For Those I Love - For Those I Love

人們總會懷疑每年當下所聽過的專輯有多少我們在幾年後還會再想起，再讓人想重頭播放一遍，但對我來說當下得到的感動相較起來更為重要，即使它無法名流千史被放到滾石五百大上，我願意花僅有的時間在上百張專輯中找到這張能觸動內心的專輯，而《For Those I Love》就是這樣的作品。

For Those I Love是愛爾蘭創作人David Balfe的一項音樂計畫，而這張同名專輯其實是獻給他已自殺過世的好友Paul Curran的作品，除了對好友的致敬，專輯所描繪的場景圍繞在他們所生長的地方都柏林北區的Coolock，當地惡劣的環境使他們被犯罪率、藥物、失業等問題圍繞，他們只能透過藝術來逃離青少年所遭逢的挫敗，David Balfe除了在專輯表現出他對友人、家人的情感外，也透過說唱來表達他青少年時期至今的憤怒，試圖在看不到未來的前方找到能繼續前進的勇氣。

David在Paul過世前組過一些龐克樂隊，其中的樂隊Burnt Out也透過音樂影像聚焦在當地青少年失業的問題，但David Balfe在For Those I Love中卻從龐克音樂轉向電子舞曲、取樣即時通訊軟體上傳遞的真實人聲對話、讓他的友人猶如活在他所創作出的聲景裡，首首歌曲都直接指涉他們所遇到的人事物，聽過的音樂、讀過的書。

〈I Have a Love〉很直接的表達他對好友的愛並不會因為時間而消失，即使他對Paul還有很多的疑惑以及不解，憂傷的琴鍵聲響與David Balfe堅毅的說唱腔調形成了強烈的對比，他回憶與Paul Curran當初認識的場景，他們在高中時因老師在午休舉辦的即興吉他活動而對音樂產生興趣，直到畢業後兩人還繼續音樂創作，曲末的舞曲節奏彷彿透過回憶讓他走出原本的憂傷。

〈You Stayed / To Live〉延續對好友的回憶，唱道他們去廢棄的郵局偷了沙發，打算把它載到別處燒掉拍成藝術影片，又講到Mount Kimbie的音樂影片，他們組過的樂團Plagues、David Lynch的電影《Twin Peaks: Fire Walk with Me》，David再次用愛如同燃燒的烈焰象徵他強烈的情感，如同他回憶中那些燃燒的火焰一般。

專輯中最憤怒的歌曲莫過於是〈Top Scheme〉，David唱著：「我不想要我們的問題跟埋怨在這世界被合理化，對你們來說這只是數字跟統計圖表，直到它要了你的命。」憤怒的原由指向當地因貧窮而上升的犯罪率、藥物成癮。如同歌曲開頭人聲所說的1979年後龐克已死，光有愛在這些歌曲還不夠，因為這個世界還是一樣爛透了。

〈The Shape of You〉描述了David因病接受治療的過程以及它如何透過創作音樂來度過難熬的創傷，當他唱腔一轉唱著：「耐心跟自由將會治癒我內心的痛苦，這是真的。」我想是整張專輯最催淚的時刻。而〈Birthday / The Pain〉違和的用愉悅的舞曲來講述他在六歲的時候在街上看到人是如何被小刀刺殺致死，鮮血就這樣流向街頭，致使他從小就學習如何冷眼看待周遭環境，如何學習勇敢．他這麼唱：「這世界沒有愛就只是一個殘酷的地方，所以我們餘生都會學習如何勇敢，然後希望事情會有改變的一天。」

〈You Live / No One Like You〉提到了跟Paul生長環境有關的許多愛爾蘭樂隊、詩人、作家，還有不斷重撥Joy Division的〈Disorder〉，他們一同支持當地的足球隊Shelbourne FC，看過的足球賽，在Paul過世後，David跟他的朋友在Shelbourne FC的一場球賽上，將他的骨灰撒在球場上慶祝球隊的勝利，猶如Paul跟他們一同在場慶祝贏球。

