The Cure的團員Perry Bamonte逝世，享年65歲

by DOPM

2025年歲末我們剛送走The Stone Roses和Primal Scream的傳奇貝斯手Mani，沒想到聖誕節時竟然聽到The Cure的Perry Bamonte逝世的消息，令人心頭一震。雖然這個消息或許不太讓人意外，因為The Cure明年夏天巡迴行程的照片已經沒有放Perry，他的健康狀況也一直是樂迷關心的話題。

But Christmas falls late now, flatter and colder /

And never as bright as when we used to fall

— Last Dance, The Cure

大家討論The Cure的音樂、生涯中不同階段、最知名的作品和傳奇團員等等，Perry Bamonte都不是最耀眼的一個，但曾與他交流過的音樂人和樂迷都對他讚譽有加，這與他的出身和加入樂團的緣由有關。他和弟弟Daryl從1980年代中期開始分別擔任The Cure和Depeche Mode的巡迴工作人員，Perry另外也是主腦Robert Smith的助理。當鍵盤手Roger O’Donnel在1990年（第一次）離團時，暱稱為Teddy的他與其他團員都熟識且相處融洽，自然而然成為正式團員。他剛加入沒多久便承擔了在1990年的Glastonbury演出的重任，真的是勇氣十足。

Perry在The Cure的期間經歷了樂團的商業成就高峰到低谷，在1992年的《Wish》專輯中貢獻了小品〈Trust〉一曲，在現場專輯《Show》當中既能彈六弦貝斯、鍵盤與吉他，印證了官網對他的描述：安靜、深刻、直覺、忠實且極度充滿創意。發完《Wish》專輯後The Cure陷入短暫的混亂情況，這段時間Perry是唯一持續陪伴Robert Smith的人，直到其他團員回歸。由於吉他手Pearl Thomspon離團，Perry在1995到2005年間成為主要吉他手。

Perry的演奏不炫技，但有些樂迷覺得他反而能切實呈現The Cure音樂中幽微的情感，像1995年版的〈From the Edge of the Deep Green Sea〉和《Trilogy》DVD中的〈Disintegration〉都是深受大家喜愛的版本。

2005年Perry非自願離團，曾經加入supergroup Love Amongst Ruin，並從事插畫工作。也許是為了彌補當年的魯莽行為，Robert Smith在2022年再度邀請Perry回到The Cure，他參與了90場現場演出，去年在London Troxy的演唱會紀錄了他與The Cure同台的最後身影。

很難接受Perry已經不在這個世界，他的音樂會持續陪伴著我們。I can never say goodbye.

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by DOPM

20. Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone

有別於Epic45 過往環境音樂、實驗電子、後搖滾的音樂風格，《You'll Only See Us When The Light Has Gone》曲曲都有主腦Ben Holton的歌聲，唱著英國中部延綿不絕的蒼涼景色與腐鏽的廢棄建築，不同於先前他們使用鼓機來製造節拍，這次找來鼓手Mike Rowley用真實的鼓擊來替他們的音樂製造出較有生命力的現場感。

〈New Town Faded〉利用吉他的延遲效果器產生明亮溫潤的氛圍，並與電子碎拍交織出遼闊的音場與節奏。〈Passing〉的憂鬱合成器聲響讓人想起Talk Talk在《It’s My Life》時期哀愁的synth-pop歌曲，而〈The Crush〉的原音木吉他撥奏與小鼓擊打給人一種初春綠芽初開的感覺，以及雨後落在葉片上的晶透水珠反射著光澤。最後的〈Finality〉回歸他們所擅長的電子後搖滾曲式，從節奏鋪陳到展開左右聲道的音場再銜接到破音的炸響，末段emo式的唱腔與正常唱腔交疊在一起更是他們令人驚艷的新嘗試。《You'll Only See Us When The Light Has Gone》展現出他們在出了無數專輯後仍能做出新突破的勇氣，也證明了他們譜寫人聲曲式的能力。

(by G)

19. Vince Staples - Dark Times

每次Vince Staples推出新專輯都會關注，他近幾張專輯不慍不火的唸唱方式深得我心，而且說故事的能力一流。《Dark Times》如標題所示主題黑暗，但如同他的Netflix影集一樣，充滿黑色幽默和輕鬆的氣氛，之後靜下心來思考時才發現事有蹊蹺。

Staples在推出上一張專輯時提到他對於出身貧寒的經歷已經寫得夠多了，《Dark Times》聚焦在他成名後的空虛寂寞、憂鬱症和冒牌者症候群。專輯開頭的 To live is to be, like the n**a in the tree 就引發了許多討論，究竟是正面積極或是毀滅的意象呢？

〈Black&Blue〉展現Staples懶散抑鬱的唸唱和靈魂樂般的節奏，他對於憂鬱症和系統性貧困的描寫十分深刻。〈Government Cheese〉的鋼琴和West Coast搖擺風格給人一種輕鬆的假象，歌詞描寫在紛亂的世道中依然要強顏歡笑，需要在他人面前偽裝自己的主題可說是貫串《Dark Times》整張專輯，不但在〈Liars〉中收錄作家Nikki Giovanni與James Baldwin間的對話，講述非裔男性社交與私下行為模式的不同，在他的Netflix影集中也有類似的橋段。

由Lo-fi拼貼和怪異吉他組成的〈Children's Song〉、自嘲創作今非昔比的〈Étouffée〉、配樂宛如IDM電子樂的〈Little Homies〉都是優秀的歌曲，不過結尾的〈Why Won’t the Sun Come Out?〉又給人情感上重重一擊，取自Santigold與Vince Staples合作時的對話，談到創作理應帶來自由，但歌迷的崇拜無法取代真實的人與人相互交流。Vince Staples將他的自身經歷和存在焦慮透過《Dark Times》切實傳達出來，即使我的日常生活與他極為不同，還是為之動容。

(by D)

18. Mercury Rev - Born Horses

《Born Horses》絕對是今年最被低估的專輯之一，受到電影銀翼殺手與其Vangelis的電影配樂影響，Mercury Rev打造出了一張兼具復古與未來感的絕美旋律與詩篇，Jonathan Donahue多數以唸唱的方式在歌曲中念著詩句，運用合成器、小號、薩克斯風、小提琴來編奏出爵士味濃厚又迷幻的歌曲，讓聽者如同置身一處霧氣凝重的夢境，讓人分不清楚是過去還是未來。

