不知道大家有沒有注意到加拿大音樂才子Spencer Krug最近創立了自己的音樂廠牌Pronounced Kroog發行了個人專輯《Fading Graffiti》。身為Wolf Parade、Sunset Rubdown、Moonface等樂隊背後的主要創作人，這次會透過Patreon募資以自己的名義製作專輯，也與不滿老東家Jagjaguwar決定走向更商業化的方向有關。
這次玩的還是搖滾樂還帶有一點鄉村味，但歌曲結構怪的一點都不傳統，Spencer跳脫公式化不妥協的態度，堅持在混亂的時代當下繼續做自己，並在每一首歌中放入最真摯的情感，相信世界各處的人們都能在他的樂音中找到屬於自己一處平靜的棲身之地。
在發表完首張EP《If Not, When?》一年後，英國樂團bdrmm乘勝追擊推出首張專輯《Bedroom》，不論是旋律或情感鋪陳方面都能聽到長足的進步。《Bedroom》由傳奇瞪鞋廠牌Sonic Cathedral發行，不但受到Ride主腦Andy Bell青睞，還被The Charlatans主唱Tim Burgess選為 Listening Party 的專輯之一，為專輯提升不少曝光度。如果要指出《Bedroom》的獨到之處，除了可以聽到大家所喜愛的經典瞪鞋樂團的影響，bdrmm筆下所描寫成長過程中感到的困窘和疫情時代如影隨形的焦慮也相當真切。
(by D)
回過頭聽Nap Eyes過去的專輯，他們的音樂直到上一張專輯《I'm Bad Now》才逐漸成熟，主唱Nigel Chapman的歌唱方式帶著Lou Reed唸唱詩歌般的特質，乾乾的沒有太多的修飾，如果喜歡The Velvet Underground跟Lou Reed的朋友應該會覺得《I'm Bad Now》相當的親切，而且旋律性也滿好的，但《Snapshot of a Beginner》個人覺得才是一張他們真正找到自己的作品，不管是在歌唱方式還是音樂上都有別於過往，Nigel Chapman找到讓他歌聲與旋律搭起來更圓潤的方式，樂音的疊砌也成功的把原本沒有的空間感給打造出來。
(by G)
《Wu Hen》是英國爵士音樂人Kamaal Williams的第二張專輯，名稱來自於他台灣的外祖母幼時稱呼他的小名。專輯開場的〈Street Dreams〉由豎琴撩撥混搭一段浪漫調情的薩克斯風吹奏，讓人不經想到《Blade Runner》裡Deckard與Rachael初次碰面時的配樂。〈One More Time〉與〈1989〉則是一鼓作氣地將Jazz、Funk、Hip Hop融為一體的組曲。〈Pigalle〉是專輯中最過癮的單曲，先是Quinn Mason大秀薩克斯風即興功力，彷彿回到咆勃爵士的全盛年代，而後換成Kammal Williams流暢滑順的鍵盤演奏，令人不禁憶起Herbie Hancock的實驗風格。
(by H)
聽Bambara的音樂很難不令人想起Nick Cave，不管是Nick Cave and the Bad Seeds還是The Birthday Party，主唱Reid的歌唱方式以及他們音樂中時而緩慢時而躁動的後龐克風格都能聽到Nick Cave的影響，你會想說既然如此我們何必還需要Bambara的音樂，除了樂風外，歌詞中故事性所帶來強烈的影像感卻是與眾不同的，也因為他們來自美國的喬治亞州，受到南方歌德文學的影響，讓他們只是假借了音樂風格來幫助敘事的推進，即便覺得音樂風格聽起來似曾相識，但歌詞的敘事方式卻依舊讓人感到新鮮，就像在看一部時間序錯置的南方歌德電影。
(by G)
