[Mixtape] 2024年上半年歌單

Portishead的主場Beth Gibbons在淡出鎂光燈多年後在今年推出個人專輯，讓她下定決心復出的原因是因為認識的人開始死去，St Vincent和Julia Holter的專輯也不約而同地探討新生命與死亡互相循環的主題。雖然新冠疫情風暴已逐漸遠去，不過今年一開始就無法忽視死亡的陰影。對我來說樂團攝影作品不遜於Anton Corbijn的Brian Griffin於年初辭世，接著我們送走了美國小說家Paul Auster，最震撼的是作為獨立搖滾重要推手的Steve Albin離開了我們，能夠聽到Albini生前和Shellac樂團的最後一張專輯《To All Trains》，以及他為日本後搖團Mono製作的新專輯，真的非常幸運。透過他們的作品，Auster和Albini的生命都成為了無限。

這次的歌單也選了一些樂壇常青樹，Zazen Boys在睽違12年後又推出專輯，Beak>突然無預警有新作，令人十分驚喜，Arab Strap、The Jesus and Mary Chain、Elbow、DIIV、Grandaddy都是品質保證。六月左右又迎來一波優秀專輯高峰，這就等下半年的歌單再收錄了。

Track list:

1. Four Tet - Loved

2. DIIV - Frog in Boiling Water

3. Elbow - Lover's Leap

4. Julia Holter - Spinning

5. Mount Kimbie ft. King Krule - Empty and Silent

6. Beth Gibbons - Reaching Out

7. Kamasi Washington, Andre 3000 - Dream State

8. Sam Morton, Alabaster DePlume - Let's Walk in the Night

9. The Jesus and Mary Chain - Silver Strings

10. Shellac - How I Wrote How I Write Elastic Man (cock and bull)

11. ZAZEN BOYS - チャイコフスキーでよろしく 

12. Boeckner - Euphoria

13. Friko - Crimson to Chrome

14. Ducks Ltd. - Train Full of Gasoline

15. Beak> - Hungry Are We

16. The Smile - Friend of Mine

17. Itasca - Tears on Sky Mountain

18. Shabaka, Moses Sumney - Insecurities

19. Jane Weaver - Emotional Components

20. Arab Strap - Bliss

21. Yard Act - We Make Hits

22. St. Vincent - Big Time Nothing

23. Epic45 - The Crush

24. Grandaddy - Long as I'm Not the One

25. Mono - Run On

26. Kiasmos, Ólafur Arnalds, Janus Rasmussen - Sailed

Zazen Boys - らんど

在相隔了12年後Zazen Boys終於發行了他們的第六張專輯《らんど》，這也是他們的新貝斯手MIYA加入後的第一張作品，而這樣的轉變也為樂隊本身帶來更強烈的韻律感，相較於上一張《すとーりーず》由合成器譜奏出的機械性節奏，《らんど》在聲響上聽來更加的紮實，每一項音色都被低音節奏緊扣在一起，聽來就如同在他們現場聆聽般的緊湊刺激，但不可否認《すとーりーず》前半部的歌曲有著更加誘人的旋律性。

年初聽完《らんど》後才在東京神保町買了幾張Zazen Boys的二手專輯，赫然發現《ZAZEN BOYS 4》的封底跟歌詞本上主唱向井秀德（也無法確定就是他）帶著帽子用效果器遮住臉的照片就是《らんど》封面上的圖樣，這讓我想到超現實主義畫家Rene Magritte的名畫《The Son of Man》，而無論效果器後面的臉是誰，這也象徵著他們音樂上的變化莫測、無法預期。雖說《ZAZEN BOYS 4》是我最愛他們的一張專輯，因為整體電氣化的氛圍真的很對自己的偏好，而這次的《らんど》目前在我心中還無法超越此張，不過《らんど》搶耳的放克貝斯線與吉他線互擊出強烈生猛的聲響還是比以往出色不少。

單曲〈永遠少女〉在《らんど》中算是一個相當特別的存在，相較於其他歌曲圍繞在東京地域的主題，〈永遠少女〉則是串起日本二戰結束後至現今世界其他各處仍持續進行的戰爭狀態，向井秀德用「永遠」來對照出「死亡」，當時因為戰爭傷亡的少女，年齡就這樣永遠停留在15歲，而現今活著的少女跟過去失去生命的少女沒有任何差別，他們同樣都應該有活著的權利。向井秀德唱著：

