Slowdive - Everything Is Alive

還記得Slowdive在九零年代解散前的最後一張專輯《Pygmalion》嗎？樂隊主腦Neil Halstead因為對電子音樂感興趣而做出了一張極為冷調，環境音樂取向的專輯，如同效仿Talk Talk的轉變，你可以把他當作Slowdive的《Spirit of Eden》，但其他樂隊成員並不喜歡這樣的走向，專輯本身的鬱悶氛圍如同團員間的關係也間接宣告了樂隊解散的結局，但Neil在這之後也沒有做出一張個人的電子專輯，反而走向了鄉村民謠組了Mojave 3，在他心裡還有未完成的電子音樂夢，一人製作出音樂比起被他人認可、參與來得容易，即便他在2019用了類比合成器開始創作歌曲打算製作成個人專輯，他還是決定將這些歌曲分享給其他團員，徵詢其他團員的意見，將它們從純電子音樂轉變為一首首Slowdive的歌曲，這也意味著吉他噪音溫厚的Bassline依舊會是歌曲的一部分。

《Everything Is Alive》製作期間經歷了疫情也經歷了團員Rachel Goswell母親及Simon Scott父親的過世，他們決定將這張專輯獻給他們離世的親人，原本預期這張專輯會更為黑暗但沒想到結果卻是比想像中來得明亮，在冷與熱的調性之間找到了中間的溫度，就算是使用了合成器也聽起來溫和，在分解和弦的彈奏與貝斯低音的韻律下從機械式的節奏中取得完美的平衡。

〈Shanty〉的由弱漸強的類比合成器Loop，再讓突如其來的吉他噪音炸響在你的耳膜上，搭上Simon的Motorik beat每一次小小的過門都相當讓人驚喜，因為你從未聽過Slowdive如此強調節奏，每一項元素都相當極簡又重複，卻能刻劃出美妙的音頻。但不得不說後搖滾走向的〈Prayer Remembered〉作為一首過渡的歌曲放在節奏感強烈的〈Shanty〉後面顯得有點突兀

不管是〈Alife〉還是〈Kisses〉都再度展現他們創造出在流行旋律中帶有夢幻感的能力，即便Neil跟Rachel都已經年過半百，兩人合唱聽起來還是能重現那股青春的悸動，即使是年輕一代的人聽到還是能從中找到歸屬，只要聽過〈Kisses〉副歌一遍後那旋律就在腦中揮之不去，吉他延遲與迴響效果的堆疊讓整首歌被迷霧包覆，舞曲節拍則讓你在迷霧中找到不知何去何從的方向，連原音吉他的間奏也是驚喜之處，如同一首New Order與Slowdive合作後的作品。

〈Chained To A Cloud〉在合成器與節奏組的巧妙搭配與環境音的增幅下聽來相當的壯闊，雖然合成器Loop聽來極簡到不行卻能製造出驚人的氛圍，更不用說終曲〈The Slab〉的堆疊有多驚心動魄了，就像是你攀登上高山看著雲霧繚繞的光景，琴聲快速的震盪著空氣不斷的延盪進你的耳門，彷彿你能夠從那一大片音景中找到窮極一生都在追尋的答案，Neil跟Rachel幽魂般的歌聲重疊在一起，如同他們發聲的形體並不存在在同一個時間與地點，而是來自不同時間點讓彼此的聲音交疊在一起。

比起2017年重組後的同名專輯，《Everything Is Alive》在各方面來說都更具有突破性，也彌補了Neil將近三十年的遺憾，當初沒有好好把Slowdive的另一個面向給展現出來，這次則是一了心願，放下作為主要創作者的固執，將不一樣風格的Slowdive帶給大家，也向世人展現了實驗音樂如何能轉化成流行音樂又不失樂隊核心的本質。

by guan

Unknown Mortal Orchestra - V

自從2018年的《Sex & Food》以後，除了一些零散的即興錄音以外，Unknown Mortal Orchestra沉寂了一陣子沒有發表新專輯，但Ruban Nielsen和團員的影響力還是隨處可見，去年他們在Toro y Moi《Mahal》專輯中參與的〈The Medium〉一曲就令人印象深刻。Unknown Mortal Orchestra與Toro y Moi、Mitsuki、Khruangbin、Japanese Breakfast等樂團為獨立音樂帶來新的觀點和世界音樂的影響，成為一股新勢力。

