【2021年終榜】DOPM最喜歡的專輯1到10名

by DOPM

10. Lou Barlow - Reason to Live

「真實表達自己」是八零年代末九零年代初獨立搖滾樂吸引樂迷的原因，雖然在目前這個重視包裝和形象的時代，「真實」與否已經是個過時的概念，但Lou從未放棄這樣的原則。《Reason to Live》記錄了Lou這幾年在思索的問題，如愛與親情、他個人的酒癮、美國的階級分裂問題，簡而言之就是如何在這紛亂的時代找到活下來的動力。〈In My Arms〉是專輯中少數（唯一？）在八零年代就寫好的歌曲，由現已年過半百的Lou來演繹更顯得彌足珍貴，一開始充滿顆粒感的錄音和危顫的撥弦聲表現出低傳真美學，Lou談到人生被酒精和自我否定掌控，直到音樂靈感萌生將他從自毀深淵解救出來，副歌悲喜交集的情感意境深遠。

(by D)

9. The Weather Station – Ignorance

我會認識The Weather Station 應該是從2011年的專輯《All of It Was Mine》開始的。前幾張專輯幾乎都是以吉他為主的民謠，不過這張新專輯的大轉變，讓我相當驚艷，也樂見她第一次嘗試比較流行搖滾一點的樂風，就能執行的如此完美。讓我想到另外一位創作女歌手Sharon van Etten，也是類似的轉變過程。比起以往用簡單的民謠吉他彈唱，在新專輯《Ignorance》添加了老搖滾的4/4拍節奏，有了這個骨幹推著音樂前進，它可以加入更多元素，無論是電子琴、弦樂，還是薩可斯風，音樂性當然變得更豐富。前幾次聽的時候，感覺可以聽到Fleetwood Mac、Talk Talk、Kate Bush等80年代的老團的味道，但是聽越多次，你越能發現那些樂風只是Tamara Lindeman現在想要表達的方式，歌聲依舊平靜溫和的她，寫的歌詞還是非常深刻真摯。

(by F)

8. For Those I Love - For Those I Love

For Those I Love是愛爾蘭創作人David Balfe的一項音樂計畫，而這張同名專輯其實是獻給他已自殺過世的好友Paul Curran的作品，除了對好友的致敬，專輯所描繪的場景圍繞在他們所生長的地方都柏林北區的Coolock，當地惡劣的環境使他們被犯罪率、藥物、失業等問題圍繞，他們只能透過藝術來逃離青少年所遭逢的挫敗，David Balfe除了在專輯表現出他對友人、家人的情感外，也透過說唱來表達他青少年時期至今的憤怒，試圖在看不到未來的前方找到能繼續前進的勇氣。David在Paul過世前組過一些龐克樂隊，其中的樂隊Burnt Out也透過音樂影像聚焦在當地青少年失業的問題，但David Balfe在For Those I Love中卻從龐克音樂轉向電子舞曲、取樣即時通訊軟體上傳遞的真實人聲對話、讓他的友人猶如活在他所創作出的聲景裡，首首歌曲都直接指涉他們所遇到的人事物，聽過的音樂、讀過的書。

(by G)

7. Arab Strap - As Days Get Dark

蘇格蘭雙人組Arab Strap相隔16年後再度推出新專輯《As Days Get Dark》，原先的放蕩青年已經變成厭世中年，不過Aidan Moffat的文字還是一樣睿智，Malcolm Middleton的吉他依然懾人。專輯的主題圍繞在事物的衰頹，尤其是人的肉體，但Aidan Moffat能找出悲劇中的黑色幽默。〈Another Clockwork Day〉中的敘事者不滿意當下的情色內容，轉而翻看愛人過去的照片來催眠自己現在的她仍然一樣美，已經是Arab Strap版本的浪漫情歌。〈Tears On Tour〉寫到祖父母過世、失戀、甚至迪士尼卡通都能讓敘事者大哭，但如今他已經麻木感覺不到情緒，拖長的配樂十分吻合歌詞的無力感。特別令人印象深刻的歌曲包括〈Compersion Pt. 1〉和〈Here Comes Comus!〉，後者曲風像是Depeche Mode混合了Interpol，但這兩個樂團應該不會如此不留情面地描寫一個中年魯蛇。即使日子越來越難過，《As Days Get Dark》深刻記下了平凡男性的痛苦掙扎。

(by D)

6. Spencer Krug - Fading Graffiti

《Fading Graffiti》所有收錄的歌曲都曾經以慢速鋼琴曲的形式出現在 Spencer Krug的Patreon頁面上，他其實可以輕輕鬆鬆把這些歌曲集結成又一張以鋼琴曲為主的專輯，但他卻選擇組一個完整的樂團（成員包括電吉他手Jordan Koop、貝斯手Adrienne Humblet、踏板鋼棒吉他手Nicholas Merz和鼓手Eli Browning）來重新詮釋這些歌，將它們轉換成帶有民謠風格的搖滾歌曲。樂團成員的貢獻功不可沒，我個人認為專輯中呈現歌曲的方式遠勝過當初的demo，讓歌曲更多元且能傳達多種不同的情感。最終錄出來的專輯捕捉到Krug比較寧靜的人生階段，部分主題包括平靜地待在家中、成為父親、愛情、觀察自然環境等等。如同往常，Krug的音樂充滿了高潮起伏，不過他處理各種轉折的手法顯得駕輕就熟。

(by D)

5. BadBadNotGood - Talk Memory

這是他們在2019年告別創團團員Matthew Tavares後的首張作品，從巨幅史詩開場的〈Signal from the Noise〉便能一窺他們要與過往果斷切割的企圖，先引入彷彿來自浩瀚星辰的聲響，接著重複一段非常有記憶點的鋼琴旋律，穿插著彷彿西部片風格的即興演奏，十足展現樂團的野心。《Talk Memory》有著相當一致的整體性，大量重複堆疊的演繹變得更有後搖色彩，雖然失去了先前作品那熱鬧靈動、無拘無束的樣貌，但樂團對於氣氛營造和廣納元素所下的工夫也吸引到新的樂迷。聽著〈Love Proceeding〉充滿希望的旋律，悠悠地回望過往記憶，我們能夠從以往的經驗獲得力量，重拾對未來的信心。

