The Charlatans - Modern Nature

歲末年初總是陰雨綿綿，去年此時，Temples的首張專輯為陰沉的冬日帶來暖意，現在耳機裡的音樂換成了The Charlatans的《Modern Nature》專輯，每首歌曲都蓄積了抗寒的能量，聽完彷彿能甩開一身疲憊，再度充電面對人生。

如果去看The Charlatans這支來自Northwich、已經成軍二十六年的樂團歷史，會發現他們的生涯走得非常坎坷。剛出道時，他們被歸類在八零年代末九零年代初的Madchester場景中，但受歡迎程度比起同期的The Stone Roses和Happy Mondays差了一大截，多年來也不曾經歷過大紅大紫。此外，The Charlatans已經面對兩次團員過世必須重新調整步伐的情況，第一次是在1996年專輯《Tellin’ Stories》錄音期間，鍵盤手Rob Collins發生車禍意外；而在2013年，鼓手Jon Brooks不敵病魔辭世。就算在困厄的處境下，The Charlatans從未放棄創作，還是Madchester樂團當中唯一持續推出作品的。聽The Charlatan的音樂這麼多年，今年這張獻給Jon Brooks的新專輯《Modern Nature》給了我許多前所未有的暖意與驚奇。

第一支單曲〈Talking in Tones〉就展現出樂團創作技巧的精進，由貝斯、鼓和Tony Rogers彈奏的鍵盤組成的律動前奏很有他們一貫的特色，主歌刻意放輕，平實呈現戀人或好友間日常溝通的傳訊，當伴隨著絢麗鍵盤與吉他的副歌進入時，自己彷彿跟主唱Tim Burgess一樣”feel strengthened”，感受到力量。這首歌的鼓由之前已經加入巡迴陣容的The Verve鼓手Peter Salisbury負責，他也擔任專輯中其他多首歌曲的鼓手，Peter Salisbury的打擊方式比Jon Brooks華麗一些，增加了音樂的層次感。另一支單曲〈So Oh〉同樣有討喜的鍵盤與吉他橋段，重複著歌名兩個單音節單字的副歌讓人無法抗拒跟著哼。描述親近自然的歌曲〈In the Tall Grass〉鼓和貝斯的節奏組非常迷人，銜接歌曲各部分的鍵盤段落設計得很巧妙，中間一段獨奏雖不長卻切實傳達了自由自在的心境。

The Charlatans對採用別的樂團的音樂元素一向不避諱，所以多樣的音樂影響散落在《Modern Nature》中，喜歡英式搖滾的樂迷可以處處探尋。〈Come Home Baby〉就像一首溫馨版的Primal Scream歌曲，爬升的吉他、副歌的女和音令聽者喜悅滿盈。〈Emilie〉有New Order鼓手Stephen Morris參與，加上輕快的吉他，頗有New Order歌曲的氣氛，副歌的吉他則有The Stone Roses〈Made of Stone〉的影子。〈Lean In〉似乎還模仿了My Bloody Valentine的〈Strawberry Wine〉，把MBV的朦朧曖昧轉成明亮的勵志歌曲。

雖然《Modern Nature》大部分都是正面的歌曲，有些地方樂團依舊泄露了傷感情緒，這也讓專輯主題不會過於平板。第四首歌〈Keep Enough〉的鄉村藍調曲風應該是受到主唱Tim Burgess在個人專輯和Lambchop主腦Kurt Wagner合作的經驗影響，略含愁思的吉他撥弦上點綴幽微的弦樂，撫慰我們的傷痛。〈I Need You to Know〉低迷的吉他讓人想起《Pleased to Meet You》時期的James，有許多的話來不及對重要的人表達而覺得懊悔，要是不停回想，很容易就會陷溺在悲傷中走不出來。

專輯以樂觀積極的態度作結，而最後兩首歌〈Trouble Understanding〉與〈Lot to Say〉的療癒程度讓最沮喪的人也能暫時展開笑顏。〈Trouble Understanding〉的前奏神似舊作〈Opportunity〉，不過悅耳的吉他、輕巧的琴鍵聲還有Tim Burgess和背景和聲的交互唱和好像讓所有的錯處都能獲得寬恕，〈Lot to Say〉和諧的音符再將所有失意的靈魂攬在懷中。

