Widowspeak - The Jacket

《The Jacket》是布魯克林dream pop雙人組Widowspeak的第六張專輯，如果喜歡他們過去低調優美的作品，或者偏愛紐約（如Yo La Tengo、Galaxie 500、The Velvet Underground）以及Pacific Northwest的搖滾樂，對這張專輯的風格都不會感到陌生。Molly Hamilton和Robert Earl Thomas將《The Jacket》構思成一張概念專輯，講述一個製作團T的女子為了追求音樂夢想而辭掉正職工作，和團員男友先以翻唱歌曲打下基礎，之後也推出自己的創作，正當樂團快要成功之際，團員之間的工作和情感關係卻因壓力而崩解，使得組團之路功敗垂成，敘事者最後回到原本的工作，感慨萬千地回憶這段經歷。專輯中的曲子大致上能貼合這個故事，主唱Molly Hamilton恬靜的詮釋方式讓人能對其中敘事者的自述產生共鳴。

〈While You Wait〉綿延的吉他聲響聽起來療癒人心，描寫幕後工作者默默維繫著音樂產業的運作。接著沉穩的貝斯聲揭開〈Everything Is Simple〉的序幕，慢慢收緊的吉他透露出壓抑的情緒，敘事者看到不少音樂界的黑暗面，但也希望自身的才華能有被肯定的一天。

〈Salt〉一曲的情感很耐人尋味，敘事者當時交往的對象受邀要拋下她展開巡迴，副歌的 I’m happy for you / ‘Cause I swore I’d be happy for you 聽起來酸味滿點，嫉妒對方只要隨口說了什麼就能一呼百應。Thomas細膩的吉他撥弦在〈True Blue〉中營造出適合反思的氛圍，Hamilton在其中娓娓道來對前任對象的失望和思念之情。

同名曲〈The Jacket〉無疑是專輯中最重要的歌曲，Thomas轟鳴的吉他和Hamilton溫柔的唱腔形成微妙的反差，其中的留白與噪音片段交錯頗有Yo La Tengo的味道。「夾克」象徵人為了展示自己的身份認同而收集的物品，隨著時空推移，自己現今的心境可能已經與過去截然不同，但因為念舊仍然無法丟棄以前的東西，相信有許多唱片或藏書的人都心有戚戚焉。

專輯後半段也有不少優秀的歌曲，〈Unwind〉的鋼琴非常優美，Hamilton用詩意的語言描述感情關係的拉扯像纏繞扭曲的線，專輯中的角色設定為縫紉師，想把這些線理清綁好，卻無法如願。〈The Drive〉的旋律琅琅上口，幽微的鋼琴和的吉他構成一首美妙的民謠小品。

角色的旅程在〈Sleeper〉看似回到了原點，她使用和第一首歌當中一樣的句子詢問客戶 How can I help you? What do you need?，然而自身已經累積了許多歷練。聆聽《The Jacket》宛如陪藝文界的主角經歷了一場失敗冒險，如果轉化成電影形式，就像Noah Baumbach會執導的片子，雖然沒有華麗的聲光效果，但聆賞完令人回味再三。

by Debby

The Spirit of the Beehive - Entertainment, Death

美國賓州費城樂隊The Spirit of the Beehive的第四張專輯《Entertainment, Death》或許是他們有史以來最大膽的一張專輯，融合了取樣、環境、電子、噪音、低傳真、迷幻搖滾、龐克、夢幻民謠等風格讓人一開始聽了完全摸不著頭緒，但聽久了卻會發現即便是這樣的混亂在《Entertainment, Death》中曲與曲的氛圍聽起來還是帶有一致性，你能夠順著怪異扭曲的聲響從頭一路聽到尾也不會覺得有任何違和感，比起前作《Hypnic Jerks》此張專輯來得更加黑暗，它如同產生一股黑暗的漩渦將人從當下吸入其中，又像是一種存在焦慮過了頭所產生的暈眩。

開場〈Entertainment〉前段的噪音宣示著這張專輯將是一場噩夢清醒過後的心有餘悸，畢竟專輯名稱的靈感來自他們巡迴演出時在高速公路上遇到輪胎突然爆胎後的驚恐，一種徘迴在死亡邊緣的驚悚感，主腦Zack Schwartz也說道這是他們與Ride巡迴後遇到爆胎事件後所寫的歌曲，雖然他當下在腦海中已經想像他們在事故中身亡，但這驚恐卻也成為完成這張專輯的動能。