For Those I Love的這些歌曲原本只打算分享給一些朋友以及Bandcamp上並沒有打算正式發行，直到被愛爾蘭的部落格發現並且得到好評才被音樂廠牌September Recordings的經理聯絡上，雖然David猶豫將這些私人的作品讓更多人聽到，但友人覺得這些歌曲能夠幫助經歷同樣傷痛的人便鼓勵他將專輯發行，於是我們現在才能聽到這張誠摯的作品。David Balfe以帶有詩意韻腳又直白的作詞，透過強烈的節奏傳達出他對友人與家鄉的情感，當你戴上耳機便能被他真誠不加修飾的創作給觸動，在專輯結束後，宛如你已經經歷過他所經歷的一切。

by guan

Lou Barlow - Reason to Live

參與Dinosaur Jr.、Sebadoh及The Folk Implosion等音樂計劃的Lo-fi唱作人Lou Barlow從八零年代至今一直非常活躍，能夠看到喜愛的音樂人成熟、變老，聽到他在不同生命階段的體悟和音樂風格的轉變，是件有趣的事。在推出最新個人專輯《Reason to Live》之前，今年稍早Lou也和Dinosaur Jr.發行新專輯《Sweep It Into Space》。嚴格說起來，Lou的這張個人專輯和Dinosaur Jr.的專輯都與過去風格沒有太大差異，但個人對《Reason to Live》的喜愛卻遠勝過《Sweep It Into Space》，原因可能是Lou所討論的主題多樣，音樂也比較有挑戰性。

「真實表達自己」是八零年代末九零年代初獨立搖滾樂吸引樂迷的原因，雖然在目前這個重視包裝和形象的時代，「真實」與否已經是個過時的概念，但Lou從未放棄這樣的原則。《Reason to Live》記錄了Lou這幾年在思索的問題，如愛與親情、他個人的酒癮、美國的階級分裂問題，簡而言之就是如何在這紛亂的時代找到活下來的動力。

〈In My Arms〉是專輯中少數（唯一？）在八零年代就寫好的歌曲，由現已年過半百的Lou來演繹更顯得彌足珍貴，一開始充滿顆粒感的錄音和危顫的撥弦聲表現出低傳真美學，Lou談到人生被酒精和自我否定掌控，直到音樂靈感萌生將他從自毀深淵解救出來，副歌悲喜交集的情感意境深遠。

以民謠吉他呈現的〈Reason to Live〉和〈Why Can’t It Wait〉對我來說特別有Lou所寫旋律的特色，帶著某種靈光能在剎那間點亮暗處，像以前的歌曲〈Too Pure〉和〈Skull〉等也給我這樣的感覺，不論歌曲主題多麽黑暗。〈Reason to Live〉呼籲人們在眾人爭奪利益的背景下，應保留善良的本性，不過他是從個人對家人的愛為出發點，並未淪於說教。〈Why Can’t It Wait〉用像對朋友說話的口吻規勸人不要受到過盛的企圖心奴役，懇切的詞句和美好的旋律真的會讓人記在心上。

2018年曾作為單曲發行的〈Love Intervene〉在專輯中改編成不插電版本，當年的版本雖然有其他的樂器組合聽起來卻比較平靜，此處主歌躁動的撥弦、爬升的副歌讓Lou的老生常談變得迫切，希望愛能戰勝一切紛爭。

喜歡Sebadoh《III》的歌迷會在這張專輯中找到許多驚喜，比如說〈Privitize〉中段從遠方突然跳到前方的貝斯，還有簡短且有點詭異的〈Over You〉。〈How Do I Know〉莫名激動的烏克麗麗聲搭配聽起來有點漫不經心的背景和聲，令人會心一笑。〈Thirsty〉據Lou所述是想做一首讓人聽了不太舒服的慢速搖滾曲子，低迷的旋律和古怪的和聲中有種尚待釋放的能量，如果搭上電子節拍就會成為類似以前The Folk Implosion的歌曲。

Lou Barlow憤世嫉俗的態度已經被年齡增長撫平不少，但幾年前巡迴的疲憊和社會事件的催化還是讓他寫下了〈All You People Suck〉這樣的歌，歌詞 All you people suck / You’re the ones who don’t believe / That we’re all connected 讀來孩子氣，不過民謠吉他和樸實的鍵琴聲還是有點溫暖，感覺這位大叔是出於好意而說氣話。

