刺猬 － 幻象波普星

或許團員的年紀已邁入而立之年，也可能是現實裡有太多難解的人生哲學，以至於刺猬在新專輯《幻象波普星》中，將視線聚焦於太空，探索其奧秘與玄虛，扮演起漂浮於兔毛之上的哲學家。

如同團名，刺猬過往的作品總是多刺，但這回他們不再以噪音襲擊世界。跳脫《Sun Fun Gun》的Lo-Fi風格，改以溫暖為基調行進，吉他部分僅運用少數破音，音色有著前所未見的透澈明亮。〈星光〉、〈畫〉、〈暖浪拂心田〉等歌曲更加入大提琴編制，迎來令人耳目一新的刺猬。此外，這張專輯也是主唱子健首次以全中文的方式完成整張專輯的詞作，其在詞句韻律對仗上的琢磨，亦讓專輯聽來更為內斂含蓄。

開場的〈我們飛向太空〉帶來有別以往的廣闊音場，並且大量利用迴聲模擬太空意象，旋律則依舊是刺猬那招牌的簡潔直白。〈幻象波普星〉描寫著亟欲逃脫世俗羈絆的心情，而由阿童木主唱的〈夢幻想〉有著豐富轉折的編曲，雖以Indie Pop為基底，卻甜而不膩，「聽 夜已融化 四方神靈 緩慢兵臨城下 夢 不停飄啊 漫山遍野 開滿五彩的花。」無疑是整張專輯最詩意的一段歌詞，同時也可能是最悅耳洗腦的一段旋律。

〈徒鳥〉與〈她在月光下〉則是專輯中較為迷幻的波段，某方面而言也是最接近前張專輯風格的歌曲，我尤其喜愛〈她在月光下〉的Bass編曲。那宛如液態的拍點彈奏，能夠妥適地改變形體對應各種曲勢；聽著它，彷彿能感受到它的流動性，漂阿漂的，就好像真的能乘著拍點和鯊魚一起衝浪似的。

而後半段的〈畫〉、〈金色褪去，燃於天際〉、〈暖浪拂心田〉等三首歌大概是刺猬對於《白日夢藍》的回眸與告別。〈金色褪去，燃於天際〉結尾狂飆的吉他聲響讓人濕透眼眶，雖感傷卻也不得不為，畢竟隨著年紀增長，觀看事物的態度自會有所改變，而這些年的生命歷練也或多或少讓他們擁有與內在不安妥協前行的心靈強度，同時也讓音樂創作走入一個嶄新的維度，而在這之中不變的，大概就是他們歌裡的坦率與真誠吧！如果今年只能買一張華語樂團唱片，我的選擇必然是《幻象波普星》。

by Headphone Youth

評分：

Pink Mountaintops - Get Back

加拿大獨立搖滾樂隊Pink Mountaintops一直以來都是由唱作人Stephen McBean為主要核心的樂團，Stephen McBean除了建立了這麼一座粉紅山外，也建立了另一組樂隊Black Mountain我們俗稱黑山，黑山的樂風通常會比粉紅山來的更加硬式、迷幻一些，但這次以粉紅山之名所發行的《Get Back》音量似乎並不黑山來得小，當然有一部分的原因是Stephen McBean移居到美國洛杉磯，找來了當地一些重量級的音樂人來參與專輯的製作，包括Dinosaur Jr.的J Mascis、Dead Meadow的Stephen Kille、The Brian Jonestown Massacre的 Daniel Allaire還有The Delta 72的Gregg Foreman等人，有了這些擅長迷幻、龐克、硬式搖滾的能手，《Get Back》真的是不強大也難。

整張《Get Back》圍繞在緬懷青春的主題上，這樣的青春當然是屬於Stephen McBean個人的，從第一首歌〈Ambulance City〉的城市馳騁到最後〈The Last Dance〉的舞池一吻，種種青春記憶在搖滾樂的催化下重新回到腦中，或許只是創作者的私人記憶，但那些感覺卻是你我在青春期中所能體會到的。

德國泡菜味十足的〈Ambulance City〉為專輯做了一個很好的開場，極簡的合成器節奏、鼓拍平穩快速的過門，即便Stephen McBean聽似沒有意義的呼喊著 "Station to staion…"，我則想到David Bowie的專輯《Station to Station》同樣也有受到Krautrock的影響，不知這張專輯是否在年輕時期的Stephen McBean心中占有一席之地。