強烈電子節奏的〈There's Nothing You Can't Do〉取樣了不少Youtube上的商業廣告段落，像是，嗯，肥皂的廣告，前段貝斯手Rivka Ravede魅惑的女聲旋律與聽似走調的吉他Riff反倒成為相當迷人的音景，曲末Zack加入的Emo嘶吼突兀的讓人從迷離的旋律中驚醒過來，南轅北轍的段落卻兼具了異色的美感跟原始的爆發力。

〈Wrong Circle〉、〈Give Your Life Up To Me〉就像是Panda Bear遇上Alex G，扭曲的合成器聲響與低傳真民謠使用原音樂器與粗糙錄製嗓音的製作方式，然而〈Bad Son〉就像是Flying Lotus客串在Alex G的歌曲中，奇想般的混音方式，斷裂的聲音就像波光般傳進你的耳內，Zack說這首歌應該是他所寫過最私密的歌曲，寫他錯過了外婆的葬禮、家族的人對他完全不了解等，或許是樂隊的歌詞比較偏向意識流鮮少具體描述事件，也讓這首歌顯得與眾不同。

稍微放慢步調的〈Rapid & Complete Recovery〉帶有在科幻電影中人造海灘上的漫步感，唱著一段即將要結束的感情，聽起來猶如一段人造人間的戀情，在零與一思維的抉擇中做情感上的掙扎，斷裂的合成器與木吉他聲響此起彼落。接續的〈The Server Is Immersed〉帶有大量回響效果的電吉他旋律又在意想不到的地方突如轉為破音炸響，歌曲描述當今的生活人們脫離不了各種伺服器，他們就像是黑盒子每個都藏著秘密來處理大量的資料，無時無刻的掌握你的行蹤動向，想像在一個高度科技化的社會，我們必須靠鎮定劑才能暫時逃離被掌控的焦慮。

Zack將他的迷幻藥經驗寫成〈Wake Up In Rotation〉，當他把手放在口袋時，他的手感覺就像是一路伸到了腳趾頭，整首歌就像是六零年代的披頭四回到現今與Deerhunter一同在台上演出，流行又迷幻的旋律重現一段年少時期扭曲的旅程，一開始Rivka並不喜歡這首歌，但在歌曲後段她還是幫忙了合唱的部分帶來很不一樣的色彩。

看似惡搞的歌名〈I Suck The Devil's Cock〉卻也是現實的無奈，在娛樂產業如果想要成功還是得靠商業化的幫助，要在怎麼樣拿捏尺度才不會讓自己出賣靈魂給惡魔對一組堅持自己創作又想以此維生的樂團來說是一件相當難抉擇的事，電玩般的聲響與鼓機節奏給人一種進到遊樂園的感覺，如同封面人們徘迴在樂園中的惡魔大口前，曲子節奏的不斷變換給人一種乘坐雲霄飛車的感覺。

呼應專輯名稱《Entertainment, Death》，頭曲是〈Entertainment〉終曲是〈Death〉，專輯並不會給人頭重腳輕的感覺，必須要從頭聽到尾才有聽完的感覺，不得不佩服The Spirit of the Beehive這次在製作上的巧思，當中混雜的編曲或許很難讓人捉摸，但在扭扭曲曲的聲音與變速的節奏中還是具有一定的旋律性，說這張專輯是他們最有創造力的作品是一點也不誇張。

by guan

Deafheaven - Infinite Granite

對熟悉Deafheaven的樂迷來說這張《Infinite Granite》可以說是一張不太尋常的作品，簡單來說主唱George Clarke減去了大部分黑金屬音樂中的尖銳嘶吼的唱腔，編曲變的更加有結構又不失變化性，以傳統的主歌—副歌取代原本後搖滾式的長篇幅起承轉合，整體音樂風格更專注在Shoegaze曲風上，多了夢幻又不失厚實的吉他音牆疊砌，少了點他們過往的實驗性，在旋律性的改善上下了不少苦功。讓人想起當年他們粉紅色封面的《Sunbather》將黑金屬混合後搖滾所做出的極限音樂所引起的論戰，一些金屬搖滾樂迷不願認同這是一張金屬專輯，因為它違背了這種音樂所該有的樣貌，但因為獨立音樂網站的評論使它卻吸引到獨立樂迷的注意，打破了樂風光譜兩邊的藩籬，Deafheaven也因此證明了那些無形因主觀音樂喜好、品味所築起來的高牆是可以被打破的，而這次《Infinite Granite》則又拐了一個彎，跌破了大家的眼鏡，從粉紅色的偽金屬到鈷藍色的真瞪鞋，鐵漢這次是真的鐵下了心要展現柔情。

