Woods - With Light and With Love

布魯克林的低傳真民謠樂團Woods已經成立多年，雖然名氣不高，他們已經推出了七張專輯，從2009年到2012年間馬不停蹄每年都發行一張作品。除此之外，主腦Jeremy Earl還經營廠牌Woodsist，發行自己樂團以及The Babies、Crystal Stilts、Wavves等樂團的專輯，在講求時髦的紐約音樂場景中開拓一處質樸園地。Woods和廠牌Woodsist在精神上可說是繼承了傳奇廠牌Elephant 6，當然怪異、隨興所至的程度無法相比，但是兩者都是低傳真樂風的重要推手。

Woods的音樂其實也夠奇怪了，主腦Jeremy Earl完全用假音唱歌，他的歌藝並非唱匠等級，常在走音邊緣擺盪，前幾張專輯的吉他彈法也相當生澀。Woods的創作曲有的是兩分鐘的小品，有的則是十分鐘以上、Krautrock風格的純演奏曲，這些歌曲以不按牌理出牌的方式在專輯中並列，打破大家熟悉的聆聽習慣。不過只要聽過他們任何一張專輯，大概就能感受到Woods的樸拙魅力，Jeremy Earl的聲音猶如Unknown Mortal Orchestra的Ruban Nielson一般像是硬ㄍㄧㄥ出來的，聽時有種惡搞的趣味性，他寫琅琅上口旋律的能力也是一流，接觸後便難以忘懷。Woods的發片模式或許像Lo-fi前輩Sebadoh，歌曲品質良莠不齊，但樂迷瞭解其中獨到之處而願意等待樂團成熟。

2013年Woods休息一年，決定認真對待他們的最新創作《With Light and With Love》。隨著每一張專輯的推出，聽者應該能感覺到他們的音樂慢慢脫離粗糙質地，製作變得精良。另外，即使音樂聽起來古怪詼諧，Jeremy Earl的歌詞反而偏向黑暗晦澀，受到死亡陰影籠罩。如專輯名稱所述，Woods這次用了更為光明、正面的態度來處理存在焦慮的問題，他們付出很多努力呈現一張易於消化的專輯。

首先調整的就是歌曲長度，除了同名曲長度較長，其他歌曲都截長補短到剛好的狀態。此外，錄音品質比過去作品提升許多，可以聽到一些細心的樂器編排，例如〈Leaves Like Glass〉的吉他與鍵盤重奏就很溫暖，單曲〈Moving To The Left〉本身旋律已經很流行悅耳，中間隱約出現的吉他效果增添了驚喜，〈Twin Steps〉一開始還採用俏皮的Wah Wah效果。之前Woods的錄音室作品的目的似乎只在錄下構想，到現場再鋪陳潤飾，他們現場的魔力這次在同名歌曲〈With Light And With Love〉中捕捉到了，恣意又不失流暢的間奏對我來說是他們表演最有意思的特點之一，〈With Light And With Love〉主副歌、間奏到結尾一氣呵成，感受像在野外踏青那般的自在。

Jeremy Earl稍微跳出他模糊的敘事方式，娓娓道出他的疑惑與恐懼。〈Moving to the Left〉唱道：「我們在陽光下度過所有的日子，是不是非得一直前進？是不是非得跟其他人一起？」，〈With Light And With Love〉也發問：「逞強行事，其實我不知所措！如果出錯了，我該怎麼辦？」Earl筆下猶疑不決的情緒是每個人或多或少都會經歷到的，聽到內心的難題付諸音符，彷彿獲得一個溫柔的擁抱，頓時不再那麼害怕。

大致來說，Woods成功在提高製作水平的情況下保留純樸、古靈精怪的特色，然而〈Full Moon〉、〈Only The Lonely〉和一般民謠樂團又太相似了些，讓人懷念幾年前稚澀的風格。要如何拿捏改變的幅度是每個樂團都必須面對的難題，而Woods已經表現得算是可圈可點。