《Modern Nature》讓人感覺不出The Charlatans已經是一支老樂團，主唱Tim Burgess的臉上也不見太多歲月痕跡，大概因為他們始終抱持著赤子之心，不斷分享對音樂的熱愛。如同專輯中〈Let the Good Times Be Never Ending〉一曲，他們會盡最大的努力讓歡樂永不消逝，並且展開搶耳的旋律攻勢，直到佔據聽者的心。如果Jon Brooks在另一個世界能聽到這張專輯，應該也會為The Charlatans感到驕傲。

by Debby

評分：

The new album Modern Nature out now! iTunes: http://po.st/ModernNatureiTunes Amazon: http://po.st/AmazonMN Web store: http://po.st/TheCharlatansStore Talking In Tones is taken from the new album Modern Nature, out now on BMG Chrysalis.

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1976 - 前王子

坐遍了整座城市的咖啡店，吃遍街頭巷尾的小吃攤，逛過公館地下最好的二手書店，但地下最好的表演場地已消失無蹤，只能慶幸我們喜歡的樂團還在為城市寫歌；1976的音樂打開你記憶的每一個窗格，想起，有些人進入了你的生活，卻又離開，所有的青春躁動開始被中年焦慮給取代，找不到緊握的繩索，迷失在茫茫的人群中，終於在《前王子》裡還是緬懷到了所有失去以及即將失去的美好。

我們有了Kraftwerk，然後是The Smiths，下一個世代的流行音樂從此被改變，爾後1976誕生於這座城市彷彿是再自然不過的事。那些受前人的影響依舊在《前王子》清晰可見，從〈公館〉一曲中就定調了整張專輯的基底風格，各組樂器層次分明，明亮的Fender Telecaster電吉他聲響，適時的貝斯線鋪成，繽紛的合成器樂句以及阿凱乾乾的嗓音，歌詞描述的場景對流連公館的男男女女更是再熟悉不過的事，由廢墟、河流與言論批判所畫出的歷史痕跡在心中留下印記。

〈十二月〉中的場景有些令人失意，看著散落一地傳單，舞台上的抗爭英雄走進人群的數落聲中，我們崇拜一個人對抗世界的畫面，卻沒有人知道彼此真正的悲傷，大麻的吉他獨奏聽起來相當違反常規，他並不想用和諧的連音為曲子留下一個妥協的註腳，在〈指向遺忘的愛情〉裡也有這樣的表現方式。

由朦朧的合成器聲響為〈平凡的早晨〉鋪上薄霧般的氛圍，清脆的吉它刷奏與光亮的單音階穿越整首曲子，編曲相當漂亮，歌曲中的她與他之間留在彼此身上的美好只剩下一人所擁有，從夢境中醒來又是一個平凡的早晨。在〈酷的選擇〉裡阿凱唱著：「放下眼前的爭吵，難題永遠解不開，我在生活中尋找是否有我的答案，或者有酷的選擇。」這描述是不少非凡人們心中的自白，但我們有了酷的選擇之後呢，在派對上還是那個不會跳舞的人，我想這就是我們的生活方式，不過就像電影《成名在望》的William Miller一樣，我們不酷，卻一直做酷的選擇。

跟你的偶像告別吧，過去相信的人與事都已經改變，在〈再見偶像〉中我們終究認清了事實，那些曾經的崇拜，在後來的成人世界裡，都成為了能記憶起的青春美好。同名歌曲〈前王子〉則是另一首令人陷在回憶中的曲子，自我的感傷從字裡行間流瀉出來，在陰暗雨天的台北，一個人獨自蠶食記憶的碎片。

