【2023年終榜】DOPM最喜歡的專輯1到10名

by DOPM

10. Drop Nineteens - Hard Light

當Drop Nineteens出現在新專輯通知的時候實在是感到太驚訝了，這個九零年代短暫出過兩張專輯就消失在鎂光燈前的樂團竟然在三十年後回歸，他們的首張專輯《Delaware》融合瞪鞋、Emo及另類搖滾，搭配青澀的歌詞特別令人印象深刻。 今年推出的《Hard Light》開始於主腦Greg Ackell的好奇心，想像Drop Nineteens的音樂在現今會聽起來如何，也聯絡上原班人馬來錄音。單曲〈Scapa Flow〉就捕捉到Drop Nineteens作品的精髓，Greg Ackell和Paula Kelley的合唱、在流行旋律間突然爆發的吉他噪音，Drone的聲響製造出凌空飛翔的感覺，接續的〈Gal〉旋律豐富的貝斯凸顯出Drop Nineteens與其他樂團的不同之處。〈Tarantula〉不論歌名和風格都讓人想起與他們同期的Ride，不過來自美國的Drop Nineteens的音樂更明快一些。結尾的〈T〉前半段是輕柔噪音配上兩位主唱溫和的歌聲，後段綿延的演奏彷彿與今年出輯的Yo La Tengo遙相呼應，《Hard Light》是團員時隔多年後送給大家的禮物，使人會一直記得這個低調謙遜的樂團。

(by D)

9. Yo La Tengo - This Stupid World

不知為何，現在聽到Yo La Tengo出專輯時我都覺得會是他們的最後一張，所以都會更加珍惜的聆聽。看到專輯名稱《This Stupid World》心想還真的是一針見血的標題啊，聽了第一首〈Sinatra Drive Breakdown〉就知道這是給YLT死忠樂迷聽的作品，哇，七分鐘長篇Motorik節奏與迷幻的噪音吉他，都六十幾歲的他們擺出來的態度絲毫不想跟這世界妥協，〈Fallout〉溫柔好聽的旋律與噪音吉他都讓人想到名曲〈Sugarcube〉，不管此刻這糟糕的世界有多讓人噁心，只想讓時間靜止下來放鬆心情再想下一步要怎麼做。除了噪音吉他，還有像Georgia唱的〈Aselestine〉這樣孤獨者聽的暖心民謠，而〈Until It Happens〉則是Ira唱著面對死亡的準備，或許可以對應到疫情期間的末世氛圍，在恐懼下放鬆心情準備接受命運的態度，到了同名曲〈This Stupid World〉使用了不斷Drone的噪音聲響，將毫無希望的意念呈現在樂曲中，他們齊聲唱著：「這愚蠢的世界正在屠殺我，我們僅有的只有這愚蠢的世界。」

整張《This Stupid World》聽起來像是YLT在跟大家告別，而在終曲〈Miles Away〉聽見他們少使用的電子節奏，就像駕駛在看不到終點的迷霧裡，讓人多希望這一切不要這麼快結束，多希望這不會是終點。

(by G)

8. Slowdive - Everything Is Alive

《Everything Is Alive》製作期間經歷了疫情也經歷了團員Rachel Goswell母親及Simon Scott父親的過世，他們決定將這張專輯獻給他們離世的親人，原本預期這張專輯會更為黑暗但沒想到結果卻是比想像中來得明亮，在冷與熱的調性之間找到了中間的溫度，就算是使用了合成器也聽起來溫和，在分解和弦的彈奏與貝斯低音的韻律下從機械式的節奏中取得完美的平衡。

〈Shanty〉的由弱漸強的類比合成器Loop，再讓突如其來的吉他噪音炸響在你的耳膜上，搭上Simon的Motorik beat每一次小小的過門都相當讓人驚喜，因為你從未聽過Slowdive如此強調節奏，每一項元素都相當極簡又重複，卻能刻劃出美妙的音頻。

7. deathcrash - Less

deathcrash的悲傷曲調來自於主唱Tiernan Banks自身所感受的沮喪，不管是從憂鬱症再到藥物上癮，或許創作對有些創作者來說算是一種自我治療的方式，但對他來說並不是如此，獨自一人反而讓他更陷入在悲傷的情緒中，即使他在跟樂隊一起演奏多少能感受到一些比較正面的能量。這樣的悲傷延續到《Less》形成了一種隨時都要由內炸裂開來的情況，〈Empty Heavy〉從Slowcore橋接到Post-hardcore式聲嘶力竭的嘶吼與Doom metal的重度吉他音牆，就好像一首短版的Envy歌曲讓內心的痛苦從你內心由外炸開，更不用說最後一曲〈Dead, Crashed〉更加有毀滅性，彷彿描繪出世界末日的降臨，但那個末日是相當私人的，只有自己才能感受得到，大概只能用孤獨又絕望來形容這樣的聆聽過程。

6. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

睽違了13年的《My Back Was a Bridge for You to Cross》展現了ANOHNI And The Johnsons音樂的新層次，主唱Anohni將靈魂樂的唱腔與曲風帶入到他們的樂曲裡，但你依然能聽到他們過往搖滾樂的基底依舊存在在新的曲風上。

《My Back Was a Bridge for You to Cross》在精神上是一張憤怒的作品，但在音樂層次上卻是透過Anohni的歌聲展現出溫柔、堅強的態度，用Lou Reed生前的話語隱喻了全球氣候變遷帶來的後果，我們以為這個時代已經不需要抗議歌曲了，但Anohni的抗議歌曲好聽到可以成為人類靈魂的慰藉，Anohni覺得這些歌不是要來說服立場不同的人，而是要讓對現狀與未來走向不滿的人知道還是有人有音樂能夠回應他們的情緒。

(by G)

5. Wilco - Cousin

《Cousin》卻成功的重新引起我的注意力，比起他們上一張鄉村專輯，隔一年又出了一張風格截然不同的專輯，可能也要歸功於專輯製作人Cate Le Bon，同樣身為音樂人的Cate Le Bon將他處理節奏、合成器音色的方式帶入到了Wilco的音樂，使得整張專輯的聽感變得更加透亮且輕盈，沒有任何的急躁，讓Jeff Tweedy的旋律能夠自由的在節奏上飄盪。

從〈Infinite Surprise〉就回歸《Yankee Hotel Foxtrot》時期在聲音上的實驗感，細碎的節拍跟吉他噪音不斷的迴響在你耳邊，大鼓聲如同心臟般的跳動，然後噪音越來越大，讓歌聲逐漸消逝在音景之中，給人相當印象深刻的開場。Jeff Tweedy在〈Ten Dead〉中用美國槍擊案的新聞來呈現他如何成無能為力到與這個世界產生疏離感，漸強的樂音就如同這種有毒的麻痺感慢慢擴散的佔據他整個人。

4. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

上張專輯《Heaven to a Tortured Mind》就足以證明了Yves Tumor駕馭搖滾樂編曲及譜寫流行旋律的能力，這次的《Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)》在製作上更是下了更多苦心，作為一項音樂計畫沒有固定樂手情況下主腦Sean Bowie必需與隨著製作需求與不同人合作，這次在與不同製作人與客座樂手的合作下，製作出一張完美的電氣搖滾專輯，混和了憂鬱、黑暗以及浪漫的詞曲，曲風橫跨了八零年代的新浪潮電子流行樂到九零年代的另類搖滾又融合了節奏藍調的唱腔，在多元風格的融合下唱著兩人關係間的分崩離析，將兩人在一起卻感覺距離遙遠的心境描繪在歌曲裡。

聆聽整張專輯就像獨自一人走在黑夜中危機四伏的街頭上，任由五顏六色的霓虹燈閃亮著自己孤寂的身影並不斷與無數陌生人擦肩而過，看著那些不知何去何從的人只能透過來電那頭的聲音來決定接下來要走向何方，就在此刻你的鈴聲也響起。

(by G)

3. The Church - The Hypnogogue

澳洲傳奇後龐克樂隊The Church的主腦Steve Kilbey也許不需要再去證明自己的創作才華，但69歲的他還是想要證明自己能夠寫出一張概念專輯，《The Hypnogogue》的概念是在反烏托邦的世界背景下有一名曾輝煌一時的搖滾明星遇到一位韓國科學家並且用她所發明名叫Hypnogogue的機器從他的夢中將音樂從他腦中萃取出來，但沒想到使用這樣創作音樂的方式卻對創作者帶來致命的影響。

The Church早期兩位吉他手的離團多少影響整體音樂風格的走向，沒有了明顯的主奏吉他跟搶耳的Riff，《The Hypnogogue》的走向更加偏向迷幻搖滾加上Steve Kilbey低沉的唱腔，如同Pink Floyd遇上David Bowie，但依然保留了The Church擅長的Jangly吉他聲響在一首首迷幻的篇章中，專輯整體的氣氛維持在霧氣繚繞的幽暗感，偶爾在樂曲中使用原音木吉他的聲響給人一種撥雲見日的感覺，在這張長達一個多小時的專輯你不得不佩服他們的建構歌曲的能力，基本上要聽完專輯Deluxe的版本才能體驗比較完整的《The Hypnogogue》，在兼顧概念性、旋律性、聲響氛圍等面向上來說，《The Hypnogogue》絕對是今年最扎實的作品之一。

(by G)

2. bdrmm - I Don’t Know

上半年bdrmm的《I Don't Know》專輯尚未正式發行前，單曲〈It's Just A Bit of Blood〉就令我驚豔，比起上一張專輯的青春憂傷氣息顯得更濃重一些，前奏開始不久立刻用吉他音牆轟炸聽眾的耳膜，接著歌曲採用Pixies般動靜交錯的手法，主歌抑鬱迷惘，副歌盛大壯麗，彷彿戰勝了心魔，成為更強大的自己。後來發現bdrmm從廠牌Sonic Cathedral換到Mogwai的Rock Action，並從與Mogwai巡迴的經歷獲取了不少養分，便特別期待聽到完整作品。