終曲〈Act of Faith〉扣緊專輯的大方向，這些日子我們目睹了許多生命的流逝，有時候懷疑自己生存的意義為何，對Lou而言，這是一種信念。〈Act of Faith〉可以聽到兩把吉他，一把彈出宛如行進般的旋律，一把彈一些裝飾用的音符使音樂變得比較溫柔，雖然世事變化無常，但 Dead men can't hold you / Or understand your truth / But I can。為了理解他人，尤其是自己重視的人，讓我們努力度過疫情難關，和Lou一起繼續思考人生的謎團。

by Debby

The Coral - Coral Island

來自英國西邊濱海小鎮Hoylake的樂團The Coral今年正好出道滿20年，他們選擇推出音樂生涯集大成的雙專輯《Coral Island》，團員根據自身成長經驗構想出一個虛構的海島樂園，專輯中的所有歌曲都在描寫這個樂園中發生的故事和該地的興衰。此概念乍看之下令人摸不著頭續，但專輯最終呈現出來的效果卻出奇地好，聆聽時讓人想起《布萊登棒棒糖》這類關於遊樂園的故事。主唱James Skelly和鼓手Ian Skelly兄弟還找來他們的祖父Ian Murrary來擔任口白，形式上向The Small Faces的《Ogdens' Nut Gone Flake》致敬，這些穿插的口述歌曲為專輯增添了戲劇性。

《Coral Island》分為兩個部分：Welcome to Coral Island及The Ghost of Coral Island，第一部分大多描述在樂園度過的歡愉時光，第二部分則討論樂園淡季的寂寥景象。The Coral原本想把一二部分拆成兩張專輯，間隔三個月左右發行，不過Noel Gallagher建議他們不必這麼麻煩，直接一起推出讓聽眾一次獲得完整的體驗；事後證明The Coral這批歌曲的品質極高，就算專輯很長、歌曲繁多，每首歌都能讓人留下深刻印象，從頭到尾都非常流暢。

第一部分Welcome to Coral Island好歌一首接著一首。在開場白〈Welcome to Coral Island〉之後的單曲〈Lover Undiscovered〉試圖捕捉早晨萬物甦醒，懷抱新希望的感受，整首歌充滿英倫風情和六零年代流行搖滾的影響，鼓勵人體會生命中單純的美好。〈Change Your Mind〉jangly的吉他宛如R.E.M.的歌曲，音樂記錄下追尋某個人過程之中的悲喜交集。其他比較輕快的歌曲還包括另一支單曲〈Vacancy〉，貫穿主歌的復古風琴聲是一大特色，歌詞取材自主唱James Skelly過去寫的詩，原本感嘆自己孤身一人，最終擁抱自己的孤獨，寫出了所有人的共通經驗。〈My Best Friend〉旋律明亮討喜，描述和友人意見不合、溝通不良，卻不會影響彼此情誼。

幾首慢歌都充滿詩意。〈Mist on the River〉使用Moog合成器製造氤氳的效果，團員的三部和聲宛如六零年代的Crosby, Stills & Nash，搭配美麗的詞句（太陽越過水面升起，如鬼魂飄至天際，掠過石子、劃破清晨，在地面畫出無法重現的形狀。這些日子宛如天堂，但終會消逝。我看著你，心裡想著，為了你，今天水上起霧），讓人宛如置身夏末的英格蘭。〈The Game She Plays〉的迷幻風格讓人想起Pink Floyd，而以民謠吉他為基底的〈Autumn Has Come〉沉靜的氛圍預示專輯下半部分較為憂鬱的主題。

The Ghost of Coral Island第一首非口述歌曲〈Golden Age〉哥德風的琴聲彷彿Nick Cave & the Bad Seeds的歌曲，敘事者緬懷著夏天的離去，雖然淡季已經到來，仍然嘗試說服旅客樂園能提供最棒的娛樂。專輯發行前已經強力放送的單曲〈Faithless Angel〉絕對是今年最優異的單曲之一，主唱James Skelly的聲線有點神似Leonard Cohen，曲風混合了藍調和民謠，歌詞中的無臉天使踏上未知的旅程就像恐怖片的情節，如果親自踏上廢棄的遊樂園，確實也會覺得置身於電影片場。