(by H)

4. Deafheaven - Infinite Granite

對熟悉Deafheaven的樂迷來說這張《Infinite Granite》可以說是一張不太尋常的作品，簡單來說主唱George Clarke減去了大部分黑金屬音樂中的尖銳嘶吼的唱腔，編曲變的更加有結構又不失變化性，以傳統的主歌—副歌取代原本後搖滾式的長篇幅起承轉合，整體音樂風格更專注在Shoegaze曲風上，多了夢幻又不失厚實的吉他音牆疊砌，少了點他們過往的實驗性，在旋律性的改善上下了不少苦功。Deafheaven這次找來曾製作過M83、School of Seven Bells、Wolf Alice等團的知名製作人Justin Meldal-Johnsen來協作他們完成《Infinite Granite》，這也讓這張作品帶來給人全然不同的體驗，要馴服這群硬漢也不是這麼簡單的任務，首先George Clarke習慣用乾淨輕柔的唱腔來唱歌，吉他手Kerry McCoy的編曲要更有結構，收斂黑金屬音樂中會用到的技巧，讓他的吉他更能呈現出那種深鬱又透明的音色，反倒是鼓手Daniel Tracy還是火力全開，不時還是能聽到黑金屬音樂中的雙踏、Blast Beats。

(by G)

3. The Coral - Coral Island

來自英國西邊濱海小鎮Hoylake的樂團The Coral今年正好出道滿20年，他們選擇推出音樂生涯集大成的雙專輯《Coral Island》，團員根據自身成長經驗構想出一個虛構的海島樂園，專輯中的所有歌曲都在描寫這個樂園中發生的故事和該地的興衰。此概念乍看之下令人摸不著頭續，但專輯最終呈現出來的效果卻出奇地好，聆聽時讓人想起《布萊登棒棒糖》這類關於遊樂園的故事。主唱James Skelly和鼓手Ian Skelly兄弟還找來他們的祖父Ian Murrary來擔任口白，形式上向The Small Faces的《Ogdens' Nut Gone Flake》致敬，這些穿插的口述歌曲為專輯增添了戲劇性。《Coral Island》分為兩個部分：Welcome to Coral Island 及 The Ghost of Coral Island，第一部分大多描述在樂園度過的歡愉時光，第二部分則討論樂園淡季的寂寥景象。這批歌曲的品質極高，就算專輯很長、歌曲繁多，每首歌都能讓人留下深刻印象，從頭到尾都非常流暢。

(by D)

2. Darkside - Spiral

相隔八年Darkside終於發行了他們眾所注目的第二張專輯《Spiral》，兩位成員Nicolás Jaar以及Dave Harrington於2018再度聚首於美國紐澤西，就像許久未見的好友一般，沒有任何製作專輯的內在或外在壓力，一同閒聊、煮飯，自然而然的看這次的重逢會帶領他們走向何方。他們決定採用與跟上張專輯不同的製作方式，運用比較老派的手法來製作這張專輯，用了一些原音樂器，像是木吉他、鋼琴等來讓聲響的組合上聽起來更加有溫度，跳脫Nicolás Jaar製作電子音樂的框架以及Dave Harrington以往擅長的爵士電貝斯與電吉他的範疇，他們想要推翻過往但又想要讓他們的迷幻音樂是能讓人很容易接受的，讓人可以很輕易的進入到他們的世界的。

(by G)

1. Elbow - Flying Dream 1

第一次聽《Flying Dream 1》的感想是專輯中完全沒有快歌，也沒有像〈One Day Like This〉或〈White Noise White Heat〉這樣的強勁單曲，歌曲在陰鬱冷調的氣氛中帶著溫暖的人文關懷，適合冬天聆聽。起初打動我的歌曲是〈Is It a Bird〉和〈Six Words〉，前者是Guy Garvey在岳母過世時寫下，簡約優雅的配樂表現出親人脫離病魔折磨、如釋重負的輕盈感；後者先以鋼琴與人聲搭配的美麗小品呈現給聽眾，中段加入貝斯、鼓和更多樂器的編排實在是大師之作，給人的感動超越了Elbow先前所有的情歌。聽久之後，慢慢從《Flying Dream 1》發掘出更多細膩之處，不論是描寫對家庭生活的投入（〈Calm and Happy〉、〈The Only Road〉）或是紀念已逝的好友的曲子（〈The Seldom Seen Kid〉）都非常耐聽，讓人能在充滿算計的世界中，記得保有一顆溫柔的心。

(by D)


Top 30 Albums文字版：

  1. Elbow - Flying Dream 1

  2. Darkside - Spiral

  3. The Coral - Coral Island

  4. Deafheaven - Infinite Granite

  5. BadBadNotGood - Talk Memory

  6. Spencer Krug - Fading Graffiti

  7. Arab Strap - As Days Get Dark

  8. For Those I Love - For Those I Love

  9. The Weather Station – Ignorance

  10. Lou Barlow - Reason to Live

  11. Dean Blunt - Black Metal 2

  12. Nick Cave and Warren Ellis - Carnage

  13. The War on Drugs - I Don't Live Here Anymore

  14. Low - HEY WHAT

  15. Shame - Drunk Tank Pink

  16. Sons of Kemet - Black to the Future

  17. Japanese Breakfast - Jubilee

  18. Goat Girl - On All Fours

  19. The Spirit of the Beehive - Entertainment, Death

  20. 拍謝少年 - 歹勢好勢

  21. Dry Cleaning - New Long Leg

  22. Black Country, New Road - For the First Time

  23. Marissa Nadler - The Path of the Clouds

  24. Alfa Mist - Bring Backs

  25. Mogwai - As the Love Continues

  26. The Besnard Lakes - The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings

  27. Floating Points and Pharoah Sanders - Promises

  28. Pia Fraus - Now You Know It Still Feels The Same

  29. Manic Street Preachers - The Ultra Vivid Lament

  30. Jane Weaver - Flock

Spotify 歌單：

Apple Music歌單：

Apple Music

Staff Lists:

G:

  1. The Coral - Coral Island

  2. Deafheaven - Infinite Granite

  3. Elbow - Flying Dream 1

  4. For Those I Love - For Those I Love

  5. Shame - Drunk Tank Pink

  6. Darkside - Spiral

  7. Spencer Krug - Fading Graffiti

  8. Arab Strap - As Days Get Dark

  9. Sons of Kemet - Black to the Future

  10. Nick Cave and Warren Ellis - Carnage

  11. The Spirit of the Beehive - Entertainment, Death

  12. BadBadNotGood - Talk Memory

  13. Lou Barlow - Reason to Live

  14. Dry Cleaning - New Long Leg

  15. The War on Drugs - I Don't Live Here Anymore

  16. 拍謝少年 - 歹勢好勢

  17. Dean Blunt - Black Metal 2

  18. Pia Fraus - Now You Know It Still Feels The Same

  19. Black Midi - Cavalcade

  20. Japanese Breakfast - Jubilee

  21. The Weather Station – Ignorance

  22. Goat Girl - On All Fours

  23. The Notwist - Vertigo Days

  24. Low - Hey What

  25. Black Country, New Road - For the First Time

  26. The Besnard Lakes - The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings

  27. Really From - Really From

  28. Alfa Mist - Bring Backs

  29. Manic Street Preachers - The Ultra Vivid Lament

  30. Snail Mail - Valentine

D:

  1. The Coral - Coral Island

  2. Deafheaven - Infinite Granite

  3. Elbow - Flying Dream 1

  4. Low - HEY WHAT

  5. Spencer Krug - Fading Graffiti

  6. Darkside - Spiral

  7. Dean Blunt - Black Metal II

  8. Arab Strap - As Days Get Dark

  9. BadBadNotGood - Talk Memory

  10. Lou Barlow - Reason to Love

  11. The War on Drugs - I Don’t Live Here Anymore

  12. Marissa Nadler - The Path of the Clouds

  13. Iceage - Seek Shelter

  14. For Those I Love - For Those I Love

  15. Goat Girl - On All Fours

  16. Nick Cave & Warren Ellis - Carnage

  17. The Weather Station - Ignorance

  18. Black Country, New Road - For the First Time

  19. Jane Weaver - Flock

  20. The Besnard Lakes - The Besnard Lakes Are the Last of the Thunderstorm Warnings

  21. Manic Street Preachers - The Ultra Vivid Lament

  22. Shame - Drink Tank Pink

  23. 拍謝少年 - 歹勢好勢

  24. Sons of Kemet - Black to the Future

  25. The Mountain Goats - Dark in Here

  26. SPIRIT OF THE BEEHIVE - ENTERTAINMENT, DEATH

  27. Dry Cleaning - New Long Leg

  28. Amusement Parks on Fire - An Archaea

  29. Mogwai - As the Love Continues

  30. 風籟坊 - Demo 丙

F:

  • Alfa Mist - Bring Backs

  • Andy Shauf - Wilds

  • Arlo Parks - Collapsed In Sunbeams

  • BADBADNOTGOOD - Talk Memory

  • Bicep - Isles

  • Cleo Sol - Mother

  • Darkside - Spiral

  • Elbow - Flying Dream 1

  • Erika de Casier - Sensational

  • Faye Webster- I Know I'm Funny haha

  • Floating Points and Pharoah Sanders - Promises

  • Godspeed You! Black Emperor - G_d's Pee AT STATE'S END!

  • Grouper - Shade

  • Japanese Breakfast - Jubilee

  • Julien Baker - Little Oblivions

  • King of Convenience - Peace or Love

  • Leon Bridgers - Gold-Diggers Sound

  • Little Simz - Sometimes I Might Be Introvert

  • Mogwai - As The Love Continues

  • Murcof - The Alias Session

  • Nick Cave & Warren Ellis - Carnage

  • Sault - Nine

  • Suzanne Kraft - About You

  • The War On Drugs - I Don't Live Here Anymore

  • The Weather Station - Ignorance

  • Tony Allen - There Is No End

  • Wolf Alice - Blue Weekend

  • 拍謝少年 - 歹勢好勢

  • 馬念先 - Mama Jeans and Daddy Shoes

  • 陳建年 - 人之島

【2021年終榜】DOPM最喜歡的專輯11到20名

by DOPM

20. 拍謝少年 - 歹勢好勢

成軍超過十年的拍謝少年，今年推出第三張專輯《歹勢好勢》，同時也是他們至今最成熟最棒的專輯。有別前兩張專輯，新專輯在不同曲風上的嘗試是令我最驚艷的，因為我未曾想過這些不同搖滾曲風能與台語歌這樣無違的融合。像是和惠婷合唱的〈百百人生〉，那電吉他、貝斯與合成器交織出來的帥度，完全不遜於Depeche Mode。與余佩真合唱的〈踅夜市〉，有著朦朧的dream-pop吉他音牆，更是我們不曾見過如此夢幻的拍謝。關於專輯更多的介紹，可以看看我們的專訪，或是看他們新專輯的音樂解密。聽著這張專輯，拍謝像是在用音樂告訴我們，他們吸收的音樂養分就是來自後龐、英搖、瞪鞋等不同曲風，但是能用台語唱出這些歌更是他們所期待的。

(by F)

19. The Spirit of the Beehive - Entertainment, Death

美國賓州費城樂隊The Spirit of the Beehive的第四張專輯《Entertainment, Death》或許是他們有史以來最大膽的一張專輯，融合了取樣、環境、電子、噪音、低傳真、迷幻搖滾、龐克、夢幻民謠等風格讓人一開始聽了完全摸不著頭緒，但聽久了卻會發現即便是這樣的混亂在《Entertainment, Death》中曲與曲的氛圍聽起來還是帶有一致性，你能夠順著怪異扭曲的聲響從頭一路聽到尾也不會覺得有任何違和感，比起前作《Hypnic Jerks》此張專輯來得更加黑暗，它如同產生一股黑暗的漩渦將人從當下吸入其中，又像是一種存在焦慮過了頭所產生的暈眩。

(by G)