儘管阿凱的嗓音不矯飾的令人有些尷尬，但我喜歡《前王子》的編曲，三件式樂器的搭配都很完美毫不遜色當下歐美的樂隊，尤其是大麻在專輯中的吉他技藝成功定義出屬於他自己的風格。這是一張陷入在過去的作品，或許《不合時宜》中描述、批判的方式，還存有一點積極與樂觀會更吸引我，不過相較起來《前王子》的編曲比起過去是更令人驚艷的。

by pblue

評分：

1976 2014年全新專輯《前王子》 12月31日 正式發行 博客來☞ http://goo.gl/tgZ7sI 佳佳唱片☞ http://goo.gl/REXdIf iNDIEVOX☞ http://goo.gl/ZShmOA 誠品☞ http://goo.gl/BPym1r 五大☞ http://goo.gl/xIuSnO O-Music☞ http://goo.gl/bYXVr1 玫瑰大眾☞ http://goo.gl/jBVabq 【公館】 「從一部電影的淚水醒過來，河水帶走悲傷，咒罵某段愛情」 新店溪在公館之南流動，河的左岸與右岸記錄了青春，也紀錄了幾段愛情。失敗與成功，獨立音樂與次文化都在人群中流動。歌曲前段又恬靜至明亮，循序漸進，最後一段是各自精彩卻和諧的器樂獨奏，這是《前王子》專輯的序章，道破1976的音樂突破。 從無人知曉的青春走過來 伴著大河而居 建築我的廢墟 從一張唱片的睡眠醒過來 河水帶走快樂 餵養一片森林 望著你離開的地方 剩下多少力氣再去批判 望著你到來的地方 這沒有冬天 這是亞熱帶 從一部電影的淚水醒過來 河水帶走悲傷 咒罵某段愛情 從無人知曉的青春走過來 越過一座橋樑 你和我的歷史 望著你離開的地方 剩下多少力氣再去批判 望著你到來的地方 這沒有冬天 這是亞熱帶 Directors : Finger and Toe、Chung Lun Wu Art Director : 究方社 DP : Chung Lun Wu Editor : Finger and Toe Animator : Finger and Toe Colorist : Finger and Toe Band : 1976 Song : "South Area of Taipei"

距離在唱片行架上拿起水晶出版的《方向感》CD那天，至今已過了整整15個年頭，這其中經歷水晶時期的狂喜熱愛，而後熱情褪去的旁觀遠望，直至《不合時宜》恰何時宜地激起漣漪，故而明白此間存在一些命定似的心靈共鳴。

關於這張專輯，喜愛早期76抑鬱文青風格的樂迷，肯定能在《前王子》裡找到過往的頻率聲響。三拍子的〈時間旅行〉直指那個失控的維也納瘋子，而〈街頭之星〉的前段讓人憶起「總在惡夢中醒來、在憂慮中等待」的日子。〈十二月〉則有著宛如76招牌般的悅耳旋律，「他說 我見過真正的悲傷 我是說真正的悲傷」肯定又將成為縈繞心頭的樂句。

〈平凡的早晨〉清亮的吉他音色勾起在信義誠品屋頂上聽見〈科學怪人玫瑰〉的驚喜，而〈再見偶像〉與〈指向遺忘的愛情〉則有點像是〈努特〉、〈壯遊前夕〉時期的模樣。相較〈All is for Love〉裡滿溢至近乎白噪音牆的電子聲效，〈酷的選擇〉僅以簡約的摩登電子增添近期少有的疏離感，後半段的結尾則有著類似於〈不合時宜〉的無限浪漫。

對我而言，前王子是一張往回看的專輯，一字一句地寫下回望過往的想法與反思。起先聆聽這張睽違五年的新專輯，很難不去注意那明顯變得低沉滄桑的嗓音，彷彿摩登少年也歷經時間洗禮，甚而逐步成為原先筆下那個正準備接受對抗的大人。而這變化除了以一種日常隱晦的方式將時間赤裸攤在眼前之外，另一方面也使得《前王子》顯得不單是一張新專輯，進而更像是總結這十多年的紀錄片，間接促使樂迷回望這一路走來的變化，關於樂團、關於獨立音樂、關於社會、關於場域以及我們自身等等，一切無可迴避的變化。（好比那些我們曾經以為是打破壁壘疆界的人們，如今卻也建立了它們自己的圍城。）