Deafheaven這次找來曾製作過M83、School of Seven Bells、Wolf Alice等團的知名製作人Justin Meldal-Johnsen來協作他們完成《Infinite Granite》，這也讓這張作品帶來給人全然不同的體驗，要馴服這群硬漢也不是這麼簡單的任務，首先George Clarke習慣用乾淨輕柔的唱腔來唱歌，吉他手Kerry McCoy的編曲要更有結構，收斂黑金屬音樂中會用到的技巧，讓他的吉他更能呈現出那種深鬱又透明的音色，反倒是鼓手Daniel Tracy還是火力全開，不時還是能聽到黑金屬音樂中的雙踏、Blast Beats。

首曲〈Shellstar〉描述了加州受大火與洪災之苦的景象，明亮的吉他音色加上George如鬼魂般的低吟唱腔 (多麼讓人不習慣) 從主歌轉換到到副歌時再加入相當具有空間感的音牆，相當Slowdive的編曲方式，有點老套但老瞪鞋迷們就吃這一套。難道你說〈In Blur〉延遲效果的吉他聲響不就是向Ride的〈Vapour Trail〉致敬嗎？George將人因喪子之痛而向神尋求慰藉的徒勞無功寫進歌曲。

而〈Great Mass of Color〉描繪了因失眠所經歷的清晨時刻，感受太陽尚未升起的透明之藍照射進他的床上，也因此讓他想起兒時的自己，以及他的成長之路，曲末George的嘶吼與他乾淨的嗓音同時出現，也是整張專輯最驚悚的時刻，彷彿他讓兩個不同的自己同時存在，也象徵了現在的他想起了過去的他這件事。〈Lament for Wasps〉延續失眠的主題，他描繪了鈷藍色何以在他失眠的時候為他帶來慰藉，這顏色也是整張專輯想要代表的，想給人溫暖，心安的感覺，Kerry施展了他驚人的吉他技巧，從透亮的分解和弦到一層層厚重的音牆再到快速的獨奏掃弦，最後Daniel再來個無盡的快速大鼓雙踏，給人一種原來金屬團玩瞪鞋音樂又不失本性的感覺。

Kerry口口聲聲說Radiohead對他們有多大的影響，又說《Infinite Granite》是他們的《Kid A》，但基本上很難聽到在曲風上有很直接的關聯，除了〈Villain〉跟〈The Gnashing〉這兩首我個人覺得跟Radiohead有一點點連結，〈Villain〉在情感的堆疊上還滿〈Creep〉的，整體的樂風也是專輯中獨樹一幟的，George在歌中唱著他家族中發生的酒精成癮與暴力問題，以及它如何影響到後代。

如同Radiohead在《OK Computer》時期氛圍的〈The Gnashing〉應該是在旋律上最直接的一首歌，巨大的聲響將暴力情境轉化成樂音，以母親的角度來看喪子之痛，將苦痛隨著樂音傾倒而出。George因失去好友而寫出的〈Other Language〉以詩詞表達他的哀悼之意，而他也在夢中夢見他的好友，因此將這夢中的遭遇寫成歌詞。

最後的〈Mombasa〉也是專輯中最長的曲目，George將在醫院照顧生病爺爺的經歷寫成此曲，雖然他爺爺對自己成為家人的負擔感到抱歉，歌曲唱著死亡所帶來的自由與仁慈，歌曲前段甚至加入了原音吉他如同一首柔情的民謠，後段則又再度展露出他們的黑金本性，狂暴的嘶吼與吉他響透雲霄，以絕妙的吉他爬升音階為整首歌畫下句點。