比起前幾張專輯的派對電音舞曲，《Suddenly》的情感比較細膩，Dan Snaith用他組合多重元素的技藝捕捉生活中稍縱即逝的片刻，使得整張專輯聆聽時驚喜連連。在開場曲〈Sister〉中，Dan Snaith少見地展現他未經修飾的歌聲，配上極簡的電子音效，讓人想起Sufjan Stevens的憂鬱民謠。〈You and I〉偏慢的主歌和疊滿聲音取樣的熱鬧副歌產生有趣的反差。〈Home〉取樣了Gloria Barnes在1971年的〈Home〉一曲，但將原本溫馨的曲子重製後顯得十分詭異。〈Never Come Back〉的編曲可聽到New Order的影響，非常適合在舞池播放。整張專輯唯一有客座樂手（吉他手Colin Fisher）的歌曲〈Like I Loved You〉，散發爵士和R&B風味又帶點遲疑的情感，彷彿Unknown Mortal Orchestra會寫出的歌。專輯最感人的時刻在最後，在類比合成器聲響中的〈Cloud Song〉，Dan Snaith用簡單的字句請求舊情人回頭，有種覆水難收、過去無法再現的哀愁。
(by D)
全球飽受COVID-19所帶來的種種不確定性衝擊，美國民眾在夏天更經歷一系列的Black Lives Matter示威遊行。主腦Robin Pecknold目睹了封城與抗爭，突然領悟到自己原本對於專輯創作細節的憂慮十分微不足道，決定敞開心胸發表當下想要寫的歌，希望能用音樂為愁雲慘霧的世局帶來一些溫暖。雖然Fleet Foxes的歌曲之前也都由他主筆，由於封城的緣故，其他Fleet Foxes的團員幾乎沒有參與《Shore》的製作，由Robin Pecknold個人負責錄音和編曲，他也找了幾位正好地理位置相近，可以協助的音樂人，包括Grizzly Bear的Christopher Bear和Daniel Rossen、Kevin Morby、Holy Hive、銅管樂器四人組The Westerlie。
(by D)
今年如果要找一張在從頭到尾都像在演唱會衝撞般的專輯，底特律Post-hardcore樂隊Dogleg的《Melee》肯定是首選，由主腦Alex Stoitsiadis所帶來朗朗上口的旋律線與聲嘶力竭的吼喊疊構成一首首在關係間拉扯的歌曲。聽聽單曲〈Fox〉開場五秒內就包準讓你搖頭晃腦一起跟著喊，層層合聲給聽者前所未有的現場感，讓你猶如置身在他們現場演出的第一排用雙手接著在玩人體衝浪的觀眾。另一首爽快不囉嗦的〈Wrist〉用最直接旋律驅進你的心房，猛烈的吉他刷奏驅趕著你即使帶著千刀萬剮的身軀也要在路上直奔。終曲〈Ender〉讓人想起Midwest emo的名團們，像是Sunny Day Real Estate與American Football合體在一塊，在炸裂的情緒與數字搖滾的變拍中找到完美的平衡。
(by G)
在聽了Crack Cloud的音樂與所製作的音樂影像後，他們給我的感覺並不像一組固定編制的樂團，比較像是一同參與同一個計劃的社群，由來自加拿大溫哥華的眾人集思廣益在這個計畫中發揮他們的創造力，你可能永遠都搞不清楚參與其中的人有哪些，只知道這個組織的發起人是主唱兼鼓手的Zach Choy。他們的第一張專輯《Pain Olympics》雖然只有短短的三十多分鐘，卻很扎實的把他們所想要表達的理念與創意以混搭的曲風表現出來，即便你在Crack Cloud前兩張EP所聽到的是不加修飾的低傳真後龐克，到了《Pain Olympics》則更加入放克、爵士、嘻哈、八零年代的新浪潮音樂。
(by G)
倫敦薩克斯風手Shabaka Hutchings找來南非樂手們所組成的Shabaka and the Ancestors這次所帶來的《We Are Sent Here By History》結合了爵士音樂、非洲鼓節奏、詩歌宣示著對於自身歷史與未來命運的思考，給人帶來一種即便承襲傳統依舊具有未來感的苦澀韻律，聽著〈Go My Heart, Go to Heaven〉中兩把薩克斯風吹奏與低音提琴精彩的交互應和具有即興感又能圍繞在旋律主幹上給人相當深刻的印象。而〈The Coming of the Strange Ones〉又是另一曲由精湛演奏所譜出的驚人之作，延綿不斷的低音提琴樂句與高低薩克斯風旋律翻開一頁頁歷史篇章，將過去受壓迫的人們從樂音中解放出來。《We Are Sent Here By History》向那些因西方霸權、白人至上主義與資本主義結構下犧牲的人至上最高的敬意，也宣告著我們必須先毀滅現有的不公平制度才有新生的可能，否則通往末日之路的大門依然敞開。