《With Light and With Love》會是Woods的《Bakesale》專輯嗎？或許吧。因為他們經營自己的廠牌，沒有有唱片公司壓力要求他們變得更商業化，所以他們不會遭遇到Sebadoh曾遇過的《Harmacy》危機，而且他們的音樂目前對大眾口味而言仍舊太怪異。不過只要他們多獲得一點肯定，Woodsist這個嬉皮集散地就能更順利經營，對此我獻上最誠摯的祝福與期盼。

by Debby

評分：

Yellow Ostrich - Cosmos

Yellow Ostrich，這組來自紐約布魯克林區的Indie Rock樂隊，起先只是主唱Alex Schaff在自家，利用4軌錄音器材的 solo project；前期的個人作品《Yellow Ostrich》、《Wild Comfort》以及之後鼓手Michael Tapper加入所製作的《The Mistress》，全都是原汁原味獨立製作的低傳真Indie作品，直到2011年Jon Natchez加入團隊後，Yellow Ostrich才有了較完整的band sound模樣。隔年，Yellow Ostrich發行了一張對於樂團生涯有突破性進展的專輯，《Strange Land》

《Strange Land》發行後，年底他們又緊鑼密鼓地發行了EP《Ghost》。新EP拋開原先的Lo-Fi風格，A-side 歌曲轉而投入Chill-out與R&B節奏的懷抱。然而在《Ghost》發行後， Jon Natchez由於個人生涯考量離開了樂團 ，其位置由長期與樂團合作巡演的樂手Jared Van Fleet 與 Zach Rose頂替。

失去Jon Natchez這麼一位多功能的樂手，對於Yellow Ostrich而言，多少是個利空的局面。然而此轉變也使得樂團成為穩定的四人編制，得以在創作、演出、排練等不同時刻皆擁有相同成員。Jared Van Fleet的加入更是讓樂團的吉他聲響更有層次，進而做出廣闊的白色音牆與雙吉他編制。

《Cosmos》的多數作品會讓人想起千禧年代初期的音樂場景：大無畏的吉他聲響、重複堆疊的riff，以及主唱Alex Schaff反覆吟唱副歌的表現；像是道道閃耀的光芒，重新照亮由The Strokes、Interpol、Bloc Party等樂隊建構起的Post-Punk Revival時代。即便這些樂團已在時間潮流的沖刷中逐漸為眾人遺忘，但拿起《Slient Alarm》再次聆聽，裏頭的聲音依舊令我精神抖擻。

不過《Cosmos》一開始吸引我的點，並非前述的原因，而是它在第一時間讓我想起 Radiohead那張集樂團生涯大成於一輯的《In Rainbows》。〈Neon Fists〉帶有舞池節奏的電子碎拍與電吉他旋律，搭上木吉他的清亮弦音，構築拼貼出〈Jigsaw Falling Into Place〉的些許神韻。而〈Shades〉在曲調轉換時的Keyboard編曲，以及〈You Are The Star〉尾段的吉他扭曲破音，也同樣喚起了個人對於〈Bodysnatchers〉的記憶。

此外，如果有查閱國外音樂網站對於《Cosmos》的介紹，可以得知這張專輯的製作靈感，其實是來自Carl Sagan著作，這些著作讓Alex Schaff得以自成天重複的錄音、創作過程中短暫逃脫，從而獲得一定程度的心靈紓解。而天文知識的獲取，或許也促使Alex Schaff用更廣闊的視野看待生命中所遭遇的問題，並讓那股急迫渴望進步、試圖變得更強更好的焦躁感獲得舒緩，因而有了〈Don't be Afraid〉這首氛圍溫暖的歌曲的誕生。

從《Strange Land》來到《Cosmos》，不難發現Yellow Ostrich在失去Jon Natchez這位全能球員後所產生的改變。《Strange Land》中廣泛運用的Chamber-Pop與多樣化的聲音走向，在《Cosmos》裡已不復見，樂團改而將焦點聚集於吉他搖滾之上。即便在 EP《Ghost》中嘗試了電子聲效，Yellow Ostrich 並未捨棄吉他作為主線的模式，甚至巧妙地將《Strange Land》與《Ghost》兩張作品中嘗試的實驗精神融合。譬如在〈My Moons〉漫長電子氛圍的終端，一股暴躁撕裂的吉他聲強襲而來，做出了一個氣勢十足的收尾，而這無疑正是我們熱愛的獨立搖滾之聲，也令人想重新回味《Strange Land》裡頗有90s另類搖滾滋味的〈The Shakedown〉。同時，主唱Alex Schaff顯然更明瞭個人的vocal聲線該在歌曲中扮演何種角色，種種因素，使得《Cosmos》成為一張完整度與錄音水準皆超越過去自我的作品，也讓人更加期待Yellow Ostrich下張專輯的誕生。

