Lou Barlow - Reason to Live

參與Dinosaur Jr.、Sebadoh及The Folk Implosion等音樂計劃的Lo-fi唱作人Lou Barlow從八零年代至今一直非常活躍，能夠看到喜愛的音樂人成熟、變老，聽到他在不同生命階段的體悟和音樂風格的轉變，是件有趣的事。在推出最新個人專輯《Reason to Live》之前，今年稍早Lou也和Dinosaur Jr.發行新專輯《Sweep It Into Space》。嚴格說起來，Lou的這張個人專輯和Dinosaur Jr.的專輯都與過去風格沒有太大差異，但個人對《Reason to Live》的喜愛卻遠勝過《Sweep It Into Space》，原因可能是Lou所討論的主題多樣，音樂也比較有挑戰性。

「真實表達自己」是八零年代末九零年代初獨立搖滾樂吸引樂迷的原因，雖然在目前這個重視包裝和形象的時代，「真實」與否已經是個過時的概念，但Lou從未放棄這樣的原則。《Reason to Live》記錄了Lou這幾年在思索的問題，如愛與親情、他個人的酒癮、美國的階級分裂問題，簡而言之就是如何在這紛亂的時代找到活下來的動力。

〈In My Arms〉是專輯中少數（唯一？）在八零年代就寫好的歌曲，由現已年過半百的Lou來演繹更顯得彌足珍貴，一開始充滿顆粒感的錄音和危顫的撥弦聲表現出低傳真美學，Lou談到人生被酒精和自我否定掌控，直到音樂靈感萌生將他從自毀深淵解救出來，副歌悲喜交集的情感意境深遠。

以民謠吉他呈現的〈Reason to Live〉和〈Why Can’t It Wait〉對我來說特別有Lou所寫旋律的特色，帶著某種靈光能在剎那間點亮暗處，像以前的歌曲〈Too Pure〉和〈Skull〉等也給我這樣的感覺，不論歌曲主題多麽黑暗。〈Reason to Live〉呼籲人們在眾人爭奪利益的背景下，應保留善良的本性，不過他是從個人對家人的愛為出發點，並未淪於說教。〈Why Can’t It Wait〉用像對朋友說話的口吻規勸人不要受到過盛的企圖心奴役，懇切的詞句和美好的旋律真的會讓人記在心上。

2018年曾作為單曲發行的〈Love Intervene〉在專輯中改編成不插電版本，當年的版本雖然有其他的樂器組合聽起來卻比較平靜，此處主歌躁動的撥弦、爬升的副歌讓Lou的老生常談變得迫切，希望愛能戰勝一切紛爭。

喜歡Sebadoh《III》的歌迷會在這張專輯中找到許多驚喜，比如說〈Privitize〉中段從遠方突然跳到前方的貝斯，還有簡短且有點詭異的〈Over You〉。〈How Do I Know〉莫名激動的烏克麗麗聲搭配聽起來有點漫不經心的背景和聲，令人會心一笑。〈Thirsty〉據Lou所述是想做一首讓人聽了不太舒服的慢速搖滾曲子，低迷的旋律和古怪的和聲中有種尚待釋放的能量，如果搭上電子節拍就會成為類似以前The Folk Implosion的歌曲。

Lou Barlow憤世嫉俗的態度已經被年齡增長撫平不少，但幾年前巡迴的疲憊和社會事件的催化還是讓他寫下了〈All You People Suck〉這樣的歌，歌詞 All you people suck / You’re the ones who don’t believe / That we’re all connected 讀來孩子氣，不過民謠吉他和樸實的鍵琴聲還是有點溫暖，感覺這位大叔是出於好意而說氣話。

終曲〈Act of Faith〉扣緊專輯的大方向，這些日子我們目睹了許多生命的流逝，有時候懷疑自己生存的意義為何，對Lou而言，這是一種信念。〈Act of Faith〉可以聽到兩把吉他，一把彈出宛如行進般的旋律，一把彈一些裝飾用的音符使音樂變得比較溫柔，雖然世事變化無常，但 Dead men can't hold you / Or understand your truth / But I can。為了理解他人，尤其是自己重視的人，讓我們努力度過疫情難關，和Lou一起繼續思考人生的謎團。

by Debby

拍謝少年《歹勢好勢》專訪

台灣樂團拍謝少年今年推出第三張專輯《歹勢好勢》，不但擔任自己的製作人，與錄音師孟諺一起製作專輯，歌詞上有金曲獎台語男歌手、最佳作詞「黑哥」謝銘祐把關，講究台語用字上的情感連結，還邀請濁水溪公社的主唱小柯、金曲獎最佳作曲得主余佩真、Tizzy Bac樂團主唱陳惠婷、電子樂國寶三牲獻藝來助陣，演奏出多元自由的獨立搖滾之聲。DOPM 有幸邀請到團員們來跟我們聊聊這張新作品。