(by G)
十五年前Wolf Parade驚人的出道作品《Apologies to Queen Mary》描繪受科技宰制的空洞現代生活、貧窮階級的掙扎以及變老、過氣的感受，當年樂團激情的表演方式的和DIY精神使他們成為樂評寵兒。今年推出的《Thin Mind》創作主題並沒有太大的改變，但樂評的反應大多冷淡，樂團結合草根的獨立搖滾與華麗鍵盤橋段的樂風已經名符其實變得不合時宜，不過在我心目中他們反而顯得更特立獨行且勇敢。
第五張專輯《Thin Mind》錄音前貝斯手Dante DeCaro決定離團，Wolf Parade回到Spencer Krug、Dan Boeckner和Arlen Thompson的三人組合，他們的音樂並沒有因為變成三人組而簡化，倒是讓合成器扮演更吃重的角色，洋溢著七八零年代新浪潮音樂的風采。主要創作者Dan Boeckner和Spencer Krug著重不同的面向，在專輯中取得極佳的平衡。
Dan Boeckner主攻嚴肅的社會議題， 由批判手機成癮現象的〈Under Glass〉開始，搶耳的吉他間奏和帶點迪斯可味道的節奏捕捉現代人對電子裝置又愛又恨的矛盾情感。單曲〈Forest Green〉描寫人類活動改變了地球的環境地貌，以及財閥對土地的開發讓居住成本變得越來越難以負擔，雖然主題沉重，但躍動的節奏和浮誇的合成器段落給了聽眾信心能夠戰勝危機。〈The Static Age〉可說是專輯內最勵志的歌曲，歌詞中的主角厭倦了在即將崩毀的帝國中一成不變的生活方式，打算靠自己的力量開創新局，復古的合成器演奏喚起從前人們仍懷抱理想主義的年代。〈Wandering Sun〉宛如出自電影《銀翼殺手》的情節，歌曲中的主人翁四處流浪，找不到心靈依歸的所在，認為自己的存在微不足道，Dan Boeckner也用這首歌表達身為樂手在世界各地巡迴的迷惘感，歌曲越到後段越變得激昂，彷彿象徵他不願放棄的決心。
如同Wolf Parade過去的作品一樣，Spencer Krug總是會寫出整張專輯最優異的歌曲──這次是〈Julia Take Your Man Home〉。Spencer Krug再次引介Moonface計畫中提及的人生伴侶Julia，描寫她看著男伴因酒醉而做出種種荒唐行徑，吉他和合成器聲響不斷為故事增添戲劇效果，我特別喜愛 The beating heart of a lonely man is nothing but an unheard decrescendo 之後的合成器演奏，這首歌各個不同的段落都銜接得非常流暢，連曲末「不該輕易原諒這種人」的老生常談都給人耳目一新的感受。〈Out of Control〉和Moonface計畫的調性類似，用洶湧的吉他音牆描繪出親密場景的豐沛情感，不算是什麼新的手法但仍舊能感動人心。〈As Kind As You Can〉和歌如其名具有未來感的〈Fall Into the Future〉可以明顯聽到David Bowie的影響，前者一開始的琴聲讓人想起Bowie那些在七零年代初期的作品，Spencer Krug進一步發展成探討「善意」這個概念的三個小故事，而〈Fall Into the Future〉融合了後龐克和前衛音樂的元素，聽起來頗具趣味。
歌迷聽到收錄在專輯末尾的單曲〈Against the Day〉一曲都會興奮不已，因為Dan Boeckner和Spencer Krug已經很久沒有對唱了，在如Duran Duran般盛大的電子音效間，Dan和Spencer化身成兩個吸血鬼，在不停變幻的時局間建立堅定不移的情誼。最後的〈Town Square〉呼應了開場曲〈Under the Glass〉的主題，人們現在處於情緒脆弱的時刻最直接的反應就是去尋找手機，不過歌詞的 reaching for the light 也是「面對光明面」的雙關語；即使專輯中的歌曲，甚至連封面和內頁設計都充滿末世景象，我們還是有機會重新開始。
by Debby