主唱Jonathan Donahue覺得他歌唱時如同一隻鳥在低鳴著，在單曲〈A Bird Of No Address〉中他改為一般的歌唱方式，唱著他在失去一段關係後成了一隻沒有居處的鳥兒，壯闊的合成器與大鼓讓歌曲給人神聖的莊嚴感，唱著旋律的他如同在孤獨與後悔的雲層中翱翔，無法墜落。而末曲〈There's Always Been A Bird In Me〉唱的則是他藏在肋骨中的鳥兒，牠日以繼夜的唱著這世界的不公，沒有人會聽到，只有在不被看見的時候才會飛翔，只有在受傷的時候才會降落，這首有別於其他曲目的哀愁synth-pop歌曲意外的成為了《Born Horses》最完美的結尾。

(by G)

17. Shellac - To All Trains

討論《To All Trains》時很難不聯想到吉他手兼主唱Steve Albini過世的消息，但Albini本人必定不希望他個人的事情影響大家對這張專輯的觀點，畢竟Shellac連專輯發行前給媒體試聽都不願意，希望所有人都在同一起跑點聽到專輯。

《To All Trains》做為開始聽Shellac的起點倒是很適合，專輯只長28分鐘，不過濃縮了樂團的特色：Albini刻薄、愛開玩笑、一本正經的歌聲和跳動的吉他、貝斯手Bob Weston相對樸實的歌聲和金屬感的貝斯聲響、以及Todd Trainer時而即興發揮的鼓擊，歌曲簡短容易消化。

Steve Albini在〈WSOD〉扭曲的吉他為專輯立下整體的調性，即不妥協、回歸原始的吉他、貝斯、鼓三件搖滾樂基本元素。〈Girl From Outside〉類似Grunge音樂的吉他回響搭配Steve Albini和Bob Weston半唸半嘶吼的口白，讓我想起Sebadoh的Jason Lowenstein會寫的歌。〈Chick New Wave〉既幽默又琅琅上口，I'm through with music from dudes / What you do isn't brave / All I care about / Is chick new wave，Albini過世前還在錄音室工作，不知道他是不是也希望能多錄一點女力新浪潮的專輯？

〈Wednesday〉慢速的吉他Drone跨足到了Swans的領域，歌詞描寫美國男性發現自己被灌輸的價值觀是謊言，迎來悲劇的結尾，非常發人深省。〈How I Wrote How I Wrote Elastic Man (cock & bull)〉是由Bob Weston主唱的歌曲，旋律也比較優美，歌名致敬The Fall的歌曲〈How I Wrote Elastic Man〉。

專輯結尾充分展現了Albini的個性。氣氛歡快的〈Scabby the Rat〉獻給已逝的芝加哥音樂人Rob Warmonwski，他不但活躍於音樂界，也參與許多工會運動。Albini在〈I Don't Fear Hell〉中似乎預知自己的命運，但能夠如此豁達面對死亡，且不受形而上的力量吸引，實在是獨樹一格。雖然樂團並未預料會是告別作，但《To All Trains》捕捉到Shellac樂團的神采和Albini的錄音技術，為他們的生涯做了完美摘要。

(by D)

16. The Smile - Cutouts

在2024年The Smile就一口氣出了兩張專輯，但相較於《Wall of Eyes》旋律性缺乏的調性《Cutouts》顯得有趣許多，專輯主題由冷戰時期的間諜情報活動為發想延伸對現代社群媒體對於社會實質影響力的質疑。〈Instant Psalm〉單純的使用了木吉他與弦樂來製造旋律，Thom Yorke藉著旋律唱出失落卻優美的情緒。而Jonny Greenwood在〈Zero Sum〉使用了指彈的電吉他彈奏手法加上延遲效果器讓單音快速反覆的奏響聽來如同midi的聲響如電流快速的流竄，這手法成為了今年最創新的編曲方式，Thom Yorke唱著過於自信的科技產業以及科技發展對環境製造的影響，當然他也不是第一次質疑這樣當代社會的發展模式，畢竟這是他創作上不變的母題。

〈Eyes & Mouth〉是樂隊三人另一首精湛的演奏，Jonny Greenwood快速的盤繞的琴音，Thom Yorke的爵士鋼琴彈奏，Tom Skinner平穩搖擺的節拍連袂打造出一首爵士與藍調風格揉合的曲子。以貝斯低音與反覆平穩的節拍為導向的〈No Words〉搭上類比效果感的合成器琴音呈現出一種Krautrock的調性，讓歌曲聽來相當具有未來感。對與喜歡節奏感強烈與創新電吉他曲調的樂迷來說，《Cutouts》就像是一張輕量版本的《Ok Computer》，成為2024的必聽專輯之一。

(by G)

15. MONO - Oath

十一月初的時候在Zepp看了日本後搖樂團Mono的現場演出，2024年對於Mono來說有特殊意義，不但樂團成立25週年，與他們長期合作的製作人Steve Albini突然離世，使得《Oath》專輯發行和現場演出某種程度上成為向Albini致敬的作品。現場的開場三部曲〈Us, Then〉、〈Oath〉和〈Then, Us〉一氣呵成，把對Steve的思念鎔鑄在壯麗的弦樂編制和厚實的音牆中。重複聆聽錄音室作品，可以感受到Mono對電子音樂、弦樂編排和吉他的進一步探索。

〈Run On〉則像是大家過去喜愛Mono歌曲的再進化版，從簡單的吉他演奏，鼓的加入，其他樂器和聲響逐漸堆疊上來，雖然是後搖滾的基本起手式，但Mono一直企圖把這項技藝做到更完美。〈Reflection〉相較之下寧靜優美，鼓聲非常細膩幽微，勾起許多遙遠的回憶。

《Oath》的主題圍繞在信念與承諾，像〈Hear the Wind Sing〉與〈We All Shine On〉等曲子都很振奮人心，在Albini去世的背景下，這些歌曲顯得悲喜交集，象徵著樂團生涯某個階段進入尾聲。不過主腦Takaakira "Taka" Goto受訪時表示樂團在《Oath》希望擁抱「活著」這件事，感受萬物的律動、時間的流逝都是至高的幸福，祝福他們迎向音樂生涯的新篇章。

