【2025年終榜】DOPM最喜歡的專輯1到20名

by DOPM

20. Youth Lagoon – Rarely Do I Dream

《Rarely Do I Dream》是化名Youth Lagoon的Trevor Powers在經歷過疾病失去嗓音康復後重新開始創作的第二張作品，靈感來於在自家地下室找到的家庭錄影帶，透過錄影帶的回放讓他重返童年找回失去的記憶，專輯將錄影帶中的聲響完美的融入歌曲中，讓聽者回到九零年代的時空，並且利用夢幻的樂音營造出美國家庭的日常生活，猶如讓人可以觸碰到屋內家具擺飾的質感以及窺見晚上屋內的燭光，甚至是家庭在白日的戶外活動也成為歌曲的主題如同〈Football〉，球類運動不再只是一項競賽而是與家人少數共同的連結，歌曲用輕盈的琴鍵與合成聲效將回憶延伸至他對至親的情感。

〈Gumshoe (Dracula From Arkansas)〉利用緊密的節奏組與溫暖的電吉他音色重現美國小鎮時而平靜時而怪事連連的氛圍，巧妙的將過去的家庭錄音剪輯漸入歌曲，絲毫沒有讓人感受到拼貼感，而是將整個過去的音像融入進間奏中，可以說是整張專輯中最優異的歌曲之一。

而〈Lucy Takes a Picture〉不流俗套的將美國聖誕夜的感覺呈現出來，利用取樣聲響與弦樂將白雪飄落的寒冷氣息光景透過樂音傳遞，像較於此曲的雪白色彩，〈Speed Freak〉則是利用低音合成器音色鋪成在夜晚的黑暗感，將他對死亡看法的轉變表達在歌曲中，從另一個角度來看，他認為死亡不存在，這只是一種轉化的過程，你可以隨時學會放下當下的身份轉化成另一個人。

相較他復出後的《Heaven Is a Junkyard 》這張專輯的音樂性與概念性更加的豐富，完整的將美式生活光怪陸離的情節以紀錄片方式融入夢幻樂音。

(by G)

19. Greg Freeman - Burnover

原本想說再也沒有人能像Stephen Malkmus唱歌走音走的這麼自然，這麼光明正大了，Greg Freeman的出現讓人覺得美國的Slacker們還沒絕跡，而且歌居然還寫得不錯，自稱受Bob Dylan影響，歌詞自然也沒有太馬虎，將紐約州北部的邊疆感與衰敗描繪的微妙微肖。

拿單曲〈Curtain〉舉例，他唱著：

我的思緒緩慢消逝
在被風吹拂的窗格上
我每晚都看見你
而對於那些孤獨的時光
就像是燃燒傢俱
只為在夜裡讓屋子保持明亮

將人與人關係的疏離與緊張透過想像轉化成詩句。 他就像是七零年代中期遊走在搖滾與鄉搖之間的迪倫，與九零年代的低傳真鄉搖歌手們如David Berman與Elliott Smith的綜合體，當然還有如同Stephen Malkmus那完美的走音聲線。 他在2022年發行第一張專輯《I Looked Out》時其實沒有太多人注意到，不過後來漸漸被注意到後，他便與Transgressive這唱片廠牌簽約，這張首張專輯馬上在2024年被重發，專輯中的〈Come and Change My Body〉、〈Palms〉以及〈Tower〉都是我覺得很出色的歌曲。

(by G)

18. Ryan Davis & the Roadhouse Band - New Threats from the Soul

除了Geese的專輯以外，Ryan Davis & the Roadhouse Band的專輯《New Threats from the Soul》也在各家媒體刮起旋風。Ryan Davis已經在音樂界活躍許久，之前領軍State Champion長達10年，樂團解散後遭遇COVID-19疫情，使他沉潛後決定以個人名義重新展開音樂生涯。由於與MJ Lenderman和Bill Callahan一同巡迴，加上已過世的Silver Jews/Purple Mountains主腦David Berman曾稱讚他是當代最優秀的作詞人，使得媒體注意到他歌詞的情感深度及畫面。同名歌曲〈New Threats from the Soul〉描寫在夾縫中求生存的艱苦人生而不落俗套：

一道滑門將我轉移到新的地方，我猛然驚醒
在一艘姐妹船上，有時真的很難分辨
自己是不是航行在正確的航道上
我慌忙地尋找上帝
在那些人們告訴我祂會出現的地方
明天是一顆白矮星
把僅存的光芒照射出來
那光來自一個曾經大膽且耀眼的生命
而我永遠不會
成為任何別的樣子
只會是一隻被關在籠子中的鳥
掛在鏈條做的鞦韆上
為了一點零錢吹著口哨
像旋轉木馬一樣不停打轉

專輯中最長的歌曲〈Mutilation Springs〉的主副歌旋律持續重複，The Roadhouse Band的即興發揮讓這首歌沒有變得枯燥，中間橋段的鍵琴演奏十分精彩；更妙的是過幾首歌後的〈Mutilation Falls〉採用了幾乎一樣的旋律卻變成另一種風貌，加入了電音節拍和口琴，更明快地釋放情感與反思。歌曲〈Simple Joys〉是專輯中最具搖滾張力的時刻，除了寫詞Davis譜寫雋永旋律的能力也不遑多讓，讓人對結尾樂音迸發的時刻難以忘懷。

(by D)

17. Joanne Robertson - Blurrr

得知Joanne Robertson的名字是來自她與Dean Blunt的長期合作，尤其是在第一張《Black Metal》中，她的歌聲可以說是該專輯的靈魂所在。今年她推出第七張個人專輯《Blurrr》，在作畫及照顧孩子的期間創作錄音，專輯名稱比「模糊」再多了兩個 “r”，聽眾可以想像她的音樂帶著印象派的模糊質感，安靜內斂，讓人想起Grouper的作品。大部分的曲子都只有人聲與吉他，她的歌聲彷彿承載了過去的幽魂和當下所處空間給人的感官經驗，讓人感受到這個世界的神秘與美麗。

〈Ghost〉一曲如其名，朦朧飄忽如鬼魂一般，Robertson似乎唱著一段沒有希望的感情，身在其中不由得想理出頭緒。〈Why Me〉讓我想起今年的另一張專輯─Throwing Muses的《Midlight Confessions》，像是Nirvana的《MTV Unplugged》如果由女性詮釋可能的面貌，不過Robertson的演繹方式更含蓄克制。

專輯中後段開始收錄與Oliver Coates的合作作品，Robertson聽起來更有自信一些，她的聲音與吉他在〈Always Were〉翩然升起，把浩瀚的情感凝結在魔幻的樂音中。〈Gown〉由靜謐到Coates的弦樂蓄積爆發，雖然是《Blurrr》當中最燦爛的歌曲卻還是相當節制，不流於煽情，讓我想起Fleet Foxes的〈I Should See Memphis〉一曲。

(by D)

16. Darkside - Nothing

Darkside這次找來新團員Tlacael Esparza作為他們的鼓手，Tlacael Esparza同時也是音樂科技公司的創辦人，這次的新陣容為專輯《Nothing》添加了更強烈的節奏組，專輯名稱即表達了這次的創作概念，他們以在空白什麼都沒有的畫布上揮灑顏料的創作方式來演奏，沒有一個明確的方向，三個人透過即興的方式來編奏。

單曲〈S.N.C〉應該是旋律性最明顯得歌曲了，其中人聲取樣的拼貼就像在紐約街頭不斷流經你眼前的面孔，如同歌曲所唱，眾人都在追求金錢、刺激、快感的路途上然後再用虛無掩蓋焦慮。其他歌曲並不太容易讓聽者抓到聆聽的重點，或許跟他們這次非傳統的創作方式有關，有像〈Graucha Max〉以泡菜搖滾為主軸的即興拼貼，以及非洲鼓為主節拍的民俗風曲目〈American References〉也有像〈Heavy Is Good for This〉用龐大的環境音效去包覆爵士的吉他樂句與鼓點。

《Nothing》徹底展現了他們如何在各個樂風疆土開闢出新路，先是有節拍然後便隨著自己的意識展開一場虛無飄渺的旅程，這或許是他們最意識流的一張作品。

(by G)

15. Activity - A Thousand Years In Another Way

團名很難搜尋到的Brooklyn樂團Activity已經出到第三張專輯了，名稱《A Thousand Years In Another Way》個人覺得很酷，聽到第一首歌〈In Another Way〉的時候覺得天哪，也太像《Hail to the Thief》時期的Radiohead，不知道Thom Yorke聽到會作何感想。反正Radiohead現在也不太可能回到之前路線，可以有另一張這樣風格的作品真是令人驚喜。〈A Piece of Mirror〉和〈We Go Where We’re Wanted〉都非常適合當作科幻影集或電影的配樂，不時從背景冒出的各式音效宛如主角未預期遭遇的種種意外狀況。

從〈Scissors〉開始電氣成分加重，這首歌本身像更電的Low歌曲。〈Heavy Breathing〉可能納入Depeche Mode的影響，但聲響更符合當代潮流。晦暗的〈Heavy Breathing〉團員持續唱著「從頭到尾 / 我不屬於任何人」，像在發表不願流俗的宣言。《A Thousand Years In Another Way》從頭到尾混音清晰，能夠聽清楚每件樂器，種種精心安排使這張專輯不只是一般的哥德/後龐克作品，需要花時間慢慢抽絲剝繭。

(by D)

14. Deafheaven - Lonely People With Power

Deafheaven的主唱George Clarke在上一張專輯《Infinite Granite》大多用他原本的聲音唱歌，樂團的歌曲轉變成帶有金屬元素的瞪鞋專輯，雖然我們很喜歡但媒體似乎不愛，《Lonely People With Power》某種程度上是承先啟後之作，音樂上結合《New Bermuda》的黑金狂暴和《Infinite Granite》的明亮聲響。單曲〈Magnolia〉急促的鼓點、強力的吉他刷奏、George Clarke到位的喉音都能戳中樂迷的痛點。〈The Garden Route〉迴盪的吉他和貝斯相當優美，〈Heathen〉讓Clarke乾淨的歌聲與嘶吼交錯卻不顯突兀。

先前在半場歌單中提到〈Amethyst〉是最能代表《Lonely People With Power》的一首歌，一開始敘事者看不到希望，星辰殞落、神祇失格，只感受到生命的困頓、父輩所帶來的傷痛，隨著Kerry McCoy和Shiv Mehra綿延的吉他爬升，Clarke呼喊著對愛與連結的渴望。在過去所有Deafheaven的專輯中，George Clarke與團員不斷在探尋生命的意義，也許他們到目前都沒有找到答案，但這份無懼審視內心的執著讓他們跨越樂風的疆界，形成難以取代的美學。

(by D)