由於地緣關係（James Skelly在利物浦的Parr Street Studios經營他的廠牌Skeleton Key），《Coral Island》專輯中有一些模仿The Beatles風格的曲子，尤其是〈Take Me Back to the Summertime〉的人聲和樂器編排明顯學〈I Want to Hold Your Hand〉這類的流行曲，而倒數第二首歌〈The Calico Girl〉的人聲有Paul McCartney的神韻，這些元素在《Coral Island》中蜻蜓點水出現一下倒也有趣。

第二部分的其他亮點包括緩慢且有點淡淡哀愁的〈Strange Illusions〉和〈Old Photographs〉，傳達出舊城風華不再的複雜感受。〈Watch You Disappear〉彷彿帶有顆粒的吉他聲響，讓整首歌像是從遙遠的地方傳來的聲音，追尋未果的情況在上半部分的〈Change Your Mind〉以正向積極的態度面對，在此處只剩下無盡的悵惘失落。

即便是雙專輯，聽完《Coral Island》竟然還有點意猶未盡之感，可見樂團大膽的嘗試非常成功。《Coral Island》中描繪的人們或許是出於無奈必須留在那個世界中，渴望能夠離開，作為聽眾卻仍然感到好奇，鼓手Ian Skelly不但手繪了Coral Island的地圖，還和鍵盤手Nick Power出了一本書《Over Coral Island》可以和專輯一起購入。在沉浸在美妙的音樂當中的同時，也不禁開始思索自己有沒有足夠吸引人的故事可以說。

by Debby

Spencer Krug - Fading Graffiti

Spencer Krug擁有許多化身，自從他的樂團Wolf Parade在2005年成為獨立搖滾新星以來，他眾多的音樂計畫逐漸累積了許多樂迷。不過他這次的變身是成為他自己，自出道以來首度以個人名義推出專輯，透過自行成立、名稱幽默的廠牌Pronounced Kroog發行。雖然Spencer Krug在音樂中經常感嘆自己很老派、跟不上時代，近年來他卻趕上音樂人成立Patreon頁面的潮流，在上面對贊助者每個月發行新歌、即興作品、舊歌改編和現場影像等等，並藉此籌募了最新專輯《Fading Graffiti》的資金。

《Fading Graffiti》所有收錄的歌曲都曾經以慢速鋼琴曲的形式出現在 Spencer Krug的Patreon頁面上，他其實可以輕輕鬆鬆把這些歌曲集結成又一張以鋼琴曲為主的專輯，但他卻選擇組一個完整的樂團（成員包括電吉他手Jordan Koop、貝斯手Adrienne Humblet、踏板鋼棒吉他手Nicholas Merz和鼓手Eli Browning）來重新詮釋這些歌，將它們轉換成帶有民謠風格的搖滾歌曲。樂團成員的貢獻功不可沒，我個人認為專輯中呈現歌曲的方式遠勝過當初的demo，讓歌曲更多元且能傳達多種不同的情感。

最終錄出來的專輯捕捉到Krug比較寧靜的人生階段，部分主題包括平靜地待在家中、成為父親、愛情、觀察自然環境等等。如同往常，Krug的音樂充滿了高潮起伏，不過他處理各種轉折的手法顯得駕輕就熟。這並不表示他這張專輯往商業化靠攏，某些音樂元素剛開始聽的時候還會有點挑戰性。比如說開場的專輯同名曲〈Fading Graffiti〉曲折的吉他就讓我花了一些時間適應，音色帶點鄉村音樂的味道，還有顫動的撥弦聲有點像他的Swan Lake舊夥伴Dan Bejar (Destroyer) 會寫的音樂。不久之後這首歌就烙印在我腦海中，不只人聲部分，連吉他旋律我都可以從頭哼到尾，真的很奇怪。

接連的三首歌都令人驚豔。如前所述，Spencer Krug曾出過一些全收錄鋼琴曲的專輯，但這張專輯的鋼琴卻不多。〈Winter Starts to Fall〉是個例外，優雅的鋼琴演奏陸陸續續在歌曲的前三分之二出現，讓人想起Krug的Moonface時期作品。歌曲後半段突然一個大轉彎，推送一道節奏強勁的音流，Krug反覆唱道「你虧欠我，我是多麼愛你」，聽起來既浪漫又有點扭曲。〈Having Discovered Ayahuasca〉起初又帶有鄉村樂風情和Destroyer的調調。Krug委婉批評人的迷障和對偽靈性體驗的追求。這首歌旋律美妙，幾處漂亮轉場Wolf Parade的歌迷應該都會很熟悉。Krug所唱的歌詞「如果你拯救我，我就能拯救你我彼此」非常深刻，聽後在我心中迴盪數日。〈River River〉可能是專輯中最搖滾的曲子，Krug用河流比喻遺忘，以他招牌的激情呼喊感嘆記憶的流逝，如果有機會現場演出的話，定能挑動觀眾的情緒。