1. 可否先跟我們聊聊《歹勢好勢》這張專輯名稱的由來，背後有什麼樣的故事？又或者說這張專輯整體有什麼樣的概念跟想法想要帶給大家？

專輯名稱的由來來自於跟黑哥討論歌詞時的靈光一現，會這麼說，是因為在寫歌的期間，因為同時蠻認真的研讀台語，當遇到某些對於這個語言的特定詞彙，它所能夠表現獨一無二的美感與深度會特別有感覺，詳細的敘述網路上可以找的到，在這張專輯的創作時空背景之下，我想它最主要就是希望表現出那種禍福相倚，好壞隨人的無常感，面對這樣的態勢，順勢而為，盡量不隨之波動可能是專輯內歌曲歌詞想要烘托的部份。

《歹勢好勢》主要寫歌期恰巧是去年（2020）的中國武漢肺炎疫情初始的前三個月，以及疫情暫歇、現場演出漸漸回溫的仲夏。經過秋天與冬天的錄音製作期、以及年底跨越年初的後製期，這張專輯順利於春天問世。世事難料，專輯發行半個月內，中國武漢肺炎冷不防出了記回馬槍，轉眼間，像是陷入糟糕的即視感般，台灣再次被疫情籠罩，這次的威脅與恐懼感更是兵臨城下。

帶著這樣的心情，重聽了一次《歹勢好勢》，這些歌曲成為了時光膠囊，裡頭收藏了我們三人從《兄弟》發行以來巡演的足跡、練團室裡超越溝通的演奏、陪著觀眾走過的春夏秋冬、以及老了些也清朗了些的這幾年；我希望記住這張專輯裡用時光寫下的台語搖滾，如此地另類、自由。

2. 相較於拍謝少年的前兩張專輯《歹勢好勢》找來不少客座音樂人來合作，似乎這次在各方面有很多新的嘗試跟突破，樂團從上張《兄弟沒夢不應該》到完成這張作品之前在創作的心態上有什麼樣的轉變讓你們想要做出這樣的突破？

製作《兄弟》時，樂團採取的是同步分軌的製作／錄音方式。同步分軌指的是已近乎現場演出的收音方式，保存團員間的演奏呼吸感、節奏行進感；在這階段，如何呈現現場演出的動態與張力，是我們整個製作期最重視的行動綱領。

然而，《歹勢好勢》自製作初期，樂團便有意識地以多元的態度，讓音樂發展。多元意指著在音樂類型、歌詞敘事角度、以及節奏感（groove）的構成，我們都得讓這原本三人組合的土產樂隊，在音樂版圖上踏得更廣些。

因此，《歹勢好勢》裡頭的 featuring，都是於創作早期即開始有意識地編寫、找尋合作對象的成果。

3. 這次歌曲的樂音在各個面向的呈現上聽起來非常的細膩，像是〈時代看顧正義的人〉可以明顯聽到左右聲道是各別的吉他音軌。電氣搖滾〈百百人生〉的器樂跟合音聽起來相當的具有空間感，鼓也錄得很有氣勢。夢幻感十足的〈踅夜市〉在聲響上同時在輕柔與剛硬之間取得了很好的平衡。《歹勢好勢》在歌曲的混音跟錄製上有什麼與以往不同的地方嗎？

承上，《歹勢好勢》這次的製作方式為樂器全部分軌錄音，甚至我們還為了增加空間感，前往佳聲錄音室錄製鼓組、北管樂器以及鋼琴。佳聲錄音室是一座曾製作出數不清台語經典唱片的錄音室，葉啟田、江蕙等台語天王天后皆在此工作過。錄音室裡頭的類比 SSL 控台、經典麥克風都是博物館等級的上古神獸。鼓組完工後的品質我們皆十分滿意，鼓點帶著搖滾樂的扎實顆粒感，但同時又沾染了老台語唱片那暗暗穩穩的色彩。

分軌錄音的好處，在錄製貝斯與吉他上也能展現。貝斯錄製時十分豪華地同時收了五軌，你聽到的貝斯破音（overdrive）都來自貨真價實的真空管，肥厚的聲線是真實貝斯音箱與DI結合的成果。有趣的是，在準備錄音的初期，從開始對於各種想像上的音色實踐到錄音的過程裡，你所面對資料與協作者多半都是善用當代數位便利與快速的錄音美學，過程中其實回頭看有點笨拙甚至稍微不合時宜的類比靈魂在這磨合的過程裡，也是具體而微的體現在這張專輯的各種音色呈現上。

當然，分軌錄音也讓吉他能夠以疊錄（dubbing）的方式增添歌曲的層次感，事實上，這次每一首歌曲吉他、鼓組以及人聲合音都暗藏了許多立體聲的設計，大家不妨戴著耳機，在安靜的空間重聽一次我們在左右聲道所做的不同安排。

值得紀念的是，我們在混音的尾聲，與錄音師／製作人孟諺一起帶著混音檔案回到佳聲錄音室，讓這些檔案重新在類比機器過帶，盡量地讓樂器與人聲能保存類比、溫暖的感覺。當天一路從中午細細調整到半夜三點才正式收工，在監聽喇叭前聽得迷迷濛濛，我們與孟諺對看苦笑，「好像⋯⋯大學的時候期末考在宿舍⋯⋯一起抱佛腳啊⋯⋯」