13. Just Mustard - WE WERE JUST HERE

原本2026年可以在都柏林看The Cure的時候順便看Just Mustard但後來發現場地交通有點麻煩就把票賣了，換個城市不知道Just Mustard還會不會隨行。

無論如何，Just Mustard的新專輯《We Were Just Here》依舊令人驚艷，說他們是新一代的Cranes這也已經講到爛了，雖然這次是以人聲為主的編曲導向但在聲響上的表現上也絲毫不遜色，這次以電吉他效果器所營造出的工業聲響除了扭曲又黑暗外反而又能讓人感受到相當溫柔的質地，相比其他新迷幻噪音樂隊單一的破音反饋套路，《We Were Just Here》不落俗套的將噪音的動態範圍擴大，在反覆的噪音中營造出漂亮具有弧線般的聲景。

那些充滿雜訊的閉路攝影機影像中的人們象徵著現代社會與機器各種個體的冷酷與孤寂，如同Just Mustard的噪音與女聲表現出在工業社會下的虛無與幻美，在矛盾的元素互相碰撞下建構出新的音景，與The Horros的《Night Life》並列今年必聽的歌德美學作品，也是2025年給大人們的萬聖節主題專輯系列。

(by G)

12. Water From Your Eyes - It’s A Beautiful Place

雖然今年各媒體、社群網站上一直在吹捧Geese的《Getting Killed》，但個人覺得Water From Your Eyes的《It’s a Beautiful Place》才是今年最酷的啊，宅錄出Disco版本的Deerhoof + My Bloody Valentine + Brain Eno(?)，如果沒能被吹捧到真的有點可惜。

披頭四有白碟，Water From Your Eyes有這張藍碟《It’s a Beautiful Place》，專輯名稱就是這麼諷刺《這是個美麗的地方》，我想這個地方未來只存在在處理器、記憶體與顯示卡的運算與渲染下。

專輯內個人最愛的〈Nights in Armor〉靈感出自吉他手Nate Amos過去個人計劃This Is Lorelei的歌〈Grill〉，把自己寫的Riff偷過來重新改編成一首舞曲，歌詞又從Neil Young的〈After Gold Rush〉偷了過來，胡言亂語的看不太懂在唱什麼，彷彿是將〈After Gold Rush〉最後對人類未來的描述繼續接續下去。

他們說好不再寫虛無的音樂，還是把歌寫的這麼抽象，抽象到讓人猶如進入到低像素的虛構世界，進入到遊戲中看著低像素快破圖的夕陽如今看起來比生成式AI的完美高像素照片還要感受到溫暖許多。

(by G)

11. Tortoise - Touch

Tortoise首次離開了過去長期合作的廠牌Thrill Jockey，轉而在芝加哥的爵士廠牌International Anthem下發行睽違九年的專輯《Touch》，此廠牌過去也曾幫樂團吉他手Jeff Parker發行個人作品。

由於團員們分散在各處，他們透過在遠端互相傳遞錄音以及交換想法的方式來創作，雖然錄製過程花了三年的時間，但當他們實際在錄音室錄製時其實很快的就能做出決策將歌曲完成，並且每個團員也身兼數項樂器的演奏彼此輪流交換演奏位置，這也讓《Touch》的曲風聽來相當的多元，他們時而以Krautrock中Motorik節奏為主幹，時而又在以Techno為主節奏，首曲〈Vexations〉的搖滾吉他Riff聽起來又如同西部電影的配樂般，但類比的合成器音效又添加了前衛搖滾的風味，整首歌不斷的在變換曲風，彷彿在短短間內橫跨了傳統與當代。

〈Promenade a Deux〉法文歌名意指蠍子求偶，利用了非常的法式情調的吉他樂句與弦樂，而末曲〈Night Gang〉電影場景般磅礴的吉他刷奏如同在呼應首曲〈Vexations〉為專輯做了有趣的前後呼應，這次他們依舊製作出了相當有趣的作品，歌曲中每一個巧妙的變化都證明了他們是獨具巧思的樂團，他們在中《Touch》的純粹性再一次證明了Tortoise是後搖滾的活傳奇，

(by G)

10. Dean Blunt ft. Elias Rønnnenfelt - lucre

從沒想過Dean Blunt跟Iceage的Elias Rønnenfelt會是完美組合，歌名就直接取1到7有夠囂張，封面的低像素黃花也不知道是什麼意思。〈2〉的吉他很有Dean Blunt的特色，不過Rønnenfelt在歌曲中間加入目的不明的鳴叫，歌詞也寫著「因為我在說謊，所以我說的話都沒意義」，真是在愚弄聽眾。

Elias Rønnenfelt之前受訪提到Dean Blunt曾經寄給他30首純音樂片段，他聽完加寫了一些內容，如果〈3〉也在其中的話，Rønnenfelt聽音樂片段就掌握了從Dream pop無縫切換到Rap/R&B的過場。

〈4〉非常琅琅上口，貝斯與鼓的開場和背景疊加的吉他宛如一首惡搞的The Cure歌曲。專輯最長的歌曲是結尾的〈7〉，我可以想像那憂鬱空靈的吉他與弦樂取樣配上Joanne Robertson內斂嗓音的面貌，不過Elias Rønnenfelt重複哼唱的「耶」多了一點放浪不羈，很期待這個組合再帶來意想不到的作品。

(by G & D)

9. FACS - Wish Defense

芝加哥樂團FACS從前身Disappears開始就固定發行作品，品質穩定但沒有太多話題性，今年的專輯《Wish Defense》是他們最接近創造神話的證明，創始團員Jonathan Van Herik和鼓手Noah Leger回歸，而製作人Steve Albini在過世前一天還在為這張專輯收尾，因此是他生前最後一張製作的專輯。雖然FACS過去的專輯也都是在芝加哥的Electrical Audio錄音，但《Wish Defense》特別有Albini製作的特色，節奏線明快清晰，像〈A Room〉的強勁鼓擊和空間感就令我驚嘆。

從封面可以看出主唱/吉他手Brian Case聚焦於多重身分認同的問題，黑白交錯的地板讓人想起David Lynch作品《Twin Peaks》當中的場景，Case冷漠不帶感情地唱出種種現代社會帶來的迷失、異化感受，〈Ordinary Voices〉的詞句「我希望我喊你的名字的方式 / 宛如詛咒 / 宛如暴動 / 對抗慾望」，難道不是針對資本主義機械化創造出慾望的反抗宣言？同名曲〈Wish Defense〉的「我不在這裡 / 你是真實的嗎？」像是對網路世界人設與真實自我模糊界線的評論。吉他Riff非常有記憶點的〈Desire Path〉討論對過往某種情懷的追求，反而限制甚至奴役了人們。

不論是音樂或是主題，《Wish Defense》都非常具挑戰性，不過如果你本來就喜歡純粹的後龐克音樂，並時而思索深奧的主題，這張專輯有許多值得挖掘的寶藏。

(by D)

8. Sam Akpro - Evenfall

為了不讓這張《Evenfall》成為2025的遺珠之憾先來加深一下記憶。來自南倫敦的Sam Akpro可以說是今年最有才華的新進音樂人之一（我私心自認為），樂風橫跨trip-hop、hip-hop、post-punk、psychedelic rock、jazz、ambient、dance，喜歡嘻哈音樂中groovy低音感重以及後龐克音樂中器樂分離的空間感的人一定不能錯過。

如果説Burial的post-dubstep是用電子音樂詮釋獨自夜遊南倫敦的始祖，《Evenfall》大概就是用另一種迷幻的方式描繪迷惘青年行走在南倫敦的夜晚，Sam Akpro可以說是將Yves Tumor那種新一代非裔迷幻搖滾轉換成另一種更弛放的感覺。

(by G)

7. Miki Berenyi Trio - Tripla

Miki Berenyi Trio是由前英國傳奇dream-pop樂隊Lush主唱Miki Berenyi以及她的伴侶也是前Moose主腦Kevin McKillop以及Oliver Cherer組成的三人組合。首張專輯《Tripla》的製作雖然沒有鼓手反而解放了他們在節奏上的侷限，大量利用電子節拍來鋪成每首歌的節奏，搭配上Miki夢囈般的旋律讓整張專輯猶如Lush與synth-pop樂隊Ladytron聯合製作出的作品。

除了夢幻氛圍的旋律，在〈Gango〉更融合了Gang of Four早期disco-punk的放克貝斯旋律線與繽紛多彩的合成器音色做出一首空間與節奏感十足的曲子，以較為強硬的旋律表達Miki對厭女人士的憤怒，而在〈Big I Am〉更將男性沙文主義與網紅鼓吹的陽剛男子氣概文化各打三十大板。〈Kinch〉則緬懷他過世的父親以及Lush早逝的鼓手Chris Acland，以歌曲重現她在鏡中看到已逝父親的感覺，對親友的回憶猶如歷歷在目，那些回憶不只是黑暗的更為她帶來些許的光亮。

或許我們可以把《Tripla》當作是電氣化後的Lush來聽也不為過，但並不完全讓人陷入懷舊情懷，每一首歌都極富旋律性，器樂並不急著把整個空間塞滿，而是透過電子音頻來震動空氣營造出漂浮的夢幻感。

(by G)

6. The Horrors - Night Life

樂團在正式專輯發行前就已經發了幾次「類EP」，所以在The Horrors睽違多年的新專輯《Night Life》正式推出前，幾乎一半以上的歌曲我都已經聽過。原本有點擔心聽超過半數的曲目會不會降低對《Night Life》的喜愛程度，結果專輯超乎預期地耐聽，The Horrors音樂中常見的元素，像是吉他噪音、電音取樣、渾厚的貝斯等依然存在，但在九首歌當中編排地恰到好處，化為成熟的藝術作品。

主唱Faris Badwan和貝斯手Rhys Webb挺過團員變動的難關，兩人主導了《Night Life》的創作，在倫敦和洛杉磯進行錄音工作，吉他手Joshua Hayward和新加入的鍵盤手Amelia Kidd再增添音效潤飾，完成一張整體性極高的專輯。

首曲〈Ariel〉展現樂團融合環境音樂與車庫搖滾的技巧，在中板的搖滾歌曲中點綴不規則的電音片段和Amelia Kidd的聲音碎片，引領聽眾進入科幻感的世界中。Ariel是基督教傳統中的大天使，守護著自然界中的生物，當歌曲中的敘事者向Ariel祈禱時，人們對自然的破壞已為既成事實（「當這種感受在古銅色的光線中油然而生，祢的靈魂陪伴在我身邊」），只能尋求災難中的精神支柱。

