記錄The Cure在Firenze Rocks 2026演出

到義大利佛羅倫斯的Firenze Rocks音樂祭看The Cure雖然過程有點艱辛，但看完還是覺得很值得，大大小小的表演我也是看過不少，但這大概是我吸入二手菸跟沙塵最多的一次，吸到懷疑人生，晚上九點才日落的炎熱的天氣，沒有太多的陽光遮蔽處，一小瓶水3歐元，只能說佛羅倫斯除了在一般消費上要坑觀光客外連音樂祭也不肯放過，如果不是真的很愛這陣容，基本上是完全不推薦來自虐。

Firenze Rocks的陣容都是The Cure的爪牙，從Just Mustard, The Twilight Sad再到Mogwai都是我的愛團，所以這陣容的挑選沒有什麼好挑剔的，即便非搖滾區的音場一開始並沒有那麼好，在義大利的烈陽下也很難讓人好好專注看演出，但到了Mogwai中半段，才覺得這聲音開始對了，在戶外聽魔怪絕對是不同感受，高頻不炸，低頻有力，這種輸出在室內場地絕對是危險且致命的，但在戶外聽就是避掉了耳鳴的副作用，也能清晰的享受魔怪音牆層次的細膩與張力。

The Cure的演出絕對是殿堂級的，到了現場聽才能理解為什麼他們是樂團中的樂團，現場的混音讓器樂與人聲間都是完美的平衡，即使聽非搖滾區的外圍音響也能享受到一定的水準。他們現場的聲響可以說是超越錄音室作品，尤其是一些舊歌都是超越原本的水準一個檔次，讓人實在是敬佩他們工作人員在調音上的專業。

這次巡迴除了他們近期經典的團員陣容Robert Smith、Simon Gallup、Roger O'Donnell、Jason Cooper、Reeves Gabrels外，還有貝斯手Simon的兒子Eden Gallup擔任吉他手，每個人的表現都很優秀，對Robert Smith在這67歲年紀能完美唱完29首歌我由衷的敬佩，能聽到David Bowie御用吉他手Reeves Gabrels現場翻新The Cure的吉他獨奏只能說爽，能親耳聽到〈 Pictures Of You 〉、〈Lovesong〉、〈A Night Like This〉、〈 Fascination Street 〉跟〈From The Edge Of The Deep Green Sea〉這些經典實在太感動。

邪典電影《龍族戰神》的主題曲〈Burn〉的現場版令人驚艷誘印象深刻，除了聽Robert Smith吹直笛，還有Jason Cooper的鼓點非常之震撼，整個主螢幕都是他擊鼓的身影，這次巡迴也把一些比較冷門的歌拿來演出，像是原本錄很糟的專輯《Wild Mood Swings》裡的〈Treasure〉跟〈Want〉在現場幾乎是好聽翻倍，更不用說《Seventeen Seconds》的〈A Forest〉、〈Play for Today〉、〈Secrets〉等。

正式曲目的結尾〈Endsong〉是整場演出最黑暗的時刻，The Cure一直有兩個不同的面向，一種是做出毫不在意旁人眼光的歡樂流行樂，另一種是歌德式黑暗的莊嚴與虛無，Robert Smith在〈Endsong〉中唱著絕望，將旋律轉化成一種能將所有光亮都能吸收進去的闇黑，彷彿看著他緩緩走入地獄的深淵，唱著他不屬於這個世界。

但Encore的曲目就有相當大的反差，唱了三首《Japanese Whispers》裡歡樂的舞曲與流行曲以及經典的洗腦歌〈Friday I'm in Love〉與〈Boys Don't Cry〉，我其實比較希望他們將在奧地利有演出的曲目放進來，像是描繪人生苦痛如百年戰爭的〈One Hundred Years〉、對希望如祈雨般渴求的〈Prayers for Rain〉、在背叛與被背叛之間情緒崩解的〈Disintegration〉等，這或許是整場演出比較遺憾的地方，但這遺憾也成為下一次再度朝聖的動力。

在場內看著大家穿著各式各樣The Cure的T-Shirt與歌德裝扮的年輕人真的是大開眼界，歌德文化一直都沒有消失，如同那些在歐洲群立的歌德式尖拱建築庇護著躲在暗處的人們，那些不被主流接受的邊遠人，擁抱死亡的存在主義者，在苦痛與傷害之間無法痊癒之人，所有人都因他們聚集在這，聽著讓他們感同身受的歌曲。那些旁人無法理解的痛苦，就讓The Cure來詮釋與傳唱吧。

by guan

The Twilight Sad - It's the Long Goodbye

蘇格蘭樂團The Twilight Sad這次的《It's the Long Goodbye》可以說是明星隊級的製作陣容，除了找來Mogwai的現場巡演團員Alex Mackay以及Arab Strap的現場演出鼓手David Jeans前來助陣，也與The Cure的Robert Smith共同合作了三首曲目，可以感受到Robert Smith對他們的厚愛依舊，而The Cure的《Songs of a Lost World》也影響了此張專輯，兩張作品同樣透過創作來表達喪失至親的悲痛。