樂團歌唱著屬於他們的光陰印記，而聽著歌曲的我們呢？這些年又是怎麼度過的？聽著專輯的同時，無可避免地陷入回憶思緒。當熟悉的音符響起，總能勾起當時心境，既使淺薄但依舊是獨有的生命領會。那些曾經重要的音符、畫面、文字與人群，如今在心中還剩多少、還值多少？是否有了新的夥伴、新的刺激？還喜歡音樂嗎？還是一樣會整個禮拜只聽同首歌？耳際還需要一整天不斷地有音樂陪伴？也許不會，也許不那麼需要了，但我想我會想念的。

by Headphone Youth

Artist : 1976 Album : 前王子 (Goodbye the Kingdom of You and I) Year : 2014 http://the1976.com/ https://www.facebook.com/1976band - 抱著摔壞的舊吉他 抱在懷中輕輕唱 誰能不愛這畫面 擬人化的悲傷輕輕唱 他說 我見過真正的悲傷 我是說真正的悲傷 悲傷永遠是沈默的 不讓人插上一句話 So if you want if you want 自顧自的大聲唱 沈默已夠吵雜 一段旅程結束了 現實的夢境卻走不完 誰能不愛這畫面 緊握著拳頭對抗這世界 他說 我見過真正的悲傷 我是說真正的悲傷 悲傷永遠是沈默的 不讓人插上一句話 So If you want if you want 自顧自的大聲唱 沈默已夠吵雜 請憐憫這些破碎的心 失意者終將站在一起 傳單四處散落著 多麼具體的希望 他修補著破碎的心 他多了解破碎的心 破碎全因為他 他說 我見過真正的悲傷 我是說真正的悲傷 悲傷永遠是沈默的 不讓人插上一句話 So If you want if you want 自顧自的大聲唱 沈默已夠吵雜 誰能不愛這畫面 緊握著拳頭對抗這世界

Iceage - Plowing Into the Field of Love

在聊Iceage的《Plowing Into the Field of Love》之前，我想起Nick Cave在他的電影《20,000 Days on Earth》片尾所講的一段話，大致是說：「所有的日子都在倒數中，我們無法承擔佇足於此時的代價，去實現一個糟糕的想法總比什麼都不做好，因為這個想法直到你去實行前從未顯示出它的價值，有時候這個想法可以只是這世界上最渺小的事，一個由你手中所去維繫的微小火焰，如果你能把持這個火焰，一些好的事情將會由此被建構起來，那將會是最有衝擊以及能量的一件事，然後世界正在被改變。」這段話在我腦中留下很深刻的印象，這跟Iceage或許沒有太大的關係，但對照《Plowing Into the Field of Love》中所呈現出的火焰意象，讓人覺得這個火焰不只成為改變的要素，也是可以被傳承下去的。

年僅二十二歲的主唱Rønnenfelt在〈On My Fingers〉唱著：

I don’t care whose house is on fire
As long as I can warm myself at the blaze
Of burning furnish, cherished photographs

不知道Nick Cave在二十二歲時是否有相同的想法，為燃燒的事物著迷，擁有可以燃起任何一切而毫不在乎的勇氣。我們在《Plowing Into the Field of Love》所聽的見的也許是The Birthday Party以及Nick Cave and the Bad Seeds的影子，但那種虛無的能量卻是很當下的。

其實我對Iceage的第一張專輯沒有太多的好感，他們在躁慮的硬蕊龐克與噪音中還沒辦法掌握到觸動人的環節，直到第二張專輯後才開始能掌握到一些旋律，然後在這張《Plowing Into the Field of Love》的轉變就真的讓人吃驚了，編曲變得更有變化性，旋律變得更能直達人心，歌詞也講究聲韻，這樣的改變並不是全面性的，如果沒有前面兩張專輯的摸索與試探也不會有這張專輯的誕生。