5. Shiner - BELIEVEYOUME

《BELIEVEYOUME》也許是Shiner歷年來最好的一張專輯，也可以說是最平易近人的專輯，除了樂隊器樂的空間感與層次上的堆疊都比以往更加細膩以外，主唱Allen Epley的唱法也有很大的改變，因為更偏重在旋律性上的編曲，讓他比以往更容易把他原本中厚聲音的特質給唱出來。

整張專輯聽來就像是Elbow主唱Guy Garvey抑或是Doves主唱Jimi Goodwin加入Hum、Failure或Swervedriver等這些重度吉他聲量的太空系、公路旅行系樂隊，有這樣的聽感也是挺讓人出乎意料的，哦，都忘了還有Dinasor Jr.。 相較其他九零年代其他同輩，Shiner或許並沒有那麽耀眼，沒有什麼名氣，也歷經解散與重組，但這次《BELIEVEYOUME》也許是讓人重新認識他們的途徑。

整張《BELIEVEYOUME》中自己滿喜歡的歌詞段落，莫過於是〈Broken Satellites〉所唱的：

人類的眼睛在光亮下緊閉，
對不願看見的事物視而不見，
我們乘著破碎的衛星，
在重返大氣時燃燒閃耀消逝殆盡。

如果要我只能推薦其中一首的話，那當然是〈So Far So〉這首貝斯重音與鼓點導向的洗腦歌，聽一遍就足以讓人上癮。

(by G)

4. The Charlatans - We Are Love

永遠的江湖郎中The Charlatans，他們依舊是那一代Madchester浪潮中最長壽的樂團；我們常說主唱Tim Burgess愛裝年輕，讓人都不相信58歲還能寫出這些溫馨浪漫又傷感的歌。

應該很少人發現這些老人們今年還出了張《We Are Love》，不知道為什麼第一首聽起來這麼糟糕，單曲跟後面幾首又寫得這麼好，〈You Can’t Push The River〉是我個人最愛，以小調的旋律表現面對命運與命運對抗的哀愁。我可以不需要其他形式的藝術品，但我不能沒有一首可以陪我走在路上一整天無所事事不斷重播的流行音樂。

我想Tim Burgess一直在尋找某種東西，那些在他同輩人身上早就不存在的東西，如同前往某個早已消失的國度，那裡只存在非凡的節奏與隨著節奏舞動對搖滾樂如此狂熱的人們。 〈You Can’t Push The River〉部分歌詞翻譯：

命運來得太遲
卻仍帶著它的力量
喚醒我們內心的陰影
來試圖掌控
我們所知的一切
我遲來地登場
但這始終、始終都會是我的舞台
如果此刻就是現在，那我們究竟身在何處？
有某種東西
正要逐漸掌控我
我想逆流而行
但它與我與之抗衡
緩慢地逼近
逐漸佔據我
你無法逆流而行

(by G)

3. These New Puritans - Crooked Wing

These New Puritans這次再度找來Bark Psychosis的Graham Sutton來製作這張《Crooked Wing》，延續Graham Sutton過往一貫的教堂錄音美學，是他們繼《Field of Reeds》後重返教堂使用鐘聲、合唱以及管風琴等聲響來作為此張專輯的音像主軸，但在幾首歌曲中又融入了機械性的電子節奏來呈現出整張專輯欲呈現的矛盾感，神聖莊嚴的靜謐與機械性的共存。

如同〈A Season In Hell〉你很難找到確切的描述方式來定義此曲的風格，彷彿回到他們在《Hidden》時期鼓機的節奏與太鼓的重拍，加上管風琴急促與悠長的琴響與Jack Barnett饒舌般的唸唱，將巨大機器無情行走在陸地上與一旁人類渺小到幾乎肉眼不可見的意象展現出來，以此極簡的方式來極大化對聲音的想像可以說是現代音樂的創舉，These New Puritans證明了古老室內器樂與現代化的聲響的搭配能夠突破對固有音樂風格的想像，但不得不說《Crooked Wing》整體的冷調風格讓整張專輯變得難以親近人類情感，像聽〈Industrial Love Song〉時取而代之的是如同觀看冰冷鋼鐵質地般所帶來的心靈平靜。

2. Racing Mount Pleasant - Racing Mount Pleasant

Racing Mount Pleasant今年同名專輯的封面中，遠方的兩人與被霧籠罩的沿岸建築，一人抱著鹿頭，呈現出遙遠又難以察覺的親密感，這種隱匿的超現實感，與他們音樂中所呈現的情感凝聚力與想像力成為一個表裹對照，音樂中的影像感也相當強烈。

他們聽起來就如同Bon Iver同時加入American Football、Broken Social Scene、Do Make Say Think，這來自密西根大學的七人大編制組合，民謠基底外掛管弦爵士樂隊，甚至還融入midwest emo，讓整張專輯聽來不時讓人情緒內爆，甚至還跟Mount Eerie偷了幾招（不只音樂，還有歌名會用Pt. 2命名）。雖然他們最常拿來跟Black Country, New Road比較，但個人覺得跟民謠底的Caroline其實比較相近，這兩團今年都有出專輯，但Racing Mount Pleasant在編曲與旋律性上我自己覺得是比這兩團更優異的，就歌詞稍嫌可惜了。

專輯好歌很多，但其中必須給〈Outlast〉這首歌五顆星的評價，深沈的情緒與意想不到的編曲，就像Beirut在玩midwest emo，真的是會讓人驚嘆的作品。

(by G)

1. bdrmm - Microtonic

雖說英國樂隊bdrmm在《I Don't Know》就已經嘗試以電子舞曲節拍當基底搭上幽暗的合成器音色與吉他噪音來呈現出末世感的新迷幻樂，到了《Microtonic》更將這個混搭方式發揮的更加淋漓盡致。

首曲〈goit〉找來英國電子搖滾樂隊Working Men's Club合作，他們用平穩的大鼓節奏加重了bdrmm音樂本身的律動然後再接上電子碎拍與恍惚灰暗的合成器旋律，將對死亡的焦慮換做成聲響的音頻，即便新冠疫情已經過去數年，那股被遺忘的恐懼彷彿在他們的音樂中飄盪不散。

〈John on the Ceiling〉與〈Infinity Peaking〉可以作為一首將電子與新迷幻融合的不同凡響的範本，有記憶點強烈的主副歌，讓人陷入進淺藍色的巨大漩渦中，Ryan Smith在〈Infinity Peaking〉中唱著在這個早已迷失與失控的世界中人是如何逐漸失去自我，正當你覺得這兩首曲子已經夠出色的時候接下來的〈Snares〉在詞曲表現上又更上一層樓。

(by G)

Top 20 專輯文字版：

  1. bdrmm - Microtonic

  2. Racing Mount Pleasant - Racing Mount Pleasant

  3. These New Puritans - Crooked Wing

  4. The Charlatans - We Are Love

  5. Shiner - BELIEVEYOUME

  6. The Horrors - Night Life

  7. Miki Berenyi Trio - Tripla

  8. Sam Akpro - Evenfall

  9. FACS - Wish Defense

  10. Dean Blunt ft. Elias Rønnnenfelt - lucre

  11. Tortoise - Touch

  12. Water From Your Eyes - It’s A Beautiful Place

  13. Just Mustard - WE WERE JUST HERE

  14. Deafheaven - Lonely People With Power

  15. Activity - A Thousand Years In Another Way

  16. Darkside - Nothing

  17. Joanne Robertson - Blurrr

  18. Ryan Davis & the Roadhouse Band - New Threats from the Soul

  19. Greg Freeman - Burnover

  20. Youth Lagoon – Rarely Do I Dream

Staff Lists:

G:

  1. bdrmm - Microtonic

  2. Racing Mount Pleasant - Racing Mount Pleasant

  3. These New Puritans - Crooked Wing

  4. Miki Berenyi Trio -Tripla

  5. The Charlatans - We are Love

  6. Sam Akpro - Evenfall

  7. Shiner - BELIEVEYOUME

  8. Tortoise - Touch

  9. Water From Your Eyes - It's A Beautiful Place

  10. Greg Freeman - Burnover

  11. The Horrors - Night Life

  12. Dean Blunt, Elias Rønnenfelt, and Vegyn - Lucre

  13. Youth Lagoon – Rarely Do I Dream

  14. Just Mustard - WE WERE JUST HERE

  15. Deafheaven - Lonely People With Power

  16. Horsegirl - Phonetics On and On

  17. FACS - Wish Defense

  18. Darkside - nothing

  19. The Mary Onettes – Sworn

  20. Activity - A Thousand Years In Another Way

D:

  1. bdrmm - Microtonic

  2. These New Puritans - Crooked Wing

  3. Racing Mount Pleasant - Racing Mount Pleasant

  4. The Horrors - Night Life

  5. The Charlatans - We Are Love

  6. Shiner - BELIEVEYOUME

  7. FACS - Wish Defense

  8. Joanne Robertson - Blurrr

  9. Ryan Davis & the Roadhouse Band - New Threats from the Soul

  10. Bambara - Birthmarks

  11. Activity - A Thousand Years In Another Way

  12. Doves - Constellations for the Lonely

  13. Dean Blunt ft. Elias Rønnnenfelt - lucre

  14. Miki Berenyi Trio - Tripla

  15. Deafheaven - Lonely People with Power

  16. Just Mustard - WE WERE JUST HERE

  17. Sam Akpro - Evenfall

  18. Water from Your Eyes - It’s A Beautiful Place

  19. Tortoise - Touch

  20. Darkside - Nothing

[Mixtape] 2025年上半年歌單

by DOPM

很快又到了半場報導的時候，上半年能夠聽到bdrmm、The Horrors、These New Puritans和Doves的新作已經很滿足，FACS這個低調的樂團竟然成為保留Steve Albini最後錄音的樂團真是不可思議。前Lush主唱Miki Berenyi的新團Miki Berenyi Trio的專輯也十分優秀。

Dean Blunt和Iceage主唱Elias Rønnenfelt合作的EP《lucre》倒是出乎意外地好聽，歌曲隨性地用數字取名，也只有在串流平台和YouTube上線，不過可說是上半年帶來最大驚喜的作品。

Track list:

  1. The Horrors - The Silence That Remains
  2. FACS - Desire Path
  3. These New Puritans - Wild Fields
  4. DARKSIDE - S.N.C
  5. Miki Berenyi Trio - Kinch
  6. bdrmm - Snares
  7. Manic Sheep, Nobuki Akiyama - Invisible Discord
  8. Doves - Lean Into the Wind
  9. Sharon Van Etten - Idiot Box
  10. Activity - Scissors
  11. BAMBARA - Face of Love
  12. Deafheaven - Amethyst
  13. Stereolab - Transmuted Matter
  14. Swervedriver - Volume Control
  15. Dean Blunt, Elias Rønnenfelt - 4
  16. Fontaines D.C. - It's Amazing to Be Young
  17. Preoccupations - Andromeda
  18. caroline, Caroline Polachek - Tell Me I Never Knew That
  19. Alan Sparhawk, Trampled by Turtles - Get Still
  20. Tim Hecker - Morning (Piano Version)
  21. Destroyer - Cataract Time