「你在想，這個世界是沒有希望的。

你已經放棄了，所有大人都說著謊言。

你錯了，人性本該就是如此。」

他用黑暗的語彙跟對這世界感到失望的年輕人說，我們必須認清事實持續的跟人性對抗，持續的透過自身去尋找答案。

首曲〈DANBIRA〉向井秀德藉由反覆刷奏他的Fender Telecaster，用放克的節奏讓人如同搖擺的行走在東京街頭上，試圖嘗試解放那股在新宿街頭被壓抑的躁動感，他又唱著那句「諸行無常，死灰復燃的性衝動。」將東京變幻多端的生命力轉換成高低的音譜，黃昏下東京的每一個角落都成為他一首首歌曲中的種種景象。城市生活的孤寂幻化為〈バラクーダ〉跟〈八方美人〉，被愛的渴望反覆從字字句句中流瀉出來，貝斯手MIYA彈奏著如同機關槍的貝斯線交織在高頻響亮的吉他單音中，〈チャイコフスキーでよろしく〉或許是專輯中旋律性最好的歌曲，鼓手松下敦快板連環的鼓擊節奏加上貝斯、節奏吉他、主奏吉他交疊出的聲景可以說是完美搭配的演出，彷彿將團員間的演奏默契的發揮推到無人能及的極致。

〈ブルーサンダー〉響亮又騁馳在鼓典上的電吉他刷奏，一直讓我想到Number Girl那一大片一大片不斷回響的吉他噪音，向井秀德唱著對過往夏日的回憶，那些無法消逝的記憶成為一幅幅的殘像存在在他的腦海中，那個藍色閃電成為一個記憶中的印記，錯置在各個年代時空中。專輯中最長的歌曲〈公園には誰もいない〉描繪了東京黃昏下公園的景色，慢板的曲調與藍調吉他的彈奏，呈現出一股緩慢又惆悵的感覺，面對眼前的景象他就像是一個透明的旁觀者。

必須要說〈ブッカツ帰りのハイスクールボーイ〉的吉他實在是太The Smiths了，向井秀德彷彿被The Smiths的吉他首Johnny Marr附身，行雲流水的用Reverb以及Chorus的效果來彈奏，然而吉他手吉兼聰的獨奏又像是劃破天際的一顆流星，讓大音量的破音吉他硬生生的在你耳朵在炸開就像The Replacement在歌曲〈Bastard of Young〉的結尾那般，他們將高中生下課的日常景象轉化為一首復古浪漫又據爆點的歌曲。

《らんど》又是一次Zazen Boys精彩的回歸，無論他們花了多久時間製作一張專輯，無論他們出了幾次新專輯，每一次的反覆都證明了他們無常變化的能力，你永遠猜不到他們會玩出什麼無法預期的節奏與變拍，在向井秀德的宇宙裡彷彿存在著無限的可能，他精準的掌控著節奏，又在字裡行間將那種恍惚不定的心情以非預期的方式表現出來，而這樣特立獨行的風格也證明了他們在當代另類音樂中獨一無二的存在。

by guan

Elbow - Audio Vertigo

Elbow的上一張專輯《Flying Dream I》是我當年最鍾愛的作品之一，原本以為團員們隨著年齡增長會繼續推出比較寧靜的創作，隨著單曲〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉和〈Balu〉的發佈，展現出團員依然能炒熱氣氛，並透過多元曲風的融合和別出心裁的敘事角度打動樂迷。

雖然主腦Guy Garvey是鎂光燈焦點和Elbow的靈魂人物，造就《Audio Vertigo》的重大功臣可說是鼓手Alex Reeves和貝斯手Peter Turner。在前鼓手Richard Jupp離團後加入的Alex Reeves終於成為Elbow的正式團員，首次參與創作，他在開場曲〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉的細膩鼓聲的細膩鼓聲達成精彩的開局，另外在單曲〈Balu〉充滿異國風情的敲擊使這首歌立刻捉住聽眾的注意力。貝斯手Peter Turner在上一張專輯的〈Six Words〉等歌曲就已經扮演關鍵的角色，而他在〈Lover’s Leap〉、〈Balu〉、〈From the River〉中搶耳的貝斯都為歌曲增添了神秘氣息。《Audio Vertigo》節奏組的強化有時候讓我感覺像在聽Doves的專輯，表現出曼徹斯特樂團善於結合奮進的節拍、廣袤的音場和私人感情的特色。