18. Goat Girls - On All Fours

今年DOPM曾介紹南倫敦的音樂新勢力，其中Goat Girl的音樂我認為是其中最平易近人的，她們的音樂納入許多樂風，包括後龐克、Trip-hop、90年代的舞曲等等，也運用很多合成器，旋律不落俗套但又琅琅上口。〈Sad Cowboy〉是今年最優秀的單曲之一，一開始的主副歌由靈動的合成器與短促的吉他打頭陣，接下來的合成器獨奏彷彿呈現出萬千風景。專輯中有許多精彩曲目，包括節奏特殊卻很洗腦的〈Badibaba〉，幾乎算是演奏曲的〈Jazz (In the Supermarket)〉展現出樂團對爵士樂的重新詮釋。Goat Girl擅長用戲謔的角度談論社會上種種令人忿忿不平之事，〈Pest〉寫下大眾對於氣候變遷議題的漠不關心，〈P.T.S.Tea〉描述在大眾運輸上遇到的無禮乘客，〈The Crack〉是關於地球環境破壞嚴重，上層階級因而想往太空發展，這些怪誕又迷人的音樂記錄年輕世代如何面對上一世代因貪婪所留下的沉痾。

(by D)

17. Japanese Breakfast - Jubilee

《Jubilee》是Japanese Breakfast有史以來最流行也是最成熟的專輯，它證明了女主唱Michelle Zauner優秀的創作與歌唱功力，相較過去較為悲傷的詞曲，這張專輯改變了曲調轉換為較為愉悅亮麗的聲音。如歌曲〈Paprika〉取名自日本動畫大師今敏的《盜夢偵探》，運用編曲軟體中的管弦樂器取樣來製作出動畫中大樂隊行進的熱鬧聽感，而Michelle在曲中的歌聲也展現出她的穿透力，明亮又有力，與Wild Nothing合作的〈Be Sweet〉以肥厚的貝斯線為基底，再用復古的八零合成器聲響製作出一首目眩神迷的流行歌。受到富豪買下地下碉堡新聞而寫〈Savage Good Boy〉，Michelle將自己的視角切換成一位男性富人，當世界毀滅時能夠帶著另一位女人跟他一起在地下碉堡生活，體驗累積財富的貪婪能夠做到什麼程度，而這首與低傳真創作人Alex G合作的歌曲也意外的流行且俏皮，原音的低音琴鍵與明亮合成器聲響搭配的微妙編奏相當讓人耳目一新。

(by G)

16. Sons of Kemet - Black to the Future

由倫敦薩克風手Shabaka Hutchings所領銜的Sons of Kemet，如同專輯名稱《Black to the Future》這次帶來強烈的政治訊息，受到George Floyd之死的影響，Shabaka認為這是系統性的問題，必須追根溯源整個黑人的歷史來找尋答案。他們透過實驗爵士讓人穿越了黑人的奴役、解放到未來，給予人們：「黑人從哪兒來，又要從哪裡去」的思考空間。Sons of Kemet將爵士音樂融合了嘻哈、Caribbean Folk、Afrobeat等樂風，給予了這些音樂風格現代的樣貌，將各樂風所代表的歷史意涵重新顯現在當代。

〈Pick Up Your Burning Cross〉激烈的薩克斯風吹奏與饒舌詩唱，聽來如同施展巫術的儀式給予人超乎常人的力量，緊抓住你的耳朵不放，而〈Let The Circle Be Unbroken〉中展現次中音薩克斯風與低音號的完美合奏，加上非洲鼓節奏，以緊湊的交互吹曲，傳達黑人必須團結一致的意志。如果你將專輯中所有的歌名全部一次念出來，它就是一首完整的詩，是一種思考的進程也是一種宣示，我們必須堅強起來去面對自己的歷史，才有力量對抗不公義的世界。

(by G)

15. Shame - Drunk Tank Pink

比起首張專輯桀傲不馴的態度，新作《Drunk Tank Pink》變得更成熟內斂，就如同去年Fontaines D.C.在創作上的轉變一樣，他們在作品中同樣在獲得名氣後重新審視自己，並且跳脫第二張專輯的框架另闢新徑。從單曲〈Snow Day〉我們聽到的截然不同的Shame，在六分鐘內放入複雜的編曲結構、不斷變換的橋段，將心碎的孤寂透過扭曲的雙吉他刷奏與強烈緊湊的鼓拍節奏排山倒海強襲而來，聲音上的表現如同後龐克樂隊Women及其嫡系樂隊工業感的電吉他音色，但又加上龐克音樂原有的能量，不斷的衝刺又緩衝並且挾帶龐然的氣勢，整體呈現出他們音樂中前所未有的深度，使我們大可以把〈Snow Day〉放入兩千年後後龐克新世代的經典歌曲清單裡。

(by G)

14. Low - HEY WHAT

《HEY WHAT》是Low與製作人BJ Burton合作的第三張專輯，從2015年的《Ones and Sixes》開始他們逐步增加實驗電子樂的元素，《HEY WHAT》達到了高峰，許多歌曲的高頻噪音用耳機收聽會刮耳，最適合的聆聽方式是用音響播放。超級電腦逐漸損壞的意象橫跨整張專輯，在比例吃重的噪音中，Alan Sparkhawk和Mimi Parker的美妙和聲時常被推到前方，在一片機械雜訊中提供指引。雖然我還是偏好（相對）比較容易入耳的曲子，如〈All Night〉、〈Hey〉和〈Don't Walk Away〉，但不得不說噪音暴衝的〈Days Like These〉真是神來之筆，後半段的環境音效和團員夫妻的歌聲創造出全輯最美麗的時刻。如果覺得《Hey What》和Low先前的專輯實在差異過大，終曲〈The Price You Pay (It Must Be Wearing Off)〉有點像會收錄在《Ones and Sixes》的曲目，鼓聲終於短暫出現，歌詞 It must be wearing off 既絕美又悲戚。已經成軍快30年的Low仍然不斷求新求變，很期待他們下一次會帶來什麼樣的作品。

(by D)

13. The War on Drugs - I Don't Live Here Anymore

即便The War on Drugs的上一張專輯《A Deeper Understanding》得到了葛萊美最佳搖滾專輯他們並沒有因此停下腳步，再度以《I Don't Live Here Anymore》展開自我追尋的旅途，此張專輯的歌曲在聲響上比以往更能掌握到節奏與旋律的和諧，更著重在琴鍵聲的轉換上，每一樣樂器跟人聲都給彼此留有空間，你可以很深刻的感受到主唱Adam Granduciel透過歌聲所要表達的情感，即便音樂上受到那些經典搖滾音樂人的影響，Adam在此專輯中想要給人一種舊地重遊的感受依然是無可比擬的，聆聽整張作品就如同一人在冰天雪地的道路上行駛的孤寂，Adam在〈Victim〉這首嘗試重度合成器與電子節奏的歌曲唱著：「或許，我是自己慾望的受害者。」而我們又何嘗不是呢。