(by D)

14. The Pheromoans - Wyrd Psearch

《Wyrd Psearch》已經是英國後龐克樂團The Pheromoans的第十三張專輯，對他們先前的作品並不熟悉，但《Wyrd Psearch》捕捉到八零年代樂團像The Fall、The Wake等樂團的丰采，傳達出一種憂鬱厭世的情緒。

單曲〈Downtown〉短小精悍，吉他刷奏的力道恰到好處，讓這首歌有一定趣味性同時又帶著焦慮。〈Father Austin〉宛如The Wake的合成器和吉他喚起懷舊的情緒，〈The Inland Road〉則有點像早期的R.E.M.，連主唱Russell Walker的歌聲也同樣模糊不清。

〈Twibbon Wife〉開頭的貝斯有點像Joy Division，接著motorik的節拍出現，在這個專輯最有活力的時刻，Russell Walker的聲音卻十分慵懶，製造出微妙的衝突感。〈Faith In The Future〉開頭的吉他充滿八零年代風情，接近尾聲時貝斯似乎是即興演奏，顯得猶疑不定，表現出樂團對於未來的不確定。

專輯後半段的歌曲長度開始增加，音樂更具挑戰性。長五分半鐘的〈It’s A Little Bit Different〉充滿扭曲的吉他，配上怪異的口白取樣。〈General Mojo〉的節拍古怪，雖然合成器很搶耳，但樂團似乎又不想讓歌曲太琅琅上口，一直用不和諧的口白或器樂片段打亂一切。〈Cropped To Death〉繚繞的吉他效果使人想起The Jesus and Mary Chain，比本尊2024年發的專輯更像他們自己。結尾曲〈Pop-up Companion〉錦上添花，以Johnny Marr般的明亮吉他結束整張專輯。《Wyrd Psearch》就算不是石破天驚之作，絕對能滿足八零年代獨立音樂歌迷的胃口。

(by D)

13. Four Tet - Three

要製作出中板節奏、討喜的電子專輯並不容易，但Four Tet的Kieran Hebdan看似信手捻來毫不費力。《Three》出現在Four Tet生涯的任何時機點都不顯突兀，同時能感受到Kieran Hebdan的用心。

〈Loved〉是我今年聽到最印象深刻的開場曲之一，充滿層次感、製作精良又有美好旋律。在幾首不慍不火的IDM曲子後，〈Daydream Repeat〉開頭的迷幻音樂片段和鼓擊取樣稍微炒熱氣氛，讓人想像在音樂祭聽到現場演出，與其他觀眾一起起舞的情景。〈Skater〉以吉他演奏為主體，喜歡搖滾樂的聽眾不由得受到吸引。

〈31 Bloom〉回到純舞曲的範疇，類似類比合成器的聲音有點像早期的Depeche Mode。結尾曲〈Three Drums〉歌如其名包含三套鼓的取樣，整首歌聽起來卻非常和諧，與電氣的旋律交織成一幅美麗的畫面，啟發新的想法與靈感。

整體而言《Three》這張專輯的聲響編排聽起來充滿生命力但不搶戲，適合作為工作或讀書時的良伴。

(by D)

12. Zazen Boys - らんど

《らんど》搶耳的放克貝斯線與吉他線互擊出強烈生猛的聲響比以往出色不少。單曲〈永遠少女〉在《らんど》中算是一個相當特別的存在，相較於其他歌曲圍繞在東京地域的主題，〈永遠少女〉則是串起日本二戰結束後至現今世界其他各處仍持續進行的戰爭狀態，向井秀德用「永遠」來對照出「死亡」，當時因為戰爭傷亡的少女，年齡就這樣永遠停留在15歲，而現今活著的少女跟過去失去生命的少女沒有任何差別，他們同樣都應該有活著的權利。向井秀德唱著：

「你在想，這個世界是沒有希望的。

你已經放棄了，所有大人都說著謊言。

你錯了，人性本該就是如此。」

他用黑暗的語彙跟對這世界感到失望的年輕人說，我們必須認清事實持續的跟人性對抗，持續的透過自身去尋找答案。

首曲〈DANBIRA〉向井秀德藉由反覆刷奏他的Fender Telecaster，用放克的節奏讓人如同搖擺的行走在東京街頭上，試圖嘗試解放那股在新宿街頭被壓抑的躁動感，他又唱著那句「諸行無常，死灰復燃的性衝動。」將東京變幻多端的生命力轉換成高低的音譜，黃昏下東京的每一個角落都成為他一首首歌曲中的種種景象。城市生活的孤寂幻化為〈バラクーダ〉跟〈八方美人〉，被愛的渴望反覆從字字句句中流瀉出來，貝斯手MIYA彈奏著如同機關槍的貝斯線交織在高頻響亮的吉他單音中，〈チャイコフスキーでよろしく〉或許是專輯中旋律性最好的歌曲，鼓手松下敦快板連環的鼓擊節奏加上貝斯、節奏吉他、主奏吉他交疊出的聲景可以說是完美搭配的演出，彷彿將團員間的演奏默契的發揮推到無人能及的極致。

11. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

正如同專輯名稱《"No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"》所描述的，因為累計至2024/2/13以色列對加薩走廊的攻擊死了28,340無辜的人，其中包括女人跟小孩，由於這個因素這張專輯沒有標題，GY!BE以這樣的方式來控訴這樣屠殺式的攻擊行為，雖然他們不是第一次控訴戰爭，但將死傷直接寫在標題上表示憤怒倒是頭一次。〈Babys in a Thundercloud〉延綿不絕的破音與悠揚的提琴聲譜奏出悲愴的旋律，描繪出彈雨般的轟炸與戰火間歇的片刻，末段的壯闊的吉他噪音炸響與急促的提琴聲成為整張專輯最精彩的段落。

〈Raindrops Cast in Lead〉中由女聲所唸出的西班牙詩篇描繪了炸彈轟炸當下的殘酷場景，炸彈從豔陽的藍天落下，無差別的滅絕以及掩埋，不斷加速的節拍與不斷疊加上的噪音越漸大聲如同一台呼嘯而過的戰機。戰爭後的末日毀滅場景由〈Pale Spectator Takes Photographs〉中的聲響被完整的描繪出來，如同一首末日電影的配樂將那股危及的氛圍以大鼓、噪音殘響及小提琴所營造。