〈The Lord's Favorite〉的歌詞所提到的神、救贖、天堂，以為他們將信仰的主題帶到曲子中，但他們骨子裡似乎不是那樣想的，就像Nick Cave歌曲中所表現出的信仰，以及對神存在的堅信，彷彿只是一種極為巧妙的偽裝，一種分裂以及幻化，〈The Lord's Favorite〉多少有些嘲諷的意味，甚至是因為酒精、藥物所能帶來的出神體驗，當他們站上舞台，這世界唯有的神就是他們自己。

在〈How Many〉中，Rønnenfelt所唱的是想法與肢體的衝突，他被困在身體的牢籠之中，無法實現他心中的想法，副歌的段落相當有力的喊唱：

Trapped in a body that doesn't act on thought
I have a sense of utopia
Of what I truly ought to do

烏托邦的思想被困在身體的容器當中，行為被社會、生理給牽制，在身為人的困境中感到沮喪。然而〈Glassy Eyed, Dormany, and Veiled〉則是一則陷在回憶的困境中，對父權的恐懼成為身上的裂痕，這些歌曲給人感受到一種渴望，就如同專輯名稱這樣強烈的渴望愛。

火的意象在〈Abundant Living〉再一次出現：

In the gaslights fire/We came to power/As the mist came down Hour by hour

那股力量正由火焰的燃燒不斷產生，如同看著希臘神話中普羅米修斯所從神手中偷取來的火焰，所能帶給人類的文明盛世。

吉他刷弦、鼓點、貝斯層次般的將〈Forever〉的旋律帶進來，然後再轉調將弦樂帶進在副歌之間，最後小喇叭的吹奏為歌曲帶來明晰的亮點，歌詞中唱著：

If I could dive into the other
Like it was an ocean
Caressed by its water
I’d lose myself forever

歌曲中他分裂成兩個衝突的自我，當他試著想要潛入另一個自我便永遠迷失在無盡的錯亂當中，這讓我想起Joy Division的Ian Curtis在〈New Dawn Fades〉所唱的

The strain's too much, can't take much more' Oh, I've walked on water, run through fire, Can't seem to feel it anymore

在面對精神的困境時，無法承受其壓力而迷失或失去感覺，歌曲成功的將他者帶入到演唱者的心境裡。

〈Against the Moon〉是專輯中很棒的一個註腳，受到Pieter Bruegel的畫作〈Pissing against the moon〉啟發，歌詞中的

Whatever I do I don't repent
I keep pissing against the moon

正是Pieter Bruegel在畫作下方所寫的句子。它不同其他歌曲如此躁鬱、消沉，反而是相當沉靜的，交由簡單的琴鍵聲穿越過你的耳際，歌詞中的他不對已經浪費的時間感到後悔，即使一生只為了尋找一個永遠不會出現的愛，一個想法，也對徒勞無功無所畏懼。

Rønnenfelt將情感完全注入在最後的專輯同名曲〈Plowing Into the Field of Love〉中，半唱半吼的唱著抽像的字句，彷彿由隨機的影像拼湊而成，強烈的字眼由樂音穿透過你的心房，也許你對他的唱法感到不以為然，但在專輯中可以聽得出那種只會在現場演出才能聽到的動態感，所有喉嚨所震動出的音韻都是真實的，他已經不再漫無目的嘶吼，當感情被注入，我們很容易就能分辨這是否只是裝模作樣的表像。

《Plowing Into the Field of Love》是一張很有力道的作品，從頭到尾都相當具有張力，這也證明了Iceage不再被侷限在原有的框架裡，這不只是突破，更是一種脫胎換骨的成長，他們成功的讓自己成為正在燃燒的烈焰。

by pblue

評分：

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From the new album Plowing Into The Field Of Love, out October 6/7 and available for pre-order: http://smarturl.it/FieldofLove Directed by Catherine Pattinama Coleman (full credits below) http://iceagecopenhagen.eu/ http://iceagecopenhagen.blogspot.com/ http://www.matadorrecords.com/ http://escho.net/ Pre-order the album from iTunes: http://smarturl.it/FieldofLove Pre-order the album from Amazon: htpp://smarturl.it/Field_of_Love Pre-order the album from Matador: http://www.smarturl.it/mata.FieldofLove Pre-order the