Elbow音樂中的豐富元素和發人深省的詞句還是他們的音樂最大的魅力所在。〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉在放克和華麗搖滾元素中，Guy Garvey敘述他回憶年少輕狂時的歲月，「當然我要活到96歲，重建福利國家」或許仍然是他的夢想？

「殉情」一直是Guy Garvey很感興趣的主題，在〈Lover’s Leap〉中他用黑色幽默描述這種劇情時常在影視媒體中被過度使用，拉丁風情的鼓聲和合成器的運用使得這首歌一開始就引人入勝，副歌的 Shake / Shake / Spray Our Names / Where We Land 可以想像現場表演時觀眾自然而然地加入合唱，歌曲最後的溫柔收尾「沒有任何一個在世的藝術家能夠捕捉到你的眼睛」非常唯美。

專輯中有幾處插曲無縫銜接到較長的歌曲是之前比較少見的，收錄團員談話聲的〈(Where Is It?)〉或許是為了襯托 〈Balu〉，使它出場時更有現場感及份量，〈Balu〉歌曲中令人心碎的異國女子並不是多創新的主題，不過搶耳的合成器、厚實的節奏組和琅琅上口的旋律，讓這首歌和專輯後段的〈Good Old Mexico City〉都成為Elbow繼〈Grounds For Divorce〉後最激昂的單曲。

〈Poker Face〉與〈Knife Fight〉的組合則有故事的延續，前者在低微的旋律中，敘事者自述當年的銳氣已經被消磨，能夠無動於衷地度日，但〈Knife Fight〉提及他親眼目睹在伊斯坦堡的街頭械鬥，勾起曾與人劇烈衝突的不快回憶，希望日後再與人爭執時能夠透過酒精潤滑，避免傷害再度發生，Elbow大概是少數能將浪子回頭主題處理得如此優美的樂團，最後的團員和聲 Hallelujah buy us a pint 就像在電影中看到衝突事件化解時立刻令人安心。

〈From the River〉是Elbow作品集中常見的療癒結尾歌曲，和《Giants of All Sizes》中的〈Weightless〉一樣是寫給Guy Garvey的兒子Jack。歌名忍不住讓人不禁聯想到R.E.M.《Automatic For the People》的最後一首歌〈Find the River〉，這兩首歌的主題恰巧相互呼應，都是老一輩鼓勵年輕世代勇敢追求美好的前景，不過Michael Stipe的歌詞比較抽象詩意，Guy Garvey的歌詞更私密，河流與「清晨的噪音和聲」（指工廠）都是他住家附近的景象，他期望兒子成長過程中遇到挫折時不要喪志，因為失敗的經驗反而會豐富他的人生。《Audio Vertigo》是Elbow近期長度最精簡的專輯，但〈From the River〉美好的旋律、搖擺的節奏和畫龍點睛的琴聲，讓這張專輯在搖滾與抒情之間找到絕妙的平衡。

by Debby

[Mixtape] Steve Albini Tribute

Steve Albini曾在他朋友過世的時候說道，想跟他朋友一樣在許多未完成的事情的狀態中離開人世：「我希望到時候我留下一堆未完成的狗屁事，一個放在爐子上的平底鍋，等待著一通電話，一支手上的鉛筆，我希望我夠堅強的能夠想著明天。」而他在他過世時的確也維持在這樣的狀態，他的樂團Shellac的最新專輯即將要發行，樂團去他錄音室的預約還依舊在他的行程上，他這個人在最後的日子依然為了自己熱愛的事物忙碌，從來就沒有因為其它阻撓而停下腳步。

我認為Steve Albini偉大的地方分為幾個層面，第一在於他所玩過的樂團像是Big Black、Rapeman、Shellac，尤其是Big Black在八零年代可以說是工業搖滾的先驅者，運用Roland的鼓機作為節奏基底，讓電吉他發出不像是電吉他的噪音，每一首歌都像是一篇簡短黑暗的故事，觸及到美國各個面向的社會議題，相較於傳統龐克音樂的政治立場宣告，Big Black更像是讓故事本身來彰顯問題，即使是簡單的幾句歌詞也能讓人感到震撼，粗噪暴力的音樂即是人性最深處黑暗的投射。