今年發行的專輯品質算是達到了近幾年的高峰，許多我們關注的樂團都推出新作，原先音樂媒體以為已經式微的曲風（如shoegaze和indie rock）都光榮回歸，令人非常驚喜。
對DOPM部分成員來說，今年也是「加拿大年」，不但幾個獨立樂團Broken Social Scene、The New Pornographers、Wolf Parade、Stars、Timber Timbre等都有新作，個人樂手如Feist、Colin Stetson等也沒閒著，期待明年加拿大樂團繼續帶來創意十足又充滿活力的音樂。
2017年人們或許仍然受處於去年多位傳奇人物逝世和保守主義捲土重來的驚嚇中，但這些事件反而催生許多擲地有聲的作品。如果沒有藉機思考一些困難但重要的問題會有點可惜，所以DOPM的前十名選了不少較富社會意識的專輯。
10. St. Vincent - MASSEDUCTION
《MASSEDUCTION》或許是今年錄音製作最精良的專輯之一。專輯的完整性與聲音飽滿特質，讓我想起David Bowie的回歸之作 《The Next Day》。〈Los Ageless〉開場的riff 帶有濃濃的Depeche Mode氣味，重拍節奏搭上張狂懾人的電氣吉他，無疑是今年最鋪張奢華的單曲。中途穿插幾曲純情小調，如〈New York〉、〈Happy Birthday, Johnny〉，適時的聽覺舒緩讓音樂圖像能走得更遠。〈Slow Disco〉、〈Smoking Section〉合力完成一慘情嘆息的結尾，而這是在《MASSEDUCTION》前半所無法預測到的未來。對我而言，這一安排完滿了這張作品。
(By H)
如果曾受到Elbow過去溫馨取向的歌曲感動，《Little Fictions》更是集結多首充滿正向力量的歌曲，宛如一齣記錄生命美好時刻的劇集。主唱Guy Garvey用歌曲記錄告別上一段感情、展開新戀曲、結婚及為人父母的心情，他的歌聲溫暖厚實，一字一句觸動聽者心中最柔軟的部分。雖然在風格上未有創新之處，專輯整體而言顯示出Elbow在構思歌曲、譜寫旋律、樂器編排和製作都處於成團以來最成熟的階段，〈Magnificent (She Says)〉、〈Trust the Sun〉、〈Firebrand & Angel〉等歌曲足以媲美Elbow過去的金曲名單，而勸少年遠離毒害的〈All Disco〉和討論英國脫歐所產生心理衝擊的〈K2〉，成功在以個人感情為主軸的專輯中帶來一點主題多樣性。
(By D)
Protomartyr的主唱Joe Casey在專輯《Relatives in Descent》的〈The Chuckler〉唱到：
「戰爭，以及關於戰爭的謠言，有害物質如群雲般滿布我們的天際更深植在這片土壤裡，老天爺啊，我多希望這個天大的笑話能有更好的結局。」
這樣灰暗色調的詞句如同整張專輯給人的感覺，如同我們早已生活在反烏托邦的世界，真相深藏在無人知曉之處的，無奈與哀愁的濃霧掩蓋著整座城市，Casey只能以歌聲嘲諷著眼前這片荒謬的情景，或許這也是他的家鄉底特律所帶給他的感覺。〈The Chuckler〉這首歌主要受到樂隊在歐洲巡迴的司機所啟發，歌曲圍繞著這位喜歡在車上不斷撥放The Smiths和Morrissey音樂的角色上，將他日復一日在艱辛日子渡過的孤寂及沮喪描繪出來。
(By P)
雖說Bloc Party的鼓手在Matt Tong早在2015年就已經加入Algiers參與巡迴演出，但並沒有實質參與同名專輯的製作，而到了此張才將他的鼓拍加入進他們音樂的血液裡加強了整體的節奏感，相比上一張作品使用冷調的鼓機節拍，《The Underside of Power》的節奏更加動感且有變化性，從單曲〈The Underside of Power〉就可以聽出這樣的轉變，貝斯手Ryan的韻律與Franklin的靈魂樂的唱腔一樣延續前作搭配的幾近完美，而Matt的鼓擊則是活躍在激昂的旋律線中，此歌曲名稱也是整張專輯的宗旨，意指那些在權力底下無力抵抗而犧牲的人們，歌曲所傳達出的訊息即是要打破這樣的權力結構，表明這是個不能再進行下去的遊戲，就像一首革命前的進行曲，抱懷著改變的可能。
