20. The Coral - Sea Of Mirrors
The Coral的《Sea of Mirrors》讓我想起Fleet Foxes的專輯《Shore》，都是在秋天即將到來，對音樂的感受特別敏銳的時候發行，從〈Cycles of the Seasons〉開始就能聽到由The High Llamas主腦Sean O'Hagan所策劃的精緻弦樂，呈現出人剛察覺到季節變化時的驚喜感受，單曲〈Wild Bird〉質樸又充滿生命力。
《Sea of Mirrors》其實有個貫穿全輯的主題——製作一部低成本的西部電影，但忽略這個主題也不影響聆賞樂趣。比起前作《Coral Island》，這張專輯的曲風種類較少，每首歌的節奏也都類似，初聽時可能會略顯枯燥，幸好重複聆聽後那些優美的旋律還是印在心底，專輯中段的〈North Wind〉流暢的吉他撥弦彷彿一陣清風襲來，乘載了悲喜交集的回憶。〈Dream River〉結合團員的和聲及如夢似幻的樂器鳴奏，模糊了現實與想像的邊界，The Coral又成功用一張專輯創造出充滿奇觀的世界。
(by D)
19. Depeche Mode - Momento Mori
經過COVID-19疫情和Fletch的辭世，《Mememto Mori》沒有前一張專輯《Spirit》對時局的憤怒指控，反而讓人覺得Martin與Dave找到了共識要延續Depeche Mode的音樂傳奇，即便主題黑暗，專輯聽起來卻沉穩且溫暖。
第一支單曲〈Ghost Again〉傳達出「這就是Depeche Mode」的宣言，歌曲起承轉合的方式不脫〈Enjoy the Silence〉的公式，整首歌製作精良、Dave的演唱掌握得恰如其分，且旋律極度洗腦，不過個人認為這首歌過於打安全牌了一點。Psychedelic Furs的Richard Butler被列為〈Ghost Again〉的共同創作者，他也和Martin一起寫了另外三首歌〈Don't Say You Love Me〉、〈My Favourite Stanger〉以及〈Caroline's Monkey〉，這幾首歌依然有Depeche Mode過去作品的影子，但Martin與團員以外的人合作還是激盪出更多的火花，使這幾首歌成為專輯的亮點。
18. Young Fathers - Heavy Heavy
Young Fathers製作音樂的方式是把所有各式各樣的靈感都集結起來，不論它們彼此之間有多殊異，這也讓樂團的音樂難以被定義。這次樂團更加凸顯他們多元奔放的創作方式，甚至在錄音室貼滿國家地理頻道〈Through the Lens〉節目的相片，在每天的演奏與歌唱過程中營造出慶典般的環境。
《Heavy Heavy》也受團員Alloysious Massaquoi和Kayus Bankole的非洲血緣影響，〈Ululation〉的歌詞就是以奈及利亞的約魯巴語寫成。在每首歌都只長三分鐘左右的情況下，Young Fathers融入了流行歌的旋律、多變的節奏、靈魂樂和實驗元素，達成在三十多分鐘的短促專輯中加入如此多樣的元素而不顯混亂的艱鉅任務。雖然歌曲主題是關於種族歧視或警察暴力等沉重議題，Young Fathers鼓勵聽眾昂首闊步堅強面對，《Heavy Heavy》記錄下一場獨一無二對生命的禮讚。
(by D)
17. Ulrika Spacek - Compact Trauma
倫敦樂團Ulrika Spacek在睽違五年後發行第三張專輯《Compact Trauma》，經歷團員間的爭端和疫情等種種困難後推出，《Compact Trauma》變得更明確專注，開場曲〈The Sheer Drop〉的吉他彈奏讓人想起Deerhunter，整首歌的蜿蜒曲折象徵了樂團這幾年走過的冤枉路。
樂團善於融合多種不同曲風，〈Accidental Momentary Blur〉稍微融入一點Sonic Youth的噪音，又回到後龐克的範疇。〈It Will Come Sometime〉結合Preoccupations的間奏和類似Deerhunter的副歌，配上主腦Rhys Edwards著重視覺描述的歌詞「如燈泡般腫脹的肝臟」，展現出樂團除了海納百川以外，也有獨創性。〈Stuck At Door〉接近11分鐘，是樂團至今最成熟繁複的創作，不論樂團未來還能走多遠，他們在《Compact Trauma》所投注的心血讓這張專輯進入2023年的佳作之列。
(by D)