或許光聽這張專輯的內容或許還不足以體會到GY!BE樂音的震撼，當聆聽到專輯曲目的現場版本後才真正將他們的樂音從錄製的版本中解放出來。我們以為我們不會在人間看到地獄之火，沒想到真實的戰場就猶如煉獄般，而GY!BE則將人間的地獄之火完整透過耳朵傳入到我們的大腦。

(by G)

10. DIIV - Frog in Boiling Water

DIIV的第四張專輯《Frog in Boiling Water》對於瞪鞋控來說可說是囊括了所有該有的元素：結合了My Bloody Valentine的實驗性、Swervedriver的噪音、Slowdive的夢幻音牆和indie twee的甜美氣息。不過他們這次也做了大膽的嘗試，以瞪鞋音樂探討政治議題。專輯名稱便揭示了人類正逐漸走向毀滅，開場曲〈In Amber〉對照目前的洛杉磯野火令人心有戚戚焉。

〈Raining On Your Pillow〉描寫美國的帝國主義，歌詞以一個軍人的角度思考自己為何而戰，背景的吉他loop和隱約的類比合成器營造出詭譎的氛圍，結尾卻又有朦朧的希望。

團員對於〈Everyone Out〉各自有不同的解讀，可以視為放棄理想、逃離一切，或是人類固有的想要冒險的慾望，但無論如何這首歌都批判了目前人類社會過度發展、追求進步的意識形態，歌曲悅耳的旋律和令人不安的聲響譜出既舒適又不安的聆聽感受。

雖然DIIV在受訪時透露樂團在製作《Frog in Boiling Water》期間差點解散，但整張專輯中板的節奏、從頭到尾一氣呵成的風格顯示出團員成功化解了彼此的歧異，完成一張完整的作品。他們的政治評論十分精準，某種程度上又消融在模糊的人聲和吉他效果中，這也描繪出現代人的命運，即便苦於資本主義帶來的種種沉痾，卻只能發出破碎的批評，並天真地想象能有轉圜餘地。

(by D)

9. Nilüfer Yanya - My Method Actor

英國女創作人Nilüfer Yanya在上張專輯《Painless》就展露出了驚人的寫歌與歌唱能力，與製作人Will Archer連手打造了以電子節拍、原音木吉他與Grunge音色的吉他Riff為主軸的歌曲，而這次《My Method Actor》延續了同樣的編曲基調，並且讓旋律的編排上聽來更加細膩，歌曲製作上，在她的女中音與器樂聲響之間有很好的平衡，從單曲〈Method Actor〉就能聽出製作的細膩度，琴鍵與貝斯低音的鋪陳都留給了她的嗓音延展的空間，再到Grunge味的電吉他破音刷奏也絲毫不會壓過她的歌聲。

專輯主題圍繞在「方法演技」中，一個透過自己過往親身經歷來詮釋角色的技法，Nilüfer Yanya在表演歌曲時也常會需要重新找回創作當初的回憶來重現在演出上，這讓她在舞台上自己扮演著自己，整張專輯可以說是她飾演自己的過程，如果一首心碎的歌曲是她的親身經歷，她每演奏一次都要重返那個心碎的過程，畢竟她扮演著她自己。

〈Ready for Sun (touch)〉是我覺得專輯中最優美的曲調，沒有過於花俏的編曲，只有她淺淺唱著悠長的旋律，唱著從破碎的關係的陰影中重新走到陽光下，渴望再被碰觸、再度感受事物、情感。整體來說《My Method Actor》有股哀傷卻又帶著堅強，猶如一種由冬季轉向春季的過程，憑藉著她不流俗的歌唱方式與細膩的編曲，這張專輯讓我認為Nilüfer Yanya是當今最優秀獨立女創作人之一。

(by G)

8. Elbow - Audio Vertigo

雖然主腦Guy Garvey是鎂光燈焦點和Elbow的靈魂人物，造就《Audio Vertigo》的重大功臣可說是鼓手Alex Reeves和貝斯手Peter Turner。在前鼓手Richard Jupp離團後加入的Alex Reeves終於成為Elbow的正式團員，首次參與創作，他在開場曲〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉的細膩鼓聲的細膩鼓聲達成精彩的開局，另外在單曲〈Balu〉充滿異國風情的敲擊使這首歌立刻捉住聽眾的注意力。貝斯手Peter Turner在上一張專輯的〈Six Words〉等歌曲就已經扮演關鍵的角色，而他在〈Lover’s Leap〉、〈Balu〉、〈From the River〉中搶耳的貝斯都為歌曲增添了神秘氣息。《Audio Vertigo》節奏組的強化有時候讓我感覺像在聽Doves的專輯，表現出曼徹斯特樂團善於結合奮進的節拍、廣袤的音場和私人感情的特色。

Elbow音樂中的豐富元素和發人深省的詞句還是他們的音樂最大的魅力所在。〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉在放克和華麗搖滾元素中，Guy Garvey敘述他回憶年少輕狂時的歲月，「當然我要活到96歲，重建福利國家」或許仍然是他的夢想？

7. toe - Now I See the Light

專輯首曲〈風と記憶〉使用了原音吉他的撥奏與透亮音色的分解和弦，給人相當輕盈明亮的感覺，各個器樂緊密的交織的在一起，他們用此曲定義了整張專輯聲音元素的組成，接著〈LONELINESS WILL SHINE〉反而是讓所有聲響在空間中被展開，鼓手柏倉隆史精密的鼓點伴隨著停頓的收與放與山嵜廣和距離感的歌聲交錯著，原音吉他的刷奏成為了要角之一，再由美濃隆章反覆的電吉他Riff聲響串起整首歌的主線條讓其他的聲音可以自由的疊加上去，山嵜廣和唱出的憂愁旋律讓人猶如感受與世隔絕的孤立感，彷彿不管他的歌聲有多大聲都沒有人能夠聽見。