(by G)

12. Nick Cave and Warren Ellis - Carnage

有別於往年極度悲傷專輯的新作品，這張專輯的Nick Cave用文字描繪出許多抽象的畫面，並沒有太完整的結構，導致我剛聽的時候，覺得有點混亂一直沒有辦法進入到音樂。但是把它當作是一部由Nick Cave主演的電影原聲帶，聽起來就好像合理多了。宛如新浪潮的實驗電影，沒有合理的劇情，完全意識流的畫面一個接著一個。他一下唱著寶貝不要離開我，下一個畫面他卻對你說：你有種過來的話，我他媽打爆你的臉，然後下一個畫面可能又是一群人在唱聖歌。這張或許不是他最好的專輯，但是真的很少有音樂人像他一樣，經過四十年了，每次出輯，都會讓人好奇這次他又帶來甚麼新音樂。

(by F)

11. Dean Blunt - Black Metal 2

電子嘻哈組合Hyper Williams的前主腦、神秘的英國音樂人Dean Blunt在2014年推出超越曲風限制的專輯《Black Metal》，七年後我們終於等到該專輯的續集《Black Metal 2》。《Black Metal 2》的長度還不到前作《Black Metal》的一半，前作較注重氣氛的營造和旋律流轉，《Black Metal 2》則企圖在最短的時間內達到Dean Blunt期盼的效果，因此可說是他到目前為止最平易近人的作品。開場曲〈VIGIL〉的小提琴聲和慢板的節拍營造出沉重的氣氛，Dean Blunt似乎在訴說一個罪犯與他焦急母親的故事，從上一張《Black Metal》就時常與Dean Blunt合作的女歌手Joanne Robertson此次也參與不少歌曲，她清麗的聲線宛如神啟，為這黑暗的故事投入希望。

(by D)

【2021年終榜】DOPM最喜歡的專輯21到30名

by DOPM

30. Jane Weaver - Flock

英國唱作人Jane Weaver今年的專輯《Flock》一開始對於喜歡聽獨立搖滾或電子的歌迷來說應該算是容易入耳，尤其前三首歌可以歸類為流行歌，一邊做家事一邊播放也不顯突兀，不過細聽後可以發現Jane Weaver對世界和自身困惑不解的疑問。經過Dream pop風格的演奏曲〈Lux〉，〈Modern Reputation〉明顯可以聽到Stereolab的影響，結合了實驗電子聲響、Krautrock節拍和夢幻女聲。同名曲〈Flock〉神秘的編曲與Jane Weaver唯美的歌聲，讓人感到迷醉又不安。專輯後幾首歌變得更為超現實，描寫對一段關係感到厭倦的〈All the Things You Do〉採用了令人焦躁的電子音效和鼓機，〈Pyramid Schemes〉的funk吉他宛如七零年代的搖滾歌曲混搭電子舞曲，終曲〈Solarised〉在充滿電玩風的聲響中鼓吹人們擁抱真實世界，形成有趣的反差，最後引用〈Flock〉的前奏，讓人想再聽一遍專輯，繼續探索其中的未解之謎。

(by D)

29. Manic Street Preachers - The Ultra Vivid Lament

Manic Street Preachers樂團本身似乎互斥又共存的特質一直令我著迷，他們在這個思考淺碟的時代持續寫著深奧不討喜的歌詞，同時曲調又琅琅上口老少咸宜，當我以為他們的巔峰已過，今年的新專輯《The Ultra Vivid Lament》又成為樂團繼《This Is My Truth Tell Me Yours》以來的冠軍專輯。身為Manics的長期樂迷，其實無法宣稱《The Ultra Vivid Lament》是石破天驚之作，但其中的歌曲旋律優美、歌詞充滿智慧，即使主題嚴肅仍能鼓舞人心。在Richey James失蹤多年後，樂團仍以〈Still Snowing in Sapporo〉遙想四人組合時的日子。〈Orwellian〉點出現今資訊混亂、不容易分辨實情的社會現象，相當不落窠臼。由於主唱James Dean Bradfield這次主要以鋼琴創作，許多歌曲比過去Manics作品採用更多的鋼琴和合成器，聽起來復古且流暢。

(by D)

28. Pia Fraus - Now You Know It Still Feels The Same

愛沙尼亞的Shoegaze樂隊這次將他們二十年前的首張專輯《Wonder What It's Like》重新錄製成這張《Now You Know It Still Feels The Same》，很少有樂隊會將自己年輕時期不成熟的作品重新雕琢成新的作品，但如同專輯名稱，他們從這些舊歌中找到年輕時期最初對瞪鞋音樂的悸動，有些歌甚至早就不知道該怎麼彈了，他們還是鼓起勇氣重新面對這一切，由於當初歌曲的旋律性就非常好，所以透過現代的錄音技術整體的可聽性提升非常多，聽〈In Mind〉就如同聽Slowdive的〈Alison〉一樣，讓我們再一次體會到什麼是夢幻民謠的極致，讓人猶如迷失在一大團粉紅霧氣裡找不到回家的路。

(by G)

27. Floating Points and Pharoah Sanders - Promises

這兩位傑出的音樂人看似八竿子打不著的組合，但是他們音樂的探索者。Floating Points以電子實驗音樂為主，而Pharoah Sanders早就是實驗爵士的一代宗師。兩者都是我非常喜歡的音樂人，但能聯手做出這張超越曲風框架的作品，只有感恩與讚嘆！對我來說，這是一首長達46分多鐘的曲子。從開頭簡單的七音旋律motif，慢慢地帶著聽者進入一趟通往內心的旅程。我想沒有好好坐下來把整張專輯從頭聽完，是無法領略它以不變為萬變的神奇。Sanders的薩克斯風與不同樂器的交織與轉換，聲響流動的起承轉合，促成樂音與沉寂的絕妙對話。特別是〈Movement 6〉，LSO龐大情感渲染力的交響樂讓人不禁聯想到Henry Gorecki的《Symphony of Sorrowful Songse》，既使音樂悲傷沉重，卻好像也得到了救贖。