由於是睽違五年的新專輯，Unknown Mortal Orchestra把第五張專輯《Ｖ》定位為雙專輯，總長度約一小時，其中的歌曲大多是在新冠疫情爆發的數年間創作的，對於封城期間受困的感受近年推出的不少音樂專輯都已討論許多，Unknown Mortal Orchestra反其道而行，想創作一張愉悅歡樂的專輯來驅散疫情時的愁雲慘霧，重現Ruban Nielsen和哥哥Kody的父母數十年前擔任度假飯店樂手時所演奏的音樂。然而現實情況遠比規劃的還要複雜，兩兄弟的舅舅被診斷罹患重病，讓悲傷情緒無可避免地滲入《V》的歌曲中，Ruban Nielsen受訪時表示家族經歷中不論是好事或壞事都造就了現在的自己， 如果新專輯能夠傳達這種悲喜交集的訊息，就算成功了。

開場曲〈The Garden〉的鍵琴與Unknown Mortal Orchestra獨具特色的吉他音色營造出異國情調，歌詞似乎在描述花園中生氣勃勃的生態系，歌曲後半段彷彿信手捻來的吉他獨奏讓人擺脫倦怠狀態，重拾對生命的熱情。

接在洗腦曲〈Meshuggah〉之後的〈The Widow〉是一首爵士樂小品，Nielsen兄弟的父親Chris吹奏薩克斯風，展現出Nielsen一家人的演奏功力，也營造出一種寧靜、適合思考事物的氛圍。〈The Widow〉直接銜接到因為被心儀對象忽視而悵惘的〈In the Rear View〉，在Ruban Nielsen微弱的歌聲和低迷的吉他間，往事歷歷在目。

〈That Life〉描寫Ruban Nielsen搬到加州沙漠度假勝地Palm Springs居住後的感受，當地幾乎全年陽光普照，但一到夜晚周遭變得異常安靜，散發出詭異氣氛。Nielsen描繪出當地遊客與居民的眾生相，在珠光寶氣的人們和奢華的度假設施間仍有大大小小的人際衝突事件，隨著調皮的滑動吉他旋律，Neilsen描繪出一幅享樂主義與末日氛圍共存的畫面。

《V》當中可以看到許多七零年代音樂的影響，像〈Layla〉與Eric Clapton的暢銷金曲同名，不過除了歌名之外兩首歌就沒有太多相似之處，而〈Shin Ramyun〉這樣靜謐寫意的純演奏曲讓人想起Steely Dan的音樂。受到迪斯可音樂啟發的〈Weekend Run〉討論大家習以為常的週末，其實對於一般社會人士來說是無比珍貴的時光，主歌提到週間的日子時，背景音樂刻意顯得無精打采，讚頌週末美好的副歌則變得神采奕奕，整首歌的真實感非常迷人。

專輯中的歌曲大多是關於平凡日常的主題，從頭到尾聽起來很舒服，適合在慵懶的週末早晨播放。唯一比較特出的歌曲是不插電的〈I Killed Captain Cook〉，以夏威夷人的角度描述十八世紀殖民者James Cook試圖綁架當地首領，而被殺害的歷史事件，這是Nelsen的母親從小常跟他講的故事，Nielsen以溫柔的唱腔把歌曲獻給他的母親。終曲〈Drag〉捕捉了團員在某天一起即興演奏音樂的時刻，雖然結束得有點猶疑不定，但樂迷就是喜歡Unknown Mortal Orchestra看事情獨特的角度，就算專輯內並非每首歌都是經典之作也無妨。

by Debby

The Murder Capital - Gigi’s Recovery

愛爾蘭後龐克樂隊The Murder Capital的《Gigi’s Recovery》毫無疑問是2023上半年必聽的專輯之一，他們在2019找來知名製作人Flood操刀的《When I Have Fears》雖以狂躁後龐克樂風打響知名度，但不免讓人看到太多前人影子，不過《Gigi’s Recovery》反倒是找到了他們自己的風格，並且在詞曲的譜寫功力上更為洗鍊，當我們在評斷一首歌是否寫得夠好時，可以從樂隊的不插電演奏中去檢視那首歌是否還能抓住你的內心，還能讓人產生共鳴，我從專輯中錄製的歌曲再回過頭聽不插電演奏時聽到的旋律還是一樣能夠感受歌曲本身的核心，甚至在沒有製作的情形下還能聽到一些更動人的部份，你不得不說主唱James McGovern在唱作功力的成長，這可能跟他不斷涉獵到的東西有關，你可以說他的創作曲線跟Nick Cave還滿相似的，把歌詞寫得跟詩一樣，在演唱投入更多的情緒。

從上一張專輯的死亡焦慮中轉換成人與人的繫結也就是「愛」上，在經歷過疫情的孤立後再到與重新回到舞台上與他人接觸找回自己，專輯部分描繪了這種心境上的轉變，James在〈Crying〉幽暗的合成器聲響與延遲迴盪的吉他音牆下唱著：「我在你眼中滴下各種色彩的眼淚中看見了自己。」以哭泣作為一種與他人關係的繫結，他以此曲展現出人類最原始的情感，展露了自己的孤立與渴望。