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Jon Natchez 離團後發行了一系列的偏向Ambient sound的EP作品，可在他個人網站中免費試聽。

by Headphone Youth

評分：

Jimi Goodwin – Odludek

距離英國曼徹斯特樂隊Doves的上一張專輯已經五年過去了，雖然到現在沒讓樂迷等到另一張新作，但主唱兼貝斯手Jimi Goodwin卻自己完成了一張完整的專輯，專輯名稱取作Odludek，此字由波蘭語翻過來則有獨自一人的意思，這也反映了Jimi Goodwin的心境，即使Doves停留在休息階段還未解散，卻也暫時離開從高中時期就一起玩音樂的Williams兄弟檔，從這樣的組合走出來嘗試在音樂上探索更多的可能。

而《Odludek》正好與另一組曼城樂隊Elbow新專輯《The Take Off and Landing of Everything》在同一個月份發行，多少讓人憶起Doves與Elbow的確是曼徹斯特在千禧年後最重要的兩組樂隊，讓曼徹斯特的音樂在八、九零年代後依舊不減風采，撐起英式搖滾的凋零。這次Elbow主唱Guy Garvey與Jimi Goodwin也互相在彼此的專輯中擔任合音，像是〈Hope〉這首歌就能聽到Guy Garvey的友情客串，即使很難聽辨的出來，歌曲中充滿溫暖與希望的氣氛也像Elbow音樂所常能感受到的氣質。

Jimi Goodwin製作《Odludek》的方式像是在製作一張瘋狂的混音帶，將他所受到的音樂影響轉化為這張作品，在風格上比Elbow的《The Take Off and Landing of Everything》豐富一些，即便《The Take Off and Landing of Everything》是一張調性一致的好聽作品，但對於喜歡聽變化多一點的樂迷來說可能比較能從《Odludek》得到樂趣，不過在耐聽度來說Elbow還是略勝一籌，因為他們在聲音的表現上展現更多純粹的細節，聽來較為不急不緩，然而相比到最後我決定拋開對他們的比較，畢竟是兩張不同走向的作品啊。

Jimi Goodwin說他不想寫一些固定形式的歌曲，所以主副歌的位置有時候並不是那麼絕對，甚至兩者的關係不是那麼的緊密。《Odludek》的上半曲目都是相當具有氣勢的歌曲，像〈Terracotta Warrior〉就用了很重的合成器，間段的在歌曲炸響，在主副歌中間接著鼓與貝斯然後是管弦樂，相當奇妙的編曲方式。〈Didsbury Girl〉算是他幾年前就已經寫好的曲子，鼓勵年輕人勇敢的面對自己的問題，光是前奏的貝斯就編的很有味道，聽似只是一首旋律單純的歌曲，但其中擁有異常豐富的層次，不管是吉他、貝斯還是鼓都適得其所。

聽到〈Live Like a River〉有點俗氣的鍵盤樂句與舞曲節拍，心想Jimi Goodwin果然是曼城魂啊，遙想當年Doves的前身Sub Sub可是一曲〈Space Face〉在曼城各舞廳竄紅，而〈Live Like a River〉不光只是套入舞曲千篇一律的樣版，當中的電吉他刷奏更讓曲子成為一首氣度非凡的電氣搖滾，訴說著要活就活得像一條河，讓生命在節拍下川流不息。

〈Man v Dingo〉的聲響如同一幅複雜的拼貼畫作，在正反拍的吉他刷奏與銅管樂器的奏鳴下Jimi Goodwin如同唱著瘋狂的詩句，關於幾年前因警察槍殺年輕黑人所引起的倫敦暴動，以及媒體如何在大眾面前扭曲事實，還有物質生活已經無法再讓人感到快樂的情緒。

專輯下半部轉換為較內斂的風格，Jimi Goodwin拿起木吉他，彈奏〈Keep My Soul In Song〉、〈Oh! Whiskey〉、〈Panic Tree〉等民謠調性的曲子，在〈Oh! Whiskey〉也吹起了口琴，進入讓威士忌的酒精趕走憂鬱卻換來更多的憂鬱的狀態，可以感受到愛爾蘭的血液依舊在他體內流竄著。