(by F)

26. The Besnard Lakes - The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings

主腦Jace Lasek的父親和他景仰的音樂人Prince、Mark Hollis等都在這幾年內相繼過世，引發他在新專輯《The Besnard Lakes Are the Last of the Great Thunderstorm Warnings》中討論生死這深刻難解的問題。熟悉The Besnard Lakes音樂的歌迷在新專輯中依然會聽到他們喜愛的元素，像是充滿回授效果的瞪鞋風吉他、迷幻搖滾的磅礴氣勢、Jace Lasek的誇張假音和Olga Goreas的合唱，不過歌曲的高峰需要更多的時間醞釀，在這講求速成的年代，聆賞這張專輯需要一點耐心，如果原本就喜愛他們先前的專輯，在新作中聆聽各件樂器的微妙音色變化並代入Jace Lasek所寫的情境中仍然是件享受。

(by D)

25. Mogwai - As the Love Continues

今年其實蠻多後搖團出輯，但是魔怪的第十張專輯，依舊是我今年後搖專輯的心頭好。過去這幾年常做電影配樂的他們，也慢慢的把氣氛營造的手法加入情緒堆疊吉他音牆中，開場曲（他們總是喜歡取一些很怪的歌名）就是一個絕佳的例子。新專輯裡還可以聽到爽快的油漬搖滾吉他狂飆，像是〈Ceiling Granny〉，也有像是Daft-Punk得了憂鬱症的曲子〈Fuck Off Money〉。主腦Stuart Braithwaite更是開口唱了主打單曲〈Ritchie Sacramento〉，一首旋律優異的搖滾流行歌。我想只要有愛，魔怪就還會繼續用音樂轟炸我們。

(by F)

24. Alfa Mist - Bring Backs

相較於讓我回味再三的《Antiphon》與《Structuralism》，Alfa Mist今年帶來的新作《Bring Backs》，嚴格來說，並未達到個人期待。這麼說並非全盤否定《Bring Backs》，只是前述的兩座山嶽顯得過於高聳而難以超越。《Bring Backs》依舊恣意流瀉著Alfa Mist對於極簡主義的偏好，Sam Rapley (Tenor-Sax) 於〈Run Outs〉、〈Coasting〉裡吹奏仍足以令我陶醉再三。但不得不說，個人始終認為Alfa今年的最佳單曲，其實是後續收錄在《Two for Mistake》的完整版〈Bumper Cars〉。

(by H)

23. Marissa Nadler - The Path of the Clouds

偏離上張專輯《For My Crimes》時簡約的配樂，Marissa Nadler在《The Path of the Clouds》與Simon Raymonde、Marry Lattimore、Emma Ruth Rundle等客座音樂人合作，樂器組合較為豐富。在疫情期間她吸收了許多奇異的歷史事件，她將這些故事重述並加入自己的感受，寫成專輯中的11首歌。開場曲〈Bessie Did You Make It〉談論新婚夫妻Glen與Bessie Hyde試圖穿越大峽谷的科羅拉多河卻離奇失蹤的事件，她以溫柔的口吻關懷事件中的Bessie是否非自願踏上這段旅程。〈Couldn't Have Done the Killing〉的主題宛如她個人版本的《Murder Ballads》，I'm not your killer anymore 予人許多想像空間，結束時的吉他獨奏也令人驚豔。〈If I Could Breath Underwater〉的特殊的旋律和仙氣飄飄的配樂聽起來實在美麗。Marissa Nadler的聲線一如往常輕柔，偶爾她想傳達的訊息被唯美的音樂所蓋過，不過整體而言《The Path of the Clouds》仍然是一張引人入勝的專輯。

(by D)

22. Black Country, New Road - For the First Time

我們還需要另一張Slint的後搖滾經典專輯《Spiderland》嗎？聽Black Country, New Road的首張專輯《For the First Time》總會想起這個問題，但多聽幾遍此張專輯後答案在是肯定的。他們利用網路上免費的圖像來製造專輯、單曲封面看似跟音樂毫不相關又偷懶，但又顯現出人們在資訊爆炸年代中對真實意義的焦慮，如同〈Sunglasses〉中主唱Isaac Wood歇斯底里所唱的瑣碎字句透露出現代人的存在焦慮，感覺像是一種對自我未來的否定，隨著科技與工業化的急速發展我們隨著時間成為另一種表裡不一的新人類，反覆單一的薩克斯風、小提琴隨著電吉他的刷奏扭曲的轟炸著你的思緒，但在〈Track X〉中又能將器編制的相當細緻，優美又富有空間感，從南倫敦另類音樂場景中打響知名度的他們骨子裡的古怪性格也使得他們成為英國前衛搖滾音樂中的新勢力。

(by G)

21. Dry Cleaning - New Long Leg

英國倫敦樂隊Dry Cleaning在獨立廠牌4AD下發行的首張作品《New Long Leg》是今年最出色的後龐克專輯之一，由知名製作人John Parish製作並在傳奇錄音室Rockfield錄音這也使得將他們強烈的風格顯易的凸顯在這張首發作中，主唱Florence Shaw唸唱的演唱方式初聽像是Kim Gordon在Sonic Youth所唱的歌曲，但又顯得更加冷靜像是一位不帶情感的旁觀者，意識流的描述著周遭的人事物以及鏡中的自己，用那些描述女性外貌的羞辱語言來做為詞句讓它成為一種強而有力的武器，音樂上不得不說《New Long Leg》的貝斯混音得相當大聲，不少歌曲的頭尾都是貝斯獨奏，電吉他也是毫不含蓄的大聲又粗獷但三件式樂器所營造出的空間感又不至於壓過Florence Shaw冷調的唸唱，這樣的聲音讓人想起早期的Wire，在扭曲的噪音與震耳的低音中找到一種宣示與標註自我的方式，讓人聽得相當過癮。

《New Long Leg》在詞句中的描述總是讓人想起英國的種種無關緊要的景象，從街頭到超市，從電視機到洗衣機，對政治的隱喻也相當有趣，〈Strong Feelings〉巧妙的利用因脫歐而被破壞的暗戀之情以及國家藝廊的名畫〈The Ambassadors〉來串起這起政治事件所將帶來得後果。雖然Dry Cleaning埋葬了旋律性，但也透過節奏、噪音、話語來解放了抑鬱的日常。