如果說一九六七年的愛之夏對於嘻皮們有著重要的意義，那《The Second Summer of Love》中所唱的一九八七年則是Stephen McBean的第二個愛之夏，相隔二十年卻同樣擁有著長髮、夜晚、女孩、搖滾樂，而〈Through All the Worry〉則感嘆著青春的日子就像夢境一般總是過得特別快，當吉他獨奏開始便知道是J Mascis的傑作，你可以說它沒有新意但這樣粗重的吉他聲線已經成為他的標誌，我想〈Wheels〉將吉他演奏以可深可淺的方式表現出來會來得有意思些，歌詞講述著在高速行進時思考著一些永遠不會有解答的問題，年輕時的問題隨著時間巨輪被運載到了現今，才發現我們依舊還在追尋解答。

Stephen McBean在〈Sell Your Soul〉唱道他出賣了靈魂給了搖滾樂，媽媽告訴她要當個聰明人，爸爸總是說他不了解，但他只想活在今晚，不停的跳舞下去或是與抱著愛人直到唱片播完，從她眼中燃起心裡的一把火，聽著聽著才發現自己已經很久沒聽到這麼熱情的歌了。

〈North Hollywood Microwaves〉找來Giant Drag的 Annie Hardy來饒舌了一段，可能這首歌放在專輯中有些突兀，但器樂與薩克斯風的表現也不至於脫離專輯整體的調性。想必J Mascis也在〈Shakedown〉參了一腳，只不過這次的吉他獨奏長了很多，老樣子，不過聽完這首大概可以想像Dinosaur Jr.與粉紅山的模樣，在這首歌中Stephen McBean瞧見一張經過時間洗刷過的年輕人照片躺在街上，不知道他是否還記得當初反抗的理想。

雖說《Get Back》並沒有上一張專輯《Outside Love》在歌詞上如此具有詩意以及充滿溫情的旋律，但卻是一張充滿年輕能量的專輯，整張專輯的節奏緊湊，絲毫不會令人感到鬆散，並且也對Stephen McBean個人的青春，甚至是你我的青春做了一次完整的回顧。

by pblue

評分：

The Horrors - Luminous

和朋友聊到最近幾年的英國獨立音樂，除了實驗電子樂比較有意思之外，大部分2000年代中期以後的獨立搖滾樂團做出的音樂都偏重包裝，讓我有點意興闌珊。The Horrors是少數能夠吸引我的新一代英國樂團，他們的音樂雖然不脫當下的復古潮流，但他們爬梳過許多經典音樂，並找出自己獨到的重構方式，其中可以聽到桀驁不馴的態度以及不流俗的怪異之處。不可否認地，團員個個時尚有型也是額外的優勢。

第四張專輯《Luminous》比The Horrors之前的專輯花更多時間製作，樂團似乎想撫平前幾張作品的粗糙感，提升錄音品質，並增加電音的比例讓音樂聽起來較為豐富多彩。連主唱 Faris Badwan的唱腔也改變了，他的聲音表情從喧鬧、淡漠蛻變到現在的溫柔直白，應該更符合大家對英搖團主唱的期待。

The Horrors構築各種聲響的能力還是令人驚豔，開場曲〈Chasing Shadows〉一開始的紛雜聲音元素就讓人聽得過癮，但之後樂團便走回老路子，隨後闖入的吉他音牆已經像是The Horrors的正字標記。〈First Day Of Spring〉有些C86音樂的輕快感，前半段要不是Rhys Webb肥厚的貝斯和Tom Cowan隱約的鍵盤聲漏餡，真沒想到The Horrors能夠如此清新。單曲〈So Now You Know〉是《Luminous》最棒的摘要，展現製作精良、宜古宜今、後現代的、挑逗卻也不過度在乎的形象。

如果曾經覺得The Horrors的音樂太肅穆，樂團用〈In And Out Of Sight〉證明了他們的音樂也適合在舞池播放，團員不再一直紋風不動、高不可攀。隨後的〈Jealous Sun〉和〈Falling Star〉撇除掉那些張狂的吉他與電子音效，實際上都是可愛無害的情歌，聽到這邊已經開始期待一點不一樣的氣氛。一聽到〈I See You〉，完全能夠理解為什麼要選擇它作為第一支公佈的歌曲；The Horrors一向對於長篇歌曲都掌握得比簡短歌曲要好，即使歌曲前半部份的主副歌結構沒有特殊之處，後半段合成器與吉他的爬升橋段絕對是《Luminous》最令人心醉神馳的幾分鐘，在此之後的歌曲都無法再激起同樣程度的情緒反應。或許將〈I See You〉移到專輯最後，〈Mine and Yours〉美妙的吉他效果和〈Sleepwalk〉有如The Depreciation Guild般電玩感的合成器配上白色噪音的組合，想要達成的效果能發揮得更好。