Medicine - Home Everywhere

不知道有沒有人發現Medicine常在專輯第一首歌的開頭使用重度扭曲噪裂的白色噪音再接到人聲的旋律，這樣的模式就像是他們的標誌，從九零年代初期到去年重組，發行睽違十年已久的專輯《To the Happy Few》從未改變，在《Home Everywhere》也毫不例外的延續此項傳統，但正當你以為這是一張聽起來跟之前很像的專輯時，好像又有什麼不太一樣，或許上張《To the Happy Few》有點太過注重聲效而把人聲旋律分散掉，旋律被打散的結果就是會讓人聽得有點不耐煩，但《Home Everywhere》的旋律是很連貫的，彌補了噪音效果的空泛，因此整張專輯聽下來並不會讓人感到不耐。

他們也在專輯中加強了節拍與韻律，如果單純只是表現出吉他噪音與失焦模糊的人聲那並沒辦法跟一般的Shoegaze樂隊鑑別開來，音樂好聽是好聽但要更進一步的話就會給人抓不到重點的感覺，但聽了〈Turning〉、〈Cold Life〉以及〈The People〉等歌曲就覺得他們成功的抓到了那個屬於自己的韻律，可能少了一點實驗聲效卻把那個很難說明的重點給抓了出來，有了扎實的旋律、節奏其它的點綴無論多寡也會給人耳目一新的感覺。

所以現在也不會有什麼Medicine跟My Bloody Valentine很像的問題囉？即便在九零年代他們被看做是美國對英國Shoegaze場景的回應，但我想Medicine走到現在已經擁有了屬於自己的特點，他們也嘗試了比較當代的電子編曲，為自己添加一變化的彈性，不會從頭到尾都以同樣的效果配置來編曲，就拿〈The People〉這首歌來說，他可能東拿了一點MBV的元素，西拿一點Portishead的元素，就給人一種新穎的感受，活在九零年代，然後從裡面走出來，拼湊出與眾不同的未來。

當然MBV可能也不會做出〈They Will Not Die〉這麼俏皮的歌，因為Medicine肯定不會認定自己的音樂只是Shoegaze，他們其實也從美式indie-rock抽取一些小撇步，畢竟他們現在可是在布魯克林的獨立廠牌Captured Tracks下發行專輯，從新一代樂團中所感受到的氣氛多少會產生一些化學效應，但與廠牌旗下新樂隊的作品相較起來，他們在編曲、製作上還是成熟不少。

把專輯名稱的Home替換成Shoegaze，我們得到了Shoegaze Everywhere，這樣念起來又種可褒可貶的感覺，既然如此，我們還缺一個白色噪音樂團嗎？無論答案是肯定還是否定，Medicine的存在肯定是必要的。

by pblue

評分：

Uploaded by CapturedTracksBK on 2014-08-05.

Uploaded by CapturedTracksBK on 2014-09-16.

Grouper - Ruins

因為之前太愛她的經典專輯《Dragging A Dead Deer Up A Hill》，又覺得對她的瞭解太少了，所以去找了她的訪談。意外的發現她也喜歡看塔可夫斯基的電影，但仔細想一想其實也沒那麼意外。就我看來，兩人雖屬不同的藝術領域，但都鑽研於抽象的metaphysics。我記得Chris Marker 曾這樣形容塔可夫斯基：「他的推拉鏡頭 (tracking shot) 已經不再只是純粹的藝術美感，而是一種形而上的表現意識 (metaphysical) 。」在他刻意放慢的鏡頭中，景中的人、事、物看似沒甚麼動靜，但卻讓人不自禁的開始思考畫面背後更遠更深的意涵。當然，對於不願意去想這麼多的人，它只是個很無聊的作品。我想同樣的道理也可以套用在Grouper所做的音樂上。