以西班牙與作為歌名的〈TODO Y NADA〉將佛朗明哥吉他的彈奏手法帶入曲中，以手指快速撥奏著尼龍吉他弦來做為歌曲的樂句，我很喜歡貝斯手山根敏史在此曲中的表現，他間歇性的低音彈奏讓歌曲有一種舞動感，也讓人完全猜不到低音會在什麼時候出現。toe相當擅長將各種音樂元素的片段以一種輕巧的姿態將它們放入到自己的音樂中，但又讓人聽不出是某種特定風格。與女歌手兒玉奈央合作的〈WHO KNOWS ?〉應該是專輯中最溫馨又單純的歌曲，沒有什麼演奏炫技，只是好好在鼓機的節奏上將旋律慢慢鋪陳出來。

6. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

不管Friko這支來自美國芝加哥的獨立搖滾樂隊說他們受到什麼樂隊影響，他們的音樂總是讓我想起早期的Wolf Parade，連主唱Niko Kapetan的表演方式也跟Wolf Parade的主唱Spencer Krug如出一轍，聽了〈Crimson to Chrome〉後你大概會知道我講的是什麼，忽慢忽促的激昂嗓音與刷疊出的爽快破音吉他讓人回到兩千年初期獨立搖滾百花齊放的全盛時期，到了〈Crashing Through〉用了九零另類搖滾所擅長的在靜與吵之間輪換的編曲手法再加上可讓人大合唱的副歌橋段，成為宣洩情感的完美單曲，正當你以為他們已經宣洩完所有能量時才發現〈Chemical〉其實才是他們在整張專輯裡最激進的曲子，瘋狂爆裂的破音吉他與反饋不斷一層一層的堆疊上去實在是給人相當痛快的一擊。

他們在中慢板的歌曲上也有不俗的表現，如〈Statues〉以及以鋼琴為主奏的〈Until I'm With You Again〉，證明了他們除去器樂聲效外所能展現出的扎實寫歌功力，如同那些讓你想大聲唱出的Wolf Parade歌曲一般，他們的〈Get Numb To It!〉可以說是另一首讓人可以大合唱的金曲，唱出當代年輕人對生活揮之不去的麻木感，歌曲錄製出強烈的現場感如同置身他們的演出一般讓人體驗他們樂音所帶來的能量。《Where We've Been, Where We Go From Here》作為他們的首張專輯，有著當代新樂隊少有的超水準表現，無論是曲風的駕馭程度與高張力的演奏能量都讓人驚艷，這張作品無疑是2024最佳的獨立搖滾專輯。

(by G)

5. Loma - How Will I Live Without a Body?

作為一張討論生死的專輯，《How Will I Live Without a Body?》是個發人深省的標題，令人意想不到的是，它竟然是AI的產物。老牌音樂人Laurie Anderson邀請Loma試用以她的作品訓練的AI模型，於是Jonathan Meiburg提供了幾張相片給AI，產生兩首詩的部分詩句被使用在〈How It Starts〉和〈Affinity〉這兩首歌中，其中 "How Will I Live Without a Body?" 特別能捕捉到Loma團員彼此漸行漸遠的狀態，而成為專輯的標題。疫情過後，在Emily Cross的提議下，團員們在英國重聚，在她工作的臨終陪伴所克難地錄製了整張專輯，經過Dan Duszynski的製作下聲響清晰，不但納入自然界的聲音取樣，也充滿了如同在室內空間錄製的親近感。

〈Please Come In〉低微的開頭、〈Arrhythmia〉略帶焦躁的節奏以及〈Unbraiding〉和〈I Swallowed a Stone〉緩慢的曲調各以不同方式揭示悲傷的面貌。

4. Mount Kimbie - The Sunset Violent

相較起他們第一、二張post-dubstep的曲風，《Love What Survives》這樣冷調帶有後龐克性格的曲調才真正讓他們從英國電音圈中突圍，也聽得出他們走出臥室走向更精細的製作方式，在音色的調配上也更加的細緻，讓整體聽感更加滑順，比起冷調，這次《The Sunset Violent》則是完全相反以暖調的方式來呈現整體的音感，即便Kai在當中使用了大量的電吉他噪音、音牆，你可以明顯感受到那種如暖陽般的鵝黃色色調從音色映現出來，聽另一首合Krule合作的〈Boxing〉就能感受到那種被合成器與音牆包覆的暖度（他們到底是多愛Krule），或許是他們是在加州絲蘭谷沙漠製作這張專輯的緣故，你總能感受到那股熱度，但總有些時刻又變得異常的冷調，就像沙漠氣候的溫差般。

也是鍵盤手Andrea Balency-Béarn跟鼓手Marc Pell的加入讓這張專輯相較過往更有樂隊感，Andrea的合唱與合音也成了專輯中不可或缺的要角，聽Dominic跟她在〈Shipwreck〉合唱心碎的情歌才意識到Mount Kimbie真的成為了一組樂隊，成為了一組遺落在荒漠中還不為人知的獨立搖滾樂團，但也沒有因為吉他導向的緣故而埋葬他們編曲電子節奏的能力，就像他們在〈A Figure In The Surf〉用輪迴的電子鼓點與穩沉的貝斯低音加上彈跳般的合成器聲響製作出了一首精細的電氣流行樂曲，當中電吉他音色在破音與回響效果之間的調配也是相當優異，曲子後段轉為透亮音色的吉他獨奏更是全曲最精采的部分。

3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

《Iechyd Da》或許是英國搖滾樂隊The Coral的前吉他手Bill Ryder-Jones生涯以來的最佳作品，即便他先前已經出過不少張個人專輯，《Iechyd Da》可以說是他積累出來的精華之作，譜寫出曲曲皆動人的旋律，相較過往作品較為憂鬱氛圍的情緒，這張作品的情緒起伏更為顯著，整體聽起來更加暖調，相當適合在冬季聆聽，除了他使用原音吉他與鋼琴為基底外還另外加入弦樂讓歌曲旋律更加優雅。

整張專輯傳達出他在疫情期間所感受的孤立感與情人分離後的苦痛與童年時期目睹哥哥跌落懸崖喪失至親延續至今的傷痛，單曲〈This Can’t Go On〉寫下了與情人爭執後當下的低落情緒，從聽了整夜Echo & the Bunnymen的〈The Killing Moon〉來渡過低潮，再到他如何重新振作起來，又如何渴望與正常人一樣過著正常又辛福的生活，弦樂、合聲以及木吉他的刷奏，高亢的唱腔宛如Mercury Rev與Bill Callahan合作出的歌曲。《Iechyd Da》每首都以單曲為目標的製作與錄製方式是使它從2024眾多專輯脫穎而出的原因，Bill Ryder-Jones把人生的失落與美好都濃縮進了整張《Iechyd Da》中。