對喜歡Shoegaze音樂的人來說，絕對可以在《Infinite Granite》找到除了懷舊以外全然不同的感覺，這張想必也會是Deafheaven最容易入門的一張作品，每一首歌都扎扎實實的將旋律與情感灌入進去。對Deafheaven來說，他們對衡跨音樂邊界的挑戰又再一次成功，猶如將兩種截然不同的靈魂放入專輯中又能正常運作毫無互相衝突，如同作家費茲傑羅對一流智慧的評述那般，對我來說《Infinite Granite》證明了他們擁有一流的創作才能能夠吸納各種風格使之成為自己的獨特風格。

by guan

Dean Blunt - Black Metal 2

電子嘻哈組合Hyper Williams的前主腦、神秘的英國音樂人Dean Blunt在2014年推出超越曲風限制的專輯《Black Metal》，七年後我們終於等到該專輯的續集《Black Metal 2》。《Black Metal 2》封面直接拿《Black Metal》的封面和Dr. Dre的專輯《2001》封面上的數字2來合成，讓人無法參透Dean Blunt究竟是打算致敬還是顛覆傳統。在這七年間他也參與其他音樂計畫，如Babyfather、Blue Iverson、Graffiti Island等，其中Babyfather的政治意含較為明顯，以充滿挑釁的態度批評英國的白人至上主義和階級問題。而《Black Metal 》系列納入輕柔吉他、弦樂和陰鬱氛圍等白人獨立音樂元素，搭配Dean Blunt冷靜的男中音和獨特的敘事方式，整體結果怪異卻又引人入勝，讓人不禁想一再聆聽，希望終究能發現他葫蘆裡賣什麼藥。

《Black Metal 2》的長度還不到前作《Black Metal》的一半，前作較注重氣氛的營造和旋律流轉，《Black Metal 2》則企圖在最短的時間內達到Dean Blunt期盼的效果，因此可說是他到目前為止最平易近人的作品。開場曲〈VIGIL〉的小提琴聲和慢板的節拍營造出沉重的氣氛，Dean Blunt似乎在訴說一個罪犯與他焦急母親的故事，從上一張《Black Metal》就時常與Dean Blunt合作的女歌手Joanne Robertson此次也參與不少歌曲，她清麗的聲線宛如神啟，為這黑暗的故事投入希望。〈MUGU〉的音樂像是出自These New Puritans或是Shearwater之手，配上Dean Blunt半唸半唱的人聲和街頭用語，讓人覺得獨立搖滾確實還有空間來加入更多元的主題。

〈DASH SNOW〉是一首寧靜美麗的曲子，在比較激昂的〈SKETAMINE〉前先舒緩情緒。〈SKETAMINE〉幽微的弦樂頗有戲劇效果，隱約勾勒出毒品與暴力充斥的生活方式，Joanne Robertson溫婉的聲音再去化解暴戾之氣，這似乎是《Black Metal 2》一再運用的手法。〈SEMTEX〉和〈LA RAZA〉讓我想起Sebadoh《III》專輯中一些Lou Barlow簡短生活片段的錄音，雖然不是什麼石破天驚之作，但Dean Blunt跨界的能力令人激賞。

〈NIL BY MOUTH〉是這張專輯中最令人印象深刻的歌曲，吉他撥弦與前一首歌〈LA RAZA〉類似，Dean Blunt一本正經地唱出一些字母組合LSD / CBT / DDT，可能在指涉毒品氾濫問題，並透過謎樣的短句 Daddy's broke / What a joke / Future's bleak 探討人的社經條件差異，不過他的演繹方式又透露出微妙的黑色幽默；Joanne Robertson在這首歌的唱腔比較接近常見嘻哈歌曲的女聲唱法，稍微減低這首歌戲謔的成份。

如果說先前的歌曲或多或少都有惡搞的意圖，《Black Metal 2》的最後兩首歌就變得認真起來。純演奏曲〈WOOSAH〉由一段重複的合成器旋律組成，背後以平靜的木吉他演奏陪襯，彷彿These New Puritans或Talk Talk的創作，讓人聽完許久難以忘懷。結尾曲〈the rot〉不確定原因為何歌名採用小寫字母，由Dean Blunt和Joanne Robertson對唱，低傳真的錄音方式和催情的弦樂應能打中喜歡另類鄉謠的樂迷，歌詞雖悼念一段感情的結束，但也暗示新的契機即將出現。