第二是他在錄音工作上所堅守的原則，他認為自己不是製作人而是錄音工程師，所以他拒絕收到錄製專輯而後因銷量產生出的版稅，如果幫樂團錄製專輯就能收到權利金那算是對樂團創作的一種不尊重，所以他只收取錄音期間所產生出的費用。錄音不分貴賤，你只要一通電話打給他，他就會幫你錄製專輯，他認為會去找他的樂隊都已經有自己的想法，而他就是將這樣的想法想盡方式保存到音軌上來還原聲音給樂隊的聽眾。他也盡可能的使用類比錄音的方式錄製專輯，這樣才能保存音樂最完整的內容，這原則放到今日生成式人工智慧的時代，這項耗時耗工的錄音技術顯得更為重要，即使現代人已經很難聽到音樂的原貌以及分辨真偽，但少數堅守這樣技術的人才能讓人類知道自己在追尋科技進步與利益最大化的過程中失去了什麼，然而自己很慶幸Steve Albini一生中錄製了數千張專輯為人類保存了一小部分音樂的原貌。

第三則是他在錄音工程技術上的琢磨與堅持，他是一個對錄製鼓組特別講究的錄音工程師，面對在聲音錄製上最難處理的小鼓他總是能找到方法解決聲音共振的問題，讓小鼓聽起來更鮮明更又動態感，他也盡量避免使用疊錄與後製的方式來製作音樂，讓樂隊成員們能夠在現場就一起把當下產生的聲音錄製下來，這樣才能呈現出樂隊原汁原味的現場感。他也避免在錄音上過度強調人聲，這種讓音樂聽起來過於商業化的製作方式，也因為如此會去找他錄音的樂隊通常也會比較偏向比較想要呈現出整體感的獨立、另類樂隊。很傳統的錄音方式卻能夠忠實的將樂隊中每個樂手的表現與默契給保留下來。

當時看到Low的《Secret Name》黑膠上面貼著AAA (Analog-Analog-Analog) 時也才決定要將它買下來，後來才發現這張也是Steve Albini錄製的，能透過這樣的錄製方式來保存Low的音樂是最完美的，現在一個人聽《Secret Name》還是會感動的默默留下眼淚，雖然很多人是從Nirvana的《In Utero》或是the Pixies的《Surfer Rosa》才認識Steve Albini，但他其實錄了自己很多原本就喜歡但卻沒發現錄音工程師是他的專輯，當然還有Low的《Things We Lost in the Fire》、Godspeed You! Black Emperor的《Yanqui U.X.O.》還有Bedhead的《Transaction de Novo》，感謝Steve Albini這一生為我們保留下來這麼多珍貴的寶物。

by guan

曲目：

1. Slint - Carol

2. The Jesus Lizard - Nub

3. he Wedding Present - Dalliance

4. Superchunk - Seed Toss

5. The New Year - Reconstruction

6. Dirty Three - Authentic Celestial Music

7. Low - Like a Forest

8. Sparklehorse - The Scull of Lucia

9. The Breeders - Fortunately Gone

10. Manic Street Preachers - Peeled Apples

11. Esben and the Witch - No Dog

12. Godspeed You! Black Emperor - motherfucker=redeemer (cont.)

13. Fuzz - Nothing People

14. PJ Harvey - 50ft Queenie

15. Pixies - Break My Body

16. Nirvana - Dumb

17. Low - In Metal

18. OM - Unitive Knowledge of the Godhead

19. Low - 2-Step

20. Mono - Moonlight

21. Cloud Nothings - Wasted Days

22. Ty Segall - Freedom

23. Bedhead - Extramundane

Mount Kimbie - The Sunset Violent

第一次聽到《The Sunset Violent》的最後一首〈Empty and Silent〉就被歌曲強烈空寂的氛圍吸引住，從來沒喜歡過King Krule個人的音樂，但每當他乾啞的嗓音配上Mount Kimbie編奏出的聲景總能從虛無中將情感解放出來，彷彿透過Mount Kimbie才能看到Krule的真實面貌，如同他們在《Love What Survives》另一首與Krule合作的〈Blue Train Lines〉就是另一個證明，即便只是一首客座的歌曲卻加深了人們對他們專輯的印象，定義出了這張專輯獨一無二的性格，這次的《The Sunset Violent》也不例外。