【2024年終榜】DOPM最喜歡的專輯1到20名

by DOPM

20. Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone

有別於Epic45 過往環境音樂、實驗電子、後搖滾的音樂風格，《You'll Only See Us When The Light Has Gone》曲曲都有主腦Ben Holton的歌聲，唱著英國中部延綿不絕的蒼涼景色與腐鏽的廢棄建築，不同於先前他們使用鼓機來製造節拍，這次找來鼓手Mike Rowley用真實的鼓擊來替他們的音樂製造出較有生命力的現場感。

〈New Town Faded〉利用吉他的延遲效果器產生明亮溫潤的氛圍，並與電子碎拍交織出遼闊的音場與節奏。〈Passing〉的憂鬱合成器聲響讓人想起Talk Talk在《It’s My Life》時期哀愁的synth-pop歌曲，而〈The Crush〉的原音木吉他撥奏與小鼓擊打給人一種初春綠芽初開的感覺，以及雨後落在葉片上的晶透水珠反射著光澤。最後的〈Finality〉回歸他們所擅長的電子後搖滾曲式，從節奏鋪陳到展開左右聲道的音場再銜接到破音的炸響，末段emo式的唱腔與正常唱腔交疊在一起更是他們令人驚艷的新嘗試。《You'll Only See Us When The Light Has Gone》展現出他們在出了無數專輯後仍能做出新突破的勇氣，也證明了他們譜寫人聲曲式的能力。

(by G)

19. Vince Staples - Dark Times

每次Vince Staples推出新專輯都會關注，他近幾張專輯不慍不火的唸唱方式深得我心，而且說故事的能力一流。《Dark Times》如標題所示主題黑暗，但如同他的Netflix影集一樣，充滿黑色幽默和輕鬆的氣氛，之後靜下心來思考時才發現事有蹊蹺。

Staples在推出上一張專輯時提到他對於出身貧寒的經歷已經寫得夠多了，《Dark Times》聚焦在他成名後的空虛寂寞、憂鬱症和冒牌者症候群。專輯開頭的 To live is to be, like the n**a in the tree 就引發了許多討論，究竟是正面積極或是毀滅的意象呢？

〈Black&Blue〉展現Staples懶散抑鬱的唸唱和靈魂樂般的節奏，他對於憂鬱症和系統性貧困的描寫十分深刻。〈Government Cheese〉的鋼琴和West Coast搖擺風格給人一種輕鬆的假象，歌詞描寫在紛亂的世道中依然要強顏歡笑，需要在他人面前偽裝自己的主題可說是貫串《Dark Times》整張專輯，不但在〈Liars〉中收錄作家Nikki Giovanni與James Baldwin間的對話，講述非裔男性社交與私下行為模式的不同，在他的Netflix影集中也有類似的橋段。

由Lo-fi拼貼和怪異吉他組成的〈Children's Song〉、自嘲創作今非昔比的〈Étouffée〉、配樂宛如IDM電子樂的〈Little Homies〉都是優秀的歌曲，不過結尾的〈Why Won’t the Sun Come Out?〉又給人情感上重重一擊，取自Santigold與Vince Staples合作時的對話，談到創作理應帶來自由，但歌迷的崇拜無法取代真實的人與人相互交流。Vince Staples將他的自身經歷和存在焦慮透過《Dark Times》切實傳達出來，即使我的日常生活與他極為不同，還是為之動容。

(by D)

18. Mercury Rev - Born Horses

《Born Horses》絕對是今年最被低估的專輯之一，受到電影銀翼殺手與其Vangelis的電影配樂影響，Mercury Rev打造出了一張兼具復古與未來感的絕美旋律與詩篇，Jonathan Donahue多數以唸唱的方式在歌曲中念著詩句，運用合成器、小號、薩克斯風、小提琴來編奏出爵士味濃厚又迷幻的歌曲，讓聽者如同置身一處霧氣凝重的夢境，讓人分不清楚是過去還是未來。

主唱Jonathan Donahue覺得他歌唱時如同一隻鳥在低鳴著，在單曲〈A Bird Of No Address〉中他改為一般的歌唱方式，唱著他在失去一段關係後成了一隻沒有居處的鳥兒，壯闊的合成器與大鼓讓歌曲給人神聖的莊嚴感，唱著旋律的他如同在孤獨與後悔的雲層中翱翔，無法墜落。而末曲〈There's Always Been A Bird In Me〉唱的則是他藏在肋骨中的鳥兒，牠日以繼夜的唱著這世界的不公，沒有人會聽到，只有在不被看見的時候才會飛翔，只有在受傷的時候才會降落，這首有別於其他曲目的哀愁synth-pop歌曲意外的成為了《Born Horses》最完美的結尾。

(by G)

17. Shellac - To All Trains

討論《To All Trains》時很難不聯想到吉他手兼主唱Steve Albini過世的消息，但Albini本人必定不希望他個人的事情影響大家對這張專輯的觀點，畢竟Shellac連專輯發行前給媒體試聽都不願意，希望所有人都在同一起跑點聽到專輯。

《To All Trains》做為開始聽Shellac的起點倒是很適合，專輯只長28分鐘，不過濃縮了樂團的特色：Albini刻薄、愛開玩笑、一本正經的歌聲和跳動的吉他、貝斯手Bob Weston相對樸實的歌聲和金屬感的貝斯聲響、以及Todd Trainer時而即興發揮的鼓擊，歌曲簡短容易消化。

Steve Albini在〈WSOD〉扭曲的吉他為專輯立下整體的調性，即不妥協、回歸原始的吉他、貝斯、鼓三件搖滾樂基本元素。〈Girl From Outside〉類似Grunge音樂的吉他回響搭配Steve Albini和Bob Weston半唸半嘶吼的口白，讓我想起Sebadoh的Jason Lowenstein會寫的歌。〈Chick New Wave〉既幽默又琅琅上口，I'm through with music from dudes / What you do isn't brave / All I care about / Is chick new wave，Albini過世前還在錄音室工作，不知道他是不是也希望能多錄一點女力新浪潮的專輯？

〈Wednesday〉慢速的吉他Drone跨足到了Swans的領域，歌詞描寫美國男性發現自己被灌輸的價值觀是謊言，迎來悲劇的結尾，非常發人深省。〈How I Wrote How I Wrote Elastic Man (cock & bull)〉是由Bob Weston主唱的歌曲，旋律也比較優美，歌名致敬The Fall的歌曲〈How I Wrote Elastic Man〉。

專輯結尾充分展現了Albini的個性。氣氛歡快的〈Scabby the Rat〉獻給已逝的芝加哥音樂人Rob Warmonwski，他不但活躍於音樂界，也參與許多工會運動。Albini在〈I Don't Fear Hell〉中似乎預知自己的命運，但能夠如此豁達面對死亡，且不受形而上的力量吸引，實在是獨樹一格。雖然樂團並未預料會是告別作，但《To All Trains》捕捉到Shellac樂團的神采和Albini的錄音技術，為他們的生涯做了完美摘要。

(by D)

16. The Smile - Cutouts

在2024年The Smile就一口氣出了兩張專輯，但相較於《Wall of Eyes》旋律性缺乏的調性《Cutouts》顯得有趣許多，專輯主題由冷戰時期的間諜情報活動為發想延伸對現代社群媒體對於社會實質影響力的質疑。〈Instant Psalm〉單純的使用了木吉他與弦樂來製造旋律，Thom Yorke藉著旋律唱出失落卻優美的情緒。而Jonny Greenwood在〈Zero Sum〉使用了指彈的電吉他彈奏手法加上延遲效果器讓單音快速反覆的奏響聽來如同midi的聲響如電流快速的流竄，這手法成為了今年最創新的編曲方式，Thom Yorke唱著過於自信的科技產業以及科技發展對環境製造的影響，當然他也不是第一次質疑這樣當代社會的發展模式，畢竟這是他創作上不變的母題。

〈Eyes & Mouth〉是樂隊三人另一首精湛的演奏，Jonny Greenwood快速的盤繞的琴音，Thom Yorke的爵士鋼琴彈奏，Tom Skinner平穩搖擺的節拍連袂打造出一首爵士與藍調風格揉合的曲子。以貝斯低音與反覆平穩的節拍為導向的〈No Words〉搭上類比效果感的合成器琴音呈現出一種Krautrock的調性，讓歌曲聽來相當具有未來感。對與喜歡節奏感強烈與創新電吉他曲調的樂迷來說，《Cutouts》就像是一張輕量版本的《Ok Computer》，成為2024的必聽專輯之一。

(by G)

15. MONO - Oath

十一月初的時候在Zepp看了日本後搖樂團Mono的現場演出，2024年對於Mono來說有特殊意義，不但樂團成立25週年，與他們長期合作的製作人Steve Albini突然離世，使得《Oath》專輯發行和現場演出某種程度上成為向Albini致敬的作品。現場的開場三部曲〈Us, Then〉、〈Oath〉和〈Then, Us〉一氣呵成，把對Steve的思念鎔鑄在壯麗的弦樂編制和厚實的音牆中。重複聆聽錄音室作品，可以感受到Mono對電子音樂、弦樂編排和吉他的進一步探索。

〈Run On〉則像是大家過去喜愛Mono歌曲的再進化版，從簡單的吉他演奏，鼓的加入，其他樂器和聲響逐漸堆疊上來，雖然是後搖滾的基本起手式，但Mono一直企圖把這項技藝做到更完美。〈Reflection〉相較之下寧靜優美，鼓聲非常細膩幽微，勾起許多遙遠的回憶。

《Oath》的主題圍繞在信念與承諾，像〈Hear the Wind Sing〉與〈We All Shine On〉等曲子都很振奮人心，在Albini去世的背景下，這些歌曲顯得悲喜交集，象徵著樂團生涯某個階段進入尾聲。不過主腦Takaakira "Taka" Goto受訪時表示樂團在《Oath》希望擁抱「活著」這件事，感受萬物的律動、時間的流逝都是至高的幸福，祝福他們迎向音樂生涯的新篇章。

(by D)

14. The Pheromoans - Wyrd Psearch

《Wyrd Psearch》已經是英國後龐克樂團The Pheromoans的第十三張專輯，對他們先前的作品並不熟悉，但《Wyrd Psearch》捕捉到八零年代樂團像The Fall、The Wake等樂團的丰采，傳達出一種憂鬱厭世的情緒。

