過程的艱辛。

Sean Ragon年輕時受Neofolk曲風的影響至深，諸如Death in June、Current 93、Coil等都是他所喜愛的樂團，也因為這些影響，Cult of Youth的音樂除了以民謠為核心元素外，還多了些後工業、後龐克的味道。鼓手Glenn Maryansky也是團內的另一位要角，你可以聽見Cult of Youth的特點在於大量的木吉他刷奏與沉重鼓點的行進搭配，他的鼓擊讓每首曲子聽起來更加有力道，每一個小節都俐落有致，而女提琴手 Christiana Key的琴弦拉奏則為曲子添加幽美深邃的華麗感。

《Love Will Prevail》無論在製作或編曲的細膩度上都比前作來得出色不少。專輯的開場先獻上一曲沉重的〈Man and Man's Ruin〉，起先是小鼓再來加重節奏，急促的琴弦聲與長號吹奏鋪成整段旋律，相當有勁的開端。〈Golden Age〉輕快有力的鼓組與貝斯韻律成了主秀，Sean Ragon的嗓音在混厚與嘶吼中反覆著主副旋律，到了〈Prince of Peace〉又變得迷幻溫柔，彷彿在世界失控前，依然高舉著和平旗幟。

〈Garden of Delights〉的黑暗氣氛讓我想起一些Death in June的曲子，沉重的鼓點、紛亂的電氣音效、Sean Ragon由憤恨的高吼突如轉為正常的唱法，完美的接續下一首〈A New Way〉，貝斯低音、琴鍵聲、長號、木吉他刷奏、電吉他噪音頓時都湊在一塊，Sean Ragon改用激昂的嗓音將旋律點帶至最高，氣勢十足。

我相當喜愛〈New Old Ways〉中重度分明的鼓點與旋律鋪陳，中段的吉他旋律像極了Joy Division，後段電吉他延遲聲效與長號的融合異常迷幻，如同黑潮來襲一般，氛圍感濃厚，這樣的編曲方式超出常理卻很有意思。節奏緊實的〈The Gateway〉又再度開啟黑色的另一章節，Sean Ragon唱著幽幻迷離的旋律卻又不忘著紛怒意識的陳述。

《Love Will Prevail》徹底展現出Sean Ragon譜寫黑色曲調的功力以及製作的成熟，而在專輯的背後則是那股堅持到底的獨立製作精神，相信他們的聲勢在未來將會越來愈壯大。青春的邪典崇拜，愛終將戰勝一切。

by pblue​

評分：

The xx - Coexist

經過首張同名專輯的成功後，The xx的第二張專輯勢必會遭受樂迷們放大檢視，不過他們似乎也不妥協於過往的成功模式，來複製出一首首簡約的流行樂來討好大眾。《Coexist》聽來似乎更加沉穩內斂，像是將一段感情結束後的依戀與內心話語融入到曲子裡，你可以在歌詞中找到那樣傷感的詞句，或許不是他們的親身經歷，但在Romy Madley Croft與Oliver Sim的對唱下，當中的情感並不存有任何真摯的假象。

我最欣賞The xx的一點仍是他們的音樂製作，二十初歲的年輕製作人Jamie Smith除了掌握樂隊當中所有鼓機節拍，還是一名音樂口味涉獵廣泛的DJ，舉凡嘻哈、R&B、靈魂、實驗電音都在他的撥放清單中，所以讓The xx聽來並不是一組單一樂種取向的組合，他們有著節奏藍調的旋律、外加透亮的電吉他單音、韻律有致的低音線還有Jamie Smith的創意鼓點，在同名專輯中可以聽到所有的樂器表現都有各自的亮點。

正當期待Jamie Smith會用怎樣有趣的方式來製作《Coexist》時，則沒料想到他選擇用更低沉的方式來營造出整張專輯婉約的黑色調氛圍，也收回了他那精湛的擊鼓技巧。不少曲子聽來像是取用電子樂手Burial灰暗的dubstep節拍，讓曲子在黑暗的夜色中得以行進；如〈Chained〉使用緩慢的兩拍節奏，將那種兩人之間的枷鎖感顯現出來，即使彼此感情已逝，心中的思緒還是徘徊在是否給予對方自由與鍊鎖之間。

〈Reunion〉中詭幻的音效、殘響的慢拍，在月光的暈亮下等待與戀人重聚，隨著加重節拍的留白，只留下等待落空的結局。〈Sunset〉由低音與鼓拍展開日落的場景，描繪出戀人分離又再度巧遇的疏離感，詞裡字字句句的感嘆，也讓〈Sunset〉成為《Coexist》中最傷感的曲目。

當Oliver在〈Missing〉唱著〈My heart is beating〉時低沉的節拍也猶如心跳般打在耳膜上，不得不佩服這項製作上的巧思，此時，空幻的吉他聲響也畫過了腦中一幅幅思念的畫面。〈Swept Away〉則用了相當舞曲的節奏，但依舊是抑鬱且低沉。

雖然《Coexist》選擇了不流俗的方向，但卻仍舊帶不回首張專輯給人的驚艷感，旋律性也流於相似與平淡，不過無庸置疑的是，《Coexist》在情感與整體的氣氛上都輕易的讓人浸入他們對感情分崩離析的黑色詮釋中。

by pblue​

評分：