〈Return My Head〉將他從孤立的狀態到找回自我的心境以一種雀躍的方式透過快板的節奏與吶喊表現出來，這種狀態的轉換下還要維持自我是一種困難的事，這時候透過與他人的接觸再回到自身的方式來維持自我變得重要，得到反饋來證明自我的存有，歌曲顯示了「他者」的重要性。〈Ethel〉就像是一首出自The Horrors的《Primary Colours》裡的一首情歌，給人一種夜幕低垂的氛圍，反覆的電吉他樂句，雙吉他的編曲鋪成與炸裂的音牆，在夜晚狂歡後開始了對未來的渴望，想像他們的第一個孩子叫Ethel，然後在月光下緊緊的抱著她。

〈The Stars Will Leave Their Stage〉則是一首偏向工業風格的歌曲，重度的節拍與嚎叫般的電吉他高頻，用黑夜中兩艘注定碰撞的沈船來描繪了他的黑暗心境，唱出了沒有任何愛存在的境地，由碰撞所造成了夜晚燃燒的火光讓天上的星星都消失無蹤。

另一首情歌〈A Thousand Lives〉是我認為專輯中寫的最好的一首歌，James唱「摘下從我們的窗戶到天空間所有的雲朵，透亮的水晶在妳臉頰成形，與妳度過千百次生命都不足夠；我想提醒妳，在妳身邊我有多渴望存在。」，平穩的精巧鼓拍、幽暗的合成器聲響如同Radiohead在〈In Rainbows〉的元素，然後交互使用了破音與波光粼粼的吉他聲響，再接到變奏的橋段帶有渦輪般的轟音效果給人十足的驚喜。

「那唯一可以讓我們來到這的地方，就是我們必須消失的地方。」〈We Had To Disappear〉帶著宿命的意味，我們的命運就是注定會消失在此處，悲傷曲調將人帶往不斷往返的海潮，從左右聲道分別出的兩把吉他噪音與貝斯完美的結合，就像歌曲唱的，即使命運如此至少我們還能隨著樂音在浪潮上起舞，相反的〈Only Good Things〉則是正向的將沉溺在愛中的愉悅透過歌曲傳遞出來。

《Gigi’s Recovery》透過頭尾呼應的極短歌曲〈Existence〉跟〈Exist〉來呈現個人心裡狀態的轉變，從對存在感的喪失到找回存在感，這兩首歌之間的歌曲就像是一個個回歸自我的要素。如果要形容聽這張專輯的感覺，或許就像是在黑暗中靠著倒映在海上的月光，然後抓住海岸旁懸崖所放下的繩索緩慢的往上爬。

by guan

R.I.P Andy Rourke.

Andy Rourke的Bassline是The Smiths的音樂中不可或缺的要素之一，沒有他所帶進來放克的韻律，歌曲可能就失去了低音溫潤的厚度跟跳舞性。他跟吉他手Johnny Marr在中學因為Neil Young的音樂認識，原本是彈吉他的他被Johnny建議改彈貝斯，後來因為Andy嗑藥太兇而被一心只想好好玩音樂的Johnny放棄，直到Johnny跟Morrissey等人組成The Smiths後因為第一任貝斯手不勝任，Johnny認為Andy有才華擔任好這個角色才找他來擔任貝斯手，即使Andy本身的各種問題常讓Johnny感到憤怒跟失望，他也沒有放棄過Andy。

即使The Smiths解散後鼓手Mike Joyce找Andy為了版稅分配不均對Johnny跟Morrissey提告整團不歡而散，Johnny跟Andy一直都是很好的朋友，還找Johnny參加癌症機構募款的義演，去年還有找他同台表演The Smiths的歌，關於他們的故事Johnny Marr的自傳《Set the Boy Free》有更詳細的描述。

The Smiths短短五年的存在就創造了無人能及的神話，無論團員後來講了什麼什麼話做了什麼事，只要一放The Smiths的音樂就是將那個時空重現出來，聲音跟歌詞都不會因為未來發生的任何事而改變，音樂封存了這四個人的青春，不管這團最後有多麼分崩離析，從訪談還是聽得出來他們以前有多敬佩彼此的才華，畢竟他們曾經做出比披頭四還完美的流行音樂（個人偏見）。

直至今日，通勤不知道聽什麼還是依然會聽他們的音樂，前幾天還又把同名專輯拿出來聽，不知道在這些歌流連忘返有什麼意義，但總是能在苦悶的日子中得到一些慰藉。

我們挑選了一些歌曲，特別能展現出Andy Rourke的Bass在The Smiths音樂中的重要性，謝謝他與The Smiths帶給我們這麼多美好的音樂。

Depeche Mode – Memento Mori

Memento Mori 指的是藝術品中的「死亡象徵」，作為Depeche Mode第15張專輯的名稱真是適合不過。去年創始團員Andrew Fletcher（Fletch）的死訊讓樂迷們心碎，雖然他扮演的角色與音樂創作關係較小，大多處理公關事務並擔任主要創作者Martin Gore和主唱Dave Gahan之間的溝通橋樑，如今沒有Fletch居中協調，Martin和Dave只能重新認識彼此。經過COVID-19疫情和Fletch的辭世，《Mememto Mori》沒有前一張專輯《Spirit》對時局的憤怒指控，反而讓人覺得Martin與Dave找到了共識要延續Depeche Mode的音樂傳奇，即便主題黑暗，專輯聽起來卻沉穩且溫暖。