單曲〈Downtown〉短小精悍，吉他刷奏的力道恰到好處，讓這首歌有一定趣味性同時又帶著焦慮。〈Father Austin〉宛如The Wake的合成器和吉他喚起懷舊的情緒，〈The Inland Road〉則有點像早期的R.E.M.，連主唱Russell Walker的歌聲也同樣模糊不清。

〈Twibbon Wife〉開頭的貝斯有點像Joy Division，接著motorik的節拍出現，在這個專輯最有活力的時刻，Russell Walker的聲音卻十分慵懶，製造出微妙的衝突感。〈Faith In The Future〉開頭的吉他充滿八零年代風情，接近尾聲時貝斯似乎是即興演奏，顯得猶疑不定，表現出樂團對於未來的不確定。

專輯後半段的歌曲長度開始增加，音樂更具挑戰性。長五分半鐘的〈It’s A Little Bit Different〉充滿扭曲的吉他，配上怪異的口白取樣。〈General Mojo〉的節拍古怪，雖然合成器很搶耳，但樂團似乎又不想讓歌曲太琅琅上口，一直用不和諧的口白或器樂片段打亂一切。〈Cropped To Death〉繚繞的吉他效果使人想起The Jesus and Mary Chain，比本尊2024年發的專輯更像他們自己。結尾曲〈Pop-up Companion〉錦上添花，以Johnny Marr般的明亮吉他結束整張專輯。《Wyrd Psearch》就算不是石破天驚之作，絕對能滿足八零年代獨立音樂歌迷的胃口。

(by D)

13. Four Tet - Three

要製作出中板節奏、討喜的電子專輯並不容易，但Four Tet的Kieran Hebdan看似信手捻來毫不費力。《Three》出現在Four Tet生涯的任何時機點都不顯突兀，同時能感受到Kieran Hebdan的用心。

〈Loved〉是我今年聽到最印象深刻的開場曲之一，充滿層次感、製作精良又有美好旋律。在幾首不慍不火的IDM曲子後，〈Daydream Repeat〉開頭的迷幻音樂片段和鼓擊取樣稍微炒熱氣氛，讓人想像在音樂祭聽到現場演出，與其他觀眾一起起舞的情景。〈Skater〉以吉他演奏為主體，喜歡搖滾樂的聽眾不由得受到吸引。

〈31 Bloom〉回到純舞曲的範疇，類似類比合成器的聲音有點像早期的Depeche Mode。結尾曲〈Three Drums〉歌如其名包含三套鼓的取樣，整首歌聽起來卻非常和諧，與電氣的旋律交織成一幅美麗的畫面，啟發新的想法與靈感。

整體而言《Three》這張專輯的聲響編排聽起來充滿生命力但不搶戲，適合作為工作或讀書時的良伴。

(by D)

12. Zazen Boys - らんど

《らんど》搶耳的放克貝斯線與吉他線互擊出強烈生猛的聲響比以往出色不少。單曲〈永遠少女〉在《らんど》中算是一個相當特別的存在，相較於其他歌曲圍繞在東京地域的主題，〈永遠少女〉則是串起日本二戰結束後至現今世界其他各處仍持續進行的戰爭狀態，向井秀德用「永遠」來對照出「死亡」，當時因為戰爭傷亡的少女，年齡就這樣永遠停留在15歲，而現今活著的少女跟過去失去生命的少女沒有任何差別，他們同樣都應該有活著的權利。向井秀德唱著：

「你在想，這個世界是沒有希望的。

你已經放棄了，所有大人都說著謊言。

你錯了，人性本該就是如此。」

他用黑暗的語彙跟對這世界感到失望的年輕人說，我們必須認清事實持續的跟人性對抗，持續的透過自身去尋找答案。

首曲〈DANBIRA〉向井秀德藉由反覆刷奏他的Fender Telecaster，用放克的節奏讓人如同搖擺的行走在東京街頭上，試圖嘗試解放那股在新宿街頭被壓抑的躁動感，他又唱著那句「諸行無常，死灰復燃的性衝動。」將東京變幻多端的生命力轉換成高低的音譜，黃昏下東京的每一個角落都成為他一首首歌曲中的種種景象。城市生活的孤寂幻化為〈バラクーダ〉跟〈八方美人〉，被愛的渴望反覆從字字句句中流瀉出來，貝斯手MIYA彈奏著如同機關槍的貝斯線交織在高頻響亮的吉他單音中，〈チャイコフスキーでよろしく〉或許是專輯中旋律性最好的歌曲，鼓手松下敦快板連環的鼓擊節奏加上貝斯、節奏吉他、主奏吉他交疊出的聲景可以說是完美搭配的演出，彷彿將團員間的演奏默契的發揮推到無人能及的極致。

11. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

正如同專輯名稱《"No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"》所描述的，因為累計至2024/2/13以色列對加薩走廊的攻擊死了28,340無辜的人，其中包括女人跟小孩，由於這個因素這張專輯沒有標題，GY!BE以這樣的方式來控訴這樣屠殺式的攻擊行為，雖然他們不是第一次控訴戰爭，但將死傷直接寫在標題上表示憤怒倒是頭一次。〈Babys in a Thundercloud〉延綿不絕的破音與悠揚的提琴聲譜奏出悲愴的旋律，描繪出彈雨般的轟炸與戰火間歇的片刻，末段的壯闊的吉他噪音炸響與急促的提琴聲成為整張專輯最精彩的段落。

〈Raindrops Cast in Lead〉中由女聲所唸出的西班牙詩篇描繪了炸彈轟炸當下的殘酷場景，炸彈從豔陽的藍天落下，無差別的滅絕以及掩埋，不斷加速的節拍與不斷疊加上的噪音越漸大聲如同一台呼嘯而過的戰機。戰爭後的末日毀滅場景由〈Pale Spectator Takes Photographs〉中的聲響被完整的描繪出來，如同一首末日電影的配樂將那股危及的氛圍以大鼓、噪音殘響及小提琴所營造。

或許光聽這張專輯的內容或許還不足以體會到GY!BE樂音的震撼，當聆聽到專輯曲目的現場版本後才真正將他們的樂音從錄製的版本中解放出來。我們以為我們不會在人間看到地獄之火，沒想到真實的戰場就猶如煉獄般，而GY!BE則將人間的地獄之火完整透過耳朵傳入到我們的大腦。

(by G)

10. DIIV - Frog in Boiling Water

DIIV的第四張專輯《Frog in Boiling Water》對於瞪鞋控來說可說是囊括了所有該有的元素：結合了My Bloody Valentine的實驗性、Swervedriver的噪音、Slowdive的夢幻音牆和indie twee的甜美氣息。不過他們這次也做了大膽的嘗試，以瞪鞋音樂探討政治議題。專輯名稱便揭示了人類正逐漸走向毀滅，開場曲〈In Amber〉對照目前的洛杉磯野火令人心有戚戚焉。

〈Raining On Your Pillow〉描寫美國的帝國主義，歌詞以一個軍人的角度思考自己為何而戰，背景的吉他loop和隱約的類比合成器營造出詭譎的氛圍，結尾卻又有朦朧的希望。

團員對於〈Everyone Out〉各自有不同的解讀，可以視為放棄理想、逃離一切，或是人類固有的想要冒險的慾望，但無論如何這首歌都批判了目前人類社會過度發展、追求進步的意識形態，歌曲悅耳的旋律和令人不安的聲響譜出既舒適又不安的聆聽感受。

雖然DIIV在受訪時透露樂團在製作《Frog in Boiling Water》期間差點解散，但整張專輯中板的節奏、從頭到尾一氣呵成的風格顯示出團員成功化解了彼此的歧異，完成一張完整的作品。他們的政治評論十分精準，某種程度上又消融在模糊的人聲和吉他效果中，這也描繪出現代人的命運，即便苦於資本主義帶來的種種沉痾，卻只能發出破碎的批評，並天真地想象能有轉圜餘地。

(by D)

9. Nilüfer Yanya - My Method Actor

英國女創作人Nilüfer Yanya在上張專輯《Painless》就展露出了驚人的寫歌與歌唱能力，與製作人Will Archer連手打造了以電子節拍、原音木吉他與Grunge音色的吉他Riff為主軸的歌曲，而這次《My Method Actor》延續了同樣的編曲基調，並且讓旋律的編排上聽來更加細膩，歌曲製作上，在她的女中音與器樂聲響之間有很好的平衡，從單曲〈Method Actor〉就能聽出製作的細膩度，琴鍵與貝斯低音的鋪陳都留給了她的嗓音延展的空間，再到Grunge味的電吉他破音刷奏也絲毫不會壓過她的歌聲。

專輯主題圍繞在「方法演技」中，一個透過自己過往親身經歷來詮釋角色的技法，Nilüfer Yanya在表演歌曲時也常會需要重新找回創作當初的回憶來重現在演出上，這讓她在舞台上自己扮演著自己，整張專輯可以說是她飾演自己的過程，如果一首心碎的歌曲是她的親身經歷，她每演奏一次都要重返那個心碎的過程，畢竟她扮演著她自己。

〈Ready for Sun (touch)〉是我覺得專輯中最優美的曲調，沒有過於花俏的編曲，只有她淺淺唱著悠長的旋律，唱著從破碎的關係的陰影中重新走到陽光下，渴望再被碰觸、再度感受事物、情感。整體來說《My Method Actor》有股哀傷卻又帶著堅強，猶如一種由冬季轉向春季的過程，憑藉著她不流俗的歌唱方式與細膩的編曲，這張專輯讓我認為Nilüfer Yanya是當今最優秀獨立女創作人之一。

(by G)

8. Elbow - Audio Vertigo

雖然主腦Guy Garvey是鎂光燈焦點和Elbow的靈魂人物，造就《Audio Vertigo》的重大功臣可說是鼓手Alex Reeves和貝斯手Peter Turner。在前鼓手Richard Jupp離團後加入的Alex Reeves終於成為Elbow的正式團員，首次參與創作，他在開場曲〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉的細膩鼓聲的細膩鼓聲達成精彩的開局，另外在單曲〈Balu〉充滿異國風情的敲擊使這首歌立刻捉住聽眾的注意力。貝斯手Peter Turner在上一張專輯的〈Six Words〉等歌曲就已經扮演關鍵的角色，而他在〈Lover’s Leap〉、〈Balu〉、〈From the River〉中搶耳的貝斯都為歌曲增添了神秘氣息。《Audio Vertigo》節奏組的強化有時候讓我感覺像在聽Doves的專輯，表現出曼徹斯特樂團善於結合奮進的節拍、廣袤的音場和私人感情的特色。

Elbow音樂中的豐富元素和發人深省的詞句還是他們的音樂最大的魅力所在。〈Things I’ve Been Telling Myself For Years〉在放克和華麗搖滾元素中，Guy Garvey敘述他回憶年少輕狂時的歲月，「當然我要活到96歲，重建福利國家」或許仍然是他的夢想？