(by G)

Tim's Twitter Listening Party

by DOPM
9780241514894_cover.png

英國在2020年三月進入封城，所有的音樂表演活動都無法舉行，如此一來音樂喜好相似的樂迷就很難有機會在固定時間聚首並同時聽音樂。當時線上直播樂團現場演出影像還未蔚為風潮，且前置時間長，該如何迅速打造出可以線上討論音樂的場所呢？The Charlatans的主唱Tim Burgess想到樂團過去曾舉辦過幾次自己專輯的listening party，邀請樂迷來一起聽完整張專輯並聚會，只要透過Twitter這樣隨手可得的科技就能把listening party移到線上，讓大家即時討論與互動。

Tim's Twitter Listening Party從2020年三月底開始舉辦，至今仍未停歇，最多一個晚上就有三場。參加的方式很簡單，Tim Burgess會先在 @LlSTENlNG_PARTY 帳號上宣佈某張專輯的開聽時間，樂迷們就在該時間上線，用 hashtag #TimsTwitterListeningParty 邊聽專輯邊發推文，樂手本人時常也受邀來加入討論，分享歌曲的創作背景。隨著疫情肆虐的時間不斷延長，Listening Party活動也越來越受歡迎，曾吸引到像Paul McCartney這樣重量級的人物來參加。Listening Party不但能確保參與者能完整聽完專輯，也打破了音樂人與樂迷間的屏障。

起初Listening Party經常在英國時間的晚上10點舉行，讓英國人除了看充滿沉重消息的夜間新聞以外，有另一個放鬆心情的選擇，另外也考量日本使用者有機會在他們的清晨時段加入。台灣與英國的時差還比日本與英國少一小時，但慚愧的是，我從來沒有在一大早現場參加過活動，最近的場次也改成了英國時間晚間8點或9點居多，所以要實際體驗需要下定決心。

事實上線上的Listening Party早有許多先例，例如Reddit上個別音樂人的社群中，會在音樂人發片時舉辦派對，或像Deep Cuts這樣的Discord社群中，管理員或社群成員也常有定期或臨時的活動，但這些活動較為分散，活動結束後的資料也難以搜尋。Tim Burgess為Listening Party活動特別架設了網站，上面能搜尋到所有討論過的專輯，連到原Twitter討論串，或是使用Recap的功能，因故無法現場參與的人只要自行播放專輯並同時在網頁上按Play，就能在網頁上看到專輯某個時間點的推文內容，回顧當下時刻的樂團發文。該網站的入口動畫是日本設計師 @takekiyo666 所構想的Listening Party電玩，每次看到都令我會心一笑，希望真的有這樣的遊戲可以玩。

不知不覺中Listening Party的網站成為我另一個收集音樂資訊的地方。像今年二月Goat Girl《On All Fours》的討論串中，團員提到她們的父母有在幾首歌中演奏樂器。For Those I Love透露〈The Myth / I Don’t〉中的一句歌詞 Sunday morning hungover to bits, crying on the couch to When We Were Young 中的〈When We Were Young〉指的是愛爾蘭樂團Whipping Boy的〈When We Were Young〉一曲，這些小趣聞在其他音樂媒體難以找到。另外，在三級警戒期間不方便去實體唱片行，看到Listening Party越來越壯觀的專輯牆令人感到療癒。

Tim Burgess最近精選了100場listening party以及一些幕後花絮、樂團隨筆和照片，集結成《The Listening Party》這本書，版稅將捐給英國的Music Venue Trust（音樂場地信託基金）名單上因受疫情衝擊而經營困難的的音樂場館。如今大家聚焦於社群媒體的負面效應，很驚奇Tim Burgess還能利用這樣的管道幫助音樂人與場館，讓樂迷重新體認完整專輯的價值，在被恐懼侵擾的疫情期間還能創造出美好的回憶。

by Debby

Depeche Mode by Anton Corbijn

by DOPM
P6161748.JPG

談到Depeche Mode，除了討論他們的音樂，著名荷蘭攝影師Anton Corbijn與樂團的長期合作關係也為人津津樂道，許多人將他視為Depeche Mode的非正式團員。Anton Corbijn從1986年以來為Depeche Mode設計專輯封面、拍攝宣傳照和演唱會的影像，有時也擔任MV導演和舞台設計，對於Depeche Mode的形象塑造可說是一手包辦。這次推出的攝影集《Depeche Mode by Anton Corbijn》收錄Anton Corbijn從1981年到2018年拍攝的Depeche Mode樂團照片，他親筆書寫了對團員的近身觀察和相片的拍攝趣聞，另外本書也集結許多從未曝光過的相片，可以從視覺上重溫Depeche Mode的音樂成就。

1981年的Depeche Mode：Martin Gore、Vince Clarke、Dave Gahan、Andy Fletcher

1981年的Depeche Mode：Martin Gore、Vince Clarke、Dave Gahan、Andy Fletcher

即便這次購入的是平裝版，拿在手上還是份量十足。封面是淡紫色的背景配上DMAC字樣、Depeche Mode目前團員的黑白照片以及年份81-18，很像一本將會流傳久遠的寶典。以1981年作為開端也是很特別，我原先以為Anton Corbijn和Depeche Mode的合作開始於1986年的〈A Question of Time〉MV，結果早在1981年Anton Corbijn就曾經幫Depeche Mode拍照過兩次；第一次連Anton Corbijn自己都是翻到舊照片才想起來，他去拍與DM同屬Mute廠牌的電音歌手Fad Gadget的現場照片，當時Depeche Mode擔任暖場團，不過他覺得DM的音樂太「流行」，對這個團並無好感。第二次是替NME雜誌拍攝封面人物Depeche Mode，拍攝工作分兩天進行，第二天創始團員Vince Clarke無故缺席，Anton Corbijn無意間觀察到Vince Clarke將在不久後離團的跡象。