4. 〈你愛咱的無仝款〉這首是否傳達了每個人都具有獨特性的訊息，不需要遵照單一的價值觀來過人生，每一個獨特個體都是不可或缺的？有特別想要向哪些特別的人們致敬嗎？（咦，那個結尾的編曲也太DIIV了）

這首歌其實是為導演楊力州的系列短片【怪咖】量身打造的主題曲，在寫歌之初就聽了許多導演娓娓道來的怪咖故事，面向廣且深，觸及的社會議題非常的有趣，為了涵蓋全系列短片的宇宙，我們三人用了高度交織的vocal疊唱方式，以及節奏與變調的方式去帶出這個題目的另類與自由性。

一直非常喜歡 Television、Interpol、The Strokes以至於 DIIV 這類雙吉他的後龐客樂團，DIIV 那張2019年的作品《Deceiver》是當年度我最喜愛的吉他搖滾專輯，若無中國武漢肺炎攪局，我們去年四月還會與 DIIV 一起在台灣共演。

在錄製吉他上維尼一向是個傳統死硬派，這次起用一台三十年前設計的100瓦真空管吉他音箱，大聲到有點怕麥克風被我弄壞。值得一提的是〈佇世界安靜的時〉結尾的多重吉他 feedback，這應該是有史以來歌曲裡頭出現最多吉他 feedback 的台語歌曲了，我總共收了六軌 feedback 進去混音裡頭。

5. 〈時代看顧正義的人〉是獻給從事台獨運動的前輩們，但找來濁水溪公社的小柯合唱，更給人有傳承的意味，透過了歌曲將台獨的精神繼續傳承給下一代，面對台灣現在的處境，對這塊土地上的人們有什麼樣的期許嗎？

這幾年的教訓是，不是每個人都能在心靈上、實際上成為台獨運動的實踐者；因此，若遇到志同道合的夥伴，要盡量地合縱連橫，在合作中互相學習求進步，吸引更多朋友加入，像是當年我們遇到小子與李文政那樣。

當初認識台灣獨立樂團場景時，大家對於社會議題的關注與投入是吸引我們縱身投入很重要的一個能量，不論時間如何的流動，作為被這件事深深感動的我們，無論如何也想要持續成為這件事的柴薪，我們在各種議題上其實非常樂於表態，但音樂上我們還是希望回歸搖滾樂團的核心，說到底這其實應該算是我們寫過最靠近政治議題的歌了，想想去年這座島上的民主氣氛，的確我們在這件事上已經覺得不寫不行了。

6. 聽〈百百人生〉時不禁讓人好奇，就像林強從《向前走》到《娛樂世界》或伍佰從《樹枝孤鳥》到《雙面人》，拍謝少年未來會不會做出一張純台語電子專輯？即便拍謝少年電氣化了歌依舊還是很有溫度，跟惠婷合作這首滿具突破性的曲目的過程中有什麼有趣的事嗎？可以跟我們說說這首歌背後的故事嗎？

電子音樂的世界非常廣袤；這次〈百百人生〉的製作，是我們試圖用搖滾樂團的角度、台語的音色需求，接合我們原本三人搖滾樂團的聲響，所達成的階段性成果。但是要製作整張的台語電子專輯，我們還得練好多基本功，現在不敢隨便說好哈哈哈哈哈哈。

事實上，〈百百人生〉從一開始就是個多方合作案，我們找來漫畫家陳繭（代表作《海之子》）以及白輻射影像合作，由陳繭發展早期腳本與人物設定，我們依腳本作詞作曲，最後，白輻射影像會將這首歌製作成為一部動畫 MV，在未來幾個月就會上線與大家見面。MV 會將歌詞中兄妹的故事更加開展，把〈百百人生〉的世界觀做更多的闡釋與影像處理，敬請期待。

我們本身就是Tizzy Bac 的迷弟，從學生時期組團玩音樂也是受到他們的啟蒙，甚至在我們發行第一張專輯⟪海口味⟫，曾經在台北六張犁的A宰羊餐廳辦過發片表演，那時TB的貝斯手哲毓也有來到現場看我們演出；我們過去跟TB的團員並沒有深交，所以這次也是鼓足勇氣打給惠婷提出合作的邀約，惠婷聽完歌曲後就說她也很喜歡這首歌，也一口答應了這次的合作；一直到錄音當天，現場溝通過一些台語特殊的發音與氣口（khuì-kháu），接著惠婷就非常迅速專業地把這首歌的Vocal錄製完成，也提到我們跟錄音師孟諺的協助讓她感受到這是一個充滿愛與溫柔的環境，我們聽到簡直都想獻出自己的心臟啦哈哈。錄完收工閒聊時，才知道惠婷已經考過日文一級檢定，甚至曾用西班牙文寫歌，本身又是法文系畢業，我們都不禁讚嘆祖媽真是個語言天才啊！

7. 歌詞中「過三十以後，有一寡逃避的代誌，佮複雜的心理，花若離枝欲怎樣轉去」或是〈歹勢中年〉中「食到這个年歲，時常感覺，生活是虛累累，失去控制，無法度控制」處處可以聽到三十歲後的心聲，可能是面對各種壓力，可能是看不到未來，唱道「莫為著生活失去自己」有種無奈但又不想失去自我的感覺，這是你們對現在生活的真實心聲嗎？但從另一個角度來看，對周遭人事物的看法是不是又更成熟了?