7. toe - Now I See the Light

專輯首曲〈風と記憶〉使用了原音吉他的撥奏與透亮音色的分解和弦，給人相當輕盈明亮的感覺，各個器樂緊密的交織的在一起，他們用此曲定義了整張專輯聲音元素的組成，接著〈LONELINESS WILL SHINE〉反而是讓所有聲響在空間中被展開，鼓手柏倉隆史精密的鼓點伴隨著停頓的收與放與山嵜廣和距離感的歌聲交錯著，原音吉他的刷奏成為了要角之一，再由美濃隆章反覆的電吉他Riff聲響串起整首歌的主線條讓其他的聲音可以自由的疊加上去，山嵜廣和唱出的憂愁旋律讓人猶如感受與世隔絕的孤立感，彷彿不管他的歌聲有多大聲都沒有人能夠聽見。

以西班牙與作為歌名的〈TODO Y NADA〉將佛朗明哥吉他的彈奏手法帶入曲中，以手指快速撥奏著尼龍吉他弦來做為歌曲的樂句，我很喜歡貝斯手山根敏史在此曲中的表現，他間歇性的低音彈奏讓歌曲有一種舞動感，也讓人完全猜不到低音會在什麼時候出現。toe相當擅長將各種音樂元素的片段以一種輕巧的姿態將它們放入到自己的音樂中，但又讓人聽不出是某種特定風格。與女歌手兒玉奈央合作的〈WHO KNOWS ?〉應該是專輯中最溫馨又單純的歌曲，沒有什麼演奏炫技，只是好好在鼓機的節奏上將旋律慢慢鋪陳出來。

6. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

不管Friko這支來自美國芝加哥的獨立搖滾樂隊說他們受到什麼樂隊影響，他們的音樂總是讓我想起早期的Wolf Parade，連主唱Niko Kapetan的表演方式也跟Wolf Parade的主唱Spencer Krug如出一轍，聽了〈Crimson to Chrome〉後你大概會知道我講的是什麼，忽慢忽促的激昂嗓音與刷疊出的爽快破音吉他讓人回到兩千年初期獨立搖滾百花齊放的全盛時期，到了〈Crashing Through〉用了九零另類搖滾所擅長的在靜與吵之間輪換的編曲手法再加上可讓人大合唱的副歌橋段，成為宣洩情感的完美單曲，正當你以為他們已經宣洩完所有能量時才發現〈Chemical〉其實才是他們在整張專輯裡最激進的曲子，瘋狂爆裂的破音吉他與反饋不斷一層一層的堆疊上去實在是給人相當痛快的一擊。

他們在中慢板的歌曲上也有不俗的表現，如〈Statues〉以及以鋼琴為主奏的〈Until I'm With You Again〉，證明了他們除去器樂聲效外所能展現出的扎實寫歌功力，如同那些讓你想大聲唱出的Wolf Parade歌曲一般，他們的〈Get Numb To It!〉可以說是另一首讓人可以大合唱的金曲，唱出當代年輕人對生活揮之不去的麻木感，歌曲錄製出強烈的現場感如同置身他們的演出一般讓人體驗他們樂音所帶來的能量。《Where We've Been, Where We Go From Here》作為他們的首張專輯，有著當代新樂隊少有的超水準表現，無論是曲風的駕馭程度與高張力的演奏能量都讓人驚艷，這張作品無疑是2024最佳的獨立搖滾專輯。

(by G)

5. Loma - How Will I Live Without a Body?

作為一張討論生死的專輯，《How Will I Live Without a Body?》是個發人深省的標題，令人意想不到的是，它竟然是AI的產物。老牌音樂人Laurie Anderson邀請Loma試用以她的作品訓練的AI模型，於是Jonathan Meiburg提供了幾張相片給AI，產生兩首詩的部分詩句被使用在〈How It Starts〉和〈Affinity〉這兩首歌中，其中 "How Will I Live Without a Body?" 特別能捕捉到Loma團員彼此漸行漸遠的狀態，而成為專輯的標題。疫情過後，在Emily Cross的提議下，團員們在英國重聚，在她工作的臨終陪伴所克難地錄製了整張專輯，經過Dan Duszynski的製作下聲響清晰，不但納入自然界的聲音取樣，也充滿了如同在室內空間錄製的親近感。

〈Please Come In〉低微的開頭、〈Arrhythmia〉略帶焦躁的節奏以及〈Unbraiding〉和〈I Swallowed a Stone〉緩慢的曲調各以不同方式揭示悲傷的面貌。

4. Mount Kimbie - The Sunset Violent

相較起他們第一、二張post-dubstep的曲風，《Love What Survives》這樣冷調帶有後龐克性格的曲調才真正讓他們從英國電音圈中突圍，也聽得出他們走出臥室走向更精細的製作方式，在音色的調配上也更加的細緻，讓整體聽感更加滑順，比起冷調，這次《The Sunset Violent》則是完全相反以暖調的方式來呈現整體的音感，即便Kai在當中使用了大量的電吉他噪音、音牆，你可以明顯感受到那種如暖陽般的鵝黃色色調從音色映現出來，聽另一首合Krule合作的〈Boxing〉就能感受到那種被合成器與音牆包覆的暖度（他們到底是多愛Krule），或許是他們是在加州絲蘭谷沙漠製作這張專輯的緣故，你總能感受到那股熱度，但總有些時刻又變得異常的冷調，就像沙漠氣候的溫差般。

也是鍵盤手Andrea Balency-Béarn跟鼓手Marc Pell的加入讓這張專輯相較過往更有樂隊感，Andrea的合唱與合音也成了專輯中不可或缺的要角，聽Dominic跟她在〈Shipwreck〉合唱心碎的情歌才意識到Mount Kimbie真的成為了一組樂隊，成為了一組遺落在荒漠中還不為人知的獨立搖滾樂團，但也沒有因為吉他導向的緣故而埋葬他們編曲電子節奏的能力，就像他們在〈A Figure In The Surf〉用輪迴的電子鼓點與穩沉的貝斯低音加上彈跳般的合成器聲響製作出了一首精細的電氣流行樂曲，當中電吉他音色在破音與回響效果之間的調配也是相當優異，曲子後段轉為透亮音色的吉他獨奏更是全曲最精采的部分。

3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

《Iechyd Da》或許是英國搖滾樂隊The Coral的前吉他手Bill Ryder-Jones生涯以來的最佳作品，即便他先前已經出過不少張個人專輯，《Iechyd Da》可以說是他積累出來的精華之作，譜寫出曲曲皆動人的旋律，相較過往作品較為憂鬱氛圍的情緒，這張作品的情緒起伏更為顯著，整體聽起來更加暖調，相當適合在冬季聆聽，除了他使用原音吉他與鋼琴為基底外還另外加入弦樂讓歌曲旋律更加優雅。

整張專輯傳達出他在疫情期間所感受的孤立感與情人分離後的苦痛與童年時期目睹哥哥跌落懸崖喪失至親延續至今的傷痛，單曲〈This Can’t Go On〉寫下了與情人爭執後當下的低落情緒，從聽了整夜Echo & the Bunnymen的〈The Killing Moon〉來渡過低潮，再到他如何重新振作起來，又如何渴望與正常人一樣過著正常又辛福的生活，弦樂、合聲以及木吉他的刷奏，高亢的唱腔宛如Mercury Rev與Bill Callahan合作出的歌曲。《Iechyd Da》每首都以單曲為目標的製作與錄製方式是使它從2024眾多專輯脫穎而出的原因，Bill Ryder-Jones把人生的失落與美好都濃縮進了整張《Iechyd Da》中。

(by G)

2. Fontaines D.C. - Romance

一開始聽到Fontaines D.C.釋出《Romance》中的兩首歌曲〈Favourite〉以及〈Starburster〉時頓時不知道這兩首歌要怎麼樣並存在同一張專輯當中，一首樂觀明朗另一首黑暗又憤怒，外加上樂隊霓虹風格的著裝令人對《Romance》的音樂調性完全摸不著頭緒，當專輯一發行後才對專輯中音樂風格的多樣性驚嘆不已，他們不只嘗試風格上的改變，而是透過各種八零、九零年代的經典音樂風格來建構出自己的音樂宇宙，對我來說那不只是一種致敬與懷舊情懷反倒是他們讓模糊未來與過去的方式，如同反烏托邦電影《銀翼殺手》或是日本動畫《阿基拉》中同是描繪未來又因科技的高度發展而產生高度落差的毀滅光景。

這次找來James Ford來擔任製作人，相較之前製作人Dan Carey讓器樂與人聲較為原始與平衡的音像輸出，James Ford讓Grian Chatten的聲音更為靠前，並且採用更多合成器與弦樂的堆疊來製作出電影配樂般的音像。這也是Grian第一次對他自己的歌聲感到滿意，畢竟這次他真的把他自己的聲音從心底給唱出來了。

1. The Cure - Songs of a Lost World

在2024的十一月前我還不認為自己是The Cure的死忠粉絲，不過《Songs of a Lost World》改變了一切。記得〈Alone〉的MV公佈時，看著MV畫面裡轉動的雕像、莊嚴的電子琴與貝斯的結合，讓我立刻認出是The Cure的歌曲。等到專輯終於問世的十一月一日，隨即迎來兩場BBC的現場和倫敦Troxy的專輯首發演出，使我陷入了The Cure的世界至今無法自拔。

即便是生涯後期的作品，《Songs of a Lost World》依然挑戰現況，從〈Alone〉開始就引介了超乎常理的前奏長度，主腦Robert Smith受到Ernest Dowson的詩句啟發，討論生命的短暫易逝，人們無法擺脫孤獨的命運。〈And Nothing Is Forever〉與〈I Can Never Say Goodbye〉都描寫身邊重要的人過世的情景，音樂肅穆但動聽。〈A Fragile Thing〉或許是The Cure自《Wish》專輯以來最優秀的單曲，沉穩的貝斯和悅耳的吉他旋律帶出一段伴侶的對話，討論愛可能瞬間消亡。

〈Warsong〉與〈Drone:Nodrone〉是The Cure從未在專輯發行前表演過的歌曲，算是「真正」的新歌，雖然個人不太喜歡有點混濁刺耳的混音，但這些歌曲展現樂團目前的新方向，在大多數曲目都極度悲傷的專輯中也帶來一些必要的變化。

〈All I Ever Am〉探討自我與超我之間的拉鋸，以及個人記憶的不可靠性，在綿長的演奏和突如其來的節奏變化間，我們和樂團一同思考自我認知的普世問題。〈Endsong〉的前奏長到讓人幾乎以為是純演奏曲，各件樂器如乘載哀愁的海浪一波波襲來，歌詞即使悲嘆一切事物隨著死亡都將消逝，但相信The Cure的音樂必定能穿越時空藩籬永留聽眾心中。