1982年的《A Broken Frame》，由Brian Griffin拍攝封面

1982年的《A Broken Frame》，由Brian Griffin拍攝封面

在固定與Anton Corbijn合作前，Depeche Mode認為樂團有形象上的問題，因為團員與製作團隊對於自身和作品的視覺呈現還沒有定論，而實驗了許多不同風格，也嘗試與不同的導演合作拍攝MV，但像〈Leave In Silence〉、〈Love, In Itself〉等看起來惡搞成分太多，讓人難以信服這是認真的作品。專輯封面的情況比起團員造型和MV則好上許多，DM前四張專輯的封面都由知名攝影師Brian Griffin操刀， 帶著社會主義的神秘氛圍，Anton Corbijn在書中認為這些封面好看、概念優異但缺乏靈魂。個人其實覺得這樣的評價有點不公平，在DM瘋狂粉絲Vaughn George的YouTube頻道上可以常看到Brian Griffin上節目，並為當時的作品辯護。然而Brian Griffin掌握的層面有限，那些團員沒有現身的照片無法跟他們的音樂創作一起邁向頂峰。

1986年時Anton Corbijn尚未到美國拍過MV，正好Depeche Mode的〈A Question of Time〉提供了到美國取景的機會，Corbijn發現DM的音樂開始變得嚴肅，他個人也喜歡這樣的音樂走向，雙方自然而然地持續合作了三十多年。另一個Corbijn也長期負責視覺設計和攝影的樂團是U2，但U2和他們的團隊對於樂團形象已有既定的想法，Depeche Mode幾乎是完全讓Corbijn自由發揮，相信他能為樂團的音樂找到呼應的視覺面向。

1988年的Depeche Mode：Andy Fletcher、Dave Gahan、Alan Wilder、Martin Gore

1988年的Depeche Mode：Andy Fletcher、Dave Gahan、Alan Wilder、Martin Gore

從《Music for the Masses》開始，Depeche Mode逐漸在世界各地累積知名度，團員的樣貌脫離了早年的青澀蛻變成大人，Corbijn高對比的黑白影像為當時的四位團員增添了成熟世故感，特別是主唱Dave Gahan成為魅力四射的搖滾明星。這張專輯由Corbijn執導的MV〈Strangelove〉、〈Never Let Me Down Again〉、〈Behind the Wheel〉情節互有連貫，是我最喜歡的DM音樂錄影帶。《Music for the Masses》專輯的最後一場巡迴演唱會收錄在《101》現場專輯與紀錄片，拍出了Depeche Mode在樂迷的心中是多麽特別的存在。

1990年的《Violator》是Depeche Mode的生涯代表作，Anton Corbijn構想及導演的〈Enjoy the Silence〉的MV成為跨時代的經典之作，Corbijn在書中透露MV的各個拍攝地點和Dave Gahan當時的心情。《Violator》的受歡迎程度也催生出許多的影像，Corbijn和團員到世界各地拍攝宣傳照，部分曾收錄在《Strangers》攝影集中。

休息兩年後，團員再聚首準備錄製《Songs of Faith and Devotion》時，Anton Corbijn的照片直接讓讀者看到Dave Gahan是如何從內到外都變了一個人，他的長髮蓄鬍造型與之前判若兩人，似乎想活出耶穌的形象。《Songs of Faith and Devotion》的錄音過程困難重重，除了Dave的藥癮以外，創作主腦Martin Gore和善於音效製作的Alan Wilder彼此關係緊張，Andy Fletcher因為憂鬱症而未參與部分的宣傳照拍攝，在Anton Corbijn的影像和直言不諱的文字中，讀者能知曉這張專輯實在得來不易。在《Songs of Faith and Devotion》的現場巡迴中，Anton Corbijn不但拍攝現場歌曲的背景影片，還擔綱舞台設計，上下兩層的舞台建造困難也成本高昂，所達到的效果可以在《Devotional》紀錄片看到，是我所看過最令人激動的現場影像之ㄧ。美妙的舞台效果背後團員卻身心俱疲，一張Dave渾身傷痕的照片看來怵目驚心，部分是自殘來的，部分是現場觀眾抓出來的，這痛苦的兩三年使得Depeche Mode失去了團員Alan Wilder。特別的是，Corbijn在這段黑暗時期還是放入一些溫馨的影像，有張團員和他們兒女的照片就讓人會心一笑。

〈Suffer Well〉的MV場景：Martin Gore和Andy Fletcher

〈Suffer Well〉的MV場景：Martin Gore和Andy Fletcher

Dave Gahan差點吸毒過量離世的事件已經被大幅討論，或許Corbijn和樂團的情誼深厚，能夠在恐怖的事件中找到幽默，〈Barrel of a Gun〉的MV詭異又帶著戲謔，〈It's No Good〉直接嘲弄了Dave的搖滾夢，把他拍成一個過氣的搖滾明星。八年後，《Playing the Angel》專輯的單曲〈Suffer Well〉中，Andy Fletcher和Martin Gore扮成新郎新娘，幽年輕時喜歡穿女裝的Martin一默，Corbijn的創意令人折服。

不得不承認，Depeche Mode從《Ultra》之後的專輯就逐漸失去亮點，Anton Corbijn所設計的封面也令人丈二金剛摸不著頭腦。雖然Martin抱怨說專輯封面太常用黑色調，但《Exciter》的龍舌蘭和專輯主題連結薄弱，後來Corbijn手繪的專輯封面也是每況愈下，不過他的攝影還是非常值得一看。即便樂團已經是音樂界的成功典範，Corbijn鏡頭下的他們還是看起來反骨，受到不安於現況的樂迷喜愛。從文字描述中可以得知近幾年的照片常在大城市取景，但Corbijn還是能找到荒涼的地點來拍攝，讓團員看起來飽經風霜。他也凸顯出團員們的不同之處，Dave渾身散發雄性荷爾蒙，Martin外表羞赧但內心充滿創作能量，多年過去始終沒太大改變、看起來像上班族的Fletch。

2018年的Depeche Mode：Martin Gore、Dave Gahan、Andy Fletcher

2018年的Depeche Mode：Martin Gore、Dave Gahan、Andy Fletcher

身為Depeche Mode樂迷，這本攝影集《Depeche Mode by Anton Corbijn》非常值得收藏。雖然目前僅收錄到2018年的照片，只要Depeche Mode不停止創作，Anton Corbijn也會繼續以團員為對象製作出更多有趣的影像。

by Debby

Deep One Perfect Morning © 2012-2022