(by G)

2. Fontaines D.C. - Romance

一開始聽到Fontaines D.C.釋出《Romance》中的兩首歌曲〈Favourite〉以及〈Starburster〉時頓時不知道這兩首歌要怎麼樣並存在同一張專輯當中，一首樂觀明朗另一首黑暗又憤怒，外加上樂隊霓虹風格的著裝令人對《Romance》的音樂調性完全摸不著頭緒，當專輯一發行後才對專輯中音樂風格的多樣性驚嘆不已，他們不只嘗試風格上的改變，而是透過各種八零、九零年代的經典音樂風格來建構出自己的音樂宇宙，對我來說那不只是一種致敬與懷舊情懷反倒是他們讓模糊未來與過去的方式，如同反烏托邦電影《銀翼殺手》或是日本動畫《阿基拉》中同是描繪未來又因科技的高度發展而產生高度落差的毀滅光景。

這次找來James Ford來擔任製作人，相較之前製作人Dan Carey讓器樂與人聲較為原始與平衡的音像輸出，James Ford讓Grian Chatten的聲音更為靠前，並且採用更多合成器與弦樂的堆疊來製作出電影配樂般的音像。這也是Grian第一次對他自己的歌聲感到滿意，畢竟這次他真的把他自己的聲音從心底給唱出來了。

1. The Cure - Songs of a Lost World

在2024的十一月前我還不認為自己是The Cure的死忠粉絲，不過《Songs of a Lost World》改變了一切。記得〈Alone〉的MV公佈時，看著MV畫面裡轉動的雕像、莊嚴的電子琴與貝斯的結合，讓我立刻認出是The Cure的歌曲。等到專輯終於問世的十一月一日，隨即迎來兩場BBC的現場和倫敦Troxy的專輯首發演出，使我陷入了The Cure的世界至今無法自拔。

即便是生涯後期的作品，《Songs of a Lost World》依然挑戰現況，從〈Alone〉開始就引介了超乎常理的前奏長度，主腦Robert Smith受到Ernest Dowson的詩句啟發，討論生命的短暫易逝，人們無法擺脫孤獨的命運。〈And Nothing Is Forever〉與〈I Can Never Say Goodbye〉都描寫身邊重要的人過世的情景，音樂肅穆但動聽。〈A Fragile Thing〉或許是The Cure自《Wish》專輯以來最優秀的單曲，沉穩的貝斯和悅耳的吉他旋律帶出一段伴侶的對話，討論愛可能瞬間消亡。

〈Warsong〉與〈Drone:Nodrone〉是The Cure從未在專輯發行前表演過的歌曲，算是「真正」的新歌，雖然個人不太喜歡有點混濁刺耳的混音，但這些歌曲展現樂團目前的新方向，在大多數曲目都極度悲傷的專輯中也帶來一些必要的變化。

〈All I Ever Am〉探討自我與超我之間的拉鋸，以及個人記憶的不可靠性，在綿長的演奏和突如其來的節奏變化間，我們和樂團一同思考自我認知的普世問題。〈Endsong〉的前奏長到讓人幾乎以為是純演奏曲，各件樂器如乘載哀愁的海浪一波波襲來，歌詞即使悲嘆一切事物隨著死亡都將消逝，但相信The Cure的音樂必定能穿越時空藩籬永留聽眾心中。

如果搖滾樂習於歌頌青春，《Songs of a Lost World》帶來成熟年紀的觀點也令人折服，隨著年齡漸長，樂團所觸及的主題對於自己而言也會越來越切身體會。

(by Ｄ)

Top 20 專輯文字版：

  1. The Cure - Songs of a Lost World

  2. Fontaines D.C. - Romance

  3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

  4. Mount Kimbie - The Sunset Violent

  5. Loma - How Will I Live Without a Body?

  6. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

  7. toe - Now I See the Light

  8. Elbow - Audio Vertigo

  9. Nilüfer Yanya - My Method Actor

  10. DIIV - Frog in Boiling Water

  11. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

  12. Zazen Boys - らんど

  13. Four Tet - Three

  14. The Pheromoans - Wyrd Psearch

  15. MONO - Oath

  16. The Smile - Cutouts

  17. Shellac - To All Trains

  18. Mercury Rev - Born Horses

  19. Vince Staples - Dark Times

  20. Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone

Staff Lists:

G:

  1. Fontaines D.C. - Romance

  2. The Cure - Songs of a Lost World

  3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

  4. Nilüfer Yanya - My Method Actor

  5. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

  6. Zazen Boys - らんど

  7. Loma - How Will I Live Without a Body?

  8. Elbow - Audio Vertigo

  9. DIIV - Frog in Boiling Water

  10. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

  11. toe - Now I See the Light

  12. Mount Kimbie - The Sunset Violent

  13. Mercury Rev - Born Horses

  14. The Pheromoans - Wyrd Psearch

  15. Kamasi Washington - Fearless Movement

  16. The Smile - Cutouts

  17. Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone

  18. Shellac - To All Trains

  19. MONO - Oath

  20. Vince Staples - Dark Times

D:

  1. The Cure - Songs of a Lost World

  2. Loma - How Could I Live Without a Body

  3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

  4. Fontaines D. C. - Romance

  5. Elbow - Audio Vertigo

  6. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

  7. Mount Kimbie - The Sunset Violet

  8. Mono - Oath

  9. DIIV - Frog in Boiling Water

  10. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

  11. toe - NOW I SEE THE LIGHT

  12. The Pheromoans - Wyrd Psearch

  13. Shellac - To All Trains

  14. Four Tet - Three

  15. The Smile - Cutouts

  16. Vince Staples - Dark Times

  17. Zazen Boys - らんど

  18. Nilüfer Yanya - My Method Actor

  19. Mercury Rev - Born Horses

  20. The Decemberists - As It Ever Was, So It Will Be Again

F:

  • BADBADNOTGOOD - Mid Spiral

  • Beth Gibbons - Lives Outgrown

  • Cassandra Jenkins – My Light, My Destroyer

  • Elbow - AUDIO VERTIGO

  • Ezra Collective - Dance, No One's Watching

  • Floating Points - Cascade 

  • Fout Tet - Three

  • Jamie xx – In Waves

  • Jessica Pratt – Here in the Pitch

  • Kelly Lee Owens - Dreamstate

  • Kendrick Lamar - GNX

  • Laura Marling – Patterns in Repeat

  • Mount Kimbie - The Sunset Violent

  • Nick Cave and the Bad Seeds – Wild God

  • Nilüfer Yanya – My Method Actor

  • Shabaka - Perceive its Beauty, Acknowledge its Grace

  • Soela - Dark Portrait

  • The Cure – Songs of a Lost World

  • toe - NOWＩSEE THE LIGHT

  • Uyama Hiroto - Breath of Love

The Cure - Wish (1992)

by DOPM

自從《Songs of a Lost World》發行後，除了新專輯以外也開始補聽The Cure的舊作，大概因為最近迷上討論90年代音樂的podcast的關係，聽最多的是The Cure九零年代（可能也是生涯至此）最受歡迎的專輯《Wish》。另外爬文看到不少人認為當時The Cure的Robert Smith、Simon Gallup、Boris Williams、Porl Thompson、Perry Bamonte是史上最佳陣容，所以連兩張現場專輯《Show》和《Paris》也一併聽了。

除了混音精選輯《Mixed Up》以外，《Wish》是The Cure九零年代的第一張專輯，當下勢必受到Grunge和Shoegaze風格衝擊，另外鍵盤手Roger O'Donnell離團，加上剛成為團員的Perry Bamonte團內共有三位吉他手，不少歌曲吉他地位吃重也是自然而然的發展方向。

相較於同期一樣面對要從八零年代轉型到九零年代的樂團U2、Depeche Mode、R.E.M.等等，對我來說《Wish》前半部分甚至勝於《Actung Baby》、《Songs of Faith and Devotion》和《Monster》。前四首歌曲的組合是The Cure專輯中數一數二優秀的，〈Open〉、〈High〉、〈Apart〉、〈From the Edge of the Deep Green Sea〉我覺得都能排上The Cure最佳歌曲榜單。

〈Open〉開頭的貝斯強而有力，引領多把吉他的轟鳴傳入耳道，宣示這是The Cure到目前為止專輯作品中最近似瞪鞋風格的，Robert Smith描述在派對中感到格格不入，因為酒精的催化漸漸失去理智，隨著吉他層次增厚，敘事者越來越接近崩潰邊緣，引用自Sylvia Plath日記的詞句 And the way the rain comes down hard / That's how I feel inside 為歌曲做了完美的摘要。〈High〉是一首帶著八零年代餘韻的甜美曲子，The Cure招牌的六弦Bass、美麗的旋律和不落俗套的詞句讓這首歌成為我最喜歡的The Cure單曲之一。

〈Apart〉的貝斯旋律營造出陰鬱的氛圍，Robert Smith低語及歌聲的雙聲道聽起來非常詭異，但不得不說這套編曲栩栩如生描繪出一段溝通不良的感情關係。〈From the Edge of the Deep Green Sea〉感覺不出有七分多鐘之久，一推出後立即成為The Cure日後現場演出的必唱曲，開頭重複的鍵琴聲和鼓擊幾乎有點U2的味道，之後吉他的瘋狂刷擊聽起來興會淋漓，Robert Smith也是少數能唱著虐戀的詞句而卻依然真實不做作的主唱。

比較可惜的是從〈Wendy Time〉開始專輯的氣氛突然大轉變，〈Wendy Time〉和〈Doing the Unstuck〉都不是太正經的歌，導致前面累積的情緒有點被破壞，2022年的《Wish》30週年重發版有收錄〈Wendy Time〉的Demo，其實它原本的樣貌遠勝於專輯版。大家最耳熟能詳的〈Friday I’m in Love〉比起前述的〈High〉就過於往商業化靠攏，在專輯中顯得格格不入，但長年與The Cure合作的Tim Pope所拍的MV就很有創意。

到了〈Trust〉專輯又回歸前半部的憂鬱情緒，深情的〈A Letter to Elise〉應該會被純愛小說大量引用，Pitchfork曾將其選為90年代最優秀歌曲之一，只是對我來說還是太甜膩了。專輯中情緒最激烈的歌曲〈Cut〉據說是關於創始成員Lol Tolhurst因為酒精成癮以及音樂上無貢獻，而在《Disintegration》時期被逐出樂團一事，雖然歌迷對〈Cut〉當中The Cure如此外放的表現評價兩極，但個人認為也算是個不錯的嘗試。

〈To Wish Impossible Things〉讓我想到Moose或Blind Mr. Jones的慢板情歌，當然Robert Smith的歌聲比起瞪鞋團主唱更令人難以忘懷。最後一首歌〈End〉就演奏來說有點像Pale Saints的歌曲，Robert Smith唱著成名帶來的迷失、痛苦，就算是搖滾明星常遭遇的課題，他唱的 Please stop loving me. I’m none of these things 特別讓人心痛。

整體來說《Wish》因為單曲過於流行，專輯中間風格驟變，就算銷量極佳現今也不是大家最推薦聆賞的The Cure專輯首選，但其中還是有不少好歌，且捕捉到九零年代初期的時代精神。當年乘勝追擊發行的兩張現場專輯《Show》和《Paris》也值得一聽，前者能彌補《Disintegration》錄音室版本吉他較少、鼓機感太重的缺憾，後者有幾首《Seventeen Seconds》的歌曲都能替代原本有點空蕩的專輯版。《Show》另外還有影像紀錄，像Depeche Mode的《101》一樣鏡頭捕捉到當年歌迷的模樣，非常有趣。表演本身可以看出樂團這種燃燒生命的表演方式已經到了極限，預示了《Wish》結束後，樂團又會經過一次陣容大換血，難以再次完成偉大作品，直到今年的《Songs of a Lost World》。

by Debby

Trent Reznor在2019年引介The Cure入主搖滾名人堂的演說

by DOPM
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在今年2020的搖滾名人堂頒獎典禮之前，我們先來回顧去年Nine Inch Nails主唱Trent Reznor在典禮上引介入主名人堂的The Cure時所做的演講。Trent Reznor在這次的演說讓我們看到一位音樂人化身為樂迷來闡述音樂對他的重要性以及他對音樂的熱愛，當中他對The Cure音樂的誠懇與敬意也是最令我們動容的地方，以下是我們的翻譯：