當受到Thom Yorke電子樂創作啟發的曲子〈Alp〉響起，立刻成功證明bdrmm成功化解了第二張專輯魔咒，歌曲誕生自樂團與Mogwai巡迴時行車經過阿爾卑斯山時，一面接收到來自家鄉英國的負面消息，絕望的感受油然而生。樂團打造的電子聲響是前作從未見過的，展現了他們成長的軌跡。

1. The Murder Capital - Gigi's Recovery

從上一張專輯的死亡焦慮中轉換成人與人的繫結也就是「愛」上，在經歷過疫情的孤立後再到與重新回到舞台上與他人接觸找回自己，專輯部分描繪了這種心境上的轉變，James McGovern在〈Crying〉幽暗的合成器聲響與延遲迴盪的吉他音牆下唱著：「我在你眼中滴下各種色彩的眼淚中看見了自己。」以哭泣作為一種與他人關係的繫結，他以此曲展現出人類最原始的情感，展露了自己的孤立與渴望。

〈Return My Head〉將他從孤立的狀態到找回自我的心境以一種雀躍的方式透過快板的節奏與吶喊表現出來，這種狀態的轉換下還要維持自我是一種困難的事，這時候透過與他人的接觸再回到自身的方式來維持自我變得重要，得到反饋來證明自我的存有，歌曲顯示了「他者」的重要性。〈Ethel〉就像是一首出自The Horrors的《Primary Colours》裡的一首情歌，給人一種夜幕低垂的氛圍，反覆的電吉他樂句，雙吉他的編曲鋪成與炸裂的音牆，在夜晚狂歡後開始了對未來的渴望，想像他們的第一個孩子叫Ethel，然後在月光下緊緊的抱著她。

(by Ｇ)

Top 20 專輯文字版：

  1. The Murder Capital - Gigi's Recovery

  2. bdrmm - I Don’t Know

  3. The Church - The Hypnogogue

  4. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

  5. Wilco - Cousin

  6. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

  7. deathcrash - Less

  8. Slowdive - Everything Is Alive

  9. Yo La Tengo - This Stupid World

  10. Drop Nineteens - Hard Light

  11. The American Analog Set - For Forever

  12. Algiers - Shook

  13. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner

  14. Unknown Mortal Orchestra - V

  15. shame - Food for Worms

  16. Deeper - Careful!

  17. Ulrika Spacek - Compact Trauma

  18. Young Fathers - Heavy Heavy

  19. Depeche Mode - Momento Mori

  20. The Coral - Sea Of Mirrors

Staff Lists:

G:

  1. The Murder Capital - Gigi's Recovery

  2. Wilco - Cousin

  3. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

  4. bdrmm - I Don't Know

  5. The Church - The Hypnogogue (Deluxe Edition)

  6. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

  7. deathcrash - Less

  8. Slowdive - Everything Is Alive

  9. Jaimie Branch - Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war))

  10. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner

  11. Yo La Tengo - This Stupid World

  12. Drop Nineteens - Hard Light

  13. The American Analog Set - For Forever

  14. Unknown Mortal Orchestra - V

  15. shame - Food for Worms

  16. Ulrika Spacek - Compact Trauma

  17. Algiers - Shook

  18. Beach Fossils - Bunny

  19. bar italia - Tracey Denim

  20. Deeper - Careful!

  21. Cloth - Secret Measure

  22. Young Fathers - Heavy Heavy

  23. Meadow Meadow - You are so alive

  24. mui zyu - Rotten Bun for an Eggless Century

  25. Arlo Parks - My Soft Machine

  26. The Coral - Sea Of Mirrors

  27. Depeche Mode - Momento Mori

D:

  1. bdrmm - I Don't Know

  2. The Clientele - I Am Not There Anymore

  3. The Murder Capital - Gigi's Recovery

  4. Drop Nineteens - Hard Light

  5. The Church - The Hypnogogue

  6. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

  7. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

  8. FACS - Still Life In Decay

  9. deathcrash - Less

  10. Slowdive - Everything Is Alive

  11. Wilco - Cousin

  12. Algiers - Shook

  13. The American Analog Set - For Forever

  14. The Coral - Sea Of Mirrors

  15. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner

  16. Ladytron - Time’s Arrow

  17. Lankum - False Lankum

  18. Kate NV - WOW

  19. Grails - Anches En Maaat

  20. shame - Food for Worms

  21. Depeche Mode - Momento Mori

  22. Steve Mason - Brothers & Sisters

  23. Yo La Tengo - This Stupid World

  24. Unknown Mortal Orchestra - V

  25. Ulrika Spacek - Compact Trauma

  26. Spencer Krug - I Just Drew This Knife

  27. Film School - Field

  28. Deeper - Careful!

  29. Young Fathers - Heavy Heavy

  30. The National - First Two Pages of Frankenstein

F:

  • The National - First Two Pages of Frankenstein

  • Slowdive - everything is alive

  • Depeche Mode - Memento Mori

  • Yo La Tengo - This Stupid World

  • Everything But the Girl- fuse

  • Cleo sol - heaven/gold

  • Boygenius - the record

  • Fever Ray - Radical Romantics

  • Jessy Lanza - Love Hallucinations

  • Wilco - Cousin

【2023年終榜】DOPM最喜歡的專輯11到20名

by DOPM

20. The Coral - Sea Of Mirrors

The Coral的《Sea of Mirrors》讓我想起Fleet Foxes的專輯《Shore》，都是在秋天即將到來，對音樂的感受特別敏銳的時候發行，從〈Cycles of the Seasons〉開始就能聽到由The High Llamas主腦Sean O'Hagan所策劃的精緻弦樂，呈現出人剛察覺到季節變化時的驚喜感受，單曲〈Wild Bird〉質樸又充滿生命力。

《Sea of Mirrors》其實有個貫穿全輯的主題——製作一部低成本的西部電影，但忽略這個主題也不影響聆賞樂趣。比起前作《Coral Island》，這張專輯的曲風種類較少，每首歌的節奏也都類似，初聽時可能會略顯枯燥，幸好重複聆聽後那些優美的旋律還是印在心底，專輯中段的〈North Wind〉流暢的吉他撥弦彷彿一陣清風襲來，乘載了悲喜交集的回憶。〈Dream River〉結合團員的和聲及如夢似幻的樂器鳴奏，模糊了現實與想像的邊界，The Coral又成功用一張專輯創造出充滿奇觀的世界。

(by D)

19. Depeche Mode - Momento Mori

經過COVID-19疫情和Fletch的辭世，《Mememto Mori》沒有前一張專輯《Spirit》對時局的憤怒指控，反而讓人覺得Martin與Dave找到了共識要延續Depeche Mode的音樂傳奇，即便主題黑暗，專輯聽起來卻沉穩且溫暖。

第一支單曲〈Ghost Again〉傳達出「這就是Depeche Mode」的宣言，歌曲起承轉合的方式不脫〈Enjoy the Silence〉的公式，整首歌製作精良、Dave的演唱掌握得恰如其分，且旋律極度洗腦，不過個人認為這首歌過於打安全牌了一點。Psychedelic Furs的Richard Butler被列為〈Ghost Again〉的共同創作者，他也和Martin一起寫了另外三首歌〈Don't Say You Love Me〉、〈My Favourite Stanger〉以及〈Caroline's Monkey〉，這幾首歌依然有Depeche Mode過去作品的影子，但Martin與團員以外的人合作還是激盪出更多的火花，使這幾首歌成為專輯的亮點。

18. Young Fathers - Heavy Heavy

Young Fathers製作音樂的方式是把所有各式各樣的靈感都集結起來，不論它們彼此之間有多殊異，這也讓樂團的音樂難以被定義。這次樂團更加凸顯他們多元奔放的創作方式，甚至在錄音室貼滿國家地理頻道〈Through the Lens〉節目的相片，在每天的演奏與歌唱過程中營造出慶典般的環境。

《Heavy Heavy》也受團員Alloysious Massaquoi和Kayus Bankole的非洲血緣影響，〈Ululation〉的歌詞就是以奈及利亞的約魯巴語寫成。在每首歌都只長三分鐘左右的情況下，Young Fathers融入了流行歌的旋律、多變的節奏、靈魂樂和實驗元素，達成在三十多分鐘的短促專輯中加入如此多樣的元素而不顯混亂的艱鉅任務。雖然歌曲主題是關於種族歧視或警察暴力等沉重議題，Young Fathers鼓勵聽眾昂首闊步堅強面對，《Heavy Heavy》記錄下一場獨一無二對生命的禮讚。

(by D)

17. Ulrika Spacek - Compact Trauma

倫敦樂團Ulrika Spacek在睽違五年後發行第三張專輯《Compact Trauma》，經歷團員間的爭端和疫情等種種困難後推出，《Compact Trauma》變得更明確專注，開場曲〈The Sheer Drop〉的吉他彈奏讓人想起Deerhunter，整首歌的蜿蜒曲折象徵了樂團這幾年走過的冤枉路。

樂團善於融合多種不同曲風，〈Accidental Momentary Blur〉稍微融入一點Sonic Youth的噪音，又回到後龐克的範疇。〈It Will Come Sometime〉結合Preoccupations的間奏和類似Deerhunter的副歌，配上主腦Rhys Edwards著重視覺描述的歌詞「如燈泡般腫脹的肝臟」，展現出樂團除了海納百川以外，也有獨創性。〈Stuck At Door〉接近11分鐘，是樂團至今最成熟繁複的創作，不論樂團未來還能走多遠，他們在《Compact Trauma》所投注的心血讓這張專輯進入2023年的佳作之列。

(by D)

16. Deeper - Careful!

《Careful!》是Deeper第一張在美國獨立音樂廠牌Sub Pop發行的專輯，相較於前一張專輯《Auto-Pain》可以聽得出來他們使用了更多的合成器讓曲子更有電子感但又不至於使用的太過於過頭，比較多是堆疊出樂曲的層次感，填補三件式樂器留下的空白處。Deeper其實是一個很David Bowie感的後龐克樂隊，《Careful!》更是聽得出對Bowie柏林三部曲的狂熱，從冷調機械性的節奏到實驗性的電子聲響一次囊括，偶爾再來個80復古的合成器旋律，讓你以為你其實在聽The Cure但突然下一秒樂音又變得很DIIV那種流暢明亮的吉他旋律。

《Careful!》雖然有點薄弱的旋律性不容易給人產生印象深刻的記憶點，但在韻律與節拍的著重上算是下了不少功夫，不管是在節奏的編排還是在聲響的呈現都能讓人聽到他們尋找新方向的渴望。

(by G)

15. shame - Food for Worms

《Food for Worms》找來知名製作人Flood操刀，放大了shame這張錄音室專輯的現場感，用開闊的音場重現他們現場演出的能量，從大合唱到狂飆的樂器演奏，他們讓原始的吉他與貝斯破音不經修飾的從音箱不斷串出，主唱Charlie Steen狂野的龐克唱腔如同Public Image Ltd時期的John Lydon，在慢歌中又能展現出赤裸的情感，shame厲害的地方就在於他們能夠縮放自如的將情緒釋放在不同的節奏上，《Food for Worms》很多是唱著人跟人之間的情誼，有時能夠互助，有時又無能為力，對比過往，又有多少人改變了，我們除了感傷過去消逝的美好，還是只能放下過去獨自繼續往前走。

(by G)

14. Unknown Mortal Orchestra - V

由於是睽違五年的新專輯，Unknown Mortal Orchestra把第五張專輯《Ｖ》定位為雙專輯，總長度約一小時，其中的歌曲大多是在新冠疫情爆發的數年間創作的，對於封城期間受困的感受近年推出的不少音樂專輯都已討論許多，Unknown Mortal Orchestra反其道而行，想創作一張愉悅歡樂的專輯來驅散疫情時的愁雲慘霧，重現Ruban Nielsen和哥哥Kody的父母數十年前擔任度假飯店樂手時所演奏的音樂。然而現實情況遠比規劃的還要複雜，兩兄弟的舅舅被診斷罹患重病，讓悲傷情緒無可避免地滲入《V》的歌曲中，Ruban Nielsen受訪時表示家族經歷中不論是好事或壞事都造就了現在的自己， 如果新專輯能夠傳達這種悲喜交集的訊息，就算成功了。

開場曲〈The Garden〉的鍵琴與Unknown Mortal Orchestra獨具特色的吉他音色營造出異國情調，歌詞似乎在描述花園中生氣勃勃的生態系，歌曲後半段彷彿信手捻來的吉他獨奏讓人擺脫倦怠狀態，重拾對生命的熱情。

13. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner

距離Blonde Redhead上次出輯已經過了九年，《Sit Down For Dinner》讓他們重新贏得樂迷的心，專輯名稱「坐下來吃晚餐」描繪出與親友相聚的溫馨時刻，也代表樂團超過三十年生涯中團員彼此深厚的情誼。這張專輯比起他們先前的作品顯得溫暖而精巧，低調的鼓聲和效果器讓人能靜下心沉浸在樂音中，同時歌曲旋律又琅琅上口。歌曲的編排極佳，〈Sit Down For Dinner Pt. 1〉、〈Sit Down For Dinner Pt. 2〉到〈I Thought You Should Know〉一系列曲目營造出沉浸的聆聽體驗，捕捉到憂鬱又美麗的氣氛，聽到最後，〈Via Savoma〉的鋼琴聲和Kazu Makino空靈的唱腔彷彿柔軟的毯子包裹住聽眾，讓人覺得溫暖而療癒。

(by D)

12. Algiers - Shook

Algiers的第四張專輯《Shook》是他們至今最有野心之作，專輯的客座樂手名單洋洋灑灑，將近一小時的專輯長度與宏大的世界觀，歌曲融入多樣元素，視曲風分界為無物，讓這張專輯雖然進入門檻極高卻不得不令人折服。

專輯大略可以分成三個段落，Matthew Tong的鼓聲是前半段的亮點，〈Everything Shatters〉帶大家進入樂團的故鄉Atlanta街頭暴力場景，到〈Irreversible Damage〉激烈的抗爭畫面，再到很有他先前樂團Bloc Party氣質的後龐克曲子〈73%〉，每分每秒都令人屏息。中段的〈Cleanse Your Guilt Here 〉和〈Out Of Style Tragedy〉歌曲進行到一半都發生出人意表的轉折，展現出Algiers勇於實驗的樣貌。後半段有Future Islands主唱Samuel T. Herring參與的歌曲〈I Can’t Stand It〉充滿感染力，〈Green Iris〉從福音歌曲轉成搖滾的安排，能像主唱Franklin J. Fisher如此嫻熟掌握的人實在少見。據說Algiers在發行《Shook》前面臨解散的壓力，但在這張專輯中他們奮力抵抗了失敗的洪流，希望他們戰勝危機後能繼續帶來發人深省又厲害的作品。

(by D)

11. The American Analog Set - For Forever

看到The American Analog Set發行新專輯的驚訝程度大概只僅次於Drop Nineteens，距離他們上一張專輯《Set Free》已經過了18年，這段期間人們的生活方式已經發生劇烈改變，獨立搖滾也不像2000年代初期還有一定的文化影響力。

經過光陰洗禮，The American Analog Set的音樂比起之前的低調幽微稍微變得憤世嫉俗了一些，不和諧的吉他和渾厚的貝斯開啟了〈Camps Don’t Count〉這首歌，Andrew Kenny的歌詞隱晦，似乎指涉現代社會中人們難尋找認同的現象，〈Scream For Vengeance〉大概是The American Analog Set能展現衝突的最大程度了，挾帶惡意的貝斯與迴盪的吉他和弦彷彿處於交戰狀態，〈Konika And Maliko〉是一首充滿詩意的美妙歌曲。同名曲〈For Forever〉誦經般的開頭似乎預告意外即將發生，某些吉他橋段有Low的影子，Andrew Kenny重複呼喊Ooh my god, it's coming on充滿末世的絕望感。《For Forever》保留了樂團極簡的聲響配置和Motorik節拍，同時又變得入世了些，希望這張專輯能開啟樂團生涯新的篇章。

(by D)

2023.11.15 Suede x Manic Street Preachers @ Zepp Taipei

by DOPM

距離上次DOPM貼出演唱會紀錄的文章已經過了四年，疫情和緩後雖然也看了些表演，但這次終於迎來人生中的重要樂團Suede和Manic Street Preachers。恰巧多年前也曾看過這兩團的表演，在演出之前思緒沒有飄向以前看現場時的回憶，反而回憶起年少時剛開始聽他們音樂的時光，可能因為自己這幾年為了生計奔忙，需要重新發掘對生命的熱情，這次演唱會正是完美的契機。

Suede幾乎於八點準時開始，從螢幕上投影大大的《Autofiction》封面照片可以得知他們還是想多宣傳這張去年發行的新專輯，他們以〈Turn off Your Brain and Yell〉開場，後龐克的吉他演奏和直截了當的鼓擊讓人很快燃起對整場表演的期待。主唱Brett Anderson的體態和嗓音都保養得不錯，他在〈Personality Disorder〉主歌中的唸唱也是九零年代時比較少見的，只不過副歌就比較流俗了一些，現場調音較難反映出過渡橋段中迴盪的瞪鞋風吉他之美。

經過〈15 Again〉，〈Trash〉的前奏響起，全場陷入瘋狂，Brett引導全場開始大合唱，已經很久沒有身處這樣的場合，當下覺得非常魔幻。接著〈Animal Nitrate〉和〈Heroine〉展現出Suede當年是如何挑戰禁忌，討論美、墮落與毀滅的主題，時至今日Brett和團員們既華麗又狂暴的音樂依然令人迷醉。

較近期的歌曲中，個人覺得《Autofiction》的開場曲〈She Still Leads Me On〉算是比較優秀的，一開始Brett帶動全場打拍子，錚錚的吉他前奏堅定自信地滑入聽眾的心房，歌詞是Brett獻給去世的母親之作，讀起來真摯感人。

Suede的表演最精彩的時刻莫過於Brett自彈自唱〈The Wild Ones〉，他個人氣場強大，仍然能傳達出這首歌想捕捉的不會隨著時光流逝、永遠烙印在腦海中的美麗記憶。隨後的〈Everything Will Flow〉的合成器格外響亮，和Brett一起合唱Everything will flow時，覺得人生中種種不如意一定能找到出路。隨著演唱會步入尾聲，〈So Young〉、〈Metal Mickey〉、〈Beautiful Ones〉的全場K歌儀式讓當晚的Zepp舞台結束在絕妙的懷舊氛圍中。

中場休息約莫過半個小時之後，舞台螢幕上投影出美國詩人Anne Sexton的名句 I like you; your eyes are full of language.，不確定選用這段話的意義，但語言正是Manic Street Preachers的作品最吸引人的面向之一。團員都出場後，〈Motorcycle Emptiness〉的前奏響起，讓人沒有任何心理準備，馬上受到振奮人心的樂音包圍，主唱James Dean Bradfield的嗓音寶刀未老，情感豐沛的吉他聲響比不久前的Suede更具感染力。

從封建制度的農奴到消費者 /

形成這美好的消費主義社會 /

如同從肺部呼吸一般 /

存活理所當然就是無止盡的悲哀

同樣是九零年代發跡的樂團，Suede和Manics帶給我的感受不太一樣，Suede是英搖樂團裡面我比較喜歡的，但我沒有實際經歷過他們走紅的年代；而Manics則代表我希望自己不論物換星移都能保持的價值觀，聽著那些觸動心弦的字句，不禁對現在日常的行為和思考模式感到羞愧。

雖然Zepp的舞台沒有太多聲光效果，但我很喜歡Manics用一句歌詞摘要一首歌的投影畫面，像全場大合唱的〈Everything Must Go〉用 Escape from our history 來代表就推翻了前一首歌〈Motorcycle Emptiness〉的虛無，而 I paint the things I want to see 跟我當年聽〈You Stole the Sun from My Heart〉的心情也不可思議地吻合。

〈You Stole the Sun from My Heart〉之後的三首歌能出現都感到很驚喜，以前在On Blackheath音樂祭沒有聽到任何出自《Holy Bible》專輯的歌曲，這次Manics能唱〈Die in the Summertime〉彌補了心中遺憾，現場兇猛的吉他刷奏令人震撼。〈Walk Me to the Bridge〉則是當年聽過，獲得再次重溫回憶的機會。唯一出自《Gold Against the Soul》專輯的歌曲〈From Despair to Where〉非常難唱，沒想到James Dean Bradfield現在依然能夠駕馭，這首歌的歌詞以Manics的標準來說很直白，不過副歌傳達的心情自己可說是天天都感受得到，特別有共鳴。

我嘗試昂首闊步 /

裝出有尊嚴的模樣 /

絕望能引領我到何處呢？

重頭戲〈A Design For Life〉和在台灣的觀眾一起合唱是獨一無二的經驗，能有這麼一首結合絕望與自豪，可以多重解讀又流行的歌曲實在很珍貴。或許是讓大家沸騰的情緒稍微緩和，JDB自彈自唱了〈Theme from M.A.S.H. (Suicide Is Painless)〉，他一人的歌聲和彈奏的能量就能撼動全場。

圍上閃亮圍巾的貝斯手Nicky Wire、鼓手Sean Moore和其他客座樂手重新回到舞台，下半場的表演包含首張專輯《Generation Terrorists》的三首歌曲〈Slash N' Burn〉、〈You Love Us〉和〈Stay Beautiful〉，與當時狀況已大為不同的團員三人還是能演繹出青澀、生猛的憤怒。這次表演曲目中最近期的歌曲〈International Blue〉也有一種青春感，Nicky Wire說創作這首歌時，想表現出看到藝術家Yves Klein作品鮮明色彩時的喜悅，現場聽起來的確好像整個人重新充電了一樣。

演出最後以〈If You Tolerate This Your Children Will Be Next〉作結，從頭唱到尾暢快淋漓，希望理想主義的火苗能成功傳給下一代。Manics首次來台的歌單很具誠意，只不過個人私心反而想聽到一點新歌，幾天後在東京的演出就應景唱了〈Still Snowing in Sapporo〉，但這樣以後看Manics的表演就有新的期待，迫不及待那天的到來。

by Debby

Wilco - Cousin

by DOPM

或許看到《Cousin》這專輯名稱會讓人覺得困惑，以為整張專輯是以創作者的表兄弟為主題，但看到Jeff Tweedy用"Cousin"這個沒有直接血緣關係的親緣來描繪自己跟這個世界的關係再透過聆聽感受整張專輯才豁然開朗，他想要呈現這種身處這個世界其中卻又同時對世界有一種的疏離感的氛圍。

其實Wilco的音樂已經很久沒有吸引到我的注意力了，或許是過於平淡也沒有突出的製作跟吸引人的旋律性，但《Cousin》卻成功的重新引起我的注意力，比起他們上一張鄉村專輯，隔一年又出了一張風格截然不同的專輯，可能也要歸功於專輯製作人Cate Le Bon，同樣身為音樂人的Cate Le Bon將他處理節奏、合成器音色的方式帶入到了Wilco的音樂，使得整張專輯的聽感變得更加透亮且輕盈，沒有任何的急躁，讓Jeff Tweedy的旋律能夠自由的在節奏上飄盪。

從〈Infinite Surprise〉就回歸《Yankee Hotel Foxtrot》時期在聲音上的實驗感，細碎的節拍跟吉他噪音不斷的迴響在你耳邊，大鼓聲如同心臟般的跳動，然後噪音越來越大，讓歌聲逐漸消逝在音景之中，給人相當印象深刻的開場。Jeff Tweedy在〈Ten Dead〉中用美國槍擊案的新聞來呈現他如何成無能為力到與這個世界產生疏離感，漸強的樂音就如同這種有毒的麻痺感慢慢擴散的佔據他整個人。

〈Levee〉的副歌旋律盤踞在我的腦中，Jeff Tweedy唱著：「拯救我，再一次的拯救我。」他彷彿不需要任何人，又渴望他人的幫助，整歌陷在這個渴望互助的循環中，歌曲中節奏的速度與吉他Riff的搭配可以說是完美，小調的音階來回的爬升將憂鬱感提升至最高。Jeff Tweedy在〈Evicted〉唱著一個人被他人從心中完全排除在外的感覺，唱著：「我就像是在一台老舊孤獨的列車上的一個口哨，無時無刻在哭泣。」刷奏木吉他的用有點哀愁的情緒表達自己再也不會見到對方，自己也應該得到這樣的結局。

〈Sunlight Ends〉的歌詞如同詩句：「你不是那種城市街道能讓任何人能跨越，你是那種高速旋轉的新星讓你自己迷失。」Jeff Tweedy習慣用一些不合常理的譬喻手法讓歌詞看起來更加有趣一點，他又唱道：「你跳舞，就像光中的塵埃，在那個陽光進來的地方，我跟隨著，直到陽光消失在那。」簡單的一些句子就足夠讓人產生畫面感。專輯到了〈Cousin〉，歌曲節奏變得更雀躍，聽來就像是一首The Velvet Underground還是Deerhunter的曲子，反覆緊密的節奏與樂句可以說是整張專輯最吵鬧的曲子，會讓人覺得比起玩鄉村音樂，Wilco還是適合這種搖滾樂。

沒想到這張專輯到了最後居然這麼溫暖，〈Soldier Child〉像是一種與他人久別重逢的感觸，用單純的木吉他刷奏與節拍傳達這份溫情給聽者，聲音彷彿成為了重逢瞬間的快照，那個瞬間彷彿忘記了所有痛苦，加上老套的吉他獨奏卻很有效的將人帶到思念的情緒裡。最後的〈Meant To Be〉更加雀躍，「我們的愛是命中注定的。」Jeff Tweedy這樣唱，如同一首節慶歌曲，歡鬧的將《Cousin》導向了一個更加篤定的結尾，一掃專輯前半段的陰霾，給聽到專輯後段的人留下了彌補失落的印象。

《Cousin》再次證明有了對的製作人才能將Wilco的音樂變得更加動感，Cate Le Bon讓他們成功重返了搖滾樂，也讓專輯的完整度變得更高。即便歌曲間的氛圍不斷轉化，你還是可以很輕鬆流暢的把整張專輯聽完，畢竟每一首歌都維持不俗的旋律性與製作水準，節奏與環境音的處理上也讓人可以體驗到一些聲響上的小巧思。

by guan

bdrmm - I Don't Know

by DOPM

上半年bdrmm的《I Don't Know》專輯尚未正式發行前，單曲〈It's Just A Bit of Blood〉就令我驚豔，比起上一張專輯的青春憂傷氣息顯得更濃重一些，前奏開始不久立刻用吉他音牆轟炸聽眾的耳膜，接著歌曲採用Pixies般動靜交錯的手法，主歌抑鬱迷惘，副歌盛大壯麗，彷彿戰勝了心魔，成為更強大的自己。後來發現bdrmm從廠牌Sonic Cathedral換到Mogwai的Rock Action，並從與Mogwai巡迴的經歷獲取了不少養分，便特別期待聽到完整作品。

當受到Thom Yorke電子樂創作啟發的曲子〈Alp〉響起，立刻成功證明bdrmm成功化解了第二張專輯魔咒，歌曲誕生自樂團與Mogwai巡迴時行車經過阿爾卑斯山時，一面接收到來自家鄉英國的負面消息，絕望的感受油然而生。樂團打造的電子聲響是前作從未見過的，展現了他們成長的軌跡，比較可惜的是隨後的歌曲沒有再融入這麼多電音元素，只能看bdrmm日後的作品會不會往這個方向探索。

〈Be Careful〉也是《I Don't Know》專輯中很有記憶點的歌，貫穿全曲綿延的吉他有點像《The Bends》時期的Radiohead，主腦Ryan Smith描寫即使前幾年心理狀態不佳仍從事創作（「值得治癒的心靈 / 創造著簡單的十四行詩」），副歌的字句「自己要小心 / 為前所未見的事情做準備」主要是安慰身為音樂人的自己熬過了前幾年的艱難景況，不過聽眾也能感同身受。

〈We Fall Apart〉凸顯出bdrmm對於Krautrock的喜愛，Ryan Smith以感情關係為主題自然地寫出這首歌，後半段的口白營造出新浪潮電影的氣氛，宛如放慢版《Primary Colours》時期的The Horrors。演奏曲〈Advertisement One〉呈現一段優美的鋼琴旋律並搭配鳥鳴聲，不確定取名「廣告」是不是為了諷刺，但自然環境的聲音取樣的確能讓人感受到幸福，也回憶起十多年前後搖還盛行時，人們從旋律和編曲細節中想像出許多風景。

專輯後半段的歌曲回到本位瞪鞋風格，可以聽出Ride、My Bloody Valentine和Slowdive等經典樂團的影響，不過從點綴的電音元素和製作方式又透露出自己的理解，不僅僅是承襲前人的風格。Ryan Smith在〈A Final Movement〉的結尾唱道「看我們的世界在我眼前崩毀 / 我一行一行地寫下我活著的證據 / 我願意忘掉一切 / 如果你願意的話」，看似要放棄努力，但鼓聲轉瞬變強，淒美的弦樂和吉他音牆穿透了種種冷漠的偽裝，如此餘韻不絕的結尾，讓人難以輕易忘記bdrmm的音樂。

by Debby

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