(By P)
時間到了2016年，數年前美國社會主流的價值觀已經分崩離析，貧富差距日益加大、區域間發展不均、種族之間的衝突也不斷升高，Robin Pecknold發現在大學接受到的高等教育並未驅散他心中的疑雲，而他選擇遠離親友（包括Fleet Foxes團員、也是他少年時死黨的Skye Skjelset）的決定最終無助於幫他找到人生的意義，〈Third of May / Ōdaigahara〉的一句歌詞 “To be held within one's self is deathlike, oh I know” 非常貼切地傳達出自我放逐的痛苦。帶著數年分頭發展的人生經歷，Fleet Foxes的團員重新聚首並在今年完成新專輯《Crack-Up》，名稱出自F. Scott Fitzgerald的一篇散文〈The Crack-Up〉，Fitzgerald在其中傾吐了他趨近情緒崩潰的心路歷程、如何抱持著互斥的想法持續生活、如何堅持活著這件事，這些約略也是Fleet Foxes專輯所討論的主題，不過Robin Pecknold最後達成的結論要比Fitzgerald正向許多。
(By D)
即使Matt的歌唱和Bryan的招牌鼓擊在新專輯中依舊強勢，仍不難察覺Dessner兄弟檔才是這回主導新編曲走向的幕後推手。即便只是點綴式的聲響效果，但戴上耳機聆聽能讓聲音細節逐步放大，更能欣賞他們在這些細節上的用心巧思。倘若對他們先前的Side-Project有點印象，不難猜出那些電子音效是出自已轉型為製作人的Aaron之手，而後現代感濃厚的古典鋼琴與弦樂編制則主要由Bryce主導。《Sleep Well Beast》整張專輯乍聽之下與過往的作品並無二致，然而身為眾人的愛團，所能擁有的特權不外乎是重複聆聽的機會。我想只要是The National 樂迷，或多或少知道《Sleep Well Beast》這張專輯的創作理念源頭是來自 Matt Berninger 與 Carin Besser 之間的婚姻問題。
(By H and F)
加拿大多倫多後搖滾樂隊Do Make Say Think在沉寂了八年後所帶來的這第七張專輯《Stubborn Persistent Illusions》可以說是他們成軍以來最具野心的作品之一，不同於上張專輯《Other Truths》中簡明扼要的聲響與器樂鋪陳，這張專輯打破了他們這自己的邊界，朝向更戲劇性以及更具廣度的聲響，宛如回到《Winter Hymn Country Hymn Secret Hymn》時期如隨自然景色劇烈變化無常的聲音景致，但在整體敘事上更加完整統一，讓整張專輯的每首歌曲都猶如一體成為一首長達一小時的詩篇。
(By P)
(By D)
(By P)
從Wolf Parade於2016年宣佈復出至今，已經發生了許多事情。首先，去年許多搖滾巨星離開了我們，最為大家熟知的應該是David Bowie和Leonard Cohen，在一片惋惜聲之中，搖滾樂迷覺得好像身份認同的部分根基受到動搖。接著便是美國總統川普在大選中獲勝一事，不論政治立場如何，他的政見和選舉結果都顯示出世界上許多重大議題已經朝向令人憂心的方向發展。今年團員們將陸續邁入四十大關（外表可能看不出來），但他們仍覺得與主流價值格格不入，仍然對科技冷感，這些感受在《Cry Cry Cry》當中都有深刻的描寫。我不喜歡誇大其詞，但第一次聽到歌曲〈Lazarus Online〉的時候感動得熱淚盈眶。雖然許多搖滾歌曲的主題都是關於自殺或輕生的念頭，〈Lazarus Online〉特出的地方在於歌曲完全從他人的角度設想，展現同理心的同時語言又十分詩意。
(By D)
前30名專輯文字版：
D:
H:
P:
F:
去年Wolf Parade復出巡迴時一併推出EP《EP4》，可說是非常有誠意，畢竟不是所有重組的樂團都會馬上帶來新作品。現在回頭聆聽《EP4》，發現它就像是今年新專輯《Cry Cry Cry》的前導之作，其中〈Automatic〉、〈Mr. Startup〉等歌曲已經展示出Wolf Parade部分的創作藍圖，《Cry Cry Cry》再加入巡迴過程中所蓄積的能量以及團員這幾年的生命體會，聽起來情緒飽滿又臨場感極佳，讓我不時重溫去年看樂團現場的回憶。
從Wolf Parade於2016年宣佈復出至今，已經發生了許多事情。首先，去年許多搖滾巨星離開了我們，最為大家熟知的應該是David Bowie和Leonard Cohen，在一片惋惜聲之中，搖滾樂迷覺得好像身份認同的部分根基受到動搖。接著便是美國總統川普在大選中獲勝一事，不論政治立場如何，他的政見和選舉結果都顯示出世界上許多重大議題已經朝向令人憂心的方向發展。今年團員們將陸續邁入四十大關（雖然外表可能看不出來），但他們仍覺得與主流價值格格不入，仍然對科技冷感，這些感受在《Cry Cry Cry》當中都有深刻的描寫。
我不喜歡誇大其詞，但第一次聽到歌曲〈Lazarus Online〉的時候感動得熱淚盈眶。雖然許多搖滾歌曲的主題都是關於自殺或輕生的念頭，〈Lazarus Online〉特出的地方在於歌曲完全從他人的角度設想，展現同理心的同時語言又十分詩意。開頭幾句歌詞描述了這首歌的情境：
線上拉撒路
我收到了妳的信
妳的名字是Rebecca，是我的歌迷，妳放棄了自殺念頭
那就好。讓我們抵抗。怒吼對抗黑夜的來臨。
Spencer Krug的歌詞常常引經據典，此處引用Dylan Thomas的詩句也顯得十分巧妙，拉撒路則用來譬喻原本心死的樂迷因為聽到音樂而重新找到活下來的理由。
在他生日那天的烈陽下
妳放逐自己到地球邊境，哭喊著為什麼上天要帶走他
妳寫道，聽我的音樂「就像心上挨了一拳」
我讀到時也不禁落淚
音樂讓我們能同時間體驗相同的情緒，並一起舔舐傷口、一起復原，而對於創作者而言，得知自己的音樂能拯救生命心中亦激動不已。 〈Lazarus Online〉在演奏上切實地傳達了其中濃厚的情感；開頭的鋼琴旋律、中段的吉他與合成器營造出悲傷的氛圍，當Krug唱到已逝者生日時節那段歌詞時，Dan Boeckner的吉他聽起來尤為催淚。曲末團員的合唱象徵樂團與聽者共同經歷了治癒傷痕的過程，之後彼此都會更努力地活下來。
另一首關於生命中重大衝擊的歌是〈Valley Boy〉，熱鬧的副歌容易讓人誤會這是首開心的歌曲，不過實際上卻是要獻給已逝的Leonard Cohen。Krug在歌曲開頭提到一段他個人的回憶，或許世界各地的樂迷在聽聞Cohen的死訊時都有相似的經歷。
廣播不停播送著你的歌曲
討論著你在樓梯上跌倒而不治
你是不是預知到一切事情都將惡化
進展到令你無法承受？
〈Valley Boy〉納入了Cohen的生平軼事和歌詞意象，包括Cohen生前的繆思女神Marianne和他曾皈依佛門一事。作為一個發跡於蒙特婁的樂團，Wolf Parade必然感受到和Leonard Cohen有精神上的聯繫，因此演繹這首歌聽起來格外熱切。Cohen過世的隔天便是美國總統大選， 〈Valley Boy〉歌詞中藉由這項巧合發出一些政治批判：川普當選美國總統、美國各地的槍枝暴力和族群衝突越演越烈。在Dan Boeckner近似於Television歌曲〈Marquee Moon〉的吉他彈奏間，Krug用 One, three, two, and four / South, east, west and north / Summer, water, fall and fire / All has fallen out of order 來比喻原有秩序已崩解。Cohen離開人世，逃離了世界上種種紛擾，化作「一隻電線桿上的鳥」(Bird on the Wire) 並找到了自由，其餘還活著的我們只能靠聆聽他的音樂、讀他的詩作來度過醜陋的塵世生活。