如果搖滾樂習於歌頌青春，《Songs of a Lost World》帶來成熟年紀的觀點也令人折服，隨著年齡漸長，樂團所觸及的主題對於自己而言也會越來越切身體會。

(by Ｄ)

Top 20 專輯文字版：

  1. The Cure - Songs of a Lost World

  2. Fontaines D.C. - Romance

  3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

  4. Mount Kimbie - The Sunset Violent

  5. Loma - How Will I Live Without a Body?

  6. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

  7. toe - Now I See the Light

  8. Elbow - Audio Vertigo

  9. Nilüfer Yanya - My Method Actor

  10. DIIV - Frog in Boiling Water

  11. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

  12. Zazen Boys - らんど

  13. Four Tet - Three

  14. The Pheromoans - Wyrd Psearch

  15. MONO - Oath

  16. The Smile - Cutouts

  17. Shellac - To All Trains

  18. Mercury Rev - Born Horses

  19. Vince Staples - Dark Times

  20. Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone

Staff Lists:

G:

  1. Fontaines D.C. - Romance

  2. The Cure - Songs of a Lost World

  3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

  4. Nilüfer Yanya - My Method Actor

  5. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

  6. Zazen Boys - らんど

  7. Loma - How Will I Live Without a Body?

  8. Elbow - Audio Vertigo

  9. DIIV - Frog in Boiling Water

  10. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

  11. toe - Now I See the Light

  12. Mount Kimbie - The Sunset Violent

  13. Mercury Rev - Born Horses

  14. The Pheromoans - Wyrd Psearch

  15. Kamasi Washington - Fearless Movement

  16. The Smile - Cutouts

  17. Epic45 - You'll Only See Us When The Light Has Gone

  18. Shellac - To All Trains

  19. MONO - Oath

  20. Vince Staples - Dark Times

D:

  1. The Cure - Songs of a Lost World

  2. Loma - How Could I Live Without a Body

  3. Bill Ryder-Jones - Iechyd Da

  4. Fontaines D. C. - Romance

  5. Elbow - Audio Vertigo

  6. Friko - Where We've Been, Where We Go From Here

  7. Mount Kimbie - The Sunset Violet

  8. Mono - Oath

  9. DIIV - Frog in Boiling Water

  10. Godspeed You! Black Emperor - "No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead"

  11. toe - NOW I SEE THE LIGHT

  12. The Pheromoans - Wyrd Psearch

  13. Shellac - To All Trains

  14. Four Tet - Three

  15. The Smile - Cutouts

  16. Vince Staples - Dark Times

  17. Zazen Boys - らんど

  18. Nilüfer Yanya - My Method Actor

  19. Mercury Rev - Born Horses

  20. The Decemberists - As It Ever Was, So It Will Be Again

F:

  • BADBADNOTGOOD - Mid Spiral

  • Beth Gibbons - Lives Outgrown

  • Cassandra Jenkins – My Light, My Destroyer

  • Elbow - AUDIO VERTIGO

  • Ezra Collective - Dance, No One's Watching

  • Floating Points - Cascade 

  • Fout Tet - Three

  • Jamie xx – In Waves

  • Jessica Pratt – Here in the Pitch

  • Kelly Lee Owens - Dreamstate

  • Kendrick Lamar - GNX

  • Laura Marling – Patterns in Repeat

  • Mount Kimbie - The Sunset Violent

  • Nick Cave and the Bad Seeds – Wild God

  • Nilüfer Yanya – My Method Actor

  • Shabaka - Perceive its Beauty, Acknowledge its Grace

  • Soela - Dark Portrait

  • The Cure – Songs of a Lost World

  • toe - NOWＩSEE THE LIGHT

  • Uyama Hiroto - Breath of Love

[Mixtape] 2024年上半年歌單

by DOPM

Portishead的主場Beth Gibbons在淡出鎂光燈多年後在今年推出個人專輯，讓她下定決心復出的原因是因為認識的人開始死去，St Vincent和Julia Holter的專輯也不約而同地探討新生命與死亡互相循環的主題。雖然新冠疫情風暴已逐漸遠去，不過今年一開始就無法忽視死亡的陰影。對我來說樂團攝影作品不遜於Anton Corbijn的Brian Griffin於年初辭世，接著我們送走了美國小說家Paul Auster，最震撼的是作為獨立搖滾重要推手的Steve Albin離開了我們，能夠聽到Albini生前和Shellac樂團的最後一張專輯《To All Trains》，以及他為日本後搖團Mono製作的新專輯，真的非常幸運。透過他們的作品，Auster和Albini的生命都成為了無限。

這次的歌單也選了一些樂壇常青樹，Zazen Boys在睽違12年後又推出專輯，Beak>突然無預警有新作，令人十分驚喜，Arab Strap、The Jesus and Mary Chain、Elbow、DIIV、Grandaddy都是品質保證。六月左右又迎來一波優秀專輯高峰，這就等下半年的歌單再收錄了。

Track list:

  1. Four Tet - Loved

  2. DIIV - Frog in Boiling Water

  3. Elbow - Lover's Leap

  4. Julia Holter - Spinning

  5. Mount Kimbie ft. King Krule - Empty and Silent

  6. Beth Gibbons - Reaching Out

  7. Kamasi Washington, Andre 3000 - Dream State

  8. Sam Morton, Alabaster DePlume - Let's Walk in the Night

  9. The Jesus and Mary Chain - Silver Strings

  10. Shellac - How I Wrote How I Write Elastic Man (cock and bull)

  11. ZAZEN BOYS - チャイコフスキーでよろしく 

  12. Boeckner - Euphoria

  13. Friko - Crimson to Chrome

  14. Ducks Ltd. - Train Full of Gasoline

  15. Beak> - Hungry Are We

  16. The Smile - Friend of Mine

  17. Itasca - Tears on Sky Mountain

  18. Shabaka, Moses Sumney - Insecurities

  19. Jane Weaver - Emotional Components

  20. Arab Strap - Bliss

  21. Yard Act - We Make Hits

  22. St. Vincent - Big Time Nothing

  23. Epic45 - The Crush

  24. Grandaddy - Long as I'm Not the One

  25. Mono - Run On

  26. Kiasmos, Ólafur Arnalds, Janus Rasmussen - Sailed

【2023年終榜】DOPM最喜歡的專輯1到10名

by DOPM

10. Drop Nineteens - Hard Light

當Drop Nineteens出現在新專輯通知的時候實在是感到太驚訝了，這個九零年代短暫出過兩張專輯就消失在鎂光燈前的樂團竟然在三十年後回歸，他們的首張專輯《Delaware》融合瞪鞋、Emo及另類搖滾，搭配青澀的歌詞特別令人印象深刻。 今年推出的《Hard Light》開始於主腦Greg Ackell的好奇心，想像Drop Nineteens的音樂在現今會聽起來如何，也聯絡上原班人馬來錄音。單曲〈Scapa Flow〉就捕捉到Drop Nineteens作品的精髓，Greg Ackell和Paula Kelley的合唱、在流行旋律間突然爆發的吉他噪音，Drone的聲響製造出凌空飛翔的感覺，接續的〈Gal〉旋律豐富的貝斯凸顯出Drop Nineteens與其他樂團的不同之處。〈Tarantula〉不論歌名和風格都讓人想起與他們同期的Ride，不過來自美國的Drop Nineteens的音樂更明快一些。結尾的〈T〉前半段是輕柔噪音配上兩位主唱溫和的歌聲，後段綿延的演奏彷彿與今年出輯的Yo La Tengo遙相呼應，《Hard Light》是團員時隔多年後送給大家的禮物，使人會一直記得這個低調謙遜的樂團。

(by D)

9. Yo La Tengo - This Stupid World

不知為何，現在聽到Yo La Tengo出專輯時我都覺得會是他們的最後一張，所以都會更加珍惜的聆聽。看到專輯名稱《This Stupid World》心想還真的是一針見血的標題啊，聽了第一首〈Sinatra Drive Breakdown〉就知道這是給YLT死忠樂迷聽的作品，哇，七分鐘長篇Motorik節奏與迷幻的噪音吉他，都六十幾歲的他們擺出來的態度絲毫不想跟這世界妥協，〈Fallout〉溫柔好聽的旋律與噪音吉他都讓人想到名曲〈Sugarcube〉，不管此刻這糟糕的世界有多讓人噁心，只想讓時間靜止下來放鬆心情再想下一步要怎麼做。除了噪音吉他，還有像Georgia唱的〈Aselestine〉這樣孤獨者聽的暖心民謠，而〈Until It Happens〉則是Ira唱著面對死亡的準備，或許可以對應到疫情期間的末世氛圍，在恐懼下放鬆心情準備接受命運的態度，到了同名曲〈This Stupid World〉使用了不斷Drone的噪音聲響，將毫無希望的意念呈現在樂曲中，他們齊聲唱著：「這愚蠢的世界正在屠殺我，我們僅有的只有這愚蠢的世界。」

整張《This Stupid World》聽起來像是YLT在跟大家告別，而在終曲〈Miles Away〉聽見他們少使用的電子節奏，就像駕駛在看不到終點的迷霧裡，讓人多希望這一切不要這麼快結束，多希望這不會是終點。

(by G)

8. Slowdive - Everything Is Alive

《Everything Is Alive》製作期間經歷了疫情也經歷了團員Rachel Goswell母親及Simon Scott父親的過世，他們決定將這張專輯獻給他們離世的親人，原本預期這張專輯會更為黑暗但沒想到結果卻是比想像中來得明亮，在冷與熱的調性之間找到了中間的溫度，就算是使用了合成器也聽起來溫和，在分解和弦的彈奏與貝斯低音的韻律下從機械式的節奏中取得完美的平衡。

〈Shanty〉的由弱漸強的類比合成器Loop，再讓突如其來的吉他噪音炸響在你的耳膜上，搭上Simon的Motorik beat每一次小小的過門都相當讓人驚喜，因為你從未聽過Slowdive如此強調節奏，每一項元素都相當極簡又重複，卻能刻劃出美妙的音頻。

7. deathcrash - Less

deathcrash的悲傷曲調來自於主唱Tiernan Banks自身所感受的沮喪，不管是從憂鬱症再到藥物上癮，或許創作對有些創作者來說算是一種自我治療的方式，但對他來說並不是如此，獨自一人反而讓他更陷入在悲傷的情緒中，即使他在跟樂隊一起演奏多少能感受到一些比較正面的能量。這樣的悲傷延續到《Less》形成了一種隨時都要由內炸裂開來的情況，〈Empty Heavy〉從Slowcore橋接到Post-hardcore式聲嘶力竭的嘶吼與Doom metal的重度吉他音牆，就好像一首短版的Envy歌曲讓內心的痛苦從你內心由外炸開，更不用說最後一曲〈Dead, Crashed〉更加有毀滅性，彷彿描繪出世界末日的降臨，但那個末日是相當私人的，只有自己才能感受得到，大概只能用孤獨又絕望來形容這樣的聆聽過程。

6. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

睽違了13年的《My Back Was a Bridge for You to Cross》展現了ANOHNI And The Johnsons音樂的新層次，主唱Anohni將靈魂樂的唱腔與曲風帶入到他們的樂曲裡，但你依然能聽到他們過往搖滾樂的基底依舊存在在新的曲風上。

《My Back Was a Bridge for You to Cross》在精神上是一張憤怒的作品，但在音樂層次上卻是透過Anohni的歌聲展現出溫柔、堅強的態度，用Lou Reed生前的話語隱喻了全球氣候變遷帶來的後果，我們以為這個時代已經不需要抗議歌曲了，但Anohni的抗議歌曲好聽到可以成為人類靈魂的慰藉，Anohni覺得這些歌不是要來說服立場不同的人，而是要讓對現狀與未來走向不滿的人知道還是有人有音樂能夠回應他們的情緒。

(by G)

5. Wilco - Cousin

《Cousin》卻成功的重新引起我的注意力，比起他們上一張鄉村專輯，隔一年又出了一張風格截然不同的專輯，可能也要歸功於專輯製作人Cate Le Bon，同樣身為音樂人的Cate Le Bon將他處理節奏、合成器音色的方式帶入到了Wilco的音樂，使得整張專輯的聽感變得更加透亮且輕盈，沒有任何的急躁，讓Jeff Tweedy的旋律能夠自由的在節奏上飄盪。

從〈Infinite Surprise〉就回歸《Yankee Hotel Foxtrot》時期在聲音上的實驗感，細碎的節拍跟吉他噪音不斷的迴響在你耳邊，大鼓聲如同心臟般的跳動，然後噪音越來越大，讓歌聲逐漸消逝在音景之中，給人相當印象深刻的開場。Jeff Tweedy在〈Ten Dead〉中用美國槍擊案的新聞來呈現他如何成無能為力到與這個世界產生疏離感，漸強的樂音就如同這種有毒的麻痺感慢慢擴散的佔據他整個人。

4. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

上張專輯《Heaven to a Tortured Mind》就足以證明了Yves Tumor駕馭搖滾樂編曲及譜寫流行旋律的能力，這次的《Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)》在製作上更是下了更多苦心，作為一項音樂計畫沒有固定樂手情況下主腦Sean Bowie必需與隨著製作需求與不同人合作，這次在與不同製作人與客座樂手的合作下，製作出一張完美的電氣搖滾專輯，混和了憂鬱、黑暗以及浪漫的詞曲，曲風橫跨了八零年代的新浪潮電子流行樂到九零年代的另類搖滾又融合了節奏藍調的唱腔，在多元風格的融合下唱著兩人關係間的分崩離析，將兩人在一起卻感覺距離遙遠的心境描繪在歌曲裡。

聆聽整張專輯就像獨自一人走在黑夜中危機四伏的街頭上，任由五顏六色的霓虹燈閃亮著自己孤寂的身影並不斷與無數陌生人擦肩而過，看著那些不知何去何從的人只能透過來電那頭的聲音來決定接下來要走向何方，就在此刻你的鈴聲也響起。

(by G)

3. The Church - The Hypnogogue

澳洲傳奇後龐克樂隊The Church的主腦Steve Kilbey也許不需要再去證明自己的創作才華，但69歲的他還是想要證明自己能夠寫出一張概念專輯，《The Hypnogogue》的概念是在反烏托邦的世界背景下有一名曾輝煌一時的搖滾明星遇到一位韓國科學家並且用她所發明名叫Hypnogogue的機器從他的夢中將音樂從他腦中萃取出來，但沒想到使用這樣創作音樂的方式卻對創作者帶來致命的影響。

The Church早期兩位吉他手的離團多少影響整體音樂風格的走向，沒有了明顯的主奏吉他跟搶耳的Riff，《The Hypnogogue》的走向更加偏向迷幻搖滾加上Steve Kilbey低沉的唱腔，如同Pink Floyd遇上David Bowie，但依然保留了The Church擅長的Jangly吉他聲響在一首首迷幻的篇章中，專輯整體的氣氛維持在霧氣繚繞的幽暗感，偶爾在樂曲中使用原音木吉他的聲響給人一種撥雲見日的感覺，在這張長達一個多小時的專輯你不得不佩服他們的建構歌曲的能力，基本上要聽完專輯Deluxe的版本才能體驗比較完整的《The Hypnogogue》，在兼顧概念性、旋律性、聲響氛圍等面向上來說，《The Hypnogogue》絕對是今年最扎實的作品之一。

(by G)

2. bdrmm - I Don’t Know

上半年bdrmm的《I Don't Know》專輯尚未正式發行前，單曲〈It's Just A Bit of Blood〉就令我驚豔，比起上一張專輯的青春憂傷氣息顯得更濃重一些，前奏開始不久立刻用吉他音牆轟炸聽眾的耳膜，接著歌曲採用Pixies般動靜交錯的手法，主歌抑鬱迷惘，副歌盛大壯麗，彷彿戰勝了心魔，成為更強大的自己。後來發現bdrmm從廠牌Sonic Cathedral換到Mogwai的Rock Action，並從與Mogwai巡迴的經歷獲取了不少養分，便特別期待聽到完整作品。

當受到Thom Yorke電子樂創作啟發的曲子〈Alp〉響起，立刻成功證明bdrmm成功化解了第二張專輯魔咒，歌曲誕生自樂團與Mogwai巡迴時行車經過阿爾卑斯山時，一面接收到來自家鄉英國的負面消息，絕望的感受油然而生。樂團打造的電子聲響是前作從未見過的，展現了他們成長的軌跡。

1. The Murder Capital - Gigi's Recovery

從上一張專輯的死亡焦慮中轉換成人與人的繫結也就是「愛」上，在經歷過疫情的孤立後再到與重新回到舞台上與他人接觸找回自己，專輯部分描繪了這種心境上的轉變，James McGovern在〈Crying〉幽暗的合成器聲響與延遲迴盪的吉他音牆下唱著：「我在你眼中滴下各種色彩的眼淚中看見了自己。」以哭泣作為一種與他人關係的繫結，他以此曲展現出人類最原始的情感，展露了自己的孤立與渴望。

〈Return My Head〉將他從孤立的狀態到找回自我的心境以一種雀躍的方式透過快板的節奏與吶喊表現出來，這種狀態的轉換下還要維持自我是一種困難的事，這時候透過與他人的接觸再回到自身的方式來維持自我變得重要，得到反饋來證明自我的存有，歌曲顯示了「他者」的重要性。〈Ethel〉就像是一首出自The Horrors的《Primary Colours》裡的一首情歌，給人一種夜幕低垂的氛圍，反覆的電吉他樂句，雙吉他的編曲鋪成與炸裂的音牆，在夜晚狂歡後開始了對未來的渴望，想像他們的第一個孩子叫Ethel，然後在月光下緊緊的抱著她。

(by Ｇ)

Top 20 專輯文字版：

  1. The Murder Capital - Gigi's Recovery

  2. bdrmm - I Don’t Know

  3. The Church - The Hypnogogue

  4. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

  5. Wilco - Cousin

  6. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

  7. deathcrash - Less

  8. Slowdive - Everything Is Alive

  9. Yo La Tengo - This Stupid World

  10. Drop Nineteens - Hard Light

  11. The American Analog Set - For Forever

  12. Algiers - Shook

  13. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner

  14. Unknown Mortal Orchestra - V

  15. shame - Food for Worms

  16. Deeper - Careful!

  17. Ulrika Spacek - Compact Trauma

  18. Young Fathers - Heavy Heavy

  19. Depeche Mode - Momento Mori

  20. The Coral - Sea Of Mirrors

Staff Lists:

G:

  1. The Murder Capital - Gigi's Recovery

  2. Wilco - Cousin

  3. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

  4. bdrmm - I Don't Know

  5. The Church - The Hypnogogue (Deluxe Edition)

  6. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

  7. deathcrash - Less

  8. Slowdive - Everything Is Alive

  9. Jaimie Branch - Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war))

  10. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner

  11. Yo La Tengo - This Stupid World

  12. Drop Nineteens - Hard Light

  13. The American Analog Set - For Forever

  14. Unknown Mortal Orchestra - V

  15. shame - Food for Worms

  16. Ulrika Spacek - Compact Trauma

  17. Algiers - Shook

  18. Beach Fossils - Bunny

  19. bar italia - Tracey Denim

  20. Deeper - Careful!

  21. Cloth - Secret Measure

  22. Young Fathers - Heavy Heavy

  23. Meadow Meadow - You are so alive

  24. mui zyu - Rotten Bun for an Eggless Century

  25. Arlo Parks - My Soft Machine

  26. The Coral - Sea Of Mirrors

  27. Depeche Mode - Momento Mori

D:

  1. bdrmm - I Don't Know

  2. The Clientele - I Am Not There Anymore

  3. The Murder Capital - Gigi's Recovery

  4. Drop Nineteens - Hard Light

  5. The Church - The Hypnogogue

  6. Yves Tumor - Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

  7. ANOHNI And The Johnsons - My Back Was a Bridge for You to Cross

  8. FACS - Still Life In Decay

  9. deathcrash - Less

  10. Slowdive - Everything Is Alive

  11. Wilco - Cousin

  12. Algiers - Shook

  13. The American Analog Set - For Forever

  14. The Coral - Sea Of Mirrors

  15. Blonde Redhead - Sit Down For Dinner

  16. Ladytron - Time’s Arrow

  17. Lankum - False Lankum

  18. Kate NV - WOW

  19. Grails - Anches En Maaat

  20. shame - Food for Worms

  21. Depeche Mode - Momento Mori

  22. Steve Mason - Brothers & Sisters

  23. Yo La Tengo - This Stupid World

  24. Unknown Mortal Orchestra - V

  25. Ulrika Spacek - Compact Trauma

  26. Spencer Krug - I Just Drew This Knife

  27. Film School - Field

  28. Deeper - Careful!

  29. Young Fathers - Heavy Heavy

  30. The National - First Two Pages of Frankenstein

F:

  • The National - First Two Pages of Frankenstein

  • Slowdive - everything is alive

  • Depeche Mode - Memento Mori

  • Yo La Tengo - This Stupid World

  • Everything But the Girl- fuse

  • Cleo sol - heaven/gold

  • Boygenius - the record

  • Fever Ray - Radical Romantics

  • Jessy Lanza - Love Hallucinations

  • Wilco - Cousin

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