成熟是種動態的過程，或許過五年回頭看這張作品，又覺得有些地方還是生澀。但誠實地說，這幾年世界改變之大，不管是鉅觀的萬物，或者是微觀的親朋好友們，都發生了許多隨著時間流逝，也無法反轉的改變。

對我們來說，《歹勢好勢》裡頭充滿了許多「移動」的概念，在空間，也在時間上流動；然而，音樂本就是時間流動的一種特殊形式，一首歌曲必須按下播放鍵、開始演奏，這首歌曲才真正隨著時間流動，成為我們所認知的「音樂」 。

8. 〈踅夜市〉也是你們的新嘗試，怎麼會想要做一首像〈踅夜市〉這樣男女對唱的情歌？還是這其實是你們的親身經歷？

其實這首歌詞裡頭的第二人稱，並未特別指涉任何的對話對象；寫的是一段夜晚的小小逃亡，主角帶著過得不那麼好的某人，拉著他騎上機車，穿過向晚燈火，走進夜涼如水，平凡卻迷幻的一場夜遊。

專輯版本加入了小精靈般的余佩真，再補上合成器，讓歌曲出現不同層次的粉紅泡泡，也讓原本聲音想像上缺少陰柔氣質的我們，多了不同的觀點，感謝真真的夢幻現身！

YouTube 在這兩年出現了一群喜歡把某些電子樂、City-Pop 或者老 R&B 速度放慢、再加上濃濃 reverb 的混音社群，或許有天，我們也能看到〈踅夜市〉的 slowed+reverb 的 remix 版本出現。

9.〈踅夜市〉雖然很夢幻但聽一聽肚子也餓了，能不能推薦一些你們一起常去的夜市？裡面有什麼好吃好玩的想要推薦給大家？

台北的話蠻喜歡去延三夜市的，因為我們的製作人小豪哥就住附近，去找他聊天的時候就會在附近吃飯，熱炒、火鍋、燒冷冰、豆花…都好美味。

每週四晚上的高雄蚵仔寮，都會在堤防旁出現個綿延約一公里的濱海夜市。非常推薦入秋時大家去這一夜限定的夜市走走，海風有點冷必須搭個薄外套，但能在堤防旁坐下來看海景、吃空心菜很多的沙茶小火鍋，這個經驗無價。

10. 在三牲獻藝的助陣下我們在〈出巡〉中聽到相當熱鬧的廟會聲響,是在什麼樣的機緣下開始跟三牲獻藝合作呢？又是用什麼方式合作的呢？對你們來說信仰是什麼？

每次去大甲附近演出，住大甲的薑薑都會帶我們走一趟鎮瀾宮；對我來說，跟好朋友在表演前後一起去拜拜，拜完去買飲料、吃冰、吃點心或者吃正餐，這是最真實的信仰。

其實我們在前年大溪大禧就已經有跟三牲合作現場演出的經歷，再來就是三牲的三位仙仔都是我們認識許久的大前輩。

如同團員說的，身為大甲小孩宮廟文化就是在我成長中伴隨我長大，你們知道現在遶境的時候大家都在聽嘻哈嗎？

在這次寫歌之初我們就有討論到這個現象，畢竟電子beat重拍真的蠻適合遶境這種眾人一起的行走活動，所以會想要放一些電子元素在歌曲裡面，熟悉傳統樂曲與電子節拍的三牲自然就成為我們合作的首選。

11. 拍謝少年在歌中對台灣生活景像的歌唱與書寫一直是很動人的，但又不淪於觀光節目式的宣傳，其中的哀愁也確確實實存在，〈山盟〉唱的是山與人之間的關係跟心境上的轉變，背後單純是受到台灣群山景象的啟發嗎？還是背後有一個真實的故事？

這首歌起源自對台灣局勢的憂心，但我們並不想單純抒發焦慮，而試圖觸碰更大的命題；台灣的山脈跟海洋一直都是最迷人的存在，過去我們曾寫過大海的廣闊與深沉，這次想試著透過山林來書寫對台灣的感情；中間那段像是詩詞的描寫來自於平常爬山的體驗，翻山越嶺走過台灣高山的人必定都曾震懾於山林的宏偉與神秘，特別是當你偶然迷失在山間小徑時，轉頭看見神木聳立、四周靜謐無聲、只剩腳下踩踏的樹葉沙沙出聲，你會特別感受山林是極為純粹而巨大的存在，相較之下人類生命又是多麼不起眼；對於山林我們始終都要保持敬畏之心，才不至於迷失方向；要更深刻地理解這塊土地的美麗與哀愁，或許除了大腦之外，我們更應該用身體好好去感受。

12. 《歹勢好勢》最有趣的地方是曲風的多變，甚至在同一首歌中就可以聽到多種曲風，更厲害的是在西式曲風仍保有台味又不至於太過衝突及矛盾，你們在製作專輯的期間都聽些什麼音樂？