〈River River〉之後的曲子逐漸染上哀傷的色調，在專輯中間比較出色的曲子是〈The Moon and the Dream〉和〈Serena's Kills〉。如同歌名所示，〈The Moon and the Dream〉的樂音使人如在夢中，近似先前Moonface的音樂，樂手們製造出爵士風格的神秘氣氛，圍繞著Krug的歌聲。〈Serena's Kills〉起源自Patreon上樂迷的建議，他好奇Spencer Krug能不能用〈Serena's Kills〉這個歌名創作出新歌，成品聽起來Krug表演時可能樂在其中，還加入了類似〈Fading Graffiti〉的回彈吉他、奇特的鼓點，以及突兀卻莫名在這首歌上發揮作用的轉折點。

倒數第二首歌〈Crossroads〉情感奔放，Speneer Krug經常在作品中寫出他個人對音樂生涯的不安，例如Sunset Rubdown的〈You Go On Ahead (Trumpet Trumpet II〉、Moonface的〈November 2011〉等等，但他這次的憂慮感可能比以往更複雜難解。他描述外界勢力（「他們已經著手做出了一個真實黑洞的畫像，但實際上卻是在描繪一個企圖吞噬我們的神」）使得音樂創作充滿危機。也許正是這種存在焦慮驅使他不放棄音樂，「你能不能告訴我，再告訴我一次，我如何在某種程度上能治癒他人？」你可以的，Spencer。

專輯以樂觀的〈Ping a Wing Above the Door〉結束。雖然這首歌寫於疫情發生前，但其中情景適用於人們在過去一年內或多或少有經歷過的封城情況。Krug寫出他和妻子在居家生活中創造出的溫暖安心環境，像是「整個月和你在家閒晃的時光，我感到很開心」、「坐在浴缸裡，筆電裡播放我們兩個都看過的節目」、「只有我們和狗，都不動如山，我再也不會離開」這樣的詞句顯示出Krug已經找到真正的快樂，對於我們目前無法任意移動的情況也提供一個令人耳目一新的想法——當我們只能待在家裡時，也許能和心愛的人建立更親密的連結。

整體而言，《Fading Graffiti》在Spencer Krug的企圖心和樂迷期待之間找到了平衡點。Krug找到了方法能維持創作自由，而不必屈就於廠牌可能對他的要求，真是一件可喜的事。希望他繼續把比較有商業價值的作品留給Wolf Parade，而在他的個人計畫中繼續玩一些有趣的音樂。

by Debby

Spencer Krug is a man of many guises. His overwhelmingly large number of musical projects has dazzled many since his band Wolf Parade became indie darlings in 2005. His latest metamorphosis is just his bare self, releasing an album under his own name for the first time under his own humorously-titled label Pronounced Kroog. Despite the recurring theme of being out-of-time in his songs, he managed to jump on the bandwagon of starting a Patreon page, where he releases a new song every month (along with improvisations, reworked old songs, and live footages) and has obtained funding for his latest solo album Fading Graffiti.

While all songs on Fading Graffiti previously appeared as low-key piano ballads on Krug's Patreon, and it would have been easy for him to compile them into yet another album, Krug chose to reinterpret the bunch by recruiting a band (with Jordan Koop on electric guitar, Adrienne Humblet on bass, Nicholas Merz on pedal steel guitar, and Eli Browning on drums) and transforming it into folk-oriented rock songs. The team effort is commendable since I personally much prefer the songs' current forms to the original demos, giving the songs more dynamics and diverse moods.

The end product captures a more serene period of Krug's life. Some of the subject matters include being at peace at home, potential fatherhood, being in love, and observing natural surroundings. As usual, Krug's songs have plenty of twists and turns, but his delivery of them seems calm and collected this time. Still, the album is a far cry from going commercial; certain elements might initially pose slight challenges to the listening experience. For instance, the winding guitar intro of the eponymous opener Fading Graffiti took me some time to get used to. The guitars are tinged with country music flavors, and the strange twangy sounds remind me of the music by his old band mate in Swan Lake, Dan Bejar (Destroyer). Before long, the song gets stuck in my head, and I can hum the vocal parts and even the guitar melodies all the way through. Strange, indeed.