這次優異的錄音水準，讓三件式樂器在開闊的音場中展現重度低頻聲浪的後龐克節奏，更完整還原破音吉他音牆搭配回聲系效果的破裂炸響，讓黑暗重度的音頻迴盪在整張作品中，除了電氣化的優異單曲〈Waiting for the Phone Call〉外，〈Dead Flowers〉更是猶如The Cure、Mogwai與Arab Strap三團融合而生的曲目。

主唱James Graham如此描述專輯內的單曲〈Waiting for the Phone Call〉：

「這首歌是關乎悲傷、愛與精神疾病。這些事情佔據了我的生活，而我病倒了。我以一種最殘酷的方式，失去了對我而言最重要的人。

我一直將寫作視為一種處理與應對情緒的方式。但我的情緒成為了問題且我無法控制它們。尤其是過去這七年與Andy (吉他手) 一起創作音樂，既是我的避風港，也是我處理情緒、並試圖理解生活意義的機會。

在人生的某個時刻，我們都在等待一通可能改變命運的電話。但不幸的是，這首歌聚焦於那通你永遠不希望接到的電話。」

by guan

These New Puritans - Crooked Wing

These New Puritans這次再度找來Bark Psychosis的Graham Sutton來製作這張《Crooked Wing》，延續Graham Sutton過往一貫的教堂錄音美學，是他們繼《Field of Reeds》後重返教堂使用鐘聲、合唱以及管風琴等聲響來作為此張專輯的音像主軸，但在幾首歌曲中又融入了機械性的電子節奏來呈現出整張專輯欲呈現的矛盾感，神聖莊嚴的靜謐與機械性的共存。

如同〈A Season In Hell〉你很難找到確切的描述方式來定義此曲的風格，彷彿回到他們在《Hidden》時期鼓機的節奏與太鼓的重拍，加上管風琴急促與悠長的琴響與Jack Barnett饒舌般的唸唱，將巨大機器無情行走在陸地上與一旁人類渺小到幾乎肉眼不可見的意象展現出來，以此極簡的方式來極大化對聲音的想像可以說是現代音樂的創舉，These New Puritans證明了古老室內器樂與現代化的聲響的搭配能夠突破對固有音樂風格的想像，但不得不說《Crooked Wing》整體的冷調風格讓整張專輯變得難以親近人類情感，像聽〈Industrial Love Song〉時取而代之的是如同觀看冰冷鋼鐵質地般所帶來的心靈平靜。

Jack Barnett與Caroline Polachek合唱的〈Industrial Love Song〉以男女合聲來象徵兩台碰觸不得的起重機，只能當太陽升起時它們的影子才能夠互相重疊，但此曲反而沒有這麼的工業感，相反的用柔和深沉的曲調將機器與人的相似性給體現出來。機器與人相似，彼此都是獨立的個體與彼此保持著距離卻又渴望彼此。

〈Wild Fields〉如同不同英國八零年代new wave樂團的混搭，Jack Barnett像是Talk Talk主唱Mark Hollis般浪漫優雅的唱腔加上Depeche Mode的工業感聲響，用合成器仿造機器的運作聲響讓它聽來猶如人類的呼吸聲。專輯同名曲〈Crooked Wing〉算是專輯中另一首我喜歡的曲目，Jack Barnett如同朗誦經文的念唱與行軍般的鼓點與琴響讓整首曲子帶有一種神聖性，中段後的變調與唱腔轉化更讓人想起Mark Hollis唱著憂鬱又悠長的旋律，後段由管風琴引領的轉換，更讓整首曲子的神聖性昇華到另一境界。

《Crooked Wing》頭尾兩曲的呼應讓如同女高音般的男童如同天使帶人飛繞地球上空觀看陸地上經過工業化後的荒蕪，當人看著無數機器與工廠持續運作在土地上，那股悲涼的情緒突然湧上心頭。這次沒有了《Hidden》澎湃的聲響與過度製作，也沒有《Field of Reeds》的新古典沉悶與《Inside the Rose》對合成器流行樂的敏銳度，《Crooked Wing》取用了過往這些作品小部分的精華，以神聖的鐘鈴與機器性冷調的節奏融搭出開闊且充滿想像性的音域。

by guan

bdrmm - Microtonic

雖說英國樂隊bdrmm在《I Don't Know》就已經嘗試以電子舞曲節拍當基底搭上幽暗的合成器音色與吉他噪音來呈現出末世感的新迷幻樂，到了《Microtonic》更將這個混搭方式發揮的更加淋漓盡致。