重新把 The National、The Strokes 的作品用心聽了一遍，除了研究編曲之外，也因為我們找來的母帶工程師 Greg Calbi 先生，也負責了上述兩團的大部分作品；通常在專輯進入混音階段時，耳朵都會因重複聆聽、檢查而相當疲勞，也沒有太多時間與體力聽其他的音樂，但若有些零碎的時間，會聽著 The National、The Strokes 放空，一面想像這張專輯最後的音色會長怎樣。

此外，在寫〈百百人生〉編曲時重聽了很多次 Depeche Mode 與 New Order，編〈踅夜市〉時聽 Cocteau Twins；寫歌詞如果暫時喪失靈感，我會拿起吉他彈唱黑哥謝銘祐的作品，感受黑哥寫詞入曲的斟酌與厚度。

Darkside - Psychic (2013)

由電子音樂製作人Nicolas Jaar與吉他手Dave Harrington所組成的Darkside可以說是一個相當特別的音樂計畫，他們的首張專輯《Psychic》體現出兩個音樂背景不同的人如何在概念互相衝擊並融合出難以定義的音樂作品。正當Nicolas Jaar為他個人電子作品《Space Is Only Noise》尋找現場巡迴的樂手時，他透過了友人牽線而找到Dave Harrington，受爵士音樂訓練的Dave Harrington原本是一位貝斯手，到了參與Nicolas的巡迴演出時則成了一位吉他手，當他們在德國巡迴時，Nicolas問了Dave要不要來一起做音樂，於是他們兩人便開始在柏林的旅店玩起音樂，一個人拿出筆電，另一人拿出吉他，開始他們對音樂的創意激盪。

先在2011年發行了他們的第一張EP，兩人合作便開始計畫現場演出，因而打造出《Psychic》的藍圖，又在2013年六月以Daftside為名一起混音了Daft Punk的《Random Access Memories》彼此累積了更多的合作默契，然後於同年十月正式發行了《Psychic》。專輯即使以電子節奏、合成器聲效及聲音取樣為基底，再加入Dave所彈奏的迷幻、藍調及放克的吉他節奏後變得更有生命力，雖然專輯整體帶著陰鬱的低沉氛圍，但是節奏感卻讓人猶如置身在搖滾現場搖頭晃腦。Dave曾說道，當你跟一位音樂人談論五分鐘後，你不用聽他彈奏任何樂器就能知道能不能跟他一起做出好音樂，而Nicolas就是這樣的音樂人，《Psychic》的問世也更加證明了這一點。

長達十一分鐘的〈Golden Arrow〉作為專輯的第一首歌，歌曲長度原本會讓人以為很有挑戰性，結果它卻像是宇宙黑洞般將你吸入另一個世界，環境音效將聽者的心情沉澱下來，再慢慢用極簡的鼓拍與迷幻的吉他節奏讓你踏上太空旅程，就像是Downtempo版本的Pink Floyd，逐漸增強漸弱的貝斯低音使得整首歌在強烈的韻律感中得到緩衝，這樣沉浸式的循環節奏彷彿可以沒有終點的一直播放下去。

〈Heart〉中Dave所彈奏的藍調吉他節奏一聽就讓人印象非常深刻，搭上行軍式的鼓拍與Nicolas的歌聲譜寫出一篇黑暗詩歌，將在黑夜中無人的空曠感完美的營造出來，最會將各個音軌一同推進出聲也為黑暗的夜空點上繁星。另一首單曲〈Paper Trails〉是專輯中另一場重頭戲，極簡的鼓點，貝斯低音掌握了完美的韻律，一旁的藍調吉他節奏加深了歌曲苦悶的抑鬱氛圍，各個聲音被賦予所需要的空間，在各自的節拍點上被賦予生命活躍其中。

〈The Only Shrine I've Seen〉猶如吸納了南美傳統音樂的跳舞節奏，這時Dave採用了放克的吉他彈奏來加入這個節奏，此曲瞬間搖身一變成為一首暗夜舞曲，正當你以為歌曲要到最精采的部分時它又霎那幻化成為無聲的空無。《Psychic》後半部更著重在電子聲響上，像〈Freak, Go Home〉、〈Greek Light〉鮮少聽到吉他的部分，而最後的〈Metatron〉吉他也成為點綴的部分，這幾首可以說是較為Nicolas導向的作品。

《Psychic》成功的地方在於兩個跨界靈魂在創意上的互相激發，Nicolas Jaar在當中展現了日漸精湛的製作功力，而Dave Harrington則展現出他電吉他彈奏的天賦，以及在Nicolas打造出的空間中找到最契合的音色與節奏來讓歌曲達到另一個層次。即便世人難以定義Darkside的音樂風格，但每個人都能在他們倆人所打造出的黑暗維度中找到自己能夠解讀聲音的方式，他們並沒有在各種聲音的實驗與嘗試後喪失掉可聽性，反而讓世人認知到原來還有這樣如此吸引人的音樂存在。

by guan

The Coral - Coral Island

來自英國西邊濱海小鎮Hoylake的樂團The Coral今年正好出道滿20年，他們選擇推出音樂生涯集大成的雙專輯《Coral Island》，團員根據自身成長經驗構想出一個虛構的海島樂園，專輯中的所有歌曲都在描寫這個樂園中發生的故事和該地的興衰。此概念乍看之下令人摸不著頭續，但專輯最終呈現出來的效果卻出奇地好，聆聽時讓人想起《布萊登棒棒糖》這類關於遊樂園的故事。主唱James Skelly和鼓手Ian Skelly兄弟還找來他們的祖父Ian Murrary來擔任口白，形式上向The Small Faces的《Ogdens' Nut Gone Flake》致敬，這些穿插的口述歌曲為專輯增添了戲劇性。