比起眾多樂團主唱的個人專輯，《Odludek》相較起來算是一張誠意十足的作品，Jimi Goodwin回顧多年來的音樂生涯，重新將累積起來的養分發揮徹底，並起企圖打破自己的規則，再一次證明他自己的寫歌能力，不盡完美卻也不愧對長年支持Doves以及他的樂迷們。

by pblue

評分：

Elbow - The Take Off and Landing of Everything

曼徹斯特樂團Elbow每張專輯的開頭都很相似，聲音猶疑地響起，空氣中充滿重頭戲開始前的忐忑，樂團抑或克服了不安，激昂的情感慢慢顯露直到迸發（例如〈Ribcage〉、〈Station Approach〉），又或者讓低迷的情緒主宰一切（例如〈Any Day Now〉）。第六張專輯《The Take Off And Landing Of Everything》的開場曲在標題〈This Blue World〉便定調了憂鬱的色彩，雖然背景樂器編排豐富，但音量都調得小到難以辨識，主唱Guy Garvey用他滄桑的嗓音唱著周遭蒼涼的景象；他的悲傷非常真切，因為不久前他剛結束一段長達八年的感情。

或許可以把《The Take Off And Landing Of Everything》歸類成一張失戀專輯，不過此類專輯常見的呼喊、痛悔、不甘心都沒有出現，Guy Garvey和團員要呈現的比較像是平靜接受關係的結束、以及對舊愛的祝福與感謝之意。即便整張專輯滿佈濃濃揮不去的悲傷，Elbow在歌曲中仍表現出多樣化的情感，甚至一度把步伐從長久居住的曼城移到紐約（〈New York Morning〉）。

不論外在或者他的內心風景多麼灰暗，Guy Garvey的語言還是一如往常地美麗。〈This Blue World〉認可了過去感情的美好，無論如何他和舊愛都同時擁有一段不可抹滅的共同歷史。撫慰人心的〈Real Life (Angel)〉以及多樣器樂齊發、宛如天光發亮的〈The Take Off And Landing Of Everything〉討論失去至愛過後的調適，還沒完全走出陰霾，但逐步讓生活恢復常軌的狀態。〈Charge〉是專輯中少數憤世嫉俗的歌曲，Guy Garvey以一個凡事都看不順眼的中老年人角度，寫出對年輕人的不滿，同時又希望得到關懷，希望社會能照他們熟悉的方式運作，對照現在社會上發生的事，這首歌給了我不少感觸。和〈Charge〉相反，單曲〈New York Morning〉表達一面倒的興奮之情，彷彿情緒觸底之後開始爬升，在抑鬱多時之後，某天發現傷痛已逝，自己竟然還能感受到喜悅，「新生」的意象常在Elbow的歌曲中出現，這首歌在現場應該又會是感人的全場大合唱。

不過我認為Guy Garvey最動人的創作，通常是關於他對庶民生活的歌頌。第一首公佈、醺醉的〈Fly Boy Blue/Lunette〉描寫四處飛行，並在各地與不知名的陌生人飲酒作樂的感受。即使不認識這些人，也知道這樣的習慣有害，但他依舊珍惜和這些可能只會見一次的人們短暫交會的時光，民謠風格的〈Lunette〉部份轉成對酒精與香煙的讚頌也十分有趣。全輯中旋律最佳的曲子〈My Sad Captains〉同樣描寫在街頭酒館和陌生人共度光陰的情景，當下社會上用來評斷個人的標準都不重要，只要能相聚在一起就是「完美的機緣」。從以前的〈Starlings〉、〈Lippy Kids〉到這張專輯中的〈Charge〉、〈My Sad Captains〉等等，Guy Garvey對任何社經階層的人都能設身處地去理解他們，這是Elbow音樂最珍貴的特質。

《The Take Off And Landing Of Everything》的歌曲沒有一首不美麗的，可惜的是，對我來說Elbow的歌詞質量總是遠勝過音樂部份。這張專輯與他們過去的專輯相比，在音樂上並沒有什麼突破之處，許多歌曲也包含前作的影子。〈Charge〉像是〈Picky Bastard〉和〈High Ideals〉的合體；〈Fly Boy Blue/Lunette〉有點類似〈An Audience with the Pope〉；〈My Sad Captains〉的弦樂編制像〈Starlings〉；〈Honey Sun〉開頭緊繃的鼓使人憶起〈Bitten By the Talifly〉... 幸好《The Take Off And Landing Of Everything》除了終曲〈The Blanket of Night〉以外比較沒有弦樂過度使用的問題，在2008年歌曲〈One Day Like This〉傳唱大街小巷後，他們也沒有再次嘗試複製一樣的曲式，算是成功擺脫這首歌的包袱。