首曲〈goit〉找來英國電子搖滾樂隊Working Men's Club合作，他們用平穩的大鼓節奏加重了bdrmm音樂本身的律動然後再接上電子碎拍與恍惚灰暗的合成器旋律，將對死亡的焦慮換做成聲響的音頻，即便新冠疫情已經過去數年，那股被遺忘的恐懼彷彿在他們的音樂中飄盪不散。

〈John on the Ceiling〉與〈Infinity Peaking〉可以作為一首將電子與新迷幻融合的不同凡響的範本，有記憶點強烈的主副歌，讓人陷入進淺藍色的巨大漩渦中，Ryan Smith在〈Infinity Peaking〉中唱著在這個早已迷失與失控的世界中人是如何逐漸失去自我，正當你覺得這兩首曲子已經夠出色的時候接下來的〈Snares〉在詞曲表現上又更上一層樓。

他在〈Snares〉唸著詞句：

「要不要挺身而出，奪回屬於我們的東西

就只剩下一個選擇

不論這一刻是否真的降臨」
「我們所遺忘的時光，已被扭曲、破碎並奪走
我會知道這一切的原因是
由於我們至今仍在這裡」

如同Radiohead在《Kid A》中的名曲〈Idioteque〉中的4/4拍techno節奏迴圈著整首歌曲，〈Snares〉猶如一首存在主義的舞曲，在人工智慧全面佔據生活後質疑著存在的意義並且為人的存有價值奮鬥。

而副歌唱著：

「我們曾一同分享的那些想法，是我們僅存的依靠
在那無數共同度過的歲月中
我們終於明白——
一切，都無所謂了」

「我們都曾想像結局會是什麼模樣
從最初就開始猜想
但若為過去妥協未來
終究無法真正離開」

我們不能緊抓著過去不放，必須更勇敢的面對未來，無論結局是什麼。

專輯的下半部轉為氛圍感更強的慢板歌曲，〈Clarkycat〉受到David Lynch的首部電影《Eraserhead》影響，將那種黑暗詭譎的氛圍透過downtempo的節奏與合成器霧化般的聲響呈現出來，沒有到像電影中的絕對黑暗，反倒是讓人聯想到英式鄉村中清晨大霧般輕薄的淡藍色調，與英國後搖傳奇Bark Psychosis音樂中的抑鬱有異曲同工之妙。

單曲〈Lake Disappointment〉如同一首Radiohead在《Hail to the Thief》的曲目，碎拍、重拍、扭曲的電子音色，與炸裂的電吉他音牆，他們試圖從電子樂中的頻譜中再切回吉他搖滾重現他們早期的樣貌，控訴著人類不斷在問題中尋找答案，只為了感受到那一丁點的自由卻絲毫不去改變尋找答案的方向，不斷的自我感覺良好。

bdrmm在〈Microtonic〉中的嘗試更顯露出他們能更成熟的掌握各種電子音色與節奏，再將它們轉化成舞曲與新迷幻的融合體，給人一種末世英式的未來感，反轉了電子音樂的冷調，你聽到的是無限透明的淡藍色傳達著如何通向未來的憂鬱信息。

by guan

Fontaines D.C. - Romance

一開始聽到Fontaines D.C.釋出《Romance》中的兩首歌曲〈Favourite〉以及〈Starburster〉時頓時不知道這兩首歌要怎麼樣並存在同一張專輯當中，一首樂觀明朗另一首黑暗又憤怒，外加上樂隊霓虹風格的著裝令人對《Romance》的音樂調性完全摸不著頭緒，當專輯一發行後才對專輯中音樂風格的多樣性驚嘆不已，他們不只嘗試風格上的改變，而是透過各種八零、九零年代的經典音樂風格來建構出自己的音樂宇宙，對我來說那不只是一種致敬與懷舊情懷反倒是他們讓模糊未來與過去的方式，如同反烏托邦電影《銀翼殺手》或是日本動畫《阿基拉》中同是描繪未來又因科技的高度發展而產生高度落差的毀滅光景。