Dean Blunt相當排斥樂風的疆界，他在專輯中展現出融合各種不同的元素，能把音樂創作導向新的未知領域，很期待他未來的作品能繼續帶給我們什麼樣的聆聽挑戰。

by Debby

Darkside - Spiral

相隔八年Darkside終於發行了他們眾所注目的第二張專輯《Spiral》，兩位成員Nicolás Jaar以及Dave Harrington於2018再度聚首於美國紐澤西，就像許久未見的好友一般，沒有任何製作專輯的內在或外在壓力，一同閒聊、煮飯，自然而然的看這次的重逢會帶領他們走向何方。他們決定採用與跟上張專輯不同的製作方式，運用比較老派的手法來製作這張專輯，用了一些原音樂器，像是木吉他、鋼琴等來讓聲響的組合上聽起來更加有溫度，跳脫Nicolás Jaar製作電子音樂的框架以及Dave Harrington以往擅長的爵士電貝斯與電吉他的範疇，他們想要推翻過往但又想要讓他們的迷幻音樂是能讓人很容易接受的，讓人可以很輕易的進入到他們的世界的。

《Spiral》的主旨在於事物隨著螺旋不斷轉化與變化，在同名曲當中的人物視角也是專輯的核心，主角在住處不斷收到其他人寄給一位死者的信，這些信堆積在房子的角落，死者留下來的電子蠟燭象徵著曾經燃燒的生命如今轉化成一封封的信件，Nicolás Jaar覺得「哀悼」就像是螺旋一般讓我們觀察到事物裡外的面向與變化，就如同從人的死亡轉變成生者對死者以「信件」物質的敬意，能接受這樣子「螺旋」不斷流動以及轉化的概念對這張專輯來說是很重要的主題，這樣的概念對照他在個人作品處理政治等議題的時候相比更為抽象、形而上，但當你看到封面的水晶球映照出違反我們所認知的影像時，好像又能夠體會他所說的「螺旋」是什麼樣的概念。

首曲〈Narrow Road〉聽起來多少還是有一些Nicolás Jaar個人作品《Cenizas》的影子，一樣的帶有神秘感，讓IDM碎拍讓歌曲流動，而Dave Harrington即興的藍調電吉他則開拓出歌曲另一個維度，一種焦躁的苦澀感不斷隨著音階上升。〈The Limit〉則是放克感十足的曲子，節奏在hi-hat的強調上與活躍的Bassline相輔相成製造出完美的律動，塑造出Darkside一首低調的黑暗舞曲。

〈The Question Is to See It All〉在木吉他、合成器、電貝斯以及環境聲響上的運用上讓人想起Pink Floyd在聲音的處理方式，運用緩慢的節奏、深邃的合成器音牆、清脆的吉他和弦製造出迷幻感。〈Lawmaker〉也是另一首節奏感強烈的歌曲，甚至帶有點非洲鼓節拍，讓曲子帶有濃濃的部落感，像是在舉行某種神秘的儀式，但又不完全使用單一重複的節奏一路到底，而讓副歌來轉換節奏使歌曲帶有情緒張力的起伏，聽到那間歇的鐘響彷彿要把你從最深層的夢境呼喚起來。

聽〈I'm the Echo〉的Bassline可以說是上乘的享受，即便這組合只有兩人卻能把三件式樂器搭配的如此完美，而〈Spiral〉聽起來依舊如同來自《Cenizas》的哀愁，Nicolás Jaar用低沉的歌聲來闡述曲中的人事物，單純的用木吉他的分解和弦與人聲來傳達情緒，當中的搖鈴響就像是在招魂般的將亡者呼喚過來。單曲〈Liberty Bell〉除了表現出Nicolás Jaar的電子節奏基本功外還讓你聽見Dave Harrington的電與木吉他同時火力全開。

〈Inside Is Out There〉應該是他們最Krautrock的一首歌曲，在節拍與貝斯的編排上都緊實的沒話說，長達八分鐘的泡菜迷幻史詩，節奏的加速變化讓歌曲像是一段永無止境的心靈旅程，Nicolás Jaar的人聲運用以及整體聲響甚至會讓人想起後期的Radiohead。

《Spiral》除了再次展現兩人完美跨界的搭配外，更讓人聽到他們從《Psychic》到這張專輯在聲響的轉變與進化，少了些《Psychic》的輕盈感，《Spiral》變得更加深層有重量、並且在聲響帶有更多的層次，他們成功的製作出了一張融合了傳統仍具有現代感的電子迷幻搖滾專輯，讓喜歡他們的樂迷在等待八年後覺得這樣子的等待是相當值得的。

by guan