《Luminous》在製作上沒有什麼可挑剔之處，不過精緻化之後反而讓Faris Badwan略顯空洞的詞作更難以掩飾。即使沒有特別糟糕的曲目，專輯中缺少一首歌能像〈Endless Blue〉那般突然轉換的結構一樣給我無盡的驚奇，也沒有歌曲能像〈Sea Within the Sea〉當中跌撞前行的訊息那般溫暖我的心。在他們思考寫出更順耳曲子的同時，也損失了獨特性。

無論如何，The Horrors還是一流的造音高手。身為一支不斷求新求變的樂團，他們的下一張專輯必定又會發生變化。無論當初讓他們寫出那些優異歌曲的機緣是什麼，願他們能再次遇到，或者發現更完美的配方，我依舊佩服The Horrors改變的勇氣，並期待聽到他們未來的作品。

by Debby

評分：

Cloud Nothings - Here and Nowhere Else

上張專輯《Attack On Memory》為 Cloud Nothings 迎來前所未有的人氣，也由於《Attack On Memory》受到諸多好評與廣大迴響，致使樂團主要創作者Dylan Baldi在創作《Here and Nowhere Else》時顯得格外自信。《Attack On Memory》的成功讓他理解到過去一直埋頭苦幹的作品不是垃圾，不是白費心力，加上專輯創作於《Attack On Memory》巡演期間，嶄新的人生經歷讓樂團成員陶醉在吸收新鮮事物的喜悅之中，因而《Here and Nowhere Else》雖然仍舊聚焦於對生命事物的悔恨、憤怒與不滿，但如〈Wasted Day〉所呈現出的昏暗消沉早已煙消雲散，整張專輯聽來格外明亮耀眼，宛如新生。

然而《Attack On Memory》的成功，自然也使得這張新出爐的專輯受到眾人的放大檢視。或許有人會認為《Here and Nowhere Else》的歌曲同質性太高[1]，沒有預留情緒折衝的空間，一股腦地風馳電掣，聽起來就像高中校園裡的無腦龐克。但我認為它抓住了搖滾樂最初的元素，赤裸裸地呈現音樂最原初的情緒[2]，毫無裝模作樣的假掰姿態，無數朗朗上口的小節，不但讓人確信Dylan Baldi是位才華洋溢的創作者，亦讓人想起過去每個被搖滾樂感動的片刻。

有些音樂是因為優美的旋律與演奏而讓人感到愉悅或倍感療癒，但對我而言《Here and Nowhere Else》並非如此，它之所以感人是因為其有著很直接的溫度，聲音的力道自然而然和交感神經發生作用。這感覺有點像第一次聽到四分衛的《起來》、透明雜誌的《我們的靈魂樂》或者爆轟的《生存的才能》，可能是某個刷弦的方式，或者某個橋段的和弦行進，抑或吉他音色的呈現，讓人很直覺地跟著某個節奏做出反射性動作，揮起雙手順著節拍舞動，一瞬間他們的音樂和你的靈魂、身體產生共鳴，為麻木乾涸的雙耳帶來久違的感動，《Here and Nowhere Else》毫無疑問是今年截至目前為止個人最喜愛的唱片。

聽著Dylan Baldi 聲嘶力竭的嘶吼，Jayson Gerycz 的硬蕊鼓擊，TJ Duke 速度感十足的貝斯破音，彷彿五臟六腑都要噴發而出，在專輯裡的某些片段，Cloud Nothings 真的會讓人以為那個傳奇性的三人樂團重出江湖，並不是音樂的呈現或編曲方式相近，而是那傳遞出的情感是如此雷同。你或許不清楚他們的人生經歷，不甚理解他們為何而吼、為何賣力彈奏，也無法參透其憤怒從何而來，但每個人肯定都有著想大聲吼出來的話語，尤其現在的台灣又處於這狗屁倒灶的現狀，憤怒仿若天性，音樂只是觸媒，臨門一腳、輕輕一碰便為情緒找到出路：Fuck the Government, Government is violence.