第一支單曲〈Ghost Again〉傳達出「這就是Depeche Mode」的宣言，歌曲起承轉合的方式不脫〈Enjoy the Silence〉的公式，整首歌製作精良、Dave的演唱掌握得恰如其分，且旋律極度洗腦，不過個人認為這首歌過於打安全牌了一點。Psychedelic Furs的Richard Butler被列為〈Ghost Again〉的共同創作者，他也和Martin一起寫了另外三首歌〈Don't Say You Love Me〉、〈My Favourite Stanger〉以及〈Caroline's Monkey〉，這幾首歌依然有Depeche Mode過去作品的影子，但Martin與團員以外的人合作還是激盪出更多的火花，使這幾首歌成為專輯的亮點。

〈Don't Say You Love Me〉融合Scott Walker與Leonard Cohen的影響，中慢速的吉他、合成器與弦樂創造出電影般的畫面，Dave唱著「如果你是殺手 / 我就是你手下亡魂」、「如果你扮演罪犯 / 我就是血跡」、「如果你是贏家 / 我就是你永遠的傷痛」，這些關於美麗與毀滅的譬喻由Dave演繹特別耐人尋味，歌曲結尾低微的吉他讓人想起《Ultra》時期的歌曲，當然歌名與歌詞意象也致敬〈It's No Good〉。〈My Favourite Stanger〉的混音有點髒濁，底下其實隱藏了豐富的合成器層次，有點像〈Useless〉一曲，重複聆聽後有更多的細節被揭露出來。〈Caroline's Monkey〉描述用短暫的歡愉來麻木長期的苦痛，背景多樣的合成器節奏聲彷彿Depeche Mode八零年代的歌曲，若這些聲響混音可以更靠前一些就更好了。

開場曲〈My Cosmos Is Mine〉是《Mememto Mori》的第二支單曲，一開始發佈時在樂迷間評價兩極，對我來說它就是〈Clean〉的第二彈，漸強的前奏和緩慢加入的詭異聲響給人不寒而慄的感受，中段加上Martin唱詩班般的和聲點綴變得更壯麗，適合在現場表演時營造氣氛。〈Wagging Tongue〉的合成器宛如出自《Trans-Europe Express》時期的Kraftwerk，展現出Martin和Dave能夠化解歧見，合作譜寫一首流暢的曲子。專輯後段的〈People Are Good〉的合成器像《Computer World》時期的Kraftwerk，歌名與歌詞明顯指涉1984年的單曲〈People Are People〉，當年的Martin Gore殷切地呼籲不同族群的人們應該和平共處，無法理解為什麼人們要彼此劍拔駑張，如今的他必須自欺欺人才能假裝相信這天真的想法，但這種面對現實的姿態反而讓這首歌少了可以打動人的決心與熱情。

不確定原因為何，《Mememto Mori》最後幾首歌的混音比前半部分清晰，能聽到更多細節。〈Always You〉是我後半部分最喜歡的歌曲，Dave用溫柔嗓音唱出戀人的存在能幫助自己在這價值崩壞的世界中立足，合成器的音色穿越時間洪流，採用了DM從八零到兩千年代的聲音。〈Never Let Me Go〉凸顯了DM常被忽略的秘密武器——Martin的吉他riff，讓這首原本平凡無奇、像去掉爭議內容的〈A Question of Time〉也變得鮮活起來。〈Speak to Me〉融合Space rock的飄渺末世感，歌詞彷彿是對去世的Fletch說的話，「我會令你失望 / 害你失去信心 / 我必須知道 / 你一直在我身邊 / 能扭轉局勢 / 我心中滿懷感謝 / 追隨著你」，最後的噪音齊發是DM極少嘗試的風格，在他們漫長生涯的後段仍能聽到令人非常驚喜。

《Mememto Mori》可說是Depeche Mode在《Playing the Angel》之後最好的作品，即便缺少優秀單曲，但也沒有曲目會讓人忍不住想跳過，如此就已大幅超越了前幾張專輯。Depeche Mode聽起來世故且滄桑，不過我也早已過了滿腔熱血的年紀，現在可以和DM一起放慢腳步，平靜地思考死亡與衰敗等沉重的人生課題。

by Debby