《Coral Island》分為兩個部分：Welcome to Coral Island及The Ghost of Coral Island，第一部分大多描述在樂園度過的歡愉時光，第二部分則討論樂園淡季的寂寥景象。The Coral原本想把一二部分拆成兩張專輯，間隔三個月左右發行，不過Noel Gallagher建議他們不必這麼麻煩，直接一起推出讓聽眾一次獲得完整的體驗；事後證明The Coral這批歌曲的品質極高，就算專輯很長、歌曲繁多，每首歌都能讓人留下深刻印象，從頭到尾都非常流暢。

第一部分Welcome to Coral Island好歌一首接著一首。在開場白〈Welcome to Coral Island〉之後的單曲〈Lover Undiscovered〉試圖捕捉早晨萬物甦醒，懷抱新希望的感受，整首歌充滿英倫風情和六零年代流行搖滾的影響，鼓勵人體會生命中單純的美好。〈Change Your Mind〉jangly的吉他宛如R.E.M.的歌曲，音樂記錄下追尋某個人過程之中的悲喜交集。其他比較輕快的歌曲還包括另一支單曲〈Vacancy〉，貫穿主歌的復古風琴聲是一大特色，歌詞取材自主唱James Skelly過去寫的詩，原本感嘆自己孤身一人，最終擁抱自己的孤獨，寫出了所有人的共通經驗。〈My Best Friend〉旋律明亮討喜，描述和友人意見不合、溝通不良，卻不會影響彼此情誼。

幾首慢歌都充滿詩意。〈Mist on the River〉使用Moog合成器製造氤氳的效果，團員的三部和聲宛如六零年代的Crosby, Stills & Nash，搭配美麗的詞句（太陽越過水面升起，如鬼魂飄至天際，掠過石子、劃破清晨，在地面畫出無法重現的形狀。這些日子宛如天堂，但終會消逝。我看著你，心裡想著，為了你，今天水上起霧），讓人宛如置身夏末的英格蘭。〈The Game She Plays〉的迷幻風格讓人想起Pink Floyd，而以民謠吉他為基底的〈Autumn Has Come〉沉靜的氛圍預示專輯下半部分較為憂鬱的主題。

The Ghost of Coral Island第一首非口述歌曲〈Golden Age〉哥德風的琴聲彷彿Nick Cave & the Bad Seeds的歌曲，敘事者緬懷著夏天的離去，雖然淡季已經到來，仍然嘗試說服旅客樂園能提供最棒的娛樂。專輯發行前已經強力放送的單曲〈Faithless Angel〉絕對是今年最優異的單曲之一，主唱James Skelly的聲線有點神似Leonard Cohen，曲風混合了藍調和民謠，歌詞中的無臉天使踏上未知的旅程就像恐怖片的情節，如果親自踏上廢棄的遊樂園，確實也會覺得置身於電影片場。

由於地緣關係（James Skelly在利物浦的Parr Street Studios經營他的廠牌Skeleton Key），《Coral Island》專輯中有一些模仿The Beatles風格的曲子，尤其是〈Take Me Back to the Summertime〉的人聲和樂器編排明顯學〈I Want to Hold Your Hand〉這類的流行曲，而倒數第二首歌〈The Calico Girl〉的人聲有Paul McCartney的神韻，這些元素在《Coral Island》中蜻蜓點水出現一下倒也有趣。

第二部分的其他亮點包括緩慢且有點淡淡哀愁的〈Strange Illusions〉和〈Old Photographs〉，傳達出舊城風華不再的複雜感受。〈Watch You Disappear〉彷彿帶有顆粒的吉他聲響，讓整首歌像是從遙遠的地方傳來的聲音，追尋未果的情況在上半部分的〈Change Your Mind〉以正向積極的態度面對，在此處只剩下無盡的悵惘失落。

即便是雙專輯，聽完《Coral Island》竟然還有點意猶未盡之感，可見樂團大膽的嘗試非常成功。《Coral Island》中描繪的人們或許是出於無奈必須留在那個世界中，渴望能夠離開，作為聽眾卻仍然感到好奇，鼓手Ian Skelly不但手繪了Coral Island的地圖，還和鍵盤手Nick Power出了一本書《Over Coral Island》可以和專輯一起購入。在沉浸在美妙的音樂當中的同時，也不禁開始思索自己有沒有足夠吸引人的故事可以說。

by Debby

Spencer Krug - Fading Graffiti

Spencer Krug擁有許多化身，自從他的樂團Wolf Parade在2005年成為獨立搖滾新星以來，他眾多的音樂計畫逐漸累積了許多樂迷。不過他這次的變身是成為他自己，自出道以來首度以個人名義推出專輯，透過自行成立、名稱幽默的廠牌Pronounced Kroog發行。雖然Spencer Krug在音樂中經常感嘆自己很老派、跟不上時代，近年來他卻趕上音樂人成立Patreon頁面的潮流，在上面對贊助者每個月發行新歌、即興作品、舊歌改編和現場影像等等，並藉此籌募了最新專輯《Fading Graffiti》的資金。