各位晚安。我是Trent Reznor。今晚我們在這裡給予這些二十世紀最具辨識度且聲響獨特的搖滾樂隊們讚賞和尊敬。今晚The Cure入主了搖滾名人堂。

我是在小鎮長大的，確切來說，是在美國賓州的小鎮Mercer，那裡除了玉米田以外什麼也沒有。當時科技尚不發達，還沒到網際網路橫掃一切，使得其他藝術形式失去價值的年代。甚至連MTV都還沒出現，電台並沒有什麼好聽的，我們除了幻想跟逃避之外也沒有什麼事可做。

當我離家時，覺得前往大城市的時機已經到來，我選擇的是Cleveland這個大城。接著一切都改變了。那時正值八零年代中期，收聽大學電台讓我腦中萌生無限的創作想法。我經歷了另類以及地下音樂的洗禮，那些聲音促成了Nine Inch Nails日後的音樂。

這波音樂朝我席捲而來，而其中最關鍵的時刻正是我第一次聽到The Cure的時候，一瞬間，這組樂隊深深地扣住了我的心弦。我第一張聽的專輯是《The Head on the Door》，先前我從沒有聽過任何像這樣的音樂。聆聽時，我心中曾蔓延過的黑暗念頭彷彿透過喇叭播送出來，讓我驚訝不已，就好像那樣的音樂是特地寫給我的。我這一生都為了無法融入這個世界、不屬於任何群體痛苦掙扎，就像我現在站在這裡一樣。聽著他們的音樂，我立刻就產生共鳴，覺得自己活在這個世界不再如此孤獨，這也讓我認知到音樂的力量是如此獨特跟特別。

這張專輯的絕妙之處不僅僅是聲音、歌詞或演出，貫穿這一切的是一件精美無比的樂器，就是Robert Smith嗓音。他的嗓音能夠表現出各種不同的情緒，從憤怒到悲傷、再從絕望到美麗、脆弱到歡樂。我這樣想或許聽來天真，但在我聽到《The Head on the Door》之前，我簡直無法想像如何將這麼困難又深刻的想法寫出來，但又能夠包裝成受歡迎的歌曲給電台播放，直接從產業內部挑戰規範。

無論如何，我不停地聽著這張唱片，一直聽到黑膠都壞軌了。然後我又回去聽他們更早的作品，發現他們過去的作品集真是豐富又重要寶庫等著我去探索。

這個將成為The Cure的團體成立於1976年英國的郊區Crawley，一個讓所有團員都想逃離的小鎮。Robert Smith、Lol Tolhurst、Michael Dempsey及Pearl Thompson這四個愛幻想的男孩同時喜愛數十英里以外倫敦正爆發的龐克樂，也受到從小聽到大的美國重度迷幻搖滾所啟發。

在經歷幾次陣容的變動，並創造出幾張Post-punk和New Wave的經典專輯後，樂隊進入八零年代，成為在八零年代時成功定義這個十年的音樂風格、態度和樣貌的樂團之一。身兼主唱、吉他手及詞曲創作人的 Robert Smith、貝斯手Simon Gallup和鼓手Lol Tolhurst創作了經典三部曲專輯《Seventeen Seconds》、《Faith》和《Pornography》，開拓了我們日後稱作哥德或另類搖滾的樂風。

正當所有人準備好進入The Cure所引介的新聲音時，他們早已準備好進入新的領域了。Robert Smith渴望向世界展現他所能做的不僅是單一的風格。他錄製一系列的歌曲，後來在全球成為了暢銷單曲，且如今也依舊被視為經典。他們在四十年生涯內所錄製的十三張專輯在在證明了他們不可忽視的能量以及藝術的創造力。

儘管他們創作的音樂充滿挑戰性，並探討各種沉重無比的主題，他們仍能擁有巨大的影響力。在世界的唱片銷量中，The Cure賣出數以百萬計的專輯是最棒的一部份，也成為了Post-punk、New Wave、Goth、 Alternative、Shoegaze和Post-rock樂風的試金石。他們於過去四十年內在流行與落伍之間擺盪了無數次，直到他們的存在已經超越了流行這個概念。雖然在2019年提到The Cure好像很厲害，情況可不是一直都如此。他們對於打破聲音與藝術界限的堅持，且在數十年間都堅持音樂創作的態度，並未長期受到媒體的歡迎。然而他們始終能吸引到一群熱情、充滿智慧又死忠的歌迷，能夠洞悉事實，理解The Cure的與眾不同、才華洋溢，是世界上最令人醉心的優異搖滾樂團之一。

可以理解，大多數的音樂人本人與自己精心經營的形象都有一定程度的差異。就我的理解而言，Robert Smith在音樂人當中是相當稀有的，Robert Smith是百分之百真實的一個人，他就過著Robert Smith百分之百真實的生活。他利用這點特質創造出一個完全自我隔絕的世界，有著自己的聲音、自己的樣子、自己的氛圍以及自己的美學，讓樂迷隨時隨地能夠尋訪和沉浸在其中，這是一個為每個夢想要逃離的人所特別打造出的世界。

我應該開誠布公。我現在應該可以坦白說，對於某些頒獎典禮存在這件事我一直感到心理不平衡。或許我還習慣抱持著憤世嫉俗的態度，質疑頒獎典禮的動機。事實上，我記得我曾對自己喊話，如果這個頒獎典禮只讓X團、Y團和Z團進門，但沒有The Cure，我該如何認真看待它呢？然後不久之前，我接到了一通意料之外的電話，然後，好吧，我們就來到這邊了。就這樣說吧，我從來沒有像今天晚上一樣，對於承認自己判斷錯誤感到這麼開心過。

翻譯 by debby and guan

Trent recently had the honor of inducting his heroes The Cure into the Rock & Roll Hall of Fame; this is his unedited speech. Watch the full ceremony streami...

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