The subsequent three songs in succession are truly stunning. With Krug's discography of piano tunes, Fading Graffiti has surprisingly little piano on it. Winter Starts to Fall ,however, has elegant piano flourishes scattered in the first two-thirds the song, reminding me of his Moonface days. The song makes a dramatic turn at the last minutes, carrying forward a propelling bridge with sing-along vocals of "You owe me for how much I love you". It is both romantic and slightly twisted. Having Discovered Ayahuasca is country-flavored at first and has that Destroyer-vibe again. Krug makes gentle reproaches to people's superstition and quest for faux-pas spiritual journeys. The song's catchy melodies culminate in masterful transitions that would be familiar to Wolf Parade fans. The poignant line near the end "If you could save me, I can save us both" lingers in my mind for days. River River is possibly the rockiest song on the record. Using the river as a metaphor for forgetfulness, Krug laments the faded memories with his signature passionate howls. It would certainly stir up the crowd when performed live.

Songs increasingly take up somber tones after River River. Highlights in this middle section include The Moon and the Dream and Serena's Kills. The Moon and the Dream, as the title suggests, has dreamlike qualities to its sound, reminiscent of some of songs Krug had written as Moonface. The band creates jazzy and mysterious atmospheres that surround Krug's vocals. Serena's Kills originated from a fan's suggestion on Patreon. A fan on Krug's Patreon wondered if Krug could compose a song out of the title Serena's Kills. It seems that Krug had fun writing and performing this song, which has the twangy guitars on Fading Graffiti, eerie drum beats, and abrupt transitions that somehow work for the song.

The penultimate track Crossroads is the song with most intense emotions on the album. Krug has always had insecurities about his music career (e.g. Sunset Rubdown's You Go On Ahead (Trumpet Trumpet II), Moonface's November 2011), but his anxiety this time is admittedly even more complicated. He describes prevailing outside forces ("Now they've gone and made a portrait of an actual black hole/Which of course is just a portrait of a god that wants to swallow us all whole") that pose great danger to music making. Perhaps it is this existential crisis that propels him not give up musical composition. "And won't you tell me, won't you tell me again/How I'm some kind of healer?" Well, you are, Spencer.

The album ends on an optimistic note with Ping a Wing above the Door. Although this song was written before the coronavirus pandemic, it could apply to the lockdown situation people more or less found themselves under over the past year. Krug describes the warm cocoon his partner and he had created in their domestic life. Lines like "I had a good time just hanging around the house with you all month" and "A bathtub and a laptop showing shows that we've both seen", "Just us and the dog, we were all as still as stones/I'm not moving anymore" suggest true happiness and offers a breath of fresh air in our current immobility—it is possible to forge deeper ties with our beloved when we are stuck at home.

Overall, Fading Graffiti is an album that strikes a balance between Spencer Krug's ambitions and fan expectations. It is wonderful that Krug finds a way to keep making the music he wants to make without giving in to the possible demands from labels. I hope he continues to leave his more commercially viable endeavors to Wolf Parade and create interesting music in his personal pursuits.

The Besnard Lakes - The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings

距離上次The Besnard Lakes推出專輯已經過了五年，上張專輯《A Coliseum Complex Museum》是他們到目前為止最簡短的專輯，歌曲長度也盡量收在三四分鐘以內，但對善於營造恢弘氣氛的The Besnard Lakes來說難免顯得處處掣肘，專輯也未受到關注。主腦Jace Lasek父親和他景仰的音樂人Prince、Mark Hollis等都在這幾年內相繼過世，引發他在新專輯《The Besnard Lakes Are the Last of the Great Thunderstorm Warnings》中討論生死這深刻難解的問題。這是The Besnard Lakes首次推出超過一小時的雙專輯，他們也告別長期合作的Jagjagwar廠牌，轉到Fat Cat發行新作。