Guy Garvey是許多人心目中公認的當代桂冠詩人，就算明白Elbow專輯中的不完美，聆聽數次之後會感到自己的抗拒逐漸被瓦解，因為Guy Garvey的真誠極具感染力，他筆下的世界比現實世界更溫暖包容。我還在適應《The Take Off And Landing Of Everything》，但我猜想，隨著這一整年的失望與挫敗不斷累積壓在我的心頭，我會越來越喜歡這張專輯，它讓我在這荒蕪的世界中看到優雅與美。

by Debby

評分：

Future Islands – Singles

當Future Islands站上The Late Show with David Letterman的舞台演出他們新專輯《Singles》的單曲〈Seasons (Waiting On You)〉後，引起不少人在網路上討論主唱Samuel T. Herring獨特的表演方式。表演時，他左手拿著麥克風隨著節奏大步的搖擺步伐，右手跟著旋律的起伏揮動，時而敲打自己的心肝，眼神閃耀一絲希望的光輝深情的專注前方，他如此掏心掏肺的演出彷彿是要告訴世人他們就在這裡，他們是來自美國巴爾地摩的Future Islands。

會站上這樣的舞台，也是因為他們有著與以往不同的野心，在錄製完《Singles》時，他們開始思考是否要嘗試另一種發行的可能，於是離開了芝加哥獨立廠牌Thrill Jockey，加入了英國獨立名廠4AD，在廠牌的各種資源支持下，漸漸的在眾人面前打開知名度，對一些他們的支持者來說，成軍十年的Future Islands理當被更多人給認識，畢竟Samuel T. Herring真的是一位很特別的歌手，相較於搖滾明星的酷形象，他更想貼近他的樂迷，更他們在情感上有所連結，不少看過他們現場演出的人都能感受到這樣的連結。

《Singles》雖延續他們過往Synth-Pop的風格，但這次的陣容除了原本鍵盤、貝斯的配置外還加入了一位鼓手，讓在節奏上面的表現更加靈活、動感。在歌曲〈Spirit〉中聽到合成器旋律總讓人想起八零年代的新浪潮樂團，有點傻氣卻又傻的讓人跳起舞步，再聽聽另一首〈Back in the Tall Grass〉怎不會浮現對New Order的記憶，貝斯手William Cashion搶耳的貝斯線凌駕在鼓點上，還以為是New Order貝斯手Peter Hook頓時成了Future Islands的客座樂手。專輯主要的歌唱旋律給人些許節奏藍調與靈魂樂的感覺，我想這也是他們歌曲所可以觸動聽眾、勾起情緒的原因之一。

身兼作詞者的Samuel T. Herring在歌曲中使用了不少季節、太陽、月亮的意像來象徵兩人關係的變化，或許你會問他為何如此琢磨在關係的描寫上而不嘗試寫些別的，他曾說道他並不了解政治也不了解信仰，所以不會關注在這兩件事上頭，只有一件事我能誠實談論和相信的只有我自己的經驗，我會分享個人的故事是因為這是我唯一知道的真實。

專輯的上半部與下半部是兩種不一樣的心情，我比較喜歡上半部所能帶來的能量，每一首歌曲都有鮮明的情緒在當中，而下半部的曲子調性較為鬱沈，聽起來過於相似，鮮明度沒有那麼高，但只有〈A Dream of You and Me〉是唯一的例外，無庸置疑的這首歌有很美的段落，當他唱著：「People lie, people love, people go . But beauty lies in every soul」時，的確是誠懇的讓人動容，人們說謊、人們相愛、人們離開，但這也是每個靈魂美麗的地方。

與他們過往的作品相比，《Singles》並不是最好的，但這也是一個讓大家重新認識他們的機會，如果你開始對他們的音樂起了點興趣，或許可以去聽聽他們的第二張專輯《In Evening Air》，相信你能在當中找到更多誠摯動人的旋律。

by pblue

評分：