《Fading Graffiti》所有收錄的歌曲都曾經以慢速鋼琴曲的形式出現在 Spencer Krug的Patreon頁面上，他其實可以輕輕鬆鬆把這些歌曲集結成又一張以鋼琴曲為主的專輯，但他卻選擇組一個完整的樂團（成員包括電吉他手Jordan Koop、貝斯手Adrienne Humblet、踏板鋼棒吉他手Nicholas Merz和鼓手Eli Browning）來重新詮釋這些歌，將它們轉換成帶有民謠風格的搖滾歌曲。樂團成員的貢獻功不可沒，我個人認為專輯中呈現歌曲的方式遠勝過當初的demo，讓歌曲更多元且能傳達多種不同的情感。

最終錄出來的專輯捕捉到Krug比較寧靜的人生階段，部分主題包括平靜地待在家中、成為父親、愛情、觀察自然環境等等。如同往常，Krug的音樂充滿了高潮起伏，不過他處理各種轉折的手法顯得駕輕就熟。這並不表示他這張專輯往商業化靠攏，某些音樂元素剛開始聽的時候還會有點挑戰性。比如說開場的專輯同名曲〈Fading Graffiti〉曲折的吉他就讓我花了一些時間適應，音色帶點鄉村音樂的味道，還有顫動的撥弦聲有點像他的Swan Lake舊夥伴Dan Bejar (Destroyer) 會寫的音樂。不久之後這首歌就烙印在我腦海中，不只人聲部分，連吉他旋律我都可以從頭哼到尾，真的很奇怪。

接連的三首歌都令人驚豔。如前所述，Spencer Krug曾出過一些全收錄鋼琴曲的專輯，但這張專輯的鋼琴卻不多。〈Winter Starts to Fall〉是個例外，優雅的鋼琴演奏陸陸續續在歌曲的前三分之二出現，讓人想起Krug的Moonface時期作品。歌曲後半段突然一個大轉彎，推送一道節奏強勁的音流，Krug反覆唱道「你虧欠我，我是多麼愛你」，聽起來既浪漫又有點扭曲。〈Having Discovered Ayahuasca〉起初又帶有鄉村樂風情和Destroyer的調調。Krug委婉批評人的迷障和對偽靈性體驗的追求。這首歌旋律美妙，幾處漂亮轉場Wolf Parade的歌迷應該都會很熟悉。Krug所唱的歌詞「如果你拯救我，我就能拯救你我彼此」非常深刻，聽後在我心中迴盪數日。〈River River〉可能是專輯中最搖滾的曲子，Krug用河流比喻遺忘，以他招牌的激情呼喊感嘆記憶的流逝，如果有機會現場演出的話，定能挑動觀眾的情緒。

〈River River〉之後的曲子逐漸染上哀傷的色調，在專輯中間比較出色的曲子是〈The Moon and the Dream〉和〈Serena's Kills〉。如同歌名所示，〈The Moon and the Dream〉的樂音使人如在夢中，近似先前Moonface的音樂，樂手們製造出爵士風格的神秘氣氛，圍繞著Krug的歌聲。〈Serena's Kills〉起源自Patreon上樂迷的建議，他好奇Spencer Krug能不能用〈Serena's Kills〉這個歌名創作出新歌，成品聽起來Krug表演時可能樂在其中，還加入了類似〈Fading Graffiti〉的回彈吉他、奇特的鼓點，以及突兀卻莫名在這首歌上發揮作用的轉折點。

倒數第二首歌〈Crossroads〉情感奔放，Speneer Krug經常在作品中寫出他個人對音樂生涯的不安，例如Sunset Rubdown的〈You Go On Ahead (Trumpet Trumpet II〉、Moonface的〈November 2011〉等等，但他這次的憂慮感可能比以往更複雜難解。他描述外界勢力（「他們已經著手做出了一個真實黑洞的畫像，但實際上卻是在描繪一個企圖吞噬我們的神」）使得音樂創作充滿危機。也許正是這種存在焦慮驅使他不放棄音樂，「你能不能告訴我，再告訴我一次，我如何在某種程度上能治癒他人？」你可以的，Spencer。

專輯以樂觀的〈Ping a Wing Above the Door〉結束。雖然這首歌寫於疫情發生前，但其中情景適用於人們在過去一年內或多或少有經歷過的封城情況。Krug寫出他和妻子在居家生活中創造出的溫暖安心環境，像是「整個月和你在家閒晃的時光，我感到很開心」、「坐在浴缸裡，筆電裡播放我們兩個都看過的節目」、「只有我們和狗，都不動如山，我再也不會離開」這樣的詞句顯示出Krug已經找到真正的快樂，對於我們目前無法任意移動的情況也提供一個令人耳目一新的想法——當我們只能待在家裡時，也許能和心愛的人建立更親密的連結。