熟悉The Besnard Lakes音樂的歌迷在新專輯中依然會聽到他們喜愛的元素，像是充滿回授效果的瞪鞋風吉他、迷幻搖滾的磅礴氣勢、Jace Lasek的誇張假音和Olga Goreas的合唱，不過歌曲的高峰需要更多的時間醞釀，在這講求速成的年代，聆賞這張專輯需要一點耐心，如果原本就喜愛他們先前的專輯，在新作中聆聽各件樂器的微妙音色變化並代入Jace Lasek所寫的情境中仍然是件享受。

專輯分成「瀕死、死亡、死後、生命」四個部分，〈Blackstrap〉用閃爍的合成器聲響和如風聲般的音效開展「瀕死」篇章，當吉他聲響出現，整首歌宛如籠罩在低氣壓中，歌詞採用Jace Lasek一直以來都熱愛的間諜故事情節，不時出現無人接聽的電話聲暗示憾事即將發生，等到Olga Goreas的歌聲加入，整首歌到達頂峰，讓人如閱讀悲劇後獲得情感洗禮。〈Raindrops〉的歌詞 On the other side of the world / Is my backyard/ Garden of Eden spirited 向Talk Talk的主唱Mark Hollis致敬，雖然是一首輓歌，晶瑩的合成器和壯麗的副歌將悲傷情緒轉換成美麗的事物，相信許多人會和The Besnard Lakes一樣，在懷念Mark Hollis的同時創造作品，延續他的精神。〈Christmas Can Wait〉的歌詞讀起來私密，描寫Lasek的父親過世時，家人將聖誕慶祝儀式放到一邊，聖誕節還會來臨，父親走後卻永遠不會再回來了，前三分鐘Jace Lasek戲劇化的花腔滿盈著悲痛，在後五分鐘的吉他轟鳴間，Olga Goreas冷靜的歌聲給了聽眾一些撫慰。

「死亡」部分的歌曲都比較直接明快，單曲〈Our Heads, Our Hearts on Fire Again〉我當初聽到時其實覺得沒有什麼驚喜，但放在專輯的這個位置倒是舒緩了聽眾連聽幾首史詩篇章後的緊繃感，此外這首歌處理死亡的方式幾乎是充滿喜悅，讓人想起樂團的舊作如〈Albatross〉、〈Colour Yr Lights In〉等曲子，能激發出悲喜交集的奇妙感受。〈Feud With Guns〉可能是專輯中最容易接受的歌曲，簡單的主副歌結構、漂亮的旋律與迴盪的吉他近似的一般的瞪鞋歌曲，The Besnard Lakes又在背景點綴跳動的合成器、弦樂和笛子，整首歌在響亮的鈸聲後結束，歌詞訴說掛念的綿長，不過死去只是瞬間的事。

〈The Dark Side of Paradise〉不論是名稱和曲式都致敬《The Dark Side of the Moon》，像後搖歌曲般層層堆疊情感。長篇哀悼後的〈New Revolution〉風格結合瞪鞋和福音歌曲，讓人想起Spiritualized的音樂，歌曲後半部可以聽到一把扭曲吉他從聲音的濃霧中穿透出來，傳達出原始的生命活力。〈The Father of Time Wakes Up〉提到Prince的本名Jamie Starr，音樂中融合了悲傷、疑惑、歡欣等多樣複雜的情緒，當Jace Lasek和Olga Goreas合唱道 With love there is no death 時，背景出現張狂的吉他獨奏，若Prince能聽到以如此無所畏懼的態度面對死亡的致敬之作，應該會感到寬慰。

專輯同名曲〈Last of the Thunderstorm Warnings〉獨佔了「生命」的全部篇幅，鼓擊與專輯其他歌曲相比較有活力，明亮的副歌讚頌生命的美好。大部分的樂團可能會選擇在這樣光輝的時刻結束專輯，然而The Besnard Lakes反倒繼續製造長達11分鐘的吉他噪音，似乎想打破人生自此一片光明的幻象。雖然11分鐘的Drone聲響有點多餘，但樂團也藉此揭示他們異於傳統，或許還有更多挑戰聽眾的內容等著發表。

《The Besnard Lakes Are the Last of the Great Thunderstorm Warnings》從個人失去親人與偶像的經驗出發，其中思索生死的過程在全球許多人面對親友離世的當下定能感同身受，也證明了長篇的作品還是能找到願意聆賞的聽眾。

by Debby