Grouper的音樂一貫地以氣氛為重。不斷地重複的使用同一段唯美旋律，配上些ambient/drone的音效，最後再加上Liz Harris暈沉沉卻又藉慰人心的歌聲，就這樣靜靜的刻劃出一大片朦朧如夢般的soundscape。我承認那些音樂上的特性可以算是Grouper的美學，但就我個人而言，我認為它同時也是一種音樂形而上的表現意識。那我就拿她的新專輯《Ruins》來做示範說明。

一改往常把吉他和drone音效作為主軸的習慣，這次她選擇了用純鋼琴的方式演奏她自己做的曲子。當然除了開場曲〈Made Of Metal〉和最後一首〈Made Of Air〉以外。〈Made Of Metal〉是長達近兩分鐘的毫無變化的擊鼓聲，拿這樣的曲子作為開頭，意義似乎無他，就是讓不想再聽下去的人趕快切掉。而在接近尾聲的時候，也可以聽到背景有類似換帶的聲音。而第二首歌〈Clearing〉的前奏就趕不及似地出現了。配上優美的鋼琴旋律，既使是在重複，我們可以比以往更清楚地聽懂她在唱些甚麼詞。但仍舊需要特別專心才能聽得明白。

如果說這樣簡約的音樂像是間空蕩蕩的廢墟屋子，那她的歌詞就像屋子裡猶存的破碎物品，牆上凋零的壁紙，相片被抽走的相框，散落一地與枯葉灰塵共處的紙張。雖然可能再也無法拼湊成一張完整的畫面，但也是唯一留下的線索。

也許我本身就很愛聽Erik Satie的曲子，我覺得這張專輯聽起來相當有他的感覺。那種可以把人投入一種沉思自省狀態的感覺。而Grouper在這張專輯做到了一個令人欣慰的變化，就是她能讓自己的歌聲不妨礙到音樂本身所營造出的那氛圍。她巧妙地把她纖弱的歌聲旋律依附在鋼琴鍵盤上，隨著琴聲的高低起伏而發聲。歌聲與音樂沒有把彼此蓋掉，反而相互依賴而合而為一。個人覺得這是件相當不簡單的事，可以在人聲與琴聲中做出這樣均勻的平衡與結合。

我還要特別說這張專輯裡許多的背景聲效，像是蟋蟀，青蛙的叫聲，雷雨聲，甚至是微波爐「嗶」的聲音，在這裡並不會顯得突兀。反而更有一種再自然不過的臨場感，我們像是在夜裡與她同在她三年前錄音的葡萄亞小鎮上，回顧著過往情事。對於逝去的愛情，與其離開現場，Liz Harris卻不斷的流連忘返於這愛情的廢墟上，審視自己過去曾經有過的那份希望，並親眼見它逐漸消失，化為烏有。

如果說Grouper她用中間的六首曲子描繪出她自己心中頹圮的廢墟，那最後一首〈Made Of Air〉十一多分鐘的ambient-drone曲子就像是帶我們走進廢墟的配樂。這首曲子異於專輯裡的其他作品，是將近十年前就已經做出來的音樂。放在新專輯當收尾，是因為她想要回顧她自己的過往，還是單純的因為這曲子充滿電影配樂的效果？我不得而知。我甚至也不知道過去的那段愛，那些希望是否也來自於烏有。

by fuse

A haunting new song by Grouper paired with the 1970 experimental short "Fog line" by Larry Gottheim. "Clearing" is from the upcoming album "Ruins." https://itunes.apple.com/us/album/ruins/id909173677 video edited by: https://twitter.com/DavidDBurkhart https://www.facebook.com/daviddeanburkhart

Grouper / Ruins [2014] https://itunes.apple.com/us/album/ruins/id909173677 [Label: Kranky | Cat#: none] Made of Metal (1:38) Clearing (4:41) Call Across Rooms (2:59) Labyrinth (3:47) Lighthouse (5:44) Holofernes (1:32) Holding (7:56) Made of Air (11:24)