整體而言，《Fading Graffiti》在Spencer Krug的企圖心和樂迷期待之間找到了平衡點。Krug找到了方法能維持創作自由，而不必屈就於廠牌可能對他的要求，真是一件可喜的事。希望他繼續把比較有商業價值的作品留給Wolf Parade，而在他的個人計畫中繼續玩一些有趣的音樂。

by Debby

Spencer Krug is a man of many guises. His overwhelmingly large number of musical projects has dazzled many since his band Wolf Parade became indie darlings in 2005. His latest metamorphosis is just his bare self, releasing an album under his own name for the first time under his own humorously-titled label Pronounced Kroog. Despite the recurring theme of being out-of-time in his songs, he managed to jump on the bandwagon of starting a Patreon page, where he releases a new song every month (along with improvisations, reworked old songs, and live footages) and has obtained funding for his latest solo album Fading Graffiti.

While all songs on Fading Graffiti previously appeared as low-key piano ballads on Krug's Patreon, and it would have been easy for him to compile them into yet another album, Krug chose to reinterpret the bunch by recruiting a band (with Jordan Koop on electric guitar, Adrienne Humblet on bass, Nicholas Merz on pedal steel guitar, and Eli Browning on drums) and transforming it into folk-oriented rock songs. The team effort is commendable since I personally much prefer the songs' current forms to the original demos, giving the songs more dynamics and diverse moods.

The end product captures a more serene period of Krug's life. Some of the subject matters include being at peace at home, potential fatherhood, being in love, and observing natural surroundings. As usual, Krug's songs have plenty of twists and turns, but his delivery of them seems calm and collected this time. Still, the album is a far cry from going commercial; certain elements might initially pose slight challenges to the listening experience. For instance, the winding guitar intro of the eponymous opener Fading Graffiti took me some time to get used to. The guitars are tinged with country music flavors, and the strange twangy sounds remind me of the music by his old band mate in Swan Lake, Dan Bejar (Destroyer). Before long, the song gets stuck in my head, and I can hum the vocal parts and even the guitar melodies all the way through. Strange, indeed.

The subsequent three songs in succession are truly stunning. With Krug's discography of piano tunes, Fading Graffiti has surprisingly little piano on it. Winter Starts to Fall ,however, has elegant piano flourishes scattered in the first two-thirds the song, reminding me of his Moonface days. The song makes a dramatic turn at the last minutes, carrying forward a propelling bridge with sing-along vocals of "You owe me for how much I love you". It is both romantic and slightly twisted. Having Discovered Ayahuasca is country-flavored at first and has that Destroyer-vibe again. Krug makes gentle reproaches to people's superstition and quest for faux-pas spiritual journeys. The song's catchy melodies culminate in masterful transitions that would be familiar to Wolf Parade fans. The poignant line near the end "If you could save me, I can save us both" lingers in my mind for days. River River is possibly the rockiest song on the record. Using the river as a metaphor for forgetfulness, Krug laments the faded memories with his signature passionate howls. It would certainly stir up the crowd when performed live.

Songs increasingly take up somber tones after River River. Highlights in this middle section include The Moon and the Dream and Serena's Kills. The Moon and the Dream, as the title suggests, has dreamlike qualities to its sound, reminiscent of some of songs Krug had written as Moonface. The band creates jazzy and mysterious atmospheres that surround Krug's vocals. Serena's Kills originated from a fan's suggestion on Patreon. A fan on Krug's Patreon wondered if Krug could compose a song out of the title Serena's Kills. It seems that Krug had fun writing and performing this song, which has the twangy guitars on Fading Graffiti, eerie drum beats, and abrupt transitions that somehow work for the song.

The penultimate track Crossroads is the song with most intense emotions on the album. Krug has always had insecurities about his music career (e.g. Sunset Rubdown's You Go On Ahead (Trumpet Trumpet II), Moonface's November 2011), but his anxiety this time is admittedly even more complicated. He describes prevailing outside forces ("Now they've gone and made a portrait of an actual black hole/Which of course is just a portrait of a god that wants to swallow us all whole") that pose great danger to music making. Perhaps it is this existential crisis that propels him not give up musical composition. "And won't you tell me, won't you tell me again/How I'm some kind of healer?" Well, you are, Spencer.

The album ends on an optimistic note with Ping a Wing above the Door. Although this song was written before the coronavirus pandemic, it could apply to the lockdown situation people more or less found themselves under over the past year. Krug describes the warm cocoon his partner and he had created in their domestic life. Lines like "I had a good time just hanging around the house with you all month" and "A bathtub and a laptop showing shows that we've both seen", "Just us and the dog, we were all as still as stones/I'm not moving anymore" suggest true happiness and offers a breath of fresh air in our current immobility—it is possible to forge deeper ties with our beloved when we are stuck at home.

Overall, Fading Graffiti is an album that strikes a balance between Spencer Krug's ambitions and fan expectations. It is wonderful that Krug finds a way to keep making the music he wants to make without giving in to the possible demands from labels. I hope he continues to leave his more commercially viable endeavors to Wolf Parade and create interesting music in his personal pursuits.