團員們也述說電影、影集以及這些影像的原聲帶對《Romance》的影響其實是大於音樂的，這次找來James Ford來擔任製作人，相較之前製作人Dan Carey讓器樂與人聲較為原始與平衡的音像輸出，James Ford讓Grian Chatten的聲音更為靠前，並且採用更多合成器與弦樂的堆疊來製作出電影配樂般的音像。這也是Grian第一次對他自己的歌聲感到滿意，畢竟這次他真的把他自己的聲音從心底給唱出來了，這張專輯無疑展現出他毫無修飾又個性化的歌聲，他的歌聲並不特別優美或富有技巧性，但是他能夠讓人感受到他真誠的嗓音就已足夠。

《Romance》的概念就像是在說人如何在末世的情境下依舊能夠墜入愛河，找到自己能夠繼續能夠珍惜所愛之人事物的地方，如同專輯同名歌曲唱到的 "Maybe romance is a place" ，第一次聽到〈Romance〉這場開場曲，心想這唱法、歌曲旋律跟合成器也太像Depeche Mode了吧，James Ford先前也的確製作過Depeche Mode的專輯。嘻哈節奏加上合成器與鋼琴的〈Starburster〉讓你想到以前最愛的那些嘻哈歌曲，又外掛上Nu-Metal黑暗的吉他刷奏與Grian饒舌與斷句中「呃～」的喊聲聽來都讓人倒抽一口氣，整首歌就像是恐慌症發作的過程，副歌後Grian突然改變唱法，猶如撥雲見日般的輕柔的唱著旋律，與主副歌中的憤恨呈現出完全的衝突，這一表現也呈現出他們在此張專輯中光與暗同時並存的意象。

〈Here's the Thing〉中骯髒的吉他痛調讓我想起Suede吉他手Bernard Butler所彈奏的手法與音色，只可惜貝斯的音線不夠突出，只讓Grian的歌聲與吉他成為亮點，歌曲像是對電影中的人物對話般，宛如一種對角色產生同理的過程。Grian在〈Desire〉唱著人是被慾望驅使的動物，我們永遠無法滿足永遠都想要更多，讓我想到《阿基拉》被慾望吞噬的鐵雄，當人掌握力量後便以為自己成為了神能夠無所不能，孰不知這一切都只是通往自我毀滅的道路上，他的聲線如同漩渦般將人捲入灰濛的霧氣中，這首歌的琴鍵聲與唱法讓人想起Radiohead在《A Moon Shaped Pool》中所營造出的深層的灰色調氛圍。

不管是洛杉磯還是東京，從這些城市的逃離成為了〈In The Modern World〉這首歌，也為了逃離了名氣所帶來的關注與紛擾來重獲自由，這首歌在旋律、弦樂的編排上都無疑受到Lana Del Rey影響，但從Grian口中唱出來又是另一種截然不同的聽感，我想這首歌動人的地方在於告訴世人逃離喧囂不是一種罪過，你永遠都能在這世界上找到自己的藏身之處，歌曲在合音的搭配也相當絕妙，如同一張重複曝光的照片，兩個孤寂的靈魂默契般的重疊在一起。

〈Bug〉的節奏與和弦行進讓我想起The Church的〈Under the Milky Way〉，配上歌詞的韻腳讓這首歌更有詩韻，如同念出拿著鉛筆在筆記本上隨手寫下的詩詞。吉他手Conor Curley作為〈Sundowner〉難得在歌曲中擔任主唱，由於他本身就是Shoegaze音樂的愛好者，所以這首歌帶有夢幻般的旋律與重度回響效果的吉他噪音，他的歌聲與貝斯手Connor Deegan III的合聲搭配起來也呈現出與其他歌曲不同的聽感。而〈Death Kink〉中扭曲骯髒的尖銳吉他聲響則是聽起來相當的The Pixies，但也說不上是一首能與The Pixies經典歌曲媲美的曲子。

也因為他們將〈Favourite〉放在專輯的尾端，《Romance》成為了一張由黑暗走向光明的專輯，爽快的電木吉他刷奏著大調和弦行進，宛如The Cure的〈Just Like Heaven〉，歌曲直接了當的表達人跟人之間對彼此之間的友誼或是情誼，然而聽完〈Favourite〉又彷彿給人一種專輯還未結束又要重頭開始的感覺，成為一個帶給人希望的結尾。

《Romance》就像是一張八、九零年代另類音樂的合輯，卻又不流於俗的在經典的曲風之中加入當代流行音樂的元素，展現出他們不斷突破自我的態度，雖然犧牲了先前幾張專輯中出色的低音節奏，但在製作上將器樂的編制擴大，在大編制中營造出可以讓Grian Chatten發揮嗓音的空間，讓人沉浸在Fontaines D.C.所打造出的玻璃雪球中，Grian是這樣形容《Romance》如同玻璃雪球：「雪球中美麗平靜的景象在下一秒可能就被暴雪所籠罩成為混亂。」

by guan