最後，很抱歉這次沒有寫出逐曲感想，因為我認為這張專輯的歌曲不適合單獨拆開來談，而且整張專輯也就只有先行單曲〈I'm Not Part Of Me〉稍弱，其餘作品皆頗具後勁，第一次聆聽跟多次聆聽後會有不同感受，或許會發現在這些暴躁歌曲的背後，其實有著類似民謠歌曲的旋律底韻，也希望上述的介紹能讓更多人喜歡這張把我感動得亂七八糟的專輯。

[1]

有網站專訪問過主唱Dylan Baldi為何《Here and Nowhere Else》只收錄 8首歌，Dylan回答因為整張專輯皆是相同調性的歌曲，因此他認為8首歌的長度比較剛好，如果再放入第9首可能會畫蛇添足。

[2]

Dylan Baldi曾提及他個人很喜愛爵士樂，認為爵士樂手的演出是非常真誠的，樂器真誠地傳遞了演奏者當下的感受與想法，而我覺得在《Here and Nowhere Else》裡，Cloud Nothings三個人的演奏也做到了類似Dylan Baldi所說的真誠。

by Headphone Youth

評分：

My Sad Captains - Best Of Times

取名自英國詩人Thom Gunn筆下詩名的倫敦樂隊My Sad Captains在今年所發行的第三張專輯《Best Of Times》中的表現，給第一次聽到他們音樂的我留下了一些深刻的印象，即便說主唱Ed Wallis以相當平穩低迴的唱歌方式來詮釋每一首歌曲，但整體樂器演奏所呈現出的氛圍則是具有獨特的美感，立體感的鼓擊與貝斯平行於耳際，合成器使用得不會過於華美，節奏吉他與主奏吉他所勾勒出的音景也撐起了歌曲的空間感。

《Best Of Times》中首先讓我印象深刻的是〈Hardly There〉，因為這首實在太像Yo La Tengo的曲子了，你當然可以說這只不過就是拷貝了他們的風格而已，但在這張專輯的簡介中早先透露是要向八零年代的獨立音樂致敬，所以對於這樣的拷貝也不會以太嚴厲的眼光去看待，而且對我來說有其他樂團能夠嘗試這樣的風格並不是什麼壞事。雖說是Yo La Tengo的緩飆風格，但這首歌並沒有Ira Kaplan狂放即興的噪音吉他，整體都在控制之下，這樣保守的演奏方式也得宜讓整張專輯保持在一種平穩的波幅，像是一顆顆流星無聲的在暗夜天際劃過，如同Thom Gunn在My Sad Captains這首詩中所寫道的閃耀之星，無聲卻是優雅的存在，從〈Keeping On, Keeping On〉此首演奏曲也能體會到相似的感覺。

一開始誤以為專輯第一首歌〈Goodbye〉中朦朧合成器樂響與明亮的電吉他撥絃就是整張《Best Of Times》的基調，直到〈Wide Open〉跟〈In Time〉兩首美好旋律轉瞬過往雲煙後，才發現還有驚喜在後面，沒錯，我說的是〈All Times Into One〉，貝斯線跳躍在規律的鼓拍上，吉他逐漸開闊的聲景如同薄霧中的微光不斷的增幅亮度，當眾獨立樂團在泡菜搖滾上追尋新的道路時，My Sad Captains找到屬於他們自己的美感，讓人感受在城市中隨著各種載具的移動方式，莫名孤獨的哀愁。

即使說好要向八零年代致敬，但在〈Extra Curricular〉這首歌當中居然聽到The Strokes在〈Hard to Explain〉所使用的吉他樂句，再換上小號聲的此起彼落，整首歌像是凌亂的房間，床上散落沒讀完的書籍，然後一位體虛的憂鬱男子在書本上頭踩跳。而〈All In Your Mind〉則是在書本上跳累的男子開始拿起木吉他，用單純美好的和絃自嘆著悲歌。

或許《Best Of Times》的歌詞過於片段，無法統整出一個主題，但整體聽起來是一張控制得相當好的專輯，給人一致性的氣氛，並強調鼓的節奏與其他樂器所呈現的空間感，猶如從藝術學院的論述中所產出的精品，可惜曲子的美感始終大於內裡的精神，話雖如此，能使人回想起那些美好音樂的段落便已足夠。

by pblue

評分：