《Cry Cry Cry》專輯的重頭戲在中間的兩首搖滾金曲〈Baby Blue〉和〈Weaponized〉。〈Baby Blue〉以合成器為大宗，由Spencer Krug主唱，滿溢他招牌的豐沛情感，歌詞大概只能用「美麗與毀滅」來總結。Krug與愛人之間的關係趨近病態，對雙方都是自毀的過程，但這段關係在摧毀他的同時又是他的精神支柱，他說什麼都不願抽身。Moonface的歌迷對於「藍色」、「火焰」等頻繁出現在《Julia with Blue Jeans On》和《My Best Human Face》等專輯的意象一定不陌生，且Spencer Krug持續提到蒙特婁，這座城市因為他的歌曲而不朽。貝斯手Dante DeCaro和鼓手 Arlen Thompson在〈Baby Blue〉的表現也特別值得稱道，他們打造的節奏組使歌曲更富戲劇張力。
Dan Boeckner創作的〈Weaponized〉採用較傳統的搖滾樂歌曲架構。開頭的鋼琴爬升相當引人入勝，讓人立刻進入五光十色的虛擬世界中。和〈Baby Blue〉相反，〈Weaponized〉探討的不是情感上的執著而是現今常見的短暫線上戀曲，伴侶可能有多重身份與偽裝，讓人難分虛實，無法判斷是否為真心。不論同不同意他的觀點，歌曲本身節奏明快、吉他獨奏也聽起來很過癮，我可以想像現場觀眾對這首歌的熱烈反應。
身為另一位主腦，Dan Boeckner在《Cry Cry Cry》當中貢獻近一半的曲目，即使他的歌不像Krugs那樣創意十足、天馬行空，但他讓聽眾接受到搖滾樂真誠的魅力。〈You’re Dreaming〉的跳舞節拍極具感染力，把樂團跳動的合成器、漂亮的吉他演奏和鼓點結合成迷人的都會獨立搖滾歌曲。〈Flies on the Sun〉藍調風情的吉他在專輯中很有特色，娓娓道出時光流逝、青春不再，感情走到盡頭的心境，結尾的吉他和細微的鍵盤聲聽來悲傷卻也不過度頹喪。
Boeckner的〈Artificial Life〉及Krug的〈King of Piss and Paper〉在專輯結尾製造了另一波高潮。〈Artificial Life〉以神經質的氣場和對階級分化的尖刻批評來吸引人；Wolf Parade目前的生涯階段讓他們想對社會議題發表看法，而他們也避開了假如向人說教會引起的不悅感。〈Artificial Life〉乍聽之下歡樂、玩世不恭，聽眾能邊跳舞邊消化嚴肅的議題。隨後的〈King of Piss and Paper〉（又指涉現任美國總統）走的則是催情路線，Krug的歌聲和各件樂器表明就是要搖撼人心。當下的社經情勢令Krug疑惑不解，提出各世代的創作者都感到迷惘的問題「藝術家的作品應該關注自身經歷，還是關注社會問題？」
How can you not sing about love?
How can we not sing about ourselves?
How can we, how can we sing about ourselves?
How can we sing, sing about love?
起初Krug先思考個人經驗（「我對宗教的恐懼很陌生 / 也不能宣稱自己能體會酷兒的處境 」 ），然而情勢發展使他無法視而不見，終於瞭解到政治事務與個人經歷是密不可分的。即便「國王」（意指有權勢者）已經磨刀霍霍要殺光大家，Krug和團員會用音樂維持反抗的姿態。
《Cry Cry Cry》是Wolf Parade成團至今整體感最佳的一張專輯。雖然風格並未偏離舊作太多，也沒有〈Grounds for Divorce〉、〈This Heart’s On Fire〉、〈I’ll Believe in Anything〉、〈California Dreaming〉等等這些一鳴驚人的歌，但創作成熟度和表演方式都勝過以往，探討的主題也感動人心。樂團甚至在〈Am I An Alien Here?〉提到Bowie的離去帶給我們的失落。許多不被主流價值認可的人們從Bowie的作品獲得認同感，現在這位另類藝術家已逝，我們該怎麼辦？別擔心。Wolf Parade只是外表看起來很正常，但他們永遠會與我們這些躁動的中年人站在一起，唱出我們的心聲。
by Debby