回過頭看Mount Kimbie過去的作品再到《The Sunset Violent》不免讓人覺得這形塑的過程跟其他樂隊、組合不太一樣，或許不能將他們當作是一般的樂隊，畢竟一開始只是Kai Campos跟Dominic Maker這兩個英國電子音樂狂熱份子的實驗場域，不像一般樂隊由搖滾的三件式樂器組合走向電子音樂的電氣化過程，Mount Kimbie感覺就像是逆著歷史軌跡行走的旅人，一直到了《The Sunset Violent》才拿起吉他製作電吉他導向的音樂，如果大家有想起來他們上一張兩人分開個別製作出的野心大作《MK 3.5: Die Cuts | City Planning》應該會對這張的製作方向更摸不著頭緒，唯一的方向大概只有他們不斷「跨界」的野心，聽了Dominic去了洛杉磯後製作的《Die Cuts》找來無數R&B、Hip-hop音樂人就知道這野心有多驚人，我甚至覺得這是一張被低估的傑作，畢竟這張專輯居然連一頁Wiki頁面都沒有。

或許我們從《Cold Spring Fault Less Youth》跟《Love What Survives》的某些歌曲就能聽出一些他們搖滾化的端倪，相較起他們第一、二張post-dubstep的曲風，《Love What Survives》這樣冷調帶有後龐克性格的曲調才真正讓他們從英國電音圈中突圍，也聽得出他們走出臥室走向更精細的製作方式，在音色的調配上也更加的細緻，讓整體聽感更加滑順，比起冷調，這次《The Sunset Violent》則是完全相反以暖調的方式來呈現整體的音感，即便Kai在當中使用了大量的電吉他噪音、音牆，你可以明顯感受到那種如暖陽般的鵝黃色色調從音色映現出來，聽另一首合Krule合作的〈Boxing〉就能感受到那種被合成器與音牆包覆的暖度（他們到底是多愛Krule），或許是他們是在加州絲蘭谷沙漠製作這張專輯的緣故，你總能感受到那股熱度，但總有些時刻又變得異常的冷調，就像沙漠氣候的溫差般。

也是鍵盤手Andrea Balency-Béarn跟鼓手Marc Pell的加入讓這張專輯相較過往更有樂隊感，Andrea的合唱與合音也成了專輯中不可或缺的要角，聽Dominic跟她在〈Shipwreck〉合唱心碎的情歌才意識到Mount Kimbie真的成為了一組樂隊，成為了一組遺落在荒漠中還不為人知的獨立搖滾樂團，但也沒有因為吉他導向的緣故而埋葬他們編曲電子節奏的能力，就像他們在〈A Figure In The Surf〉用輪迴的電子鼓點與穩沉的貝斯低音加上彈跳般的合成器聲響製作出了一首精細的電氣流行樂曲，當中電吉他音色在破音與回響效果之間的調配也是相當優異，曲子後段轉為透亮音色的吉他獨奏更是全曲最精采的部分。

如同開頭所說的專輯終曲〈Empty and Silent〉對我來說反而成了聆聽專輯的進入點，Krule呢喃唱著如他日記瑣碎般的歌詞，配上Mount Kimbie莊嚴的合成器音色與motorik beat將他的歌聲放置在空曠與速度感的維度內，完美的呈現出那種寂寥、無助的脆弱感，如同六神無主的靈魂盤旋在倫敦清晨的街道上，他們不急著用低音去填滿空白處，而是緩緩的用低音去支撐起Krule唱出的旋律中那股無助感，直到最後才用不斷的Bassline去走完歌曲的軌譜，這應該是他們繼〈Blue Train Lines〉之後最完美的一次合作。

Mount Kimbie以九零年代的吉他音樂再次證明他們的「跨界」能力，以人聲與吉他為主導的流行音樂對他們來說已經不是難事，即便這不是他們的強項，在傳統樂器上的編曲也不見得有比其他樂隊突出，但他們對節奏的敏銳度與客座樂手的契合還是相當出色，當你聽第一首〈The Trail〉以為只是一首千篇一律Shoegaze曲風的仿效，一直到那個鼓機般的節奏與短小不斷回響的琴鍵聲才發現這聲音遠不止於此，《The Sunset Violent》的聽感如同感受沙漠上夕陽西沉的過程，捕捉了溫暖轉化為冰冷的那個瞬間。

by guan