16. Deeper - Careful!
《Careful!》是Deeper第一張在美國獨立音樂廠牌Sub Pop發行的專輯，相較於前一張專輯《Auto-Pain》可以聽得出來他們使用了更多的合成器讓曲子更有電子感但又不至於使用的太過於過頭，比較多是堆疊出樂曲的層次感，填補三件式樂器留下的空白處。Deeper其實是一個很David Bowie感的後龐克樂隊，《Careful!》更是聽得出對Bowie柏林三部曲的狂熱，從冷調機械性的節奏到實驗性的電子聲響一次囊括，偶爾再來個80復古的合成器旋律，讓你以為你其實在聽The Cure但突然下一秒樂音又變得很DIIV那種流暢明亮的吉他旋律。
《Careful!》雖然有點薄弱的旋律性不容易給人產生印象深刻的記憶點，但在韻律與節拍的著重上算是下了不少功夫，不管是在節奏的編排還是在聲響的呈現都能讓人聽到他們尋找新方向的渴望。
(by G)
15. shame - Food for Worms
《Food for Worms》找來知名製作人Flood操刀，放大了shame這張錄音室專輯的現場感，用開闊的音場重現他們現場演出的能量，從大合唱到狂飆的樂器演奏，他們讓原始的吉他與貝斯破音不經修飾的從音箱不斷串出，主唱Charlie Steen狂野的龐克唱腔如同Public Image Ltd時期的John Lydon，在慢歌中又能展現出赤裸的情感，shame厲害的地方就在於他們能夠縮放自如的將情緒釋放在不同的節奏上，《Food for Worms》很多是唱著人跟人之間的情誼，有時能夠互助，有時又無能為力，對比過往，又有多少人改變了，我們除了感傷過去消逝的美好，還是只能放下過去獨自繼續往前走。
(by G)
14. Unknown Mortal Orchestra - V
由於是睽違五年的新專輯，Unknown Mortal Orchestra把第五張專輯《Ｖ》定位為雙專輯，總長度約一小時，其中的歌曲大多是在新冠疫情爆發的數年間創作的，對於封城期間受困的感受近年推出的不少音樂專輯都已討論許多，Unknown Mortal Orchestra反其道而行，想創作一張愉悅歡樂的專輯來驅散疫情時的愁雲慘霧，重現Ruban Nielsen和哥哥Kody的父母數十年前擔任度假飯店樂手時所演奏的音樂。然而現實情況遠比規劃的還要複雜，兩兄弟的舅舅被診斷罹患重病，讓悲傷情緒無可避免地滲入《V》的歌曲中，Ruban Nielsen受訪時表示家族經歷中不論是好事或壞事都造就了現在的自己， 如果新專輯能夠傳達這種悲喜交集的訊息，就算成功了。
開場曲〈The Garden〉的鍵琴與Unknown Mortal Orchestra獨具特色的吉他音色營造出異國情調，歌詞似乎在描述花園中生氣勃勃的生態系，歌曲後半段彷彿信手捻來的吉他獨奏讓人擺脫倦怠狀態，重拾對生命的熱情。
13. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner
距離Blonde Redhead上次出輯已經過了九年，《Sit Down For Dinner》讓他們重新贏得樂迷的心，專輯名稱「坐下來吃晚餐」描繪出與親友相聚的溫馨時刻，也代表樂團超過三十年生涯中團員彼此深厚的情誼。這張專輯比起他們先前的作品顯得溫暖而精巧，低調的鼓聲和效果器讓人能靜下心沉浸在樂音中，同時歌曲旋律又琅琅上口。歌曲的編排極佳，〈Sit Down For Dinner Pt. 1〉、〈Sit Down For Dinner Pt. 2〉到〈I Thought You Should Know〉一系列曲目營造出沉浸的聆聽體驗，捕捉到憂鬱又美麗的氣氛，聽到最後，〈Via Savoma〉的鋼琴聲和Kazu Makino空靈的唱腔彷彿柔軟的毯子包裹住聽眾，讓人覺得溫暖而療癒。
(by D)
12. Algiers - Shook
Algiers的第四張專輯《Shook》是他們至今最有野心之作，專輯的客座樂手名單洋洋灑灑，將近一小時的專輯長度與宏大的世界觀，歌曲融入多樣元素，視曲風分界為無物，讓這張專輯雖然進入門檻極高卻不得不令人折服。
專輯大略可以分成三個段落，Matthew Tong的鼓聲是前半段的亮點，〈Everything Shatters〉帶大家進入樂團的故鄉Atlanta街頭暴力場景，到〈Irreversible Damage〉激烈的抗爭畫面，再到很有他先前樂團Bloc Party氣質的後龐克曲子〈73%〉，每分每秒都令人屏息。中段的〈Cleanse Your Guilt Here 〉和〈Out Of Style Tragedy〉歌曲進行到一半都發生出人意表的轉折，展現出Algiers勇於實驗的樣貌。後半段有Future Islands主唱Samuel T. Herring參與的歌曲〈I Can’t Stand It〉充滿感染力，〈Green Iris〉從福音歌曲轉成搖滾的安排，能像主唱Franklin J. Fisher如此嫻熟掌握的人實在少見。據說Algiers在發行《Shook》前面臨解散的壓力，但在這張專輯中他們奮力抵抗了失敗的洪流，希望他們戰勝危機後能繼續帶來發人深省又厲害的作品。
(by D)
11. The American Analog Set - For Forever
看到The American Analog Set發行新專輯的驚訝程度大概只僅次於Drop Nineteens，距離他們上一張專輯《Set Free》已經過了18年，這段期間人們的生活方式已經發生劇烈改變，獨立搖滾也不像2000年代初期還有一定的文化影響力。
經過光陰洗禮，The American Analog Set的音樂比起之前的低調幽微稍微變得憤世嫉俗了一些，不和諧的吉他和渾厚的貝斯開啟了〈Camps Don’t Count〉這首歌，Andrew Kenny的歌詞隱晦，似乎指涉現代社會中人們難尋找認同的現象，〈Scream For Vengeance〉大概是The American Analog Set能展現衝突的最大程度了，挾帶惡意的貝斯與迴盪的吉他和弦彷彿處於交戰狀態，〈Konika And Maliko〉是一首充滿詩意的美妙歌曲。同名曲〈For Forever〉誦經般的開頭似乎預告意外即將發生，某些吉他橋段有Low的影子，Andrew Kenny重複呼喊Ooh my god, it's coming on充滿末世的絕望感。《For Forever》保留了樂團極簡的聲響配置和Motorik節拍，同時又變得入世了些，希望這張專輯能開啟樂團